Month: January 2024

En estos tiempos en los que la Inteligencia Artificial ha hecho posible que cualquiera pueda conseguir la imagen más impactante con tan solo dar unas cuantas directrices puede parecer mentira que un artista llegara a jugarse la vida para tener la portada que quería para su nuevo disco, pero si hablamos de David Lee Roth y de 1988 todo es posible, y el que fuera vocalista de Van Halen realmente se jugó el tipo para la icónica portada del álbum ‘Skyscraper’.

El segundo disco de David Lee Roth en solitario vio la luz el 26 de enero de 1988, y además de su característico sonido, con temas como el single “Just Like Paradise” como punta de lanza, el disco llamó la atención por la portada, en la que encontramos al vocalista encaramado a lo alto de una montaña con una gran caída a sus pies. Una imagen que podría haberle costado la vida.

Werner Braun y Ron Kauk fueron los expertos en escalada que acompañaron al aficionado Roth en la expedición realizada al Half Dome del Parque Nacional de Yosemite, en California, donde la montaña se eleva hasta cerca de mil quinientos metros de altura. Galen Rowell era el fotógrafo encargado de capturar las imágenes.

La historia de esta imagen la encontramos en el foro de escalada Supertopo, relatada por Braun en 2005, donde se recuerda que Rowell tenía claro el lugar exacto en el que quería tener a Roth para la imagen de la portada. “Quería a David en una tierra de nadie con muy pocas posibilidades de que algo aguantara una mierda”, recuerda el escalador.

La complicada zona fue recorrida por los expertos dejando los anclajes colocados para que Roth fuera realizando su escalada mientras aseguraba en esos puntos sus cuerdas, pero el punto clave fue un último punto anclado en el muro sobre el que los propios expertos dudaban. “Sobresalía más de tres cuartas partes del muro”, recordaba Braun que le confesó su compañero.

Llegado el momento, el vocalista se encontró con aquel poco fiable anclaje en el muro: “Echó un vistazo a esa cosa y dijo: “¡Joder! No voy a colgarme de esa cosa. Se saldrá y moriré”. Ahora estaba temblando y cagado de miedo”, asegura Braun. “Le dije a David que yo era el técnico y que tenía que tener fe en mi, que el técnico nunca te mentiría”.

El escalador sigue recordando la experiencia: “Le dije que ese anclaje tenía un pie de largo y que veinte centímetros de aquello que estaba mirando estaban metidos en esa grieta, para su total incredulidad”. Su compañero le siguió en aquella mentira y la particular sesión comenzó: “Finalmente, después de más frases de mierda, David se las creyó y se subió suavemente a esa cosa, temblando como un loco, hasta que Galen disparó a la cámara”. Ante el objetivo volvió a mostrarse el David Lee Roth del escenario, mostrando, según relatan, “sonrisas y de todo entre sacudidas y respiraciones profundas”.

Aquella sesión también incluyó las tomas de video que se pueden ver en el videoclip del citado “Just Like Paradise”, donde vemos el complicado terreno al que tuvo que enfrentarse la estrella de rock tan aficionada a las experiencias extremas, como recordaba a Vogue: “He cometido todos los errores posibles. He salido con el equipo equivocado. Terminé en la enfermería en el Amazonas; pensé que me había matado en el Himalaya. Pensé que había matado a todo el mundo pero no a mí mismo en el Pacífico Sur. Estuve casi dos años sin dos muelas porque me las partí por la mitad cuando enfermé de dengue. Me lo he roto todo dos veces, para asegurarme, y he tenido siete operaciones, todas estructurales”.

Dada esta actividad, no es de extrañar que vea los pasos por el hospital con total naturalidad: “Las tres primeras veces que vas, hay todo un equipo de boxes… cuatro generaciones, incluidos tus abuelos, tu madre, la esposa, los hijos, el novio de la hija y todos los demás. La cuarta vez que vas, te abandonan allí”.

De vuelta a nuestros días, Roth ha vuelto a la actualidad con los comentarios de Joe Satriani alrededor de una posible reunión de Van Halen y con un vídeo en el que relataba su experiencia en los últimos conciertos junto a Eddie Van Halen, destacando el comportamiento de su hijo Wolfgang.

