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Nirvana: Un artista reclama en los tribunales el icónico logo de la cara sonriente

El famoso smiley amarillo que Nirvana utiliza como logo ha vuelto a ser objeto de polémica después de que el año pasado la banda denunciara a Marc Jacobs por utilizarlo (a lo que la empresa cuestionó que Kurt Cobain fuera su verdadero creador). En este caso, ha sido el diseñador gráfico independiente Robert Fisher quien se ha atribuido la autoría de dicho logo, presentando el 13 de septiembre una moción reclamándolo ante los tribunales como suyo.

Así lo ha afirmado Billboard, medio que se ha hecho eco de las declaraciones que Fisher ha realizado a través de su representante, Inge De Bruyn, quien asegura que se ha estado “atribuyendo erróneamente la ilustración a Kurt Cobain”, al tiempo que “tampoco sabía que, en 1993, Nirvana, Inc. registró los derechos de autor del diseño de la camiseta Happy Face, nombrándose a sí mismo como el autor. Robert siempre ha sido una persona bastante reservada, y no alguien que haga alarde de sus logros. Dicho esto, hay una línea clara entre las personas que especulan sobre los orígenes y la autoría de su trabajo y que se atribuye erróneamente a otra persona. La mayoría de la gente creativa discutiría eso. Los artistas merecen el debido crédito por su trabajo. Muchas veces, es todo lo que obtienen”.

“La regla del derecho de autor es que el creador individual de una obra debe ser considerado su autor y propietario original. Esa es realmente la premisa básica. El “trabajo por contrato” como ficción legal constituye una excepción muy limitada a esa premisa. Como se explica en las reclamaciones, no creemos que, según la ley, esta excepción se aplique aquí. Y la situación es que si Robert no hace valer sus derechos ahora, corre el riesgo de perderlos para siempre”, añade De Bruyn.

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Crítica de Seether: Si Vis Pacem Para Bellum

Siempre he reivindicado que Seether debería tener muchísima más repercusión de la que actualmente gozan. Hay que reconocerles que, con los altibajos lógicos de una trayectoria que abarca ocho álbumes, ha mantenido intacta la raíz de la propuesta musical que sembró con ‘Fragile’, su debut que vio la luz hace ya dos décadas. Desde que comenzaron su andadura en 1999, todavía bajo el nombre de Saron Gas, han ido subiendo escalones sin hacer demasiado ruido hasta colocarse como una de las bandas más consolidadas de lo que a mucha gente le gusta etiquetar como post-grunge.

‘Si Vis Pacem Para Bellum’ (traducido del latín ‘Si quieres paz, prepárate para la guerra’) es el nombre elegido para destapar el silencio tres años después de su última referencia discográfica, ‘Poison The Parish’ . Otro dato para remarcar es que es el primer álbum con Cory Lowery en la banda (Saint Asonia, Stuck Mojo) apoyando en guitarras y coros.

“Dead And Done” arranca con enormes riffs crudos, santo y seña de los sudafricanos, en compañía de un Shaun Morgan desgañitándose en el estribillo como hacía tiempo que no veía en él. Le sigue “Bruised And Bloodied” con Dale Stewart pilotando el bajo como timón en todo el tema, muy “nirvanero” por cierto, que parece sacado de la época de “Holding Onto Strings Better Left to Fray”.



“Wasteland” es un tema infalible, reconocible en el propio ADN de la banda y es que, cada medio tiempo que componen, es sinónimo de éxito. La intro de “Dangerous” me ha recordado a Tool, una de esas melodías que se fosilizan en el cerebro sin darte cuenta hasta toparte con un estribillo que creerás que llevas toda la vida oyendo. Avanzando encontramos “Liar”, otra obra maestra de composición sutil llena de exquisitos arreglos, “Can’t Go Wrong” funde agresividad y melodía a través de una progresión muy natural, John Humphrey impregna de una batería muy setentera a “Buried In The Sand” mientras que las guitarras melódicas toman protagonismo en “Let It Go”. “Failure” o “Drift Away” serían esos temas que encajarían en cualquier emisora que pusieras en el coche y las viscerales “Beg” o “Pride Before The Fall” serán apisonadoras en directo.

Para cerrar un álbum de diez se han decantado por “Written In Stone”, sonidos calmados pero que calan en lo más profundo del oyente, otra de sus especialidades. Recordemos que alcanzaron popularidad con “Broken”, un tema de las mismas características en colaboración con Amy Lee de Evanescence.



Pocos grupos pueden presumir de tener una trayectoria prácticamente intachable y Seether son uno de ellos. ‘Si Vis Pacem Para Bellum’ está nominado a ser uno de los mejores discos de 2020.

