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Lemmy Kilmister (Motörhead) sobre los virus: “Un día de estos, uno de ellos acabará matando a medio planeta”


Se podría decir que los tres pilares fundamentales en la vida de Lemmy Kilmister fueron las mujeres, la música y el Jack Daniel’s. Posiblemente en este orden, porque la primera vez que cogió una guitarra fue para conquistar a las chicas de su instituto. Pero, además, el líder de Motörhead era un hombre muy culto. Los aportes anfetamínicos que complementaban su dieta no solo servían para aguantar el ritmo frenético de las giras. También los utilizaba para pasar noches enteras leyendo y viendo reportajes de historia, lo cual le aportaba una visión amplia del mundo que le rodeaba. Como apasionado al pasado sabia que la historia a menudo se repite y presintió mucho antes que Bill Gates la llegada de un virus mortal.

Ahora que nuestra vida social se ve coartada y nos vemos obligados a pasar más tiempo en casa, puede ser un buen momento para dedicarnos a la lectura relacionada con nuestra pasión. ¡A falta de directos, buenas son letras! Uno de los libros que merece la pena leer y releer es Lemmy, la autobiografía (Es Pop Ediciones). Ian Kilmister, de la mano de Janiss Garza (RIP, Los Angeles Times, The New York Times), nos cuenta en primera persona la historia de su vida. Un relato plagado de momentos alocados y anécdotas servidas sin sainete pues ya de por sí tienen mucha miga, y constantes referencias a los signos del zodiaco. No deja de ser curioso que incluso el tipo más rudo tenga sus pequeñas devociones.

La periodista le da a la narración, de registro informal, un estilo muy directo. Resulta muy fácil imaginarte a Lemmy sentado, con su whiskey con cola, su perpetuo cigarrillo y una sonrisa por debajo el bigote recordando pasajes de su juventud. En 2016 se amplió la edición con un prólogo de Lars Ulrich (Metallica) y un capítulo póstumo relatado por Steffan Chirazi, también periodista musical (Sounds, Kerrang, So What!) y amigo del roquero. Estas últimas páginas explican el ocaso vital del líder de Motörhead, con sus problemas de salud y su manera de afrontar los últimos directos. El que conozca un poco al personaje ya se imaginará que lo afrontó de cara, como toda su vida.

Negro sobre blanco, iremos topando con sentencias y opiniones, algunas divertidas y otras controvertidas. El cantante no duda en dar su opinión sobre temas delicados como el feminismo, el racismo, la homofobia o la paternidad. Tampoco se corta un pelo a la hora de soltar mandobles a sus compañeros del sector. Sin ir más lejos no duda en describir a The Rolling Stones como “unos hijos de mamá” que “grabaron grandes discos pero siempre fueron una mierda sobre el escenario”. Hay que aclarar que habla del momento en que los Beatles estaban en pleno apogeo y que según él “partían la pana”. También recuerda con cariño la salida de la banda Hawkwind y el posterior declive de la misma ya que “los cojones se vinieron conmigo”. Encima del escenario también soltó alguna frase antológica. Durante un concierto en Gran Bretaña un chaval del público le escupió, impactando el proyectil en su bajo. Cogió el escupitajo con la mano y le espetó: “Ves esto?”, se lo restregó por la melena y continuó: “esta noche yo me lavaré el pelo, per mañana tú seguirás siendo un puto gilipollas”. Reconoce acto seguido que esta frase es una adaptación de una respuesta de Winston Churchill, otro personaje histórico que merece un libro de frases célebres, si es que son suyas todas las que se le atribuyen.

Y hablando de historia (ya nos vamos acercando al profético momento), el noveno álbum de estudio de Motörhead, que este verano editaba la edición 40º aniversario de ‘Ace of Spades’ (lanzado originalmente el 8 de noviembre de 1980), lleva por título 1916, año en que tuvo lugar la Batalla de Somme, en Francia, episodio de la Primera Guerra Mundial donde perecieron 19.000 ingleses en cuestión de tres horas. Como casi todo en el currículum de la banda, el disco no estuvo exento de polémicas. Para empezar echaron al productor a media grabación; una redactora del Melody Maker les criticó la letra de “I’m So Bad” por sexista; y los bocetos que la discográfica les propuso para la portada acabaron volando por la ventana porque les parecieron atroces. En lo musical es un disco que contiene cortes al más genuino estilo Motörhead, “rock’n’roll ruidoso con letra absurda”. Pero también tres temas que se salen del patrón: “Love Me Forever” es una balada; y en “1916”, al igual que en “Nightmare/The Dreamtime”, utilizan teclados e incluso un violonchelo. No tenían ninguna intención de cambiar, simplemente les salió así, asegura Lemmy.



Pues bien, precisamente durante la gira británica de presentación que empezó en febrero de 1991, sufrió un ataque de gastroenteritis y tuvieron que cambiar cuatro fechas: “Me puse francamente malo y me pasé cuatro días encerrado en un hotel, devolviendo. Un torrencial chorro de vómito tras otro. Íbamos en la furgoneta y lo mismo me encontraba bien que, de pronto, tenía que asomarme a potar por la ventana”. Y finalmente resuelve: “Los virus no hacen más que cobrar cada vez más fuerza; cada cinco años aparece una nueva cepa de la que nadie sabía nada y un día de estos, uno de ellos acabará matando a medio planeta”. ¡Ojo, esta autobiografía terminó de escribirse en 2003!

Esperemos que el vaticinio de Lemmy no se cumpla en esta ocasión y que no sea este el virus que extermine a media humanidad. Suficiente daño hemos sufrido ya. Y esperemos también que la ciencia haga su curso y pronto vislumbremos la luz. Personalmente a ratos desearía pasar página a este 2020 fatídico y tener el mismo ataque de amnesia que sufría el bajista al rememorar su verano del 71: “¡No me acuerdo de nada, pero nunca lo olvidaré!”.

Jaume Gil

 


¡Entérate de todo lo referente a la edición 40º aniversario de ‘Ace of Spades’!

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Tuomas Holopainen termina un nuevo disco al margen de Nightwish

Tuomas Lauri Johannes Holopainen, teclista, líder y principal compositor de Nightwish, se complace de anunciar que su nuevo disco lejos de los condominios de la banda de metal sinfónico finesa ya se encuentra listo. El título de este trabajo de Auri, el cual sucederá al homónimo publicado en 2018 a través de Nuclear Blast, será precisamente ‘Auri II’.