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• Joe Satriani, antes de su gira tributo a Van Halen junto a Sammy Hagar, Michael Anthony y Jason Bonham: “No creo que entienda jamás a David Lee Roth”
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Z! Live Rock Fest confirma a The Halo Effect para cubrir la baja de At The Gates en su edición de 2024

La cancelación de todas las fechas que At The Gates tenía programadas en su agenda de directos ha llevado a que el festival Z! Live Rock Fest haya movido ficha rápidamente y ya tengamos confirmada la presencia de otros grandes representantes del death melódico sueco como The Halo Effect.

La banda liderada por Mikael Stanne (Dark Tranquillity) junto a exmiembros de In Flames como Jesper Strömblad o Niclas Engelin, que se completa con Daniel Svensson a la batería y Peter Iwers al bajo, estará demostrando que tiene su sitio ganado a pulso el sábado 15 de junio en el Cooper Stage, ocupando el mismo lugar que tenía reservado At the Gates.

El festival nos anuncia además que habrá una modificación en el cartel que llevará a Persefone a actuar también el día 15 en el Copper Stage, mientras que Legion lo hará el día 13 de junio en el Silver.

Desde la organización nos comunican que ya se ha superado la cifra de 5000 entradas vendidas, celebrando un buen ritmo de venta tanto de abonos como de entradas de día. Ambos pases para el festival se pueden conseguir en este enlace.

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Gun estrena “Take Me Back Home”, adelanto del álbum ‘Hombres’

El 12 de abril es el día marcado para el lanzamiento a través de Cooking Vinyl del que será noveno disco de los escoceses Gun, que nos sorprendió con su título en español, ‘Hombres’, del que se extrae ahora el adelanto “Take Me Back Home”.

El primer disco de temas originales desde ‘Favourite Pleasures’ (2017) también nos presentará al nuevo guitarrista de la banda, Ruaraidh “Roo” Macfarlane. Serán un total de trece canciones las que nos esperen en ‘Hombres’, cuya preventa ya está disponible en este enlace. Diez de ellas formarán el cuerpo central del disco y tres más se sumarán en la edición deluxe.

Este será el tracklist de ‘Hombres’:
1. All Fired Up
2. Boys Don’t Cry
3. Take Me Back Home
4. Fake Life
5. Falling
6. You Are What I Need
7. Never Enough
8. Don’t Hide Your Fears Tonight
9. Lucky Guy
10. A Shift In Time

Deluxe edition
11. Coming Back To You
12. Wrong To Be Right
13. Pride

Sobre la nueva canción, el vocalista, Dante Gizzi, comenta: “”Take Me Back Home” es una canción que abarca todos los aspectos de la obsesión y la determinación. Tenía una profunda fijación con un juego de arcade de conducción llamado “Outrun” cuando era niño. El tema se relaciona con la idea de la intensidad de alto octanaje y la voluntad de completar el siguiente nivel, que siempre estuvo al alcance de la mano pero siempre fuera de tu alcance”.

Dante añade sobre el disco que están “orgullosos del nuevo disco y sabemos que a los fans les va a encantar. Siempre tratamos de avanzar e innovar. Es esencial, ya que es la forma en que nos mantenemos apasionados y entusiasmados por hacer música después de tanto tiempo juntos. También es importante traer sangre nueva e ideas frescas a la banda, y Roo ya ha agregado una nueva dinámica”.

Hay que recordar que la presentación del álbum tendrá una gira especial por nuestro país. Las entradas para estos conciertos ya están a la venta en este enlace.

El mes de mayo será el que nos devuelva a nuestros escenarios a Gun con la gira que comenzará el día 9 en la sala Wolf de Barcelona y terminará el día 19 en la sala Capitol de Santiago de Compostela, tras haber visitado Zaragoza, Valencia, Granada, Sevilla, Madrid, Vitoria, Santander y Ponferrada.

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Eveth pone fecha al estreno de “Mi verdad”, primer adelanto del álbum ‘Sellando el destino’, y muestra un tráiler de su videoclip

El quinto álbum de los mallorquines Eveth llegará el próximo 3 de abril bajo el título de ‘Sellando el destino’, del que recientemente nos mostraban su portada, y muy pronto podremos deleitarnos con “Mi verdad”, tema elegido como primer adelanto junto al videoclip del que nos han dejado un avance en sus redes.

El 6 de febrero es el día en el que se estrenará este primer tema, en el que nos relatarán “la historia de un rey que decide acabar con todo su séquito al verse envuelto en una idea paranoica que envenena su razón. Su corte le ve viejo y quieren sustituirle”.