No olvides que La Heavy 424 incluye una entrevista a Shaun Morgan, líder de Seether, así como otras muchas a artistas y bandas como Kirk Hammett (Metallica), Pain of Salvation, Finntroll, Napalm Death y más. Ozzy Osbourne, Marilyn Manson, Avatar 0 Moonspell entre otros completan el line-up de esta revista que puedes adquirir ya en tu kiosko de referencia o en nuestra tienda online.

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Dee Snider considera “un insulto” a su padre que Donald Trump “tenga colegueo” con Kim Jong-un

Dee Snider, vocalista cuya relación con Donald Trump se ha deteriorado con el paso del tiempo hasta el punto de haber cargado contra su antiguo amigo por su gestión de la pandemia, ha criticado duramente que el Presidente de Estados Unidos haya llegado a establecer cierta amistad con Kim Jong-un, líder supremo de Corea del Norte.

Estas han sido las palabras del ex-Twisted Sister al respecto durante una charla con Rock on Nations with Dave Kitchen: “Viajando por el mundo, no estoy contento con la forma en que se nos ve fuera de Estados Unidos. Y tampoco lo estoy porque mi padre era veterano. Luchó en Corea. Ciento setenta mil hombres y mujeres murieron, en su mayoría hombres; mi padre casi muere luchando contra Corea del Norte para ser amigos de Kim Jong-un… Mi padre estaba luchando contra China, Rusia y Corea del Norte. Estaban unificados, y esos tigres no han cambiado sus rayas, gente. No pienses ni por un segundo que han cambiado. Es una especie de insulto para mi padre que nuestro presidente tenga colegueo con estos países; no tanto con China; él está muy en desacuerdo con ellos. Pero Corea del Norte… Repugnante, vergonzoso. Lo siento. Así es como me siento. Estoy muy orgulloso del servicio de mi padre, y sencillamente es un insulto para él”.

Os recordamos que La Heavy 424 incluye una interesantísima entrevista a Dee Snider, además de charlas con Kirk Hammett (Metallica), Finntroll, Napalm Death y muchos otros grupos. Este número también se encuentra protagonizado por otros iluestres como Ozzy Osbourne, Marilyn Manson, Avatar, Pain of Salvation y muchos más. ¡Consigue ya tu tomo de La Heavy en el kiosko o recíbelo en casa adquiriéndolo en nuestra tienda online!

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Crítica de Kamelot: I Am the Empire – Live from the 013

Curioso reencuentro con Kamelot, banda a la que, como muchos otros, fui perdiendo la pista progresivamente tras la salida de la formación del vocalista Roy Khan. Integrantes de la saturada escena power metal con toques melódico-sinfónicos de finales de los 90 y principios de los 2000 (años en los que vivieron sus mayores cotas de éxito) el grupo ha ido adaptando su sonido y su formación a los nuevos tiempos para sobrevivir en la segunda división del heavy metal internacional.

Ahora regresan dos años después de su último lanzamiento discográfico con este ‘I Am the Empire – Live from the 013’, su tercer directo oficial (quinto si contamos los publicados junto a ediciones especiales) grabado el 14 de septiembre de 2018 precisamente en la famosa sala holandesa 013 de Tiburg.

En él vas a encontrar más de 100 minutos de música repartidos en 21 canciones y material extra que, prácticamente en su totalidad, se centran en los tres últimos discos de la banda con la voz de Tommy Karevik como frontman (Silverthorn’, ‘Haven’ y ‘The shadow theory’) y que contienen esos toques de Gothic Metal más adaptados a los tiempos que corren y a su nueva legión de fans. Aunque no podían quedar fuera clásicos como ‘Forever’.



La interpretación de la banda es impecable y la producción del sonido, a cargo de famoso Sascha Paeth (Avantasia, Epica…), es espectacular pero en pleno 2020 un disco en directo con dos años de antigüedad desde que fue grabado queda algo soso y obsoleto teniendo en cuenta la forma en la que se consume música hoy en día, de modo que su versión en audio puede catalogarse casi como una pieza para verdaderos fans coleccionistas del grupo a sabiendas que una versión en DVD tiene muchos más alicientes a la hora de soltar tus euros y poder ver cómo es realmente la descarga de Kamelot en directo. Pero no desesperes, tal y como sucede actualmente con la mayoría de álbumes de este tipo, podrás encontrar diferentes formatos de venta de éste directo (digital, cd, vinilo, DVD, Blu-Ray, Deluxe Box…).

Los más curioso del álbum es la lista de colaboraciones que puedes encontrar en él complementando el sonido de la banda. Alissa White-Gluz (Arch Enemy) colabora en ‘Liar, liar – Wasteland monarchy’, ‘March of Mephisto’ y Sacrimony – Angel of afterlife’ junto a Elize Ryd (Amaranthe); Charlotte Wessels (Delain) en ‘Under grey skies’; Sascha Paeth en ‘Ravenlight’; Lauren Hart (Once Human) en ‘Phantom divine – Shadow empire) y Eklipse en ‘My confession’. Incluso el hijo del guitarrista y líder de la banda Thomas Youngblood colabora junto a un coro de voces infantiles en ‘Burns to embrace’.