Tuomas ha dado a conocer esta noticia a través de la cuenta de Twitter de Nightwish, publicando una foto de la banda desde el estudio acompañada del siguiente mensaje: “Está listo. ¡Auri II está listo!”.

Recordamos que Auri está compuesto por el mencionado teclista Holopainen (quien también se encuentra a cargo de los coros), su esposa Johanna Kurkela a la voz y a la viola, y su compañero en Nightwish Troy Donoclkey, quien en esta aventura se encarga delas guitarras acústicas y eléctricas, el bouzouki, la gaita irlandesa, el silbato bajo, el aerófono y el bodhrán, así como también de los teclados y las voces.

Os recordamos que Nightwish ha estado presente esta semana en nuestras efemérides ya que un 21 de noviembre de 2005 la cantante Tarja Turunen era expulsada de la banda. El combo finés también ha hecho acto de presencia en nuestra playlist de Los 20 Duros.

PARA LEER MÁS:

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Streaming del nuevo disco de Accept “Too Mean To Die”: “Ahora que tenemos nuestro propio sonido, lo difícil es explotarlo sin considerar que lo traicionamos”


Hablar de Accept es hablar de heavy metal, de speed metal, de historia, de calidad y de legitimidad musical. A las puertas de un nuevo álbum, el combo germano retoma las armas para volver a demostrar que su hegemonía sigue teniendo dónde sustentarse, y lo más importante, hacerlo en aras de un futuro más que halagüeño. Así podemos determinarlo tras la escucha parcial de algunos de los temas que van a inyectarse en ‘Too Mean To Die’, álbum que se editará a través de Nuclear Blast el próximo 15 de enero.

El líder y guitarra cofundador de Accept, Wolf Hoffman, se sincera y explaya en las explicaciones sobre la nueva obra de manera tranquila, resuelta y manifiesta a través de un streaming en el que pudimos comprobar su entusiasmo y seguridad ante esta nueva obra de la formación, que en este caso se ha convertido en sexteto gracias a la incorporación del hacha Philip Shouse (Gene Simmons, Ace Frehley Band), una incorporación que propone mayor potencia y dinamismo a la banda.

Algo de historia

Para muchos fans, la salida de Udo Dirkschneider de Accept en 1987 significó el deterioro de ésta, sobre todo tras el giro de timón que tomaron con la incorporación del cantante estadounidense David Reece y la edición de ‘Eat The Rich’ (1989). Ese fue un cambio musical demasiado radical para que su público siguiera avalándoles, lo que llevó a su desaparición en 1989.

Tras unos años de paréntesis (1989-1993), la formación original llegó a un pacto de caballeros y retomó su line up más clásico y una línea paralela en su estilo musical, consiguiendo reconquistar a los fans que disfrutaban inmensamente de sus directos, pero los resultados no fueron tan beneplácitos en los mercados, lo que ello  provocó la nueva disolución de la formación en 1997.

Tras varias propuestas infructuosas, Accept y su alineación más clásica retornan de manera fugaz en 2005, lo hacen para realizar algunos conciertos que dirimirían el futuro conjunto, pero la cosa quedó ahí hasta que en 2009 apareció el cantante de TT Quick, Mark Tornillo, un vendaval que retenía en sus registros la explosiva mezcla de tonos vocales que blandieron Bon Scott y Dirkschneider.

Ya en 2010 y tras la edición de ‘Blood For The Nations’, los mercados y los fans dieron su visto bueno a la apuesta de Hoffman y de ahí a su consolidación con ‘Stalingrad’ (2012), un éxito que se consumó con la edición y llegada al número 1 en las listas finesas y alemanas de ‘Blind Rage’ (2014).

Pero las malas noticias para los fans no tardaron en llegar y estas se plasmaron en la salida a mitad de la gira de ‘Blind Rage’ de Stephan Schwarmann y Herman Frank, batería y guitarra respectivamente, lo que dejaba a Accept en una situación más que delicada. Pero Hoffman persistió en su empeño y logró salir del apuro acabando la gira con nuevos componentes y editando en 2017 un nuevo hit, ‘The Rise Of The Chaos’, que en su Alemania natal llegó al puesto número 3 en los charts.

El siguiente año, una nueva sorpresa dejaba otro vacío en el seno de la formación, el bajista original Peter Baltes anunciaba su marcha, pero nuevamente Wolf consiguió salir del atolladero y ahora vuelve con la convicción de tener a una formación sólida y eficiente, bases en las que se está construyendo su nueva apuesta ‘Too Mean To Die’.

Lo que Wolf Hoffman nos comenta

Con esta historia a sus espaldas, Wolf Hoffman se siente seguro y convencido de lo que está haciendo y sobre lo que quiere conseguir en un futuro ya no muy lejano, aspectos que se dirimen de lo que nos comenta en la sesión de preguntas que vía streaming el líder de Accept respondió de manera firme y entusiasta.

Tristemente, la pandemia no ha sido una benévola excepción para con la banda y su proceso de grabación, lo que ha marcado una nueva experiencia para ellos:

“Iniciamos la grabación del álbum el pasado mes de marzo, pero llegó el Corona y tuvimos que regresar a esperar en casa, al fin retomamos la grabación en el mes de julio… Ha sido un duro proceso en el que hemos tenido que utilizar mucho el contacto vía teléfono y ordenador. Todo ello ha marcado la diferencia entre éste y otros procesos de grabación que hemos tenido, y aunque difícil, ha sido una nueva experiencia para nosotros”.

Hay muchas bandas que con motivo del aniversario de algún disco aprovechan para reencontrarse con lo que propusieron en su día e incluso las hay que siguen viviendo de las rentas que les dieron esos éxitos. Para Wolf, Accept no es una banda que se acomode a ello:

“No soy defensor de que las bandas se anclen en el pasado para continuar con su carrera. Nosotros tenemos una trayectoria muy larga y eso haría que cada veinte, treinta o cuarenta años celebrásemos la edición de algún disco. Prefiero seguir adelante y hacerlo componiendo nuevos temas. Sé que es un trabajo duro, pero pienso que eso mismo es lo que los fans esperan, nuevas canciones y nuevas propuestas más que encontrar reediciones o propuestas del pasado”.