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Khëlleden anuncia sus próximos conciertos, uno con orquesta incluida

La exitosa presentación del álbum ‘Historias para no dormir’ de los alicantinos Khëlleden continuará en este 2024 con citas especiales de las que los piratas nos informan puntualmente.

La cancelación del concierto que estaba programado para el 3 de febrero en la sala Spectrum de Murcia abre la información que se torna más alegre al poder confirmar citas en Benidorm con Niobe y Ángel Negro, una muy especial en Alicante de la que pronto tendremos más información y la participación de la banda en el Liruprint Fest junto a Lèpoka, Saurom, Salduie o Ars Amandi entre otros.

Además, Khëlleden nos anuncian que están trabajando de cara a la realización de un directo sinfónico para el próximo verano, por lo que seguiremos muy atentos a las andanzas de los alicantinos.

24 de febrero, Benidorm, Sala RockStar + Niobe y Ángel Negro
13 de abril, Alicante
24 de mayo, Motilla del Palancar (Cuenca), Liruprint Fest + Saurom, Lèpoka, Salduie, Ars Amandi, Moonshine Wagon, Hadadanza, Landevir, Kinnia, Ekyrian, Celtibeerian y Ekyrian.

Todas las entradas se pueden adquirir desde este enlace.

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Avlak presenta “Adrenochrome”, su nuevo single y lyric video

El thrash death metal de los madrileños Avlak, con los que tuvimos ocasión de hablar recientemente, vuelve a rugir con el estreno del single “Adrenochrome”, que se ha presentado acompañado por un lyric video.

Recogiendo el testigo de su predecesor, “Soul Ablation”, la banda nos dirige hacia el que será su segundo álbum, que llegará en este 2024 para continuar el camino que comenzaron con su álbum ‘Portal’.

En esta ocasión, la temática del tema, tal como nos cuenta la banda, “orbita en torno a una misteriosa sustancia, de la cual se ha conspirado acerca de los ritos que los poderosos realizan detrás del telón. Dicha sustancia es la droga más poderosa conocida por el ser humano, y el método por el cual se produce es completamente de pesadilla.

Los monstruos que gobiernan a nuestra especie en la sombra, a través de la política, grandes corporaciones, farmacéuticas, y clase alta, caminan por este mundo con la libertad de realizar cualquier atrocidad con impunidad. Recientemente se ha publicado una lista de celebridades implicadas en una trama de secuestros y abusos a menores, como parte del movimiento “Epstein Didn’t Kill Himself!” Se especula que los niños son sometidos a niveles inimaginables de terror y pánico, causando que en sus glándulas suprarrenales se produzca la codiciada sustancia: el adrenochromo.

Conseguida la droga, la demoníaca jet-set realiza el rito definitivo que mantiene su posición en el poder. Un símbolo que se perpetúa, desde el inicio de los tiempos, la brutalidad del fuerte contra el débil y el inocente”.

El tema se ha grabado en los estudios El Horno Producciones en Madrid, y el videoclip ha sido producido por The BlackVision.

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Winter in May lanza su nuevo single, “Above the Storm”

El muy interesante proyecto de rock alternativo Winter in May, comandado por Rubén Tejedor, que el pasado mes de septiembre nos mostró su versión del “Baby Can I Hold You” de Tracy Chapman, vuelve a primera línea de fuego para presentarnos su nuevo single, “Above the Storm”.

Un tema cargado de fuerza, intensidad y un melódico gancho que nos lleva a las mejores composiciones del género demuestra lo mucho que tiene que decir este proyecto que, antes del pasado verano, nos presentaba el EP ‘Monsters’, sobre el que también pudimos charlar con su creador.

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William The Conqueror anuncia conciertos en Zaragoza, Avilés y Madrid

‘Excuse Me While I Vanish’ es el cuarto trabajo de los jóvenes ingleses William the Conqueror, en el que nuevamente se unen las influencias del blues clásico y el rock de raíz con esencias grunge e indies actuales. Todo ello es lo que tendremos ocasión de disfrutar en los tres conciertos que han anunciado en nuestro país.

Zaragoza, Avilés y Madrid son las ciudades que recibirán a la banda el próximo mes de mayo con estas citas:

9 de mayo, 2024 – Rock & Blues Café, Zaragoza
10 de mayo, 2024 – Factoria, Avilés
11 de mayo, 2024 – Sala Clamores, Madrid

Las entradas se pondrán a la venta este viernes, 2 de febrero, a las 10:00 en la web oficial de William the Conqueror.