No me voy a meter en si eran mejor los Kamelot con sonido Power de Roy Khan o estos con toques góticos de Tommy Karevik pero la versión en formato audio de este ‘I am the empire – Live from the 013’, pese a su calidad, queda muy desangelada frente a su versión en DVD y te lleva a pensar que nuevamente es una jugada para sacar el dinero a los fans incondicionales de la banda que quieren coleccionar todo su material.

Recordad que La Heavy 424 cuenta entre sus páginas con una entrevista a Kamelot, así como más charlas con Kirk Hammett (Metallica), Pain of Salvation, Finntroll, Seether o Napalm Death entre otros ilustres nombres. Además, Ozzy Osbourne, Marilyn Manson, Avatar 0 Moonspell son sólo algunos de los demás grupos que encontrarás en La Heavy 424. ¡Hazte ya con ella en tu kiosko habitual o en nuestra tienda virtual!

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Entrevista a Javier Sólo: “Soy muy sincero al escribir, lo que me permite contextualizar cada canción”

Javier Sólo echa la vista atrás y analiza su trayectoria en ‘Cuando mi alma es un cancionero, tu cara es un poema’, lanzamiento del que puedes leer nuestra crítica y que supone un repaso a los temas más trascendentales de su carrera para el propio artista de Castelldans. Este estreno es el motivo por el que Álvaro González le dispara la siguiente ronda de preguntas.

Por qué te has animado en un proyecto como este en este momento de tu carrera? ¿Por qué no antes o un par de años más tarde?

“Quince años de trayectoria musical bien merecen una pausa para asimilar todo lo vivido y atarse con doble nudo los zapatos para correr hacia el futuro.  Espero repetir un Libro-disco a los 20, a los 25, a los 30, etc.”.

Javier actuando en la sala Siroco de Madrid en diciembre de 2019. Foto: Darachriss.

Desde el pasado 12 de junio podemos escuchar el disco ‘Cuando mi alma es un cancionero, tu cara es un poema’. ¿Qué puedes contarnos del libro que lo acompaña?

“Con él he pretendido realizar un repaso a toda mi carrera, pero también reflejar mi evolución como letrista y como persona. Soy muy sincero al escribir, lo que me permite contextualizar cada canción, por qué fue escrita, dónde, y los cambios que me provocó tanto la historia que cuenta como el escribirla y compartirla. 15 años de trayectoria dan desde luego para innumerables historias y anécdotas que recordar”.

Sin embargo, para este libro has puesto el límite en 50 canciones que desgranas. ¿Cómo has elaborado esta selección?

“Todas las canciones que he escrito a lo largo de mi vida guardan un sentido, una necesidad, pero estas 50 canciones son muy especiales, porque provocaron en mí cambios personales o de residencia. Sólo hay que leerlo, dejarse llevar y darle al play cuando nos encontremos con una de las 17 historias que están incluidas en el CD. Cuento y canto muchos secretos”.

¿Habías escrito antes en prosa? ¿Cómo de complicado resulta en comparación a componer canciones?

“Puedo decir que soy escritor por accidente, pero la verdad es que me ha gustado la experiencia. No descarto escribir el volumen II de ‘Cuando mi alma es un cancionero, tu cara es un poema’. De hecho, algunos familiares y amigos que me siguen desde los inicios me han recordado algunas canciones que ni tengo en los discos duros. Tendré que hacer un rastreo mejor entre mis papeles a ver qué encuentro”.

En estos 15 años, la lista de artistas con los que has colaborado es enorme. ¿Con qué músicos con los que no hayas tocado ya te gustaría tener la oportunidad de trabajar en un futuro?

“Grabar una canción con Fito sería un lujo enorme, lo sigo desde su primer disco. Depedro ha sido un descubrimiento de hace poquito, y también me gustaría hacer algo con él; es pura energía y optimismo. ¡A ver si me lo pega! Y aquí me planto, porque son muchos los artistas que admiro y con los que me gustaría trabajar. Este oficio permite unas sinergias, unas oportunidades de mezcla y compromiso mutuo que me encantan”.

En ‘Cuando mi alma es un cancionero, tu cara es un poema’ encontramos, junto a remezclas de varios de tus temas más conocidos, canciones nunca antes publicadas. ¿De cuánto material inédito dispones? ¿Tendremos la oportunidad de escuchar más próximamente?

“Pues tengo un disco de una de mis antiguas bandas, Imprudentes, que igual publicamos integro más adelante porque no está disponible en ninguna plataforma digital y en formato físicos ya no nos quedan. Ya veremos. Pero ahora mismo tenemos otros objetivos”.

