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Slipknot pone fecha a la finalización de su nuevo disco: “Es música de Dios”

Quién nos iba a decir que, después de haber tenido que esperar cinco años desde la salida de ‘5: The Gray Chapter’ hasta la llegada de ‘We Are Not Your Kind’ en 2019, el nuevo disco de Slipknot se encuentra a la vuelta de la esquina.

Cuando el río suena, agua lleva, y parece que los indicios que apuntaban a que la banda de metal estadounidense había arrancado ya con la grabación de este nuevo trabajo no iban en absoluto desencaminados: Corey Taylor (quien ha advertido que “mi nueva máscara es muy incómoda y puso histérica a mi esposa”) y los suyos ya se han puesto manos a la obra. Y tan bien está yendo este proceso que ya se ha dado a conocer la fecha de finalización del álbum.

Shawn ‘Clown’ Crahan ha ofrecido una entrevista a 93X en la que compartía la siguiente información: “Creo que este álbum es… Es música de Dios, tío. Como banda, hemos tratado de simplificar ciertas ideas en la grabación y en la composición de canciones. La composición no siempre consiste solo en darles a nuestros fans canciones como “Psychosocial” y “Surfacing”. A veces podemos escribir esas canciones mientras dormimos; está en nosotros”. Al ser preguntado por una fecha aproximada en la que la grabación de este LP tocará a su fin, Crahan se mojaba afirmando que, “con suerte”, verá la luz este año. “Todavía tenemos mucho tiempo para completarlo. Esperamos estar listo para fines de julio”.

Este disco será el último que Slipknot edite bajo el amparo de Roadrunner Records: Creo que lo que estamos haciendo ahora es realmente… Están sucediendo muchas cosas. Nos vamos a librar de nuestro sello después del lanzamiento del nuevo LP. Y me siento libre. No tiene nada que ver con lo que viene. Tiene que ver con: “Aléjate de mí’””.

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Entrevista a Garbage: “La política parece un juguete sexual lleno de oportunistas y católicos”


No todos los días Pau Peñalver puede hablar con Shirley Manson durante media hora. Garbage lleva casi tres décadas haciéndonos bailar en las pistas de medio mundo. Los que nos consideramos freaks hemos podido disfrutar de sus éxitos y hemos analizado sus letras al dedillo. Ahora en pleno verano de 2021 regresan con ‘No Gods No Masters’. Parece imposible que Butch Vig, el famoso productor del ‘Nevermind’ de Nirvana, siga manufacturando junto a sus colegas Duke Eirkson y Steve Marker canciones atemporales que podrían formar parte de la mitologia griega. Garbage y Shirley Manson regresan con un álbum teñido de rosa pero con mucha verdad.

Los pecados capitales de Shirley

Hola Shirley. ¿Dónde estás estos días?

“Estoy en Wichita, en Kansas. Estamos pasando unos días en casa de la familia de mi marido”.

Hablemos de tu marido. Billy Bush (Muse, Ash, Against Me!, L7, …) es el productor de ‘No Gods No Masters’ ¿Cómo es trabajar con él?

“Alucinante.”

¿Cómo consigues apartar vuestra vida personal del trabajo?

“En realidad, si te soy honesta, no discuto estas informaciones en mis entrevistas”.

No pasa nada. Sigamos. Felicidades por ‘No Gods No Masters’.

“Muchas gracias de verdad”.



No Gods No Masters

El recorrido de ‘No Gods No Masters’ va desde el verano de 2018, cuando empezáis, hasta el verano de 2021 que es cuando vais a sacarlo. ¿Qué ha pasado?

Quería que el disco que saliera el verano pasado, pero la pandemia ha truncado todos los planes de la industria. No te puedo decir mucho más. Para nosotros fue algo muy extraño porque ya lo teníamos todo cerrado cuando llegó la COVID”.

La portada me recuerda al David de Michelangelo…

“En realidad es una fotografía que tomé en mi ciudad natal, en Edimburgo. La hice de una escultura que me gustó del cementerio de Dean. Era unos ángeles gemelos que estaban entrelazados. Me sentí muy impactada por la sensación de libertad”.

Sigamos con la portada y hablemos de colores. En Garbage tenéis obsesión por el naranja, tu color de pelo, o el rosa, que es el color de la portada y el vinilo…

“Te diría que te olvidas del rojo. Es verdad. Es curioso que me digas eso, porque en realidad tienes toda la razón. El rojo y el naranja siempre me han acompañado durante toda mi vida. En cuanto al rosa, te diría que está ligado al movimiento punk. Su historia va ligada a importantes acontecimientos. Por ejemplo, nuestro álbum de debut era de color rosa. Para mí, este disco y el número siete representan el renacimiento de Garbage, y era lógico recuperar el color. Ha sido algo instintivo, sin dobles lecturas.”

Ahora que hablas de vuestro debut de 1995, si no conociera vuestra carrera y llegara a mis manos ‘No Gods No Masters’ pensaría que es la primera referencia de una banda llamada Garbage…

“En primer lugar, muchas gracias por el cumplido. Creo que es uno de los mejores que he recibido en toda mi carrera musical. Estar en un grupo durante 25 años y recibir un piropo así es extraordinario. Es muy difícil conservar la espontaneidad y naturalidad de cuando estas empezando, y creo que aquí lo hemos conseguido”.



La nota de prensa dice que es vuestro disco más político. ¿Estás de acuerdo?

“Lo he reflexionado durante tiempo y creo que es nuestro trabajo más humanista. Es humano porque ofrece un catálogo de obsesiones y esperanzas. No soy partidaria de ningún partido político, no me siento cómoda con los postulados de la política. Hoy en día, la política parece un juguete sexual lleno de oportunistas y católicos. No soy muy fan de la política. Menos aún de la gente que dice que soy política por tener mi propia opinión y expresarla. Preocuparse por el medio ambiente, por las comunidades más oprimidas o por la decencia humana no es ser político es más bien ser listo. Todo el mundo merece un techo y alimentarse cada día. La igualdad o el feminismo no son temas políticos…La lista de temas es muy larga”.