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La Chapelle presenta “Birds of a Feather”, su nuevo single

“Birds of a Feather” es el nuevo tema de La Chapelle, una balada melódica que, explicada por el propio artista, “aborda las dificultades a las que se enfrentan las parejas y la capacidad de pedir, y dar, perdón en los momentos más difíciles. Repasa la vida de dos pájaros de una pluma que se mantienen unidos para realizar sus sueños, y que saben emigrar y construir su hogar allá donde se encuentren, una y otra vez, después de cada tormenta”.

Después de su segundo sencillo, “Bittersweet Surrender”, La Chapelle sorprende con este nuevo tema, para el que vuelven a contar con el tándem formado por Javier Balmoral e Iván Guerreros, quienes han llevado la grabación, la mezcla y el máster en Skyline Studios, Madrid.

El artista californiano Erik La Chapelle, afincado en Alcalá de Henares desde el año 2002, se traslada a España, donde ha mantenido otras aventuras musicales. En su carrera en solitario, Erik, guitarra acústica y voz, y en ocasiones un bombo y armónica, se sumerge de lleno en el género denominado cosmic folk.

Actualmente forman un potente power trío de guitarra eléctrica empapada de efectos y una sólida combinación de bajo y batería gracias al trabajo del virtuoso Víctor Pereira y al polifacético Javi Jiménez, respectivamente.

 

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Depeche Mode en directo en el Crypto.com Arena de Los Angeles el 17 de diciembre de 2023

Depeche Mode en directo en el Crypto.com Arena de Los Angeles el 17 de diciembre de 2023. Bootleg de una actuación durante la actual gira de ‘Memento Mori’. Excelente calidad de sonido: mezcla de señal de monitor de oído y dos fuentes de grabación de la sala.

Las pistas 3, 4 y 5 incluyen IEM parciales en la matriz debido a problemas con la grabación. Como resultado, suenan algo incoherentes en general porque la grabación del público rellena los huecos.

La pista de clic se ha eliminado en la medida de lo posible, pero de vez en cuando se oye algún clic, y hay una pista guía de hi-hat durante ‘My Cosmos Is Mine’ y ‘Wagging Tongue’ que se oye antes de que empiece el bombo. En algunas canciones también se oye una pequeña guía de cencerro.

A partir del último tercio de ‘It’s No Good’, la grabación IEM se estabiliza y el resto adquiere un sonido consistente.

Para más detalles.
Foto: Brianhphoto_Creative Commons

01. [2:27] Intro (Speak To Me)
02. [5:17] My Cosmos Is Mine
03. [3:43] Wagging Tongue
04. [6:44] Walking In My Shoes
05. [5:11] It’s No Good
06. [5:10] Policy Of Truth
07. [5:08] In Your Room
08. [7:58] Everything Counts
09. [5:15] Precious
10. [4:11] My Favourite Stranger
11. [7:19] Home (voz Martin Gore)
12. [6:35] But Not Tonight (voz Martin Gore)
13. [4:09] Ghosts Again
14. [5:23] I Feel You
15. [4:27] A Pain That I’m Used To
16. [5:14] World In My Eyes
17. [5:13] Black Celebration
18. [5:19] Stripped
19. [4:19] John The Revelator
20. [10:53] Enjoy The Silence
21. [5:41] Waiting For The Night
22. [6:22] Just Can’t Get Enough
23. [6:36] Never Let Me Down Again
24. [8:12] Personal Jesus
Total time: 2:16:46

Sierra Ferrell te invita a un viaje indómito y en el tiempo a través de ‘Trail of Flowers’, con ‘Dollar Bill Bar’ como single con Nikki Lane y Kristen Rogers

Sierra Ferrell te invita a un viaje indómito y en el tiempo a través de ‘Trail of Flowers’, la nueva obra de uno de los «músicos country más excitantes de toda América» (Paste). Tras su debut en 2021, ‘Long Time Coming’ -que convirtió a Ferrell, nacida en Virginia Occidental y afincada en Nashville, de vagabunda que viajaba en tren y hacía autostop en una sensación viral y una estrella en ascenso, ‘Trail of Flowers’ revela la riqueza de sabiduría e imaginación salvaje que hay detrás de su inimitable voz, su sonido cambiante y su maravilloso mundo interior.