Una vez parece que ha pasado lo más duro de esta pandemia, ¿qué planes en directo se te plantean?

“Hemos preparado un directo ‘Gira quince años y un día’ tanto en eléctrico como en acústico para presentar este libro-disco.  Y ya tenemos varios compromisos cerrados por toda la península y por México. A ver si esta tragedia nos permite ir, poco a poco, retomando los escenarios cada vez con más público”.

Muchas gracias por tu tiempo. A continuación, tienes un espacio para dirigirte directamente a los lectores de MariskalRock.

“Detrás de una tragedia siempre existe una oportunidad de cambio. Debemos intentar materializar los sueños, ahora y siempre. Ya sabemos que nunca es tarde y que la calle está llena de oportunidades. Caminemos dejando a nuestro instinto el timón, y dejemos que la vida nos sorprenda. Un fuerte abrazo a todas y todos desde Castelldans”.

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Kiss: 35º Aniversario de “Asylum”, la consagración de Bruce Kulick


En el otoño de 1985 un nuevo album de Kiss sería publicado. ‘Asylum’ inicialmente no alcanzó el estatus de platino, y las ventas fuera de EEUU sólo totalizarían la mitad de las seis cifras. Kiss tenían un nuevo guitarrista, el tercero desde que Ace Frehley se marchara. Bruce Kulick, de 32 años y de Nueva York, fue contratado después de que Mark St. John, aquel rápido guitarrista, contrayese una enfermedad llamada Síndrome de Reiter que le impedía tocar. Kiss se vieron obligados a sustituirle. Bruce Kulick era un experimentado músico de sesión que había estado en varias bandas. Su hermano, Bob Kulick, también guitarrista de sesión, tenía amistad con Gene y Paul, y había trabajado con Kiss en anteriores discos en estudio.

Kiss permaneció en los Electic Lady Studios de la ciudad de Nueva York para trabajar en su álbum durante ocho semanas, la menor cantidad de tiempo invertido por la banda en el estudio desde los días de ‘Dynasty’. También fue lo más rápido en lo que Kiss pasaron de una gira a grabar en estudio desde la época del ‘Love Gun’. En esencia, fue su forma de mantener la espontaneidad que pensaban había inflado su música desde el lanzamiento de ‘Animalize’.

“La mejor forma de la que podemos hacer un álbum es terminar una gira, y mientras todavía estamos emocionados y la química está caliente, meternos en el estudio”, le dijo Paul a Gerri Miller en la revista Metal Edge. “Así es cómo hicimos ‘Animalize’, y así es cómo hicimos ‘Asylum’. Terminamos la gira, nos tomamos un mes libre, fui a casa, no salí mucho de ella, y simplemente compuse”.

Comparativa entre las portadas y contraportadas de de ‘Shock’ y ‘Asylum’.

La banda completó el álbum a finales del verano, y los rumores iniciales indicaban que el álbum sería lanzado en septiembre de 1985 como ‘Out Of The Asylum’. En cambio el álbum fue lanzado como ‘Asylum’, e incluía una portada concebida por Paul Stanley y diseñada por la agencia publicitaria de Howard Marks. La portada incluía las cuatro caras de los miembros de la banda con la cara pintada en un tono color carne, y los labios de cada uno coloreados con el color de esos miembros, o sus predecesores, en los discos en solitario de 1978. El diseño coloreado del disco ‘Asylum’ viene porque Paul Stanley le mostró a Dennis Woloch la portada de un álbum que le gustaba de un grupo llamado The Motels que tenían una foto en la portada coloreada; el álbum fue grabado en 1984 y titulado ‘Shock’. Paul quería algo similar, que capturase ese tipo de concepto y diseño artístico y plástico del desarrollo del pop art. KISS hicieron una sesión de fotos y, posteriormente, algunas de ellas fueron coloreadas. Finalmente, quedaron plasmadas en la portada y contraportada del álbum. Paul Stanley diría del diseño final del ‘Asylum: “¡Me recuerda a Andy Warhol!”. Iba a convertirse en la portada que los fans calificarían como una de las peores de la banda, y aunque la propia banda la defendía en esa época, Gene salió años atrás describiéndola como “una portada horrorosa”.

No se hicieron demasiados cambios entre las grabaciones iniciales y el producto final, ya que la lista de canciones no cambió, ni había una variedad de canciones descartadas. El único cambio importante ocurrió con la modificación del título de una canción de “Run For Your Life” por este otro título: “I´m Alive”. Paul y Gene tienden a mirar el álbum como nada más que una continuación del ‘Animalize’. “Probablemente siento lo mismo por ese álbum que por ‘Animalize’”, le dijo Gene a Ken Sharp en Goldmine Magazine. “De la misma forma que ‘Rock And Roll Over’ y’ Love Gun’ eran discos hermanos. Estábamos intentando desesperadamente recapturar lo que éramos en los setenta pero tampoco queríamos sonar a los años setenta, que es por lo que cogimos un guitarrista rápido e intentamos hacer algún trabajo de producción”. Paul recordaba el álbum más generosamente que Gene, dándole tres estrellas y afirmando que “fue un intento de continuar ‘Animalize’, pero no creo que fuese tan bueno”.