Como tristemente no puede ser de otra manera, toca hablar sobre el efecto de la pandemia y lo que ella les ha afectado:

“Este año es como si no existiera, todo se ha parado y cancelado. Para ser honesto, pienso que el próximo año va a ser complicado en el aspecto de tener planes seguros, son tiempos difíciles para poder hacer predicciones y asegurar que vamos a poder realizar una gira o ni siquiera planearla con toda confianza. No parece que la solución esté a la vuelta de la esquina, ni cuánto va a durar esta situación, ni siquiera sabemos si de aquí diez años vamos a seguir igual que ahora” (risas).

Entrando en materia directa sobre el disco y en consonancia con la pandemia y lo que ésta pueda afectar en el futuro, Wolf nos lo expuso con gran claridad:

“El álbum está previsto que salga al mercado el próximo 15 de enero y la gira debería empezar en marzo. Siempre que hemos sacado un disco hemos hecho una gira, pero ahora las giras y los festivales se han ido cancelado y en estos tiempos de locura todo es incierto, así que no sé qué es lo que puede pasar. Debemos cuidarnos, mantener la distancia de seguridad y, en definitiva, seguir las normas que se marcan. En las giras vamos en diversos medios de transporte, viajamos en avión, en coches, en furgonetas, estamos al lado de gente que fuma, algo que dicen es peligroso. Lo que podemos hacer es cuidarnos cada uno de la mejor manera y ser preventivos”.

La incorporación de Philip Shouse como tercer guitarrista y la incógnita de si su incorporación dará como frutos temas más complejos y progresivos, es uno de los puntos que no podían faltar en la cartera:

“No necesariamente el tener tres guitarras tiene que significar hacer temas más complejos, podemos seguir haciendo lo mismo con más aporte en los riffs y los ritmos y tener más consistencia en ello. La entrada de nuevos miembros en la banda propone sangre nueva que aporta su talento a las canciones. Todos son grandes músicos y han participado activamente en los procesos del álbum. Estoy muy contento con lo que todos hemos aportado al nuevo disco y del trabajo realizado, eso es lo que pienso que realmente importa y se aporta”.

La entrada de nuevos miembros en la formación hace imprescindible que se apunte el porqué de la salida de otro de los clásicos en el line up de Accept, el bajista Peter Baltes:

“Peter quería tener tranquilidad y ese fue el motivo de que decidiera dejar a Accept. Fue una decisión propia y más allá de su motivo personal no hubo nada que fomentase su marcha, incluso ha participado en la composición de ‘Too Mean To Die’. Él ahora tiene la tranquilidad que necesitaba y seguirá siendo parte de Accept, pero lo hará a su manera, entre bastidores”.

Habiendo escuchado parte de los temas que ‘Too Mean To Die’ contendrá, podemos comprobar que el sonido base de la banda queda intacto. Sin embargo, también es más que evidente que en temas como “Zombie Apocalypse” y “Too Mean to Die” las influencias de bandas clásicas son más que evidentes:

“Seguramente podemos tener las influencias de nuestros inicios como Judas Priest, Deep Purple y AC/DC, estas son bandas que me gustan e igual que a nosotros, seguramente lo mismo le pasa a otras bandas, así como quizás, y ojalá fuera así, Accept haya influenciado a otras formaciones para obtener su sonido. En ese aspecto, sí que podemos reconocer un sonido más clásico y dentro de él pueden apreciarse las influencias de bandas como Judas Priest, pero con nuestra personalidad. Ahora que tenemos nuestro propio sonido, lo difícil es explotarlo sin considerar que lo traicionamos”.

Hablando de los sonidos clásicos, donde estos quedan más que en relevancia, es en las obras en solitario de Hoffman, y esto es lo que Hoffman nos comenta sobre la posibilidad de un nuevo disco en solitario:

“Ahora no es el momento. Crear un disco es bastante difícil y lleva mucho tiempo. Después de componer las canciones hay que hacer muchas pruebas, hacer muchos cambios, grabar, mezclar, producir, todo es cuestión de tiempo y por ahora no tengo esa posibilidad en mente”.

En sus trabajos en solitario, Wolf emplea unas técnicas y sonidos bastante diferentes a lo expuesto en Accept, eso y las partes más melódicas que hemos podido escuchar, propone el preguntarle sobre la posibilidad de que en un futuro se pudiera incorporar la acción de un teclista, a lo que tajantemente Wolf comenta que:

“¡Jamás incluiría a un teclista en Accept! Creo que la incorporación de unos teclados no sería algo que pegue con el componente clásico de Accept. Somos una banda que basa su sonido en las guitarras y sus riffs. No creo que un teclista fuera con nuestra imagen y concepto de banda clásica, atenuaría mucho nuestro sonido. Sé que muchos artistas hacen cosas como esa, es como si se hubieran cansado de ese sonido que les hizo famosos, quieren probar cosas diferentes, pero no creo que realmente lo hagan por una necesidad creativa, más bien es porqué quieren cambiar, sin otro propósito. Metallica hicieron un experimento con Lou Reed y, en mi opinión, fue un desastre, eso no sonaba para nada a Metallica. Si quieres una Pepsi, vas a comprar una, y eso es lo que esperas, una Pepsi, no un té helado. Como banda tenemos una deuda con los fans, eso es algo que no debe romperse. Yo no soy inocente en ese sentido, nosotros también caímos en ello editando ‘Eat The Rich’, y todos sabemos que no funcionó”.

En cuanto a la actualidad de las nuevas tecnologías y tendencias en las redes sociales, Wolf nos muestra que no es ajeno a ellas, pero su visión es bastante divergente para con algunos de los músicos que la utilizan:

“Estamos en la era de los youtubers y los instagramers, y algunos de esos usuarios quieren ser famosos, aunque no saben bien para qué. En este tipo de redes se puede ver a músicos haciendo versiones que no proponen nada, y yo suelo pensar, dedícate a hacer algo positivo, haz algo propio y que valga la pena para ti y para los demás ¡Utiliza tu capacidad creativa y no solo te dediques a imitar mal a otros!”.