A lo largo de las 12 canciones del disco, Ferrell mezcla ideas audazmente nuevas y música de antaño para contar historias fascinantes sobre su lucha por construir una vida en una cultura consumida por el capitalismo. Entre romances de bar de mala muerte, baladas de asesinatos y febriles relatos sobre cómo buscarse la vida, las palabras y las emociones se inspiran en su educación nómada y desarrapada, trabajando en paradas de camiones, callejones, vagones de mercancías y las calles de Nueva Orleans con un grupo de jóvenes músicos itinerantes.

‘Dollar Bill Bar’ ilustra un oscilante y melancólico ciclo de anhelo, arrepentimiento e imprudencia, mientras Sierra Ferrell llena la canción de intrincada poesía, lujuria fugaz y escenas de sueños rotos. Además de Nikki Lane y Kristen Rogers, ‘Trail of Flowers’ cuenta con la colaboración de músicos ilustres como Lukas Nelson y Chris Scruggs.

‘Trail of Flowers’ fue grabado principalmente en los estudios Sound Emporium de Nashville y producido por Eddie Spear (Zach Bryan, Brandi Carlile, Chris Stapleton) y Gary Paczosa (Alison Krauss, Dwight Yoakam, Gillian Welch). Sobre la realización del álbum, la fusión de la musicalidad clásica con inquietudes decididamente modernas, y el cumplimiento de su antigua misión de trascender las barreras del tiempo, Sierra Ferrell dice:

«Con ‘Trail of Flowers’ quería crear un sonido más completo, con una batería más grande, pero sin dejar de ser fiel al estilo despojado de la música antigua. Quería crear algo que hiciera que la gente sintiera nostalgia del pasado, pero a la vez ilusión por el futuro de la música. Sólo intento juntar palabras y melodías y convertirlo en algo en lo que la gente pueda volcar sus sentimientos, toda su felicidad y sus penas, para que cambie un poco su realidad y les reconforte. Para mí la música es como una medicina. Siempre que escribo una canción y siento que me cura, sé que también puede curar a otras personas».

Australia fue un país con algunas de las restricciones más duras durante la pandemia. ‘Charcoal Grace’ es un título muy especial que tiene que ver con este periodo. ¿Qué experiencia personal queréis transmitir en él? ¿Cómo vivisteis esos momentos de pandemia que os ha influenciado tanto para crear un álbum en ese concepto?

“Sobre ese periodo, me gustaría comentarlo en dos partes, ya que supongo que, como todo el mundo, la pandemia la vivimos de diferentes maneras, y este punto de vista puede resumir lo que muchos experimentamos. En primer lugar, como banda, teníamos muchos planes para poder presentar el álbum en directo, una gira por Latinoamérica y por EE. UU. como headliners, pero todo se fue al traste. Eso nos pegó muy fuerte, pero por fortuna pudimos resarcirnos editando nuestro anterior álbum: ‘Rise Radiant’ (2020), que fue muy bien acogido y pudimos presentarlo por fin el pasado año con una muy buena acogida tanto en Europa como en América Latina.

Por otra parte, a nivel personal, cada uno lo vivió a su manera, pero desde luego las condiciones del confinamiento fueron muy duras, aunque eso nos motivó a seguir componiendo y al fin acabar creando este ‘Charcoal Grace’ muy influenciado por esos momentos, cuyas emociones hemos intentado plasmar en cada canción”.

Han pasado casi cuatro años desde la edición de ‘Rise Radiant’, un álbum para el que tuve el placer de entrevistaros. ¿Ha sido este un periodo en el que habéis estado componiendo en tramos o el álbum lo habéis creado en un momento concreto de estos cuatro años de paréntesis entre ‘Rise Radiant’ y ‘Charcoal Grace’?

“La idea del álbum empezó en 2022 tras una gira por Australia, pero no fue hasta el pasado año que pudimos conjuntarlo y al final poner toda la maquinaria en marcha para los procesos de grabación, edición y finalmente la salida en este 2024. Así que la composición se hizo de una forma compacta, no en tramos, si bien las ideas se iban amasando a medida iban surgiendo”.

El álbum lo iniciáis con un tema de diez minutos. ¿Por qué habéis querido situar “The World Breathes With Me” a la cabeza del convoy?