Eric Carr también expresó algo de decepción por tener dos canciones que había escrito para el álbum siendo descartadas sin consideración. “Tenía un par de cosas que yo pensaba que eran realmente buenas. Lo que sucedió es que Paul estaba inspirado esta vez con algunas canciones increíbles. Gene vino con otras. Después Bruce vino con al menos tres que él había coescrito. Con todo eso, teníamos tan buen material que el que yo presente, esta vez, no era tan bueno como el que  había llevado en otras ocasiones, así que no se usó nada” Eric dijo a Kiss Crazy fanzine. Esta autocrítica de sus propias composiciones también iba a convertirse en la excusa clásica que Eric daba a los entrevistadores por la supresión de sus canciones en discos posteriores. Con aquellos al control del contenido del álbum decidiendo evitar el usar las contribuciones de Carr, además de rehusando las crecientes peticiones de Eric para cantar en un álbum.



El álbum es la primera muestra en vinilo de Bruce Kulick, en el que demuestra a los fans de Kiss su talento como guitarrista y compositor. El álbum fue también el primero de la banda en tener tres videos musicales desde los tres hechos para promocionar ‘Rock And Roll Over’ en Don Kirschner’s Rock Concert en 1977. El álbum también llegó al nº 17 de las listas Cashbox, y muchos de los conciertos de la gira funcionaron bien o incluso se llenaron gracias a la bajada de precios en las entradas.

El album lograría la certificación de Disco de Oro al alcanzar las 500.000 copias vendidas. El ‘Asylum’ tour comenzó el 29 de noviembre de 1985 en Litte Rock, Arkansas y finalizaría el 12 de abril de 1986 en Pennsylvania con un total de 91 shows recorriendo Usa y Canadá. Los teloneros fueron las bandas Black n Blue, Blue Oyster Cult, King Kobra y Wasp.

El tema “Any Way You Slice It” fue tocada solo en la primera noche de la gira, “King of the Mountain” solo duraría 2 noches en el repertorio, solo perduraron hasta el final de la gira “Uh all Night” y “Tears are Falling” como las novedades del nuevo álbum.

La gira para el álbum tenía que haber empezado a comienzos de noviembre de 1985, pero fue aplazada hasta el 29 de noviembre debido a un tirón en un músculo de la ingle de Paul mientras ensayaban para la gira. El 29 de noviembre vio a la banda empezando en Little Rock, Arkansas, con un escenario diseñado por Mike Tate que incluía plataformas a izquierda y derecha del escenario, con enormes escaleras amarillas que tenían forma de rayos. Las escaleras estaban un poco inclinadas en un ángulo y se tenía que bajarlas corriendo. “Así que bajaba corriendo por esas escaleras, pasaba a toda velocidad junto a Gene y Paul, y subía corriendo por las otras escaleras. Di un traspié subiéndolas, clave la rodilla en el peldaño y me caí de cabeza sobre el último peldaño. Los chicos estaban a unos seis metros y estaban partiéndose el culo de la risa. Miré abajo y los tíos en el escenario estaban partiéndose el culo”. Recordó Eric Carr a Kiss Army Asylum fanzine.

La gira también incluía el retorno de trajes identificables para los miembros de la banda. Esta vez, con el resurgimiento de la imagen “glam” volviendo a estar de moda (popularizada por bandas como Poison o Twisted Sister durante este periodo de tiempo), la banda empezó a usar largas chaquetas tipo uniforme con lentejuelas y pantalones y camisetas de muchos colores.

Wayne Sharp: “Los trajes fueron bastante ridículos. Yo tenía 21 años, y era mi primera vez que estaba en la carretera. Además, yo era un gran fan de Kiss, así que cualquier cosa que se hiciera estaba bien para mí. Sin embargo, el vestuario… Recuerdo que en Little Rock, una de las cosas que había que hacer era organizar lo que había llegado para Gene y que se usaría para el solo de bajo de la gira, era una capa que estaba hecha por un fabricante de trajes de Los Ángeles. Esto llegó en una gigantesca caja. Era enorme. Era una capa gigantesca de tonos plata y que tenía cosido pequeñas luces en ella, estas luces eran una locura y parpadeaban. Se necesitaba mucha fuerza para poder llevarla puesta,  funcionaba con una pequeña batería, a la que tenía que estar conectada.  Pesaba al menos unas 50 libras. Yo nunca lo voy a olvidar, se puso esa capa, y las luces del escenario estaban apagadas. Y luego, cuando las luces se encendieron, Gene estaba de píe allí con los brazos cruzados, ya sabes que lo hace mientras está mirando a su alrededor, y entonces él comienza a agrietarse, riendo. Él se reía de su culo. Y luego tiró de frente e hizo su solo, y eso fue todo…”. (Página 104. ‘The Eric Carr Story’).