Breve cata de lo que ‘Too Mean To Die’ nos ofrecerá

Tuvimos la fortuna de poder escuchar parte de lo que será la nueva obra de unos Accept que rehúsan aflojar la marcha y que demuestran que su capacidad creativa está tan despierta como siempre. Lo que la parte del streaming que pude escuchar me dejó claro que la calidad, la pasión, el carácter y las partes más clásicas del sonido de Accept siguen siendo una de las bases más fuertes en las que ‘Too Mean To Die’ se asentará.

Zombie Apocalypse

Es un tema de heavy metal muy clásico y épico, uno de esos himnos que empleados en directo hacen levantar los puños y cantar a todo pulmón. Sorprende los términos en los que Accept han dirigido esta canción, ya que cuenta con un sello que parece acuñado a fuego por los Judas Priest época ‘Defenders’ y los Running Wild de ‘Masquerade’. Un nuevo himno digno de lucir destacado en los directos de la banda.

Too Mean to Die

‘Too Mean To Die’ es rapidez, es potencia, es eficacia, es pasión, es dinamismo. ¡Es Heavy metal de alta cuna!. ‘Too Mean to Die’ entra a la primera, sin condiciones, sin restricciones y con toda la fogosidad de riffs acelerados y penetrantes, gracias al efecto de las tres guitarras que ya actúan como sierras mecánicas. Todo ello se completa con ritmos sólidos y desnucadores, aposentados en una voz matizada a lo que disponen Halford y Byfford. Judas y Saxon a la vez, ¿te lo imaginas?

Overnight Sensation

Estamos ante un medio tempo hímnico, con el sonido de los ochenta que apuntillaron los AC/DC más dinámicos y esenciados. Ritmos cambiantes y efectivos, dignos de pertenecer al podio de los grandes clásicos de la banda. Sorprende la disposición de las guitarras, la  gran voz que marca un siempre excelso Mark tornillo y los coros marca de la casa, esos con un ámbito marcial que lo maximiza todo, partes que penetran y saben convencer.

The Undertaker

Es el primer adelanto de la banda, un tema que cuenta con un video que imita a un clon de un Joker que desentierra a su amor al ritmo de una power ballad de riffs y ritmos cambiantes y en partes pesados, pétreos, que se encumbran por la magnífica, una apasionada y amplia voz repleta de matices y unos coros de ampuloso estilo marcial marcan el corazón de este nuevo símbolo de unos Accept que ni quieren ni piensan en tirar la toalla.



How Do We Sleep

Con un inicio clásico en un estilo poco exprimido por la banda, el folk metal, unas partes que recordarán a aquel estribillo del “The Battle Rages On” de los Purple, la esencia de los ritmos folkies de Thin Lizzy, la propia particularidad y fuerza clásica de los Accept más convincentes, los coros que tanto gustan a Wolf y que nuevamente presentan armas ante un estilo marcadamente marcial y pegadizo y unos riffs que inyectan y rellenan de armonía y pasión a un tema que de proponerse en directo saqueará nuestras fuerzas y secará nuestras gargantas.

Aún tendremos que esperar un poco de tiempo para escuchar el resto de lo que ‘Too Mean To Die’ nos va a ofertar, pero lo que ya han mostrado sigue posicionando a Accept en una banda a la que seguir guardando el respeto que se han ganado en una trayectoria que el próximo año celebrará su 45 aniversario, un aniversario que esperemos podamos festejar todos, además de con la edición de ‘Too Mean To Die’, con sus enervantes directos.

Josep Fleitas

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El contacto de Sammy Hagar con Van Halen era mucho más estrecho de lo imaginable

Continuamos siendo testigos de testimonios de gente cercana a Eddie Van Halen que ha querido poner en valor la figura del excelso guitarrista después de fallecer el pasado 6 de octubre a los 65 años de edad. Numerosos han sido los artistas que se han deshecho en elogios ante el fundador de Van Halen, siendo el último que ha hablado de su relación con el neerlandés su excompañero Sammy Hagar.

A pesar del enfrentamiento que ambos artistas protagonizaron durante años, el vocalista ha declarado ahora, tras desvelar que mantuvo contacto con su excompañero durante sus últimos meses de vida, que su contacto con Eddie era mucho más estrecho de lo que los fans de la banda pensaban. Un amigo en común, George López, que es cómico, me llamó y me dijo: Sam, tienes que llamar a Ed. No está bien. Y te quiere. Tú y los chicos tenéisque hacer algo””, ha confesado Hagar en una charla con la estación de radio 100.7 KSLX. “George buscaba que la banda se reuniera y todo eso. Le dije: “Tío, ¿estás de coña? Hablé con su hermano. Intenté hablar con todos. Dile a Eddie que espero que esté bien. Me encantaría hablar con él, ir y verle, lo que sea””.

“Así que de repente George me dice: “Aquí está su número de teléfono. Llámale”. Cogí el móvil y estuvimos chateando y hablando casi semanalmente. Realmente diría semanalmente desde que empezó el año. Y no fue otra cosa que un festival del amor. Me hablaba de cómo de bien lo estaba haciendo Wolf con su nuevo disco. Me envió algo de música antes de que saliera”, continuaba explicando. “Si eso no hubiera sucedido, estaría mucho más devastado de lo que estoy. Fue una noticia horrible. No hay un momento adecuado para escuchar noticias así, que un ser querido fallece. Fue difícil lidiar con ello, pero honestamente la música fue lo que me ayudó a superarlo”.

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Brian Johnson lamenta las “horribles” reglas de secretismo de AC/DC

Si bien desde hace semanas nos encontramos sumidos en toda una campaña de promoción de ‘Power Up’, el nuevo álbum de AC/DC, la banda australiana ha orquestado el trabajo de grabación de este disco de forma que apenas se había filtrado información hasta que sus miembros lo han hecho oficial. Durante meses, la única esperanza a la que los seguidores del grupo se aferraban fue una foto en la puerta trasera del estudio en Vancouver donde AC/DC ha grabado este disco.

Esta firmeza a la hora de limitar los datos dados a conocer de ‘Power Up’ ha sido lamentada por el vocalista Brian Johnson, quien ha hablado de los férreos y “horribles” acuerdos de confidencialidad que han rodeado al álbum. “Fue horrible. Estuvimos dando vueltas durante meses escuchando: “Bueno, tío, ¿qué pasa? He oído que hay un fotógrafo en el asunto… ¡Vamos, puedes decírmelo!”, explicaba Brian en una charla con Let There Be Talk: “No sé de qué estás hablando”. “Oh, ¡vamos, tío!”. “Honestamente, no sé de qué estás hablando, tío”. Y ahora van a decir: “¡Cabrón mentiroso!”.