“Al tener las canciones compuestas, pensamos que el tema tenía una estructura muy potente y muy bien formada para que fuera la cabeza motora del álbum. En “The World Breathes with Me” hay mucha expresividad y emociones y pensamos que sería un buen inicio para el álbum. Normalmente se suelen dejar los temas más largos para el final, cosa que también hacemos con “Mute” (12:00) y los inicios suelen ser con temas más sencillos en tiempo. La decisión fue unánime, ya que la tomamos tras hablarlo entre todos, y cada uno expusimos nuestra opinión al respecto. Al final todos estuvimos de acuerdo que éste sería un muy buen inicio para un disco con tanto sentimiento y creatividad”.

“The World Breathes With Me” y “Golem” son dos de los temas más intensos de ‘Charcoal Grace’, también fueron vuestros dos primeros sencillos como adelanto del álbum. ¿Por qué elegisteis estos como singles para representarlo?

“La elección de los singles no suele ser una tarea fácil, ya que lo que quieres es que además de que comercialmente éstos lleguen y convenzan al público también representen muy bien el contenido del álbum, cosa que a veces no es nada fácil. Sin embargo, pensamos que tanto “The World Breathes with Me” como “Golem” son un buen exponente tanto del contexto como de lo que musicalmente está integrado en el disco.

En el caso de “Golem”, que fue nuestro primer single, además de en el contenido musical esto se muestra muy bien en el video, que creo que es uno de los mejores que hemos hecho”.

En la parte central del disco podemos disfrutar del tema que bautiza al álbum, una pieza magistral de 24 minutos de duración, amplia, completa, emotiva y compleja a la vez. ¿Por qué decidisteis dividirla en cuatro partes?

“La idea inicial fue crear un tema completo de 24 minutos, pero debido a la exposición musical de éste surgió la idea de dividirlo en cuatro partes, ya que, realmente, cada una de ellas tiene un sentido específico y esos cortes hacen mención a una parte de la historia recreando espacios y ambientes muy bien seccionados. Por ejemplo, la tercera y cuarta parte (“Vigil” y “Give me Hell”) son partes con mucha carga sentimental, mientras las dos primeras (“The Prey” y “A World Without”) son canciones más directas y experimentales.

Es algo que queríamos exponer y destacar en el álbum y que creo que en estos veinticuatro minutos hemos conseguido. Por otra parte, así se puede experimentar personalmente eligiendo una de cada parte y combinándolas en otro orden que en el que hemos integrado en el álbum. Es algo dinámico y no rígido, como si no hubiéramos hecho los cuatro cortes en la canción, hubiera sido un viaje más rígido”.

Estamos ante vuestro sexto trabajo y en su conjunto podemos comprobar una evolución en vuestro sonido. También es el más amplio de todos. ¿Creéis que con este álbum habéis tocado vuestro techo a nivel musical y compositivo?

“Creo que siempre estamos evolucionando y supongo que vamos a seguir haciéndolo ya que las experiencias que tenemos en la vida, las cosas cotidianas, el arte, lo que pasa en el mundo, nuestras experiencias y las que nos marcan hacen que surja la creatividad, como en el caso de ‘Charcoal Grace’. Musicalmente, nos ilusiona mucho poder crecer y expresar los sentimientos, es un viaje que no tiene fin”.

Aunque suele ser una pregunta más orientada en las partes iniciales de las entrevistas, por su exponencial vistosidad he querido dejarla para el final, me refiero a la portada, algo que me ha atraído mucho y cuya imagen se me ha ido reproduciendo mientras escuchaba las canciones del álbum. ¿De dónde surge la magnífica imagen del arte?

“La portada la ha realizado un artista estadounidense, y lo que pretendíamos en ella es recrear de una forma pasional y expresiva lo que las letras del álbum contienen, esa emotividad, esa sensibilidad que el conjunto del álbum emite. Creo que es una obra perfecta y abstracta de exponer un contenido con mucha expresividad de conjunto y muchas sensaciones personales”.

¿Cómo tenéis la agenda de conciertos para presentar ‘Charcoal Grace’ en directo? ¿Cuándo vamos a poder veros por nuestro país?

“Entre enero y febrero tenemos previsto estar de gira por Australia y hay algo hablado para volver a Europa, pero aún no está cerrado del todo. Ojalá que se pueda concretar y poder actuar en un país tan especial como España, del que guardo muy buenos recuerdos, tanto de su diversidad como de la gente”.

Muchas gracias, Josh, por tu tiempo y tus respuestas, espero que más