Este álbum podría ser la mezcla loca entre los últimos Linkin Park y los mejores samplers de The Chemical Brothers…

Yo iría mucho más atrás y te hablaría de artistas como Gary Numan. Soy muy amante de las bandas que triunfaron antes que nosotros y que claramente nos han influenciado, como Roxy Music. Tienes que pensar en grupos que nos influenciaron cuando éramos jóvenes y que que nosotros ya somos viejos”.

Las canciones

La canción que cierra el disco se llama “The City Will Kill You”. Me transporta a un viaje especial y a una pieza de despedida.

“Creo que tienes toda la razón. Me encanta tu idea, y viajar a un futuro lleno de esperanza, a un mundo mejor, es la descripción más hermosa que le he escuchado a nadie hasta el momento. Me gusta la idea de regeneración constante. Me quedo con tu símil.”

Voy a otra de mis comparaciones extrañas. Yo me atrevo a decir que vuestra canción “Anonymous XXX” es vuestra “Je T’aime,…Moi Non Plus”.

“(risas muy intensas y exageradas de Shirley Manson). Me encanta esta comparación. Además, muchísimo. Esa pieza habla sobre aquella persona en la que proyectamos nuestro amor y con la que creemos que podremos solucionar todos nuestros problemas. Muchas cosas causan adicción, desde el sexo hasta el juego…La obsesión por llenar ese vacío y esa tristeza que nos lleva a hacer tonterías. Las estrategias del ser humano por obtener placer inmediato y pensar que eso nos llenara de felicidad. La tristeza que todos hemos experimentado en algún momento de nuestras vidas y que hemos intentado llenar con cosas perjudiciales”.



En “No Gods Mo Masters”, la canción que da título al disco, dices “Be kind, beware, Be good, don’t be scared, The Future Is Mine”. Quizás es la letra que major define la concepción del disco.

Yo sinceramente no lo he analizado en profundidad pero creo que es una buena canción y tiene mensaje. El sentimiento de libertad es presente y en los últimos veinte años el mundo se ha vuelto muy oscuro. En realidad, no sé al 100% sobre de qué va. Pero quiero que vivas tu vida con libertad y no dejes que nadie te diga quién eres y como debes actuar. Al final todos queremos un futuro mejor para nuestros hijos. Eso es. Nada más.”

“Flipping The Bird” me encanta.  Es una de mis canciones favoritas. Podría ser un descarte de Joy Division o New Order. ¿Qué piensas?

Me encanta que te guste. La descripción es muy acertada. ¿Sabes que tengo un podcast que se llama The Jump? Pues todo surge cuando entrevisto a Liz Phair y tengo una idea de convertir la idea de canción en algo cercano a su catálogo de éxitos. Si te fijas mi rango vocal es muy grave. Hablo de las idioteces que hacen los hombres como el mansplaining. Esa es la historia que generó este corte”.

Garbage

Con Garbage habéis lanzado siete discos y tenéis siete nominaciones a los Grammy, pero no habéis ganado nunca. ¿No estas harta de tantas nominaciones?

“Es una pregunta muy divertida. Pau, eres un tipo gracioso. En realidad, el mero hecho de estar nominados es una sensación muy positiva. Sé que los premios son algo extraño, pero recibirlos o aspirar a obtenerlos es algo importante. Todo el mundo quiere ser reconocido y premiado por su trabajo. A los músicos nos gusta obtener reconocimiento, y el mundo de la música esta superpoblado, así que es un honor muy gratificante”.

¿Cómo te sientes al salir de gira con Alanis Morrissette y Liz Phair por Estados Unidos o con Blondie por el Reino Unido?

Es una pasada. Aprendes mucho de su genialidad y de la fuerza de estas mujeres. Espero recuperar las mismas sensaciones que cuando salí de gira hace muchos años (ndr: tour de otoño de 2002) con No Doubt y The Distillers. Gwen Stefani es una belleza absoluta y Brody Dalle tiene una fuerza cegadora. Fue un privilegio salir de gira solo con mujeres. Es algo muy extraño que pase algo así en la industria musical”.



¿Quién es cabeza de cartel en la gira con Blondie?

“Ella, por supuesto. No lo hacemos con todo el mundo. Ella nos hizo la proposición y nosotros aceptamos encantados. Sin la influencia de Debbie Harry nosotros no estaríamos aquí. Ella ha sido una catapulta para muchas mujeres y nos ha hecho pensar que todo es posible. Es una diosa”.

¿Por qué no venís a España?

“No tenemos muchas ofertas en vuestro país, y hace tiempo que no vamos. En la última década hemos ido muy poco. Esperemos que en 2022 vayamos con nuestra propia gira. Espero que esta entrevista la lea algún promotor interesado y haga las gestiones para que eso ocurra”.

Shirley Manson

Hablemos de ti. ¿Qué pasó con tu disco en solitario?

Ahora toca hablar de Garbage. Me parece extraordinario que hayamos sobrevivido tantos años. El clima no es el mejor, y superar tantos años como grupo es un mérito. Una banda es muy costosa para que aguante tanto tiempo, llevarla de gira, lanzar discos… Estoy muy orgullosa de todo lo que hemos pasado y superado. Estoy enamorada de Garbage y, aparte de mi marido y mi familia, no hay nada que quiera más en este mundo. Seguiremos mientras haya alguien que nos quiera. Eso no quita que cuando tenga 90 años me dedique a cantar en antros pequeños de Los Ángeles mi propio material.”

¿Qué es Shirley Manson?

“Soy una persona primero. En primer lugar, soy una persona. Luego, en segundo lugar, podría decir que soy músico. En tercer lugar, podríamos considerar que soy una artista.”

Después de 26 años en Garbage, ¿la Shirley Manson de hoy es la misma que cantaba “Only Happy When It Rains” o “Stupid Girl”?.

No creo que haya cambiado mucho respecto a lo que canto. Siempre he sido muy honesta y abierta con lo que pienso y mis sentimientos. La diferencia principal entre nuestro debut y ‘No Gods No Masters’ es que ahora soy mucho más feliz. Nada más.”

¿Alguna vez te han ofrecido una generosa cantidad de dinero para reunir a tus antiguas formaciones Angelfish o incluso a Goodbye Mr. Mackenzie?