En la  misma entrevista, Johnson destacaba que, una vez escuchó ‘Power Up’ al completo, pensó que sería tarea difícil escoger qué temas merecían ser adelantos: “Le envié un comunicado a Angus y le dije: “Oye, tío, tengo que decírtelo… Me alegro de no ser el tipo que tiene que elegir un sencillo de esto, porque estoy confundido. Todos son elegibles”.

¿Qué otros cortes de este esperado ‘Power Up’ tendremos oportunidad de llevarnos a los oídos antes del estreno del disco el próximo 13 de noviembre?

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Brian May (Queen) tiene una nueva mujer en su vida… por una buena causa

Después de haber publicado una serie de pistas a través de sus redes sociales durante las últimas fechas, Brian May ha dado a conocer lo que varios de sus seguidores venían intuyendo: una nueva mujer ha irrumpido en la vida del guitarrista de Queen.

¿El motivo? La grabación de la cover de “I’m A Woman” realizada por el grupo Woman (compuesto por las exparticipantes del musical ‘We Will Rock You’ Mazz Murray, Kerry Ellis, Gina Murray y Anna-Jane Casey) de cuya producción y guitarras se ha hecho cargo el británico. Esta canción ve la luz en octubre, el Mes de Concienciación del Cáncer de Mama, y con el objetivo de apoyar a dos organizaciones benéficas: Target Ovarian Cancer y The Caron Keating Foundation.

¡Ya tenemos el vídeo correspondiente a este corte!

En esta versión del clásico de Jerry Leiber y Mike Stoller y que saltara a la fama gracias a Peggy Lee podemos ver a un May con una guitarra tan rosa que hasta el propio artista ha destacado su tonalidad: ““Intenta googlear ‘pinkest pink’. “Creo que es la primera guitarra extra rosa que hay. Da un efecto extraño en cámara, como si ardiera”

Aquellos que lo deseen pueden hacerse con este tema en formato CD o vinilo a través de este enlace.

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AC/DC: Cliff Williams solo se ha comprometido a tocar “unos pocos conciertos” para presentar “Power Up”

A pesar de que la situación actual no invita a especular con fechas a partir de las que podremos volver a acudir a shows en vivo como antaño (o lo más parecido posible), el nuevo disco de AC/DC, ‘Power Up’, y la consecuente gira que sus integrantes tienen intención de llevar a cabo en defensa del álbum que verá la luz el 13 de noviembre es todo un aliciente para cumplir con los protocolos establecidos esperando que este tour se haga realidad.

Sin embargo, puede que este regreso a los escenarios no consista en una gira de las dimensiones a las que los australianos nos llevan años teniendo acostumbrados. Y es que su bajista, Cliff Williams, sólo ha acordado ofrecer un número reducido de shows dentro de este marco.

Así lo ha hecho saber el propio artista en una charla con Let There Be Talk: “Hicimos algunos ensayos a principios de este año, antes de que surgiera esta maldita cosa del COVID, y fueron grandes ensayos. La banda estaba tocando muy bien. Así que me preguntaron: “¿Quieres hacer algunos shows?”. “Claro”. Algunos shows. Estábamos planeando hacer eso. Entonces todos se van a sus respectivas casas y bang. Hemos estado aquí desde entonces (por el cierre relacionado con el coronavirus)”.

La razón por la que Williams habría declinado un tour más extenso es la que él mismo exponía: “Por mi salud mental y física. Definitivamente tengo algunos problemas físicos, de los que no os aburriré con los detalles. Pero, sí, es difícil. Estoy muy agradecido por todo. Ha sido fantástico. Pero simplemente no quiero hacer eso más”.

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Ramoncín «Una Vida en el Filo» en Amazon Prime

«Una Vida en el Filo», el documental de Ramoncín llega a las plataformas de vídeo streaming. En él se hace un extenso y preciso repaso a la carrera profesional de Ramoncin, que va desde sus inicios hasta la actualidad sin olvidar sus orígenes. Dirigido por Charlie Arnáiz y Alberto Ortega, «Una Vida en el Filo» ya está disponible en vídeo bajo demanda tanto en Amazon Prime España, como en Filmin, FlixOlé, In-edit TV y Playpack / Sala Cero.

Nuestro colaborador Gabriel Abril,  además excelente músico, compositor y productor, comenta: «En el 2016 nos encerramos en los estudios Cata de Madrid Ramón y yo para grabar la voz de lo que después sería ‘En los Huesos’, incluido dentro de la caja recopilatoria ‘Quemando el tiempo’. Durante esos días se grabó el documental «Una vida en el filo». Para un chavalín de Gijón como yo, participar en el rodaje al lado de toda la plana mayor del rock español fue alucinante. Miguel Ríos, Loquillo, Johnny Burning, Mónica Naranjo; actores como Santiago Segura, Jesús Bonilla, Juan Echanove o Antonio Resines… Todos con los que crecí. Se estrena el documental. Sé que muchos descubrirán toda la grandeza de Ramón en esta película dirigida por Charlie Arnaiz. Es una cuestión de justicia, poética o no. ¡No os lo perdáis!»

El documental cuenta con detalle las diferentes etapas que han formado parte de la vida de Ramoncín, uno de los cantantes de rock más importantes de este país. Desde sus orígenes en el barrio de Las Delicias a su inicio en el mundo de la música, para continuar con su ascenso como cantante y salto a la fama, éxitos musicales o su lucha por los derechos de autor.

El documental está hilado por el propio Ramoncín que detalla en primera persona muchas de sus vivencias, y en él pueden verse valiosas imágenes de archivo que nos sitúan en el día y el lugar de lo que se está contando. También aparecen testimonios de su círculo íntimo y diferentes participaciones de personajes públicos relevantes en España. Antonio Resines, Carla Antonelli, Felipe González, Jesús Bonilla, Jesús Ordovás, Johnny Cifuentes “Burning”, Juan Echanove, Loquillo, Miguel Ríos, Mónica Naranjo, Santiago Segura o Xavier Sardá son algunos de ellos.