Según Wayne Sharp, solo vio esta capa usarse en un Show, pero ciertamente Gene la uso en varios, al menos en los conciertos que comprendieron entre el 3 y el 11 de diciembre de 1985. Unos 6 shows vieron a Gene hacer su solo de bajo con esta capa.

La capa no se llegó a usar en toda la gira, no existen apenas fotos profesionales. Al menos que sean hechas por fans no existen imágenes, pues no era usada  en los cuatro primeros temas, que es cuando están en el foso los fotógrafos profesionales. En el libro ‘Kiss the Auction’ y en el cual dice que nunca se usó en un escenario, su valor de salida y precio estimado fueron entre 5.000/7.000 dólares.

En esta época, Gene había empezado a usar peluca. Él tenía varios juegos de pelucas que usaba en el escenario, en las sesiones de fotos ect. Presumiblemente, estaba perdiendo el pelo, el toque de difuntos para una estrella del rock que había presumido de una gran melena desde sus comienzos, y una tragedia para su papel del demonio del rock. La foto de la contraportada del ‘Animalize’ incluía a Gene con su primera peluca, evidentemente la portada del coloreado ‘Asylum’ también incluía a un Gene con pelucón. No resulta sorprendente que hubiese muchas bromas de Paul por el asunto, que satirizaba a Gene por necesitar siempre tiempo para “retocar su peluca”.

En teoría la peluca no era una mala idea, pero nunca parecía real, incluso en las fotos con muchos retoques, no era para nada como la melena natural de Gene, y le daba un aspecto poco real. Un juego de ellas costaba mil dólares. La peluca se convirtió desde entonces en algo fijo.

También incluía la gira a la banda interpretando una versión del “Won´t Get Fooled Again” de The Who. Aunque la banda había hecho y haría versiones semejantes en otras giras, esta fue la primera y única vez que lo harían tan intencionadamente.

De nuevo, como con muchas de las giras de la banda, se hicieron promesas de visitar Europa y Japón tras girar por Estados Unidos, y de nuevo nada iba a ocurrir para satisfacer estas promesas. En cambio, la banda actuó desde el 29 de noviembre hasta el 11 de abril, terminando la gira en el Meadowlands en Nueva Jersey.



Los promotores continuaban arriesgándose con las giras de Kiss. Dave Lucas era uno de los más fieles promotores de la banda y no tardo en contratar y promocionar fechas para la nueva gira de Kiss. Una de ellas fue en San Juan, Puerto Rico, en enero de 1986. Dave Lucas estaba buscando nuevos mercados y se asoció en esta ocasión con un empresario local de San Juan. Aquí, los costes y las incertidumbres eran demasiado grandes, especialmente con el transporte aéreo y los costes de viaje que tenía que absorber. Dave quería a Kiss y mantuvo su oferta. Pero la iglesia católica de San Juan de Puerto Rico, aconsejo a los padres que mantuviesen a sus hijos alejados de Kiss y artículos en las prensa les vinculaban con el satanismo. Dave perdió un pastón promocionando a Kiss en Puerto Rico.

Los promotores a los que les había ido mal con Kiss en las dos últimas giras ahora estaban haciendo cola para renegociar sus acuerdos. Muchos habían perdido dinero en anteriores shows y ahora era el turno de intentar recuperar algo de lo perdido. Frank Russo, uno de los principales promotores en New England y un fijo de Kiss desde hacía mucho tiempo, era uno de ellos y quería mejores condiciones para sus shows  y no volver a palmar dinero. La oficina de Kiss necesitaba de todos esos promotores para seguir dando fechas por el país, así que no les quedó más remedio que permitirles el mantener más beneficios, reducir la exigencia de seguros y ampliar las garantías de las fechas contratadas. Resumiendo, los promotores necesitaban condiciones más flexibles.

Kiss necesitaban de cinco shows a la semana para no perder dinero, con ello casi se quedaban a pre; rechazar shows porque los tratos no estaban lo suficientemente ajustados o las garantías eran demasiado bajas, era literalmente como dispararse en el pie. Necesitaban a todos sus promotores y todo el dinero que pudiesen. Si se corriese la voz entre los promotores de que la nuevo tour de Kiss podría ser una “gira muerta”,muy pronto no habría ningún promotor haciendo ofertas.