Me voy a mojar y te voy a contar una verdad absoluta. He aprendido de forma muy dolorosa que no soy una persona que esté a la venta. Nunca lo fui y nunca lo seré. No pienso hacer nada solo por dinero. Evidentemente, disfruto comprándome ropa, teniendo una casa y un coche, pero no estoy interesada en hacerme millonaria. He rechazado muchas ofertas que me hubieran enriquecido muchísimo más”.

¿Cuál es la peor y la mejor pregunta que nunca te hayan hecho?

La peor, durante el contexto de una entrevista con un periodista alemán. A veces, con el paso del tiempo, las situaciones se degeneran o toman un sentido diferente. Recuerdo que estábamos toda la banda al completo. Me dijo delante de todo el mundo: “Dicen que eres un sex symbol, pero ahora que te tengo delante de mí no veo nada de eso”. Estábamos todos en estado de shock, pero nuestra reacción fue reírnos de él, y el tío se cabreó mucho. Fue horrible. La mejor es difícil de escoger, porque ha habido muchos periodistas y mentes brillantes que me han hecho muy buenas preguntas. Me siento agradecida por haber experimentado y haber tenido semejantes charlas con gente de todo el mundo”.

Gracias Shirley. Ha sido un honor. Nos vemos pronto.

“Agradezco tus preguntas, tu respeto y sentido del humor. Echo mucho de menos España. Gracias. Hasta pronto”.

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Bolsa de noticias: Festival Cabo de Plata – No Sin Música Festival – Heavy Metal Heart – Arwen – Concierto solidario Barcelona

Festival Cabo de Plata, No Sin Música Festival es aplazado a 2022, Heavy Metal Heart confirma a las primera bandas de su siguiente edición, Arwen presenta a su nuevo teclista y el Concierto solidario Barcelona en honor a Lemmy Peralta anuncia su cartel.

El festival Cabo de Plata es aplazado a 2022

Barbate no tendrá el lujo de poder acoger este verano el festival Cabo de Plata, ante la imposibilidad de celebrar este evento tal y como organización y asistentes desearían.

Esta edición del Cabo de Plata, la quinta de toda su historia, tendrá que esperar a los días 20, 21, 22 y 23 de julio de 2022 para poder efectuarse. Los responsables del festival trabajan desde ya para poder anunciar próximamente un nuevo cartel, del que formarán parte muchos de los grupos y artistas que habían sido confirmados para 2021 (entre los que se encontraban Hamlet, Sínkope, O’Funk’illo, Kitai, Mojinos Escozíos, Desakato, La Crüel Band, Shinova, Trashtucada o No Konforme).

Las entradas previamente adquiridas para este año continuarán siendo válidas para el próximo verano. Quienes deseen devolver su ticket, o hacerse con uno si aún no lo tenían, pueden realizar la gestión aquí.


No Sin Música Festival, aplazado a 2022

Si bien comenzamos a ver la luz al final del túnel que ha supuesto y continúa suponiendo esta pandemia, este verano tampoco podremos disfrutar de todos los eventos que nos gustarían en condiciones normales. El último en sumarse a esta lista de aplazamientos ha sido No Sin Música Festival, que volverá a la carga en 2022.

Será los días 28, 29 y 30 de julio en los que el Puerto de Cádiz volverá a vibrar al son de esta fiesta de la música en vivo. Los asistentes a este festival quedan igualmente a la espera de más información sobre el cartel de 2022, habiendo estado confirmados para 2021 Mando Diao, 091, Viva Suecia, León Benavente, Miss Cafeína, Anni B Sweet, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Shinova, The Levitants y Alis.

Los responsables del festival han aprovechado para confirmar que los abonos ya adquiridos continuarán valiendo para el próximo año. Aquellos que deseen realizar la devolución del mismo, podrán hacerlo a partir del 11 de junio y tras recibir un correo explicativo con el proceso a seguir.


Heavy Metal Heart 2022 confirma a sus primeras bandas

Los responsables de Heavy Metal Heart 2022 no se han quedado ni mucho menos de brazos cruzados tras tener que comunicar la cancelación de la edición del presente año.

Es así como Lèpoka y Verikalpa se han postulado como las primeras bandas en copar el cartel de la cita que tenemos todos apuntada ya en nuestros calendarios: 11 de junio de 2022 en la Sala Repvblicca de Valencia.

Los tickets para la siguiente y esperada convocatoria de HMH pueden adquirirse ya aquí.


Arwen incorpora a su nuevo teclista

Los fans de Arwen se encontraban expectantes después de que recientemente se diera a conocer la marcha de la formación de power metal de Javi Díez (integrante de Mägo de Oz). Los madrileños han roto con esa incertidumbre desvelando que el nuevo hombre a cargo de las teclas del combo madrileño no es otro que David Muñoz, militante de grupos tales como Sun of Dying o Aedea.


Presentado el cartel del concierto en homenaje a Lemmy Peralta en Barcelona

El 4 de diciembre la Sala Razzmatazz 2 de Barcelona tendrá el placer de acoger un concierto solidario en homenaje al tristemente fallecido Lemmy Peralta.

Obús, Sherpa y Hermes (de Los Barones), Amaro y Sirius han confirmado su presencia en esta velada, que también contará con la colaboración especial de Fernando y Jandro López, y Jordi Samaranch.

Las entradas para este show ya se encuentran disponibles en este enlace. Cabe destacar que los fondos recaudados a través de la venta de las mismas irán destinados a la Asociación Española Contra el Cáncer (AECC).

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Así ayudó Bruce Dickinson (Iron Maiden) a recaudar más de un millón de euros para niños desfavorecidos

Bruce Dickinson ha tenido ocasión a lo largo de su trayectoria de mostrar su lado más comprometido con aquellos que atraviesan mayores dificultades. La más reciente de la que teníamos consciencia era la relacionada con el proyecto para volar un zepelín desde Barcelona a Mallorca, que, de convertirse en un éxito, posibilitaría el flotar este tipo de naves a zonas golpeadas por la catástrofe para ayudar a los allí presentes.