“Una vida en el filo”, apareció originalmente incluido en la caja «Quemando el tiempo» 3CD / DVD que celebraba el 40 aniversario en el mundo de la música de Ramoncín.

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Ozzy Osbourne desvela que Eddie Van Halen le pidió borracho que se uniera a la banda

Desde que el pasado 6 de octubre Eddie Van Halen muriera, el nombre del icónico guitarrista se ha mantenido en boca de todos por las despedidas que diversas estrellas del rock y el metal le han dedicado y por algunas de las anécdotas con él que sus compañeros de profesión han comentado en estas semanas. El último en hablar del fallecido miembro de Van Halen ha sido Ozzy Osbourne, que ha confesado que Eddie le propuso convertirse en el vocalista de su grupo.

Así ha recordado el británico esta oferta por parte de Eddie durante una entrevista con SiriusXM: “Una vez me llamó y me si quería cantar en su banda, después de que Sammy Hagar dejara el grupo. Creo que estaba un poco borracho. Todos hemos hecho una de esas, llamar a las cuatro de la mañana yendo…”.

El que fuera cantante de Black Sabbath también aprovechaba para destacar las habilidades del neerlandés a las seis cuerdas: “Crees que lo has visto todo. Entonces, de la nada, alguien sale con una manera de tocar revolucionaria. Ver a Eddie tocar fue como… Sus manos se convertirían en una araña. Fue extraordinario. Siempre hizo que pareciera que era muy fácil”.

Os recordamos que La Heavy 425 cuenta con Black Sabbath en portada gracias a la entrevista que hemos realizado a Tony Iommi a propósitov del 50º aniversario de ‘Paranoid’. En este número también podrás disfreutar de conversaciones con encontrarás con Corey Taylor (Slipknot, Stone Sour), Ace Frehley (ex-Kiss), Hammerfall, Neal Morse, DevilDriver, Mad Sin y muchos otros grupos. Por otra parte, conmemoramos el 20º aniversario del ‘Hybrid Theory’ de Linkin Park con un artículo al respecto de este trabajo, y sometemos a crítica los últimos discos de Marilyn Manson, Biffy Clyro, Mastodon, In Flames, Finntroll, Avatar o Powerwolf entre otros. ¡Hazte ya con La Heavy, disponible en todos los kioscos por 4€, así como en nuestra tienda virtual!

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Entrevista a Firewind: “Vi delante de mí dos opciones: o renovaría la banda y haría un nuevo comienzo o la disolvería”


Hay muchos ejemplos de bandas en la historia de la música que por causa de las circunstancias y/o elecciones personales no consiguieron alcanzar al estrellato, por muy talentosas y meritorias que fueran. El guitarrista oriundo de Salónica, Gus G. sigue luchando después de casi dos décadas para que su banda Firewind consiga el éxito masivo. Un éxito que podrían alcanzar con su noveno disco de estudio, ‘Firewind’, si el hecho de que se haya editado en medio de la crisis desatada por el Coronavirus no lo impide. En esta extensa entrevista nos confiesa las vicisitudes por las ha tenido que atravesar, los errores cometidos pero también nos deja claro que rendirse no es una palabra que existe en su vocabulario. Tanto los fans como los aspirantes a ser las estrellas del rock del mañana no deberían perderse esta entrevista.

Habías comentado que este disco se forjó bajo unas condiciones desfavorables…
“A la vuelta del final de la gira con Queensrÿche el diciembre pasado había llegado el momento de tomar unas decisiones acerca del futuro de la banda: había la fecha límite para el mes de mayo, tenía que buscar a un nuevo cantante, tenía que decidir si los Firewind iban a seguir como cuarteto o no, tenía la música para el disco grabada ya desde septiembre pero no tenía ni letra ni vocalista… en definitiva, volví a encontrarme ante un cruce de caminos y el sendero que iba a seguir iba a ser decisivo para el futuro de la banda”

Bob (Katsionis, teclas/guitarra) ya no está en la banda. ¿Por qué?
“Bob ya está en otra fase de su vida: el agosto pasado se casó (ndr: con una cantante pop famosa en Grecia) y compraron una casa, tiene su propia productora de videoclips, su propio estudio de grabación dónde graban otros músicos, y su propio sello discográfico. Desde hace ya un par de años le veía cómo se sentía incomodo teniendo que pasar horas interminables de espera (el elemento inevitable de una gira) en terminales de aeropuertos, los backstage de las salas y en el autocar mientras sus clientes y sus negocios le reclamaban en Atenas, y lo de ir de gira por EEUU no quería ni oírlo mientras yo tenía montadas tres por lo menos (ndr: la última, como teloneros de los Symphony X se canceló por el Coronavirus). Somos amigos desde hace años (y seguimos siéndolo), y también somos adultos. Le dije: “Mira, no tiene sentido seguir haciendo algo si ya no lo sientes. ¿Para qué sigues tocando? No tienes que demostrar nada a nadie. Los Firewind son mi vida, son lo que soy, pero tu corazón ya no está en ello, así que si quieres irte sólo tienes que pedírmelo”. Esto le quitó un gran peso de encima porque por otra parte, después de tantos años en la banda, le costaba decir el adiós definitivo, se sentía culpable. Su salida de la banda, por otra parte, me hizo sentarme y pensar acerca del futuro. Como veía que Henning (Basse, exvocalista) también se iba a marchar, vi delante de mí dos opciones: o renovaría la banda y haría un nuevo comienzo o la disolvería. No habían medias tintas para mí en este caso”.

¿Es por eso porqué no hay tantos teclados en este disco?

“Mira, la manera de hacer los arreglos era que los arreglos de los teclados siempre entraban los últimos, es decir, que Bob era el último siempre en grabar sus partes, y después yo ya decidía cuántas capas de teclados irían a la versión final de cada tema, porque la verdad es que siempre me enviaba un montón de capas de teclados y yo tenía cada vez de quitar alguna. Hombre, Bob es un pedazo de músico, así que no era nada fácil empezar a quitar cosas que había compuesto é,l pero se trataba de mantener la visión original que tenía de un tema siempre hablándolo primero con Bob, por supuesto. La verdad es que ya tenía pensado reducir la presencia de los teclados en la música de Firewind, y otra razón para decir que la banda ha renacido es precisamente la presencia ya casi testimonial de los teclados, que en este disco los he tocado yo. A partir de ahora la banda seguirá como cuarteto, y para los directos los teclados serán pregrabados”.