La gira ‘Asylum’ no fue muy diferente de la última, una media de 5.000 personas por noche. Había una gran diferencia de asistencia dependiendo del estado, en Sacramento se venderían 2.600 entradas pero en Philadelphia se venderían 10.000. Los precios de las entradas también variaban. Los shows en pabellones tuvieron un precio de 12,50 dólares, en ocasiones tan solo 10 dólares. Muchos promotores no habían cambiado el precio de sus tarifas en las entradas desde finales de los 70. Kiss nunca habrían ganado dinero de los porcentajes. También desecharon otra práctica poco rentable, conceder descuentos por las adquisiciones anticipadas de las entradas. Para la gente en general no parecía muy probable que quitar un dólar o dos del precio normal supusiesen un gran estímulo económico para ir a ver a Kiss sin maquillaje. Pero para Kiss a la larga le daría un colchón de aire importante en sus beneficios.

Un dólar o dos en taquilla puede parecer intranscendente, pero en el negocio de los conciertos, estos pequeños incrementos pueden sumar mucho dinero rápidamente. Es un negocio de dinero suelto. Si Kiss solo hacían 5.000 entradas por noche, un extra de dos dólares por entrada traería unos ingresos brutos adicionales de 10.000 dólares. En una semana con cinco shows, serían 50.000 dólares, y en unas veinticinco semanas, la duración de la gira ‘Asylum’, sumaría 1,25 millones de dólares en dinero extra de entradas. Una vez que se cubren los costes del show, muchos de estos ingresos extras fluyen hacia el mínimo aceptable.

Cuando la gira de Kiss llegó a la Costa Oeste, estaban en el meridiano de ella. La gira ‘Asylum’ haría casi 100 conciertos antes de que terminase en abril de 1986. Parecía como si Kiss estuviesen pegados a la rutina. Para Gene Simmons y Paul Stanley, debía ser una tarea monótona. Lo habían hecho incontables veces en los últimos doce años. Se había convertido en un trabajo pesado, pero era la única forma de mantener sus carreras vivas y de pagar sus facturas.

La atmósfera de fiesta ambulante de los viejos días de Kiss en la carretera había sido sustituida por un puntual método. La pesadez se había instaurado como modus vivendi. El Dom Perignon y el Remy Martin habían desaparecido, y los zumos de fruta, los caldos calientes y los brebajes descafeinados tomaron su lugar. Las fiestas salvajes con habitaciones llenas de chicas dieron paso a noches de bolos. Los Learjets rara vez eran vistos; el grupo estaba pasando mucho de su tiempo en sus personalizados autobuses de gira como aquellos popularizados por las estrellas country, con microondas empotrados, literas y videocasetes. Y la coca y la marihuana fueron desterradas de la escena. Kiss en gira a mediados de los 80 estaban prácticamente libres de riesgos. Deshacerse de muchas de esas cosas no era necesariamente una mala idea, pero cambió la disposición de ánimo considerablemente. Kiss eran ahora mucho más una corporativa empresa de rock. Lo que quedaba de su supuesta imagen como agitadores y rebeldes del rock and roll era simplemente una convincente apariencia para mantener felices a los fieles. La realidad era que lo animado se había convertido en rancio.



En los viejos tiempos, Gene y Paul tenían que interactuar con Ace y Peter como iguales. Ahora había dos jefes dando órdenes a los que estaban a su mando, Eric y Bruce. La rutina de la comedia para la prensa con los cuatro miembros de Kiss disputando amistosamente con los periodistas era historia. La función de relaciones públicas era ahora manejada exclusivamente por Gene y Paul.

Habría un nuevo disco de Kiss en 1987. Incluso Paul y Gene notaban la monotonía de sus recientes lanzamientos y los deslucidos resultados de su último álbum, ‘Asylum’. Paul estaba decidido a aparecer con un“gran álbum”, algo que encendería el fuego bajo su carrera de nuevo. La visión de Paul no era como el grandioso pensamiento que había sido responsable de ‘(Music From) The Elder’, pero él quería algo grande e importante. Y se requeriría un importante productor con nombre reconocido, que daría a Kiss la entrada para trabajar con importantes compositores y conseguir emisión radiofónica en las emisoras clave. En resumen, necesitaban un gurú.

Hoy en día, le tengo un cariño especial a este disco: me trae recuerdos de unos años que siempre serán mágicos para mí. Recuerdo un 26 de abril de 2013, yendo a buscar a Bruce Kulick al aeropuerto de Bilbao para llevarle en mi coche desde allí hasta Pamplona. A mitad del trayecto, le acerqué el disco para que lo firmara y me lo dedicase: él sonrió y me dijo que le traía grandes y buenos recuerdos… Tanto el disco, como la gira y su colega Eric Carr. Hablamos durante unos cuantos kilómetros sobre aquel álbum y el talento de Kiss en aquellos años 80…

Fernando Martínez

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Ramoncín estalla contra “la hipocresía de los músicos”: “Los que tenemos que salir a la calle somos nosotros”

Interesante reflexiones las que ha hecho Ramocín en un vídeo en el que critica la inacción del gremio de artistas, cuya presencia en un porcentaje significativo, sobre todo en el caso de los grandes nombres, se echó en falta en falta en las manifestaciones del 17S, convocadas en diversas ciudades españolas y unificadas bajo el grito común “Alerta Roja, hacemos eventos”.