El líder de Iron Maiden ha vuelto a demostrar su solidaridad ayudando a recaudar más de un millón de euros para niños desfavorecidos. La iniciativa de la que Dickinson ha formado parte para tan loable empresa ha sido encabezada por Heavy Metal Truants, asociación de ciclistas amantes del metal que han recorrido un total de 61.000 kilómetros (el equivalente a vuelta y media alrededor de La Tierra) en tan solo 12 días.

“El metal, como comunidad, tiene una larga historia de hacer cosas realmente buenas. Y la razón por la que la gente no lo escucha mucho es porque está muy ocupada. Estamos recaudando dinero para dárselo a gente que haga cosas útiles con él”, defendía el pasado mes de abril el cantante en el siguiente vídeo de presentación:

Esta increíble propuesta ha contado con la colaboración de casi 300 personas – incluido el propio Dickinson – de todo el mundo. La suma recaudada gracias al apoyo de amigos, patrocinadores familiares y otras vías de financiación (que asciende a los 1.163.000 euros) ha sido destinada a las principales organizaciones benéficas infantiles británicas.

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José Carlos Molina (Ñu) estrena “Calor nublado”. Listado de temas y de músicos del disco

Grandes noticias por parte de José Carlos Molina, quien recientemente anunciaba que era cuestión de tiempo que nos hiciéramos con un nuevo disco de su autoría. Tras la confirmación de que el líder de Ñu presentaría un trabajo en solitario, ya contamos con la fecha de presentación de este inminente trabajo, del que el primer single presentado ha sido “Calor nublado”:

En esta nueva aventura musical, Molina (quien se hace cargo de la voz, el piano, la guitarra acústica, los teclados, la percusión, la flauta y la armónica) se ha rodeado de César Sánchez y Óscar Pérez, quienes completan la formación base de este proyecto. Al trío se han sumado las colaboraciones de guitarristas como David Palau, Eduardo Pinilla, Luis Calzada, Cristian Molina, Jean Louis Barragan, Marisa de la Plaza o Susan Santos. Judith Mateo y Kiara Rubio también hacen acto de presencia con sus respectivos violines, al igual que Pepe Moreno con el saxofón.

Las canciones de las que estará conformado este plástico llevarán los siguientes nombres: “Estrellas fugaces”, “El calor nublado”, “Conduciendo”, “Tacones robados”, “Damas, reinas, furcias y madres”, “El blues del Moby Dick”, “Que nadie toque ese piano”, “Te espera vida”, “La fuente negra”, “Tu vida es un drama”, “Si yo creo en ti”, “Sueño del ángel” y “Entretanto”.

Molina se ha hecho cargo de la producción y la mezcla de este LP, mientras que la masterización ha sido obra de Juan Miguel Rodríguez. Su grabación se ha acometido en los Estudios Musigrama con una NEVE analógica del año 70 (solo quedan dos modelos de esta mesa en España, y se ha recurrido a una de ellas en búsqueda de ese sonido puro y antiguo que ya no se encuentra en las producciones más modernas).

Los seguidores del músico madrileño tienen, además, una cita imprescindible con Molina en la capital este 18 de junio en el Teatro EDP de Gran Vía, donde tendrá lugar la presentación del álbum en cuestión. Las entradas para esta actuación pueden adquirirse ya aquí.

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Zenobia: Presentación de la nueva formación, de las fechas de la gira y del álbum ‘VI’ en Madrid

El pasado mes de septiembre Zenobia sacaba su último trabajo ‘VI’, con un sonido mucho más fresco, sin perder la esencia de sus temas coreables que acaban convirtiéndose en himnos. El disco además nos presentaba a la nueva formación, ya que con las restricciones de la pandemia del Covid-19, todo se ha visto estancado. Tras la salida de Víctor de Andrés, que pasó a formar parte de Mägo de Oz, se incorporaron a las guitarras Marcos Lorente y Mario Sanz, y al bajo Héctor Hernández.

Era la hora de volver a vernos en carne y hueso en el encuentro que tenía lugar en la madrileña sala Hysteria. Los riojanos dieron la bienvenida a la prensa en la sala tocando tres temas de ‘VI’: “La danza del Diablo”, “Jamás” y “No me dejes caer”, tras los que Javier Rojo (Kivents) subía al escenario para anunciar con ilusión las primeras fechas de la gira, en las que, codo con codo, van a trabajar con la banda y con Carmelo (Duque Producciones).

Jorge Berceo, líder de Zenobia, tomó el micrófono para agradecer el apoyo y explicarnos lo encantados que estaban de retomar los conciertos.

Uno de los temas a tratar fue la nueva formación de la banda. En un principio, pensaron en seguir con una guitarra, contando así con Mario, que participa en el proyecto en solitario de Berceo. Más adelante se les ocurrió incorporar un guitarrista más, en este caso Marcos, que ya les acompañaba en los conciertos como parte del equipo técnico. Esta formación la completa Héctor (Red Wine), que también forma parte del proyecto de Berceo, que nos comentaba que estaba encantado de volver a los escenarios a hacer heavy metal.

Sobre la aventura en solitario, Berceo comentaba que “si hiciera otro disco en solitario, no se si seguiría sonando igual que el anterior. Hacer canciones y trabajar con otra gente también te llena como músico”.

“Yo no he venido a sustituir a nadie, yo he venido a complementar a la banda”, así Marcos Suárez explicaba que no tenía presión a la hora de incorporarse a Zenobia, además añadía que formar parte de un proyecto así era el sueño de cualquier guitarrista.

Por su parte, el batería Javier Herrero también definía ‘VI’: “Hemos conseguido una variedad muy buena, para tener enganchado a la gente en la escucha del disco, pero sin perder la esencia del disco”, haciendo alusión a que en redes sociales hacen encuestas sobre cuál es el tema favorito de este trabajo, y salen ocho o diez distintos.

Zenobia apuesta por hacer carretera con ‘VI’ y esperar un poco más para sacar nuevo material, en palabras del propio grupo: “Nos ha quedado tan redondo que merece la pena no dejarlo en el tintero”.

“El laberinto”, está inspirada en ‘Dentro del laberinto’, película de culto en la que participó David Bowie, y es una enseñanza a que la vida es más dura de lo que parece. “No esperábamos que tuviera tan buena acogida, porque no es lo típico de Zenobia”, puntualizaba Berceo.