Todas las reseñas que he leído hasta ahora coinciden que este es el mejor disco de Firewind desde hace una década y no puedo sino estar de acuerdo con ellas también.

“Yo también tendré que coincidir con ellas (risas). No, en serio, admito que tanto ‘Days of Defiance’ (2010) como ‘Few Against Many’ (2012) no eran tan buenos, en el sentido que no alcanzaron los muy altos estándares establecidos por los discos anteriores. La verdad es que cuando se fue Apollo (Papathanasíou, exvocalista) a finales del 2013, aquello fue un golpe duro para mí, porque con él habíamos hecho nuestros discos más aclamados, y además, con el ímpetu con el que había cogido la banda gracias a mi participación en la banda de Ozzy, todos estábamos preparados para dar el gran paso y llegar a ser una banda grande… Todos menos Apollo. Total, que por eso decidí tomarme un descanso de la banda. La verdad es que no pensaba que aquel descanso iba a durar casi cinco años pero una cosa llevó a otra, así que acabé sacando tres discos en solitario y saliendo de gira en solitario también, algo que me permitió renovarme y volver con más ganas para el ‘Immortals’ (2017), que obtuvo muy buenas críticas. Aunque aquel largo parón también dañó el ímpetu de Firewind, no me cabe ninguna duda. Sin embargo, el entusiasmo inicial poco a poco se desvaneció por parte tanto de Bob como Henning, y la verdad es que su salida de la banda me ha quitado un peso de encima, pero sigo siendo amigos con ambos, y además creo que, a nivel personal, ahora lo llevamos mejor que cuando estaban en la banda”.

Con respecto a este incesante ir y venir de miembros, has dicho en el pasado que la gente entra en una banda pensando que se va a forrar y cuando sus expectativas no se cumplen, dicen adiós muy buenas…

“Sí. He coincidido con músicos que creían que se bañarían en champán cada noche mientras les dan masajes en los pies tocando en una banda de heavy metal (risas). No sé, puede que yo también haya errado a la hora de elegir los músicos para Firewind. En el pasado, sólo me fijaba en las cualidades como músico sin tener en cuenta otros factores como, por ejemplo, compartir los mismos objetivos para el bien de la banda, tener la voluntad de hacer sacrificios, tener el aguante de sobrellevar los contratiempos, etc. Mira a Sabaton: desde hace unos años están unidos como un puño y todos trabajan para el bien de la banda, y así han llegado allí donde han llegado. El problema con Firewind es que casi nunca conté con músicos dispuestos a dedicar cuerpo y alma en el desarrollo de la carrera de la banda con una vista a largo plazo. Ahora mismo podríamos ser una de las bandas más grandes a nivel mundial, pero la falta de una estrategia común nos perjudicó seriamente”.

Quedémonos con el positivo: has vuelto con las fuerzas renovadas y con uno de los mejores discos de Firewind, y por eso lo has titulado simplemente así, ‘Firewind’…

“Totalmente. Este disco será una referencia obligada dentro de nuestra discografía, de esto estoy convencido, y sale bajo las circunstancias de las que hablé antes y que creo muy pocas bandas aguantarían. Hemos renacido como banda”.



Y para abrir el disco, toma dos temas supervitaminados, “Welcome to the Empire” y “Devour”, para decirnos “hemos vuelto”…

“Exacto. Cuando pienso en el orden de los temas en cada disco, siempre tengo en mente la intensidad de la música y no de la letra y juego con los altibajos de esta intensidad para hacer más interesante la escucha. Por eso, aunque ‘Immortals’ era un disco conceptual acerca de la historia de rey Leónidas y sus trescientos, el orden de los temas no es el cronológico. En este disco, además, hay tres temas bajo un mismo concepto, que cuentan una historia pero aún así no están el uno después del otro, precisamente por esa razón. Soy de los últimos románticos que creen que un disco es una experiencia sonora que el oyente debería saborear de principio a fin”.

¿A qué imperio hace referencia el primer tema?

“Básicamente es la relación del ser humano con la tecnología y cómo ella empieza a dominar a cada una de las facetas de la vida humana hasta que seamos nosotros los súbditos de este imperio tecnológico, los nuevos esclavos y la tecnología el nuevo amo. De allí esta estética distópica a lo Blade Runner del videoclip”.

Hablando de la trilogía, ¿cómo surgió?

“Aunque Herbie (Langhans, voz) sabía de qué va el rollo Firewind, aún así me preguntó sobre qué temática me gustaría que escribiera. Le dije que aunque me gustan las letras acerca de la psicología humana y la Historia, también soy un fan de la ciencia ficción, y esto le inspiró para escribir la historia de un astronauta: “Orbitual Sunrise” describe sus emociones mirando a la Tierra según gira alrededor de ella desde la ventana de su nave y la relación del ser humano con nuestro planeta, “Longing to Know You” es sobre su añoranza para su casa y su familia, es la balada del disco, y para los arreglos orquestales conté con  la ayuda de mi ex compañero en Ozzy, Adam Wakeman (ndr:hijo del teclista Rick Wakeman) .“Space Cowboy”, que es la tercera parte, es simplemente sobre el astronauta y su viaje espacial. Es un tema muy a lo Scorpions y proviene de riffs que tenía guardados desde hace tiempo. Lo de tener melodías y riffs guardados me viene muy bien porque suelo volver a examinarlos después de haberles tenido guardados en mi ordenador durante mucho tiempo y así con una mirada renovada y fresca les pongo a buen uso”.

“Overdrive” es un tema que va a encantar a los fans del heavy ochentero.

“Es un tema que en un principio pensaba usarlo como bonus track porque se aleja un poco del sonido habitual de Firewind, pero cuando escuché la versión final me encantó. Tiene un aire a lo Dio o de Black Sabbath en su época con Tony Martin, una época injustamente infravalorada, y además soy fan de Martin”.



El título del tema “Perfect Strangers” es un guiño a los Deep Purple?