 “Los que tenemos que salir a la calle somos nosotros, desde el más pequeñito hasta el que está ahora mismo en la cumbre y se cree que va a estar siempre ahí, pobrecito”, dice Ramón cuando entra en materia, después de una disertación inicial en la que acusa a los músicos de éxito de “poner la boquita en un sitio y la cartera en otro”.

El cantante madrileño se incluye en la autocrítica y le pone la cara roja a aquellos que, teniendo poder mediático, no se están involucrando suficientemente. “Es vergonzoso que hayan tenido que salir nuestros técnicos, ayudantes, montadores, la gente que trabaja para nosotros, a defender el trabajo nuestro, el de los artistas”.

Dentro de su larga disertación, Ramoncín ejemplifica de forma que cualquiera pueda comprender la paradójica situación que se vivió. “¿Se puede imaginar alguien a los trabajadores de RENFE, de Nissan o de me-da-lo-mismo, saliendo a la calle para reivindicar que den trabajo a sus jefes porque si sus jefes no tienen trabajo ellos no lo tienen y por lo tanto no comen? Es para que se le caiga la cara de vergüenza a este colectivo tan hipócrita”.

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Fallece el bajista original de Van Halen

Hoy, 27 de septiembre, hemos conocido el fallecimiento del bajista original de Van Halen. Tras luchar durante varios años contra un cáncer, finalmente el hombre a cargo de las cuatro cuerdas de la icónica banda californiana ha perdido la vida. Mark Stone militó en Van Halen (así como en Mammoth, nombre que el grupo tuvo antes), entre 1972 y 1974, antes de dejar su puesto libre para Michael Anthony, bajista con el que la formación llegaría a lo más alto.

Esta triste noticia ha sido dada a conocer a través de Instagram por el hermano de Mark, Brad Stone: “Mi querido hermano ha fallecido esta mañana. #markstone #vanhalen #fanhalen”. Pese a la salida de Stone del grupo, la relación entre ambas partes continuó siendo buena, siendo invitado Mark a la boda de Eddie Van Halen con Valerie Bertinelli en 1981. Más tarde, en 2003, Mark aparecía en el DVD ‘Van Halen Story – The Early Years’. Por último, durante 2015 y 2016 Stone tocó puntualmente con Fan Halen, banda tributo a Van Halen.

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Pallbearer entrevista

Brett Campbell de Pallbearer presenta ‘Forgotten Days’ en This Is Metal. Una obra de doom de amplia paleta que rueda libre, firme y sin peajes por las carreteras del rock y metal.

Ya me imagino que el titular a cerca de ‘Forgotten Days’ va a ser “Vuelta a los orígenes”. Sí, eso es lo que nos tememos. Y me horroriza porque es lo último que quiero leer acerca de un disco de una banda que me gusta, normalmente no es cierto porque no hay tantas bandas que estén en un buen momento, y quieran volver conscientemente a hacer su primer disco, eso no sucede. Pero es un truco de promoción que funciona bien con el tipo de audiencia que cree que los primeros tiempos de una banda siempre son los mejores. Y lo son en relación a la energía, la inocencia y esas cosas, sin duda.
Puedes leer esta entrevista en el nuevo número de This Is Metal.

 

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Jakko M Jakszyk de King Crimson Entrevista

Jakko M Jakszyk, guitarrista y cantante de King Crimson, nos presenta ‘Secrets & Lies’, para el que ha contado con Peter Hammill, el propio Robert Fripp y Tony Levin.

¿Te han preguntado muchas veces “cómo es trabajar con Robert”? Oh, sí. De hecho me metí en problemas después de hacer una entrevista con una publicación inglesa, Classic Rock. Me preguntaron: “Robert Fripp tiene fama de ser una persona con la que resulta difícil trabajar ¿Es eso cierto?”. Les respondí que, dentro de mi limitada experiencia en estos últimos años, Robert ha sido increíblemente agradable, generoso y muy colaborativo. El artículo salió a la calle durante los ensayos de King Crimson para una de las giras. Después uno de los ensayos, Fripp me llevó a una esquina y me dijo: “Acabo de leer tu entrevista con Classic Rock ¿Podrías dejar de decir cosas tan agradables sobre mí? Estás arruinando mi reputación” (risas). Así que ahora sólo puedo decir que es un cabrón y que resulta imposible trabajar con él.
Puedes leer esta entrevista en el nuevo número de This Is Rock.