“Malefic Circus”, el tema que contó con las colaboraciones de Jake E y Fernanda Lira, “fue un capricho”, nos cuentan, se han planteado hacer cositas en inglés, incluso sacar ‘VI’, en el idioma de Shekeaspere, pero de momento descartan la idea: “Al fin y al cabo, en el mundo anglosajón estaríamos empezando, a pesar del recorrido que ya llevamos”.

Sobre la valoración de llevar casi veinte años el grupo, Jorge puntualizaba: “La ilusión no la pierdes. Todo lo que ha conseguido Zenobia es un premio en mi vida. En la gira latinoamericana te sientes un Rolling Stone”.

La cita finalizó con otros dos temas en directo: “Sin perder la pasión” y “El último Bastión”.

Terminaba así un evento seguro, en el que se aplicaron todas las medidas Covid, en una Hysteria renovada, con una sonorización de primera, además de la labor de Carmelo, limpiando el micrófono cada vez que uno de los compañeros tomaba la palabra.

Texto y fotos: Marta G. Paniego

Las fechas de la Gira de presentación de ‘VI’ son:

02 de octubre de 2021, Bilbao, Stage Live
16 de octubre de 2021, Oviedo,  Sir Laurens
30 de octubre 2021, Valencia, Sala Rock City
27 de noviembre de 2021, Vigo, Sala Master
18 de diciembre de 2021, Sevilla, Sala X
08 de enero de 2022, Valladolid, Sala Porta Caeli
25 de marzo de 2022, Zaragoza
26 de marzo de 2022, Barcelona, Sala La Nau
02 de abril de 2022, Vitoria, Urban Rock Concept
09 de abril de 2022, Murcia, Garaje Beat Club

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AC/DC: La idea de conciertos con el holograma de Bon Scott estuvo sobre la mesa

Es algo a lo que muchos no terminamos de acostumbrarnos, la idea de tener a nuestras estrellas del rock favoritas eternamente sobre un escenario gracias a la tecnología de los hologramas, como hemos podido vivir en el caso del siempre añorado Ronnie James Dio. Ahora se ha descubierto que la posibilidad de que Bon Scott, el mítico vocalista de AC/DC fallecido en 1980, hubiera vuelto a pisar las tablas de forma virtual estuvo sobre la mesa.

Así lo ha informado recientemente Rolling Stone tras un encuentro entre empresarios en busca de ideas para que no se pierda el legado de las estrellas del rock. Las nuevas tecnologías están haciendo que esto sea posible, y Christopher Dalston, agente de Creative Artists Agency, ha desvelado que una de las compañías que se dedican a estos realistas hologramas le propuso la idea de realizar el holograma de Bon Scott.

“Nos preguntamos: “¿Queremos representar algo con Bon Scott?”, cuenta Dalston. “Y simplemente no nos pareció correcto en ese momento. Es algo muy personal para los grupos. Tienes que tener cuidado con lo que haces. AC/DC sigue siendo una banda en activo, con Brian Johnson como vocalista”.

El escenario del festival Wacken en 2016 fue el estreno del holograma de Dio en directo, algo que la viuda del que fuera vocalista de Black Sabbath, Wendy Dio, ha defendido desde el principio, argumentando que es el futuro. Es más que probable que los fans tengan la última palabra al respecto. ¿Te gustaría volver a ver a Bon Scott sobre un escenario en forma de holograma?

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Crónica de Rulo y La Contrabanda en Donostia: Arañazos y caricias

Recién arrancada su gira “Basado en hechos reales”, Rulo y La Contrabanda hizo parada en Donostia, emocionando a los fans con su aplaudido y vitoreado rock para todos los públicos.

Qué nos perdonen las salas al uso, pero en esta época pandémica que nos ha tocado vivir y sufrir no hay color entre asistir a un concierto en una sala a medio rellenar de sillas plegables y hacerlo en un teatro, donde en unos pocos minutos uno ya no se acuerda de geles, distancias, ni casi de la incómoda mascarilla. Comprendemos el “adaptarse o morir” de salas y clubs, faltaría más, pero con la obligatoriedad de las normas actuales, el patio de butacas de un teatro es ahora mismo, en mi opinión, y mientras llegan tiempos mejores esperemos que no muy lejanos, la mejor opción para ver un concierto, más si cabe si el artista se amolda sobre todo al pop rock, lejos de estridencias sonoras.

En ese sentido, Rulo y La Contrabanda, por sonido, letras y estilo, encaja como guante de seda a las características de un teatro.

De eso ya sabíamos un rato en Donostia, donde años atrás le habíamos disfrutado un par de veces en el Teatro Principal, por sólo una digamos normal, con el público de pie, en su concierto en Sagüés, en las fiestas de Semana Grande de 2017. También abrió para Bon Jovi en el Estadio de Anoeta, pero definitivamente, aquello de normal tuvo poco al ir de teloneros.

En esta ocasión, el de Reinosa actuó el domingo en el elegante Teatro Victoria Eugenia (“emocionado de tocar aquí”, confesó durante el show), con aforo completo, 400 localidades de las algo más de 900 de las que dispone en circunstancias normales el emblemático teatro donostiarra. Público plural en edad y mayoría femenina para recibir a Rulo.

La Contrabanda son en esta gira, Fito al bajo, Karlos Aranzegi a los tambores y Dani Baraldés, guitarras, aunque el solvente trío acompañante tuvo que esperar entrada ya la segunda canción para incorporarse a escena, porqué Rulo arrancó íntimo con “Mi cenicienta” en solitario y al piano.

Después hubo alternancia de guitarreo contenido en volumen y pegada con medios tiempos, canciones del último CD (“Todavía”, “Mal de altura”, “Verano del 95”), más antiguas (“Me gusta”, “Buscando el mar”, “La flor”), dedicatorias a Boni y un road manager de su época en La Fuga (“Heridas de R&R”) o una primera despedida con el público entregado (“Te quiero Rulo, te quiero” vociferó un exaltado fan justo delante nuestro, lo que el de Reinosa aceptó con humildad y modestia) y recuerdo a su ex banda con la coreada “Por verte sonreír”.