“Musicalmente hablando, el tema obviamente no tiene nada que ver con el de Deep Purple pero cuando Dennis Ward había grabado las líneas vocales (ndr:bajista y productor de Pink Cream 69 y Unisonic, además del ‘Fearless’ de Gus G. y del ‘Immortals’) – aquí hay que decir que hay tres temas con líneas vocales elaboradas por él y con letra escrita por mí – y me enviaba los archivos con lo que llamamos dummy lyrics, letra de relleno y sin sentido hasta que haya letra final, y usó esta frase y me gustó y me la quedé. De hecho, lo llevé más allá porqué en el estribillo existe la frase que es el título de otro tema de Deep Purple (‘Slaves and Masters’, 1990)”.

Hablando de Dennis, parece que has encontrado a un buen colaborador…

“Totalmente. Él me ha animado a ser un poco más atrevido con los arreglos, a añadir capas de guitarras y otros trucos que no salen delante en la mezcla final, aparte de asegurar que hacemos un buen uso de la gramática inglesa en las letras. Creo haberte contado la historia con él: iba a montar una banda con Michael Kiske en 2009 y había compuesto unos cuatro temas con Dennis hasta que surgió la oportunidad de ser el guitarrista de Ozzy así que tuve que dejarlo, pero ellos prosiguieron e hicieron los Unisonic. Los cuatro temas posteriormente acabaron en el ‘Immortals’

El disco ha sido grabado en diferentes países como sueles hacer, ¿no?

“Sí. Las guitarras fueron grabadas en mi estudio casero, las voces en el estudio de Herbie en Hannover, la batería en el estudio Hofa en Alemania, donde trabaja Dennis, Petros grabó el bajo aquí en Salónica y el disco fue mezclado en Suecia por Tobias Lindell (Europe, H.E.A.T., Mustasch)”.

A Herbie le conocías de su labor con Sinbreed, ¿verdad?

“Exacto, y de hecho tocamos juntos en un festival en España en 2013 (ndr:GinetaRock), y desde entonces había pensado que su voz no solamente encajaba a la perfección con la banda sino que además me recordaba a la de nuestro primer vocalista oficial, Stephen Fredrick. Sin embargo, no habíamos mantenido ningún tipo de contacto después del festival hasta que fue nuestro sello que me le sugirió como nuevo vocalista, y fíjate que ni siquiera me sonaba su nombre cuando me lo dijeron. Me enviaron varios enlace con cosas que había hecho con Avantasia, Kamelot, Voodoo Circle, etc. y entonces sí que me acordé de él. Aunque ya estaba considerando a otros candidatos, sus ganas, su profesionalidad y su poderío de voz me ganaron enseguida. Por ejemplo, le envié por email la demo del tema “Devour”, y al día siguiente me lo devolvió con las líneas vocales y la letra ya casi hecha. Era la señal inequívoca que él era el indicado”.



Johan Nuñez es el miembro más longevo de la banda, desde 2011, después de Petros, quien lleva desde 2003…

“Sí. Al contrario que con Spinal Tap, nuestro problema no han sido los bateristas, sino los vocalistas y es por lo que te dije antes. Yo, de más joven era más romántico y no paraba a pensar si un vocalista quería comprometerse tanto como yo con la banda. Simplemente, si me gustaba su voz, le invitaba para que se uniera a la banda. Mira lo que pasó con Apollo, por ejemplo. Cuando le invité a ser miembro de la banda él ya tenía su trabajo, su familia, su hipoteca que pagar, y además tenía diez años más que yo. No me paré a pensar que a lo mejor no le apetecería viajar alrededor del mundo para cantar en clubs. Estas son cosas que sólo desde hace poco he empezado a darme cuenta. Te voy a decir otra cosa: Firewind no empezó como una banda normal. No empezó desde el circuito de los clubes hasta consolidarse tanto musicalmente como con respecto a la formación y después ya obtener su primer contrato discográfico. La banda empezó como un vehículo para que hiciera un showcase de mis habilidades como guitarrista y tuvimos nuestro primer contrato con el sello de David Chastain, Leviathan Records, A partir de allí todos los cambios de formación se hicieron ante los ojos del público, y quieras o no, eso tiene consecuencias para una banda, sobre todo si se trata del vocalista, quien es que contribuye a la identidad sonora y visual del grupo”.

Vi “Life Through Fire”, el documental que la televisión estatal griega hizo sobre ti hace dos años (se puede ver gratis en la plataforma Vimeo con subtítulos en inglés) y lo más sorprendente de todo es constatar el grado de apoyo por parte de tus padres…

“No sería exageración si dijera que en realidad son ellos los protagonistas del documental. Me gustó cómo el documental puso mi historia dentro de un contexto casi sociopolítico y las declaraciones de mis padres son muy elocuentes a la hora de explicar mi pasión por la música y como ellos mismos comprendieron que aquello era mi destino y que pusieron todo su empeño para que así fuera. Si un chico o chica joven aspira a ser músico, creo que debería ver el documental con sus padres”.

¿Crees que sin el apoyo de tus padres, no habrías llegado dónde estás ahora?

“Hombre, soy una persona bastante persistente y cabezota (risas) y habría hecho cosas pero desde luego no quiero ni imaginarme lo difícil que habría sido sin el apoyo de mis padres”.

Yo creía que tu padre era cantante de música popular griega pero no sabía que era rockero…

“Ya sabes que mi padre era profesor de educación física y que los fines de semana cantaba efectivamente en salas con este tipo de música pero tenía una pequeña idea acerca del rock. Por ejemplo, gracias a él descubrí a Pink Floyd, The Beatles,  Carlos Santana… En el documental se puede ver cómo en un viaje que hizo a EEUU para visitar a un tío mío volvió con unos pocos vinilos de rock, y aquello cambió mi vida para siempre”.

Dadas las circunstancias actuales, ¿cómo pensáis promocionar el disco y la banda? Es como si las barreras no pararan de levantarse en vuestro camino…

“Bueno, obviamente lo más importante ahora es que el mundo entero salga de esta, venciendo a este virus. Naturalmente, nosotros tenemos muchas ganas de presentar este disco alrededor del mundo, creemos mucho en él, y el día cuando las bandas volverán a tocar en directo vendrá más temprano que tarde. Hasta entonces hay que cuidarse mucho y mientras tanto, yo aprovecharé para seguir componiendo y acumulando riffs e ideas en mi ordenador”.

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