El bis arrancó como el principio del concierto, de nuevo con el jefe de filas en solitario, esta vez a la guitarra y bajo un cañón de luz. Algún seguidor exclamó un sonoro: “¡Queremos rock and roll, qué pareces Bustamante!”, que sonó quizá a broma, pero que Rulo aceptó con normalidad a medias, porqué respondió con una canción más de las previstas en solitario. Toma taza y media, con personalidad.

Tras “La última bala”, el cuarteto despachó su set más vigoroso con la clásica “Pa´quí Pa’llá”, “La cabecita loca” y el desmelene definitivo de “32 escaleras” ante una audiencia que quería más. Con todo, no hubo reproches y el público abandonó el teatro con la sonrisa puesta. Además, con los horarios actuales tan tempraneros y el solazo que lucía todavía, dio tiempo a disfrutar de un atardecer alucinante en la cercana playa de La Concha. Una feliz tarde/noche de domingo.

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El cumpleaños de Ronnie James Dio será pretexto para un evento benéfico mundial

Aunque la voz de Ronnie James Dio se apagara el 16 de mayo de 2010, fecha en la que ahora se celebra el día del heavy metal, no se le olvida a nadie que el 10 de julio el prodigioso vocalista celebraría su 79 cumpleaños, y este día servirá para dar forma a un evento benéfico mundial que estará repleto de estrellas.

La fundación Ronnie James Dio Stand Up and Shout para la lucha contra el cáncer se une a Rolling Live Studios para esta celebración virtual que se podrá disfrutar desde la página de rollingstudios.com el próximo sábado 10 de julio a partir de las 23:00 en nuestro horario peninsular (16:00 Ciudad de México, 18:00 Buenos Aires, 17:00 Miami).

Actuaciones especiales y entrevistas se irán sucediendo con protagonistas de la talla de Tony Iommi (Black Sabbath, Heaven & Hell), Teddy “Zig Zag” Andreadis (Guns N’ Roses, Alice Cooper), Carmine Appice (Vanilla Fudge, Beck, Bogert & Appice), Vinny Appice (Dio, ex-Black Sabbath), Michael Angelo Batio, Joey Belladonna (Anthrax), Chuck Billy (Testament), Gilby Clarke (Guns N’ Roses, Slash), Melody Cristea (Liliac), Aynsley Dunbar (Journey, Frank Zappa), Frank Ferrer (Guns N’ Roses), Lita Ford, Glenn Hughes (Black Country Communion, ex-Deep Purple), Terry Ilous (Great White, XYZ), Sean McNabb (Quiet Riot, Dokken), Jeff Pilson (Foreigner, Dio), Rudy Sarzo (Quiet Riot, Ozzy Osbourne), Glen Sobel (Alice Cooper, Hollywood Vampires), Lajon Witherspoon (Sevendust) y Brent Woods (Sebastian Bach, Wildside).

A este gran elenco se unirán más miembros de la banda de Dio como Simon Wright, Oni Logan, Scott Warren, Bjorn Englen y Rowan Robertson junto a Paul Shortino, además de personalidades de la radio y la televisión como Eddie Trunk o Matt Pinfield, en una celebración que irá intercalando actuaciones, entrevistas y material inédito de la carrera de Ronnie James Dio con el que volver a rendir homenaje a su memoria y seguir recaudando fondos para la lucha contra el cáncer.

Las entradas para este evento virtual ya están a la venta en este enlace, junto a merchandising del evento e incluso pases VIP que ofrecen experiencias a los fans para que puedan formar parte más activamente de la celebración.

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“Sabotage” de Black Sabbath: ¿El último gran disco de la era Ozzy Osbourne?

Su nueva reedición para coleccionistas junto a toda la fascinante historia de su grabación

En 1975, Black Sabbath aún conservaban la fuerza, la energía y la imaginación que les habían convertido en absolutas leyendas desde sus comienzos a finales de los años 60. Y a pesar de que este disco se gestó en un momento tormentoso y conflictivo para el grupo en relación con sus managers, affaire que tristemente acabó en los tribunales, ello no fue óbice para que hicieran un sensacional trabajo en este ‘Sabotage’, para muchos su último auténtico clásico. Toda su historia y los detalles más relevantes de su nueva edición “Súper De Luxe” son analizados por Mariano Muniesa en este blog que puedes leer a continuación.

¿El último gran álbum de Black Sabbath de la era Ozzy?

Con frecuencia se ha afirmado por numerosos expertos en el grupo de Birmingham, historiadores del rock y del heavy metal y críticos de reputado nombre, que ‘Sabotage’ es el último gran clásico de los Black Sabbath de los 70, es decir, de los Sabs con Ozzy como cantante. Yo soy de los que personalmente comparto ese criterio, ya que en su siguiente trabajo, ‘Technical Ecstasy’, las tensiones internas habían llegado ya a un punto en el que se notó que habían afectado a la creatividad y al nivel de comunicación musical entre ellos, que aunque repuntó en cierta medida con ‘Never Say Die!’, ya no logró salvar una formación cuya cuenta atrás para la ruptura nadie podía parar.

‘Sabotage’, el sexto álbum de estudio de Black Sabbath, editado en junio de 1975, fue un disco en el que, por un lado, el grupo volvió en algunas de las canciones a ese tipo de sonido y de estructura a medio camino entre el british-blues de finales de los 60 y el proto-hard rock de comienzos de los años 70 característico de sus primeros discos. Por otro lado, entró en terrenos más experimentales, dando a los teclados un papel mayor todavía del que le habían dado en ‘Sabbath Bloody Sabbath’, incorporando dentro de una misma canción diferentes cambios de ritmo, sonoridades y estilos, e incluso, seguramente fruto de la frustración y la tensión que existía en relación con su representante legal Patrick Meehan y su agencia de management, con temas muy duros, temas que ya se pueden catalogar no como de hard rock, sino como de auténtico heavy metal, temas en los que volcaron la ira y la agresividad que sentían.

De hecho, eligieron ‘Sabotage’ como título para el disco por la sensación de auténtico sabotaje que pensaban que estaban sufriendo por parte de Patrick Meehan, con quien las relaciones estaban totalmente rotas, e incluso según recordó alguna vez Bill Ward, “fue la primera vez que grabamos un disco con todos nuestros abogados en la sala de grabación”.

Si ‘Black Sabbath Vol.4’ se preparó en una gran mansión de Los Ángeles, y ‘Sabbath Bloody Sabbath’, en el Castillo de Clearwell, de nuevo el grupo eligió recluirse durante un tiempo en una casa apartada y lejos de la ciudad para dar forma a los temas de ‘Sabotage’ antes de entrar en estudio. En los primeros días de enero de 1975, el grupo al completo se reunió en la nueva casa de campo que Ozzy Osbourne había comprado en Staffordshire.

La grabación comenzó el 12 de febrero en los Morgan Studios de Willesden, Londres, donde ya habían grabado ‘Sabbath Bloody Sabbath’ y se prolongó hasta el 21 de marzo de 1975, con el propio Tony Iommi y Mike Butcher como productores del álbum y con el trabajo como ingeniero de sonido de otro nombre posteriormente de leyenda: Robin Black, habitual de las grabaciones de Jethro Tull y que en 1984 grabaría como productor en los Mediterráneo Studios de Ibiza el álbum ‘Acorralado por ti’ de Ñu.

La historia de la jam-session con Led Zeppelin… que pudo acabar en tragedia

En los años 70 las relaciones personales entre Black Sabbath y Led Zeppelin eran muy cordiales, e incluso una de las escasísimas veces que se vio a Jimmy Page en un concierto como público de otro artista en esos años fue precisamente en un show de Black Sabbath en Londres. Ello motivó una curiosa anécdota que tuvo lugar durante la grabación de ‘Sabotage’.

El modus operandi que el grupo seguía era ensayar a conciencia y preparar bien cada mañana el material que iban a grabar esa misma tarde en unos locales de ensayo que habían alquilado en North Canon, a medio camino entre Staffordshire y Londres, y después del almuerzo, desplazarse al estudio y grabar allí cada día lo que habían montado por la mañana. Una tarde de finales de febrero, mientras Bill Ward y Geezer Butler se dirigían a Londres en su automóvil por la autopista A40, de pronto vieron que se les puso un coche en paralelo en el que iban John Bonham y Robert Plant. Bajaron las ventanillas, se saludaron, y a Bonham, muy en su carácter, se le ocurrió retarles a una carrera hasta la rotonda que ponía final a ese tramo de autopista, teniendo que pagar una generosa ronda de bebidas espirituosas el que perdiera el rally.

Según recordaba Geezer Butler, ellos les tomaron bastante ventaja y, llegado un momento, “Bonzo” Bonham, que veía peligrar su apuesta, aceleró de tal manera y empezó a correr a tal velocidad, que a pocos metros de la rotonda pisó con tanta fuerza el acelerador que hizo impactar el pedal contra el pavimento a una velocidad tal que el coche saltó como impulsado por una pértiga, dio varias vueltas de campana y, efectivamente, llegó primero a la rotonda… pero siendo un verdadero milagro que el vehículo no estallase en llamas y que sus ocupantes salieran ilesos del automóvil. Tanto que una vez pasado el susto, los cuatro músicos se fueron al pub más cercano a celebrar que los cuatro seguían vivos y, con toda seguridad, alentados por el alcohol, se animaron a llamar a John Paul Jones, el bajista de los Zep y todos se fueron juntos a los Morgan Studios para pasar entre dos y tres horas haciendo una jam-session tocando temas de blues clásico y rock’n’roll de Chuck Berry que obviamente debió ser memorable. Incomprensible que nadie grabara lo que pasó aquella nublada tarde de febrero de 1975 en los Morgan Studios.

Tema a tema

Hole In The Sky

Es uno de los temas más genuinamente duros, intensos y heavymetaleros de toda la historia de Black Sabbath y para quien suscribe estas líneas, uno de los mejores de toda su trayectoria pese a que no esté entre clásicos de la categoría de “Paranoid”, “War Pigs” o “Sabbath Bloddy Sabbath”. Una base de ritmo densa, poderosa, sobre la que cabalga un venenoso riff de guitarra cargado de distorsión y Ozzy cantando, con un dramatismo estremecedor, en tonos más altos de lo habitual.

Don´t Start (Too Late)

No es en realidad una canción como tal, sino casi un puente instrumental entre dos canciones. Una suerte de improvisación de guitarra acústica de Tony Iommi que no llega ni a un minuto de duración, aunque lleno de sensibilidad y de magia.

Symptom Of The Universe

Este tema sigue la línea más dura, más heavy de los Black Sabbath de ‘Sabotage’, basado en uno de esos riffs que muchas veces James Hetfield de Metallica definió como emergidos de las profundidades del infierno, aunque en su desarrollo evoluciona hacia una parte final más melódica tipo medio tiempo, donde desaparece la distorsión y la canción cambia por completo de ritmo y estructura. Una muestra de los Black Sabbath más experimentales.

Megalomania

Atmosférica epopeya de casi diez minutos cuya letra trataba sobre la locura y el aislamiento, que Ozzy Osbourne capturó con su voz desesperada y atormentada. Es quizá una de la canciones de esta época que guardan una proximidad mayor por su composición y la manera en la que fue producida, con el estilo y la esencia de los Black Sabbath del comienzo, de los dos o tres primeros discos, también por los detalles pseudopsicodélicos que habitan a lo largo de todo su desarrollo instrumental. Un medio tiempo denso, lento, muy Sabbath, a medio camino entre el blues progresivo y el hard rock, que al igual que en el caso de “Symptom Of The Universe”, en su progresión final, cambia por completo para convertirse en un rock duro, fuerte y crudo, con un riff magistral de Tony Iommi y una base de ritmo en la que Geezer Butler sobresale por la fuerza que sus líneas de bajo imprimen a toda la canción.

The Thrill Of It All

Hard rock que empieza como un medio tiempo muy denso, que pronto hace transición hacia un tema con un ritmo más acelerado y unas líneas vocales mucho más melódicas y pegadizas incluso, con un solo de guitarra de Tony Iommi magnífico y que si hubiera sido algo más corto, podría haber sido una acertadísima elección como single.

Supertzar

Épico instrumental, que bien podría haberse incluido en la banda sonora de una película sobre batallas medievales, con un trabajo muy inspirado a la hora de ensamblar los coros incorporados por el English Chamber Choir, famoso por su participación en discos como la versión para teatro musical de ‘Tommy’ de los Who o en las puestas en escena de ‘Journey To The Center Of The Mind’ de Rick Wakeman, trabajo del que se encargó especialmente Will Malone, años más tarde productor del primer larga duración de Iron Maideny que muestra una cara poco conocida y por desgracia, poco explotada por el propio grupo en sus discos de este periodo.

En sus memorias ‘I Am Ozzy’, el cantante describió su experiencia el día en que se grabó: “Entré en los Morgan Studios y en un primer momento, creí que me había equivocado de sala de grabación. Había un coro completo de cuarenta miembros junto con un arpista de ochenta y seis años. Hacían un ruido como si Dios estuviera dirigiendo la banda sonora del fin del mundo. Jamás entendí como a Tony se le ocurrió semejante idea”.

Am I Going Insane

Se dice que a Ozzy Osbourne nunca le gustó esta canción, que indudablemente rompe con el estándar más o menos establecido en el estilo Sabbath y que aún siendo una canción casi de pop-rock, tiene una cadencia siniestra y un aire decadente realmente logrados. El final, con esas inquietantes carcajadas y las voces de ultratumba, se funde con el comienzo del siguiente tema.

The Writ

Medio tiempo en el que Black Sabbath juegan de nuevo con diferentes cambios de ritmo, diferentes sonoridades y en el que se dejan llevar por una vez más por su vena más experimental, introduciendo pasajes melódicos y baladísticos en un tema en el que encontramos partes muy duras, muy heavymetaleras y en las que la guitarra de Tony Iommi y la voluminosa base de ritmo de Geezer Butler y Bill Ward imprimen a este “The Writ” las señas de identidad más características de Black Sabbath.

Esta fue una de las pocas canciones de Black Sabbath cuya letra fue escrita por Ozzy Osbourne, ya que la mayoría fueron escritas por Geezer Butler. Siempre llamó la atención como introdujeron interludios más melódicos y acústicos en los que la voz de Ozzy era particularmente expresiva, tal vez porque había escrito la canción para expresar su propia frustración personal con la forma en que el ex manager de Sabbath se había aprovechado de ellos.

El legado

Toda vez que ‘Sabotage’ se puso a la venta, Black Sabbath iniciaron una gira por Estados Unidos y Canadá entre julio y septiembre de 1975, que se prolongó entre octubre y noviembre por Inglaterra y Europa. En diciembre volvieron a girar por América, y entre enero y febrero hicieron una última gira por Inglaterra, tras la cual, volvieron a sus locales de ensayo para empezar a componer los temas que se incluirían en su siguiente trabajo, ‘Technical Ecstasy’ y preparar con sus abogados el juicio final contra sus managers, que se celebró finalmente en el verano de 1976.

En lo que a ventas y posición en los charts se refiere, ‘Sabotage’ funcionó bastante mejor en Inglaterra y Europa que en Estados Unidos. Fue disco de oro en el Reino Unido (100.000 copias vendidas) en octubre de 1975, y llegó al nº7 de las listas de ventas a mediados de julio de aquel año. En América no puede decirse que tuviera un mal resultado, aunque vendió algo menos que ‘Sabbath Bloody Sabbath’ y llegó en julio de 1975 al nº28 de la lista oficial de ventas de álbumes de Billboard.

‘Sabotage’ en su edición 2021

Indudablemente, el 21 está siendo un gran ha año para los fanáticos de Black Sabbath. En los primeros meses del año en curso, Rhino ya lanzó una caja similar a la que se va a poner en circulación del álbum de 1972 ‘Black Sabbath Vol. 4’, seguido de dos ediciones especiales en 2CD’s de los dos primeros álbumes de la era Dio. Ahora, la etiqueta ha anunciado otra caja de súper lujo para reeditar el álbum que hoy nos ocupa, el ‘Sabotage’ de 1975. A partir del 11 de junio, estará disponible en ediciones de cuádruple CD y cuádruple disco de vinilo.

Esta edición Súper Deluxe consta de una versión remasterizada del álbum original más un disco en directo con un concierto completo de la gira estadounidense grabado en vivoel 5 de agosto de 1975 en el Convention Hall en Asbury Park, Nueva Jersey. Ambos formatos incluirán un bonus-disc de 7 pulgadas con la reedición del sencillo lanzado en su día de “Am I Going Insane (Radio)”y “Hole In The Sky”, con la misma portada de la edición japonesa de aquel single. La remasterización del nuevo álbum también estará disponible a través de las plataformas y servicios de streaming habituales.

El box-set incluye asimismo un folleto con notas, fotos inéditas y recuerdos y recortes de prensa de la época, así como una nueva edición del libro de gira, los anuncios de la actuación en el Madison Square Garden de Nueva York y una réplica del póster oficial de la gira.

Este es el tracklisting de los discos:

Disco 1: Álbum original remasterizado

  1. “Hole In The Sky”
    2. “Don’t Start (Too Late)”
    3. “Symptom Of The Universe”
    4. “Megalomania”
    5. “Thrill Of It All”
    6. “Supertzar”
    7. “Am I Going Insane (Radio)”
    8. “The Writ”

Disco 2: North American Tour Live ’75 (I)

  1. “Supertzar”/“Killing Yourself To Live”
    2. “Hole In The Sky”
    3. “Snowblind”
    4. “Symptom Of The Universe”
    5. “War Pigs”
    6. “Megalomania”
    7. “Sabbra Cadabra”
    8. Jam 1 (incluye solo de guitarra)
    9. Jam 2 (incluye solo de batería)
    10. “Supernaut”
    11. “Iron Man”

Disco 3: North American Tour Live ’75 (II)

  1. Guitar Solo (incluyendo fragmentos de “Orchid” y “Rock ’n’ Roll Doctor”)
    2. “Black Sabbath”
    3. “Spiral Architect”
    4. “Embryo”/“Children Of The Grave”
    5. “Paranoid”

Disco 4

  1. “Am I Going Insane (Radio)”
    2. “Hole In The Sky” (edición japonesa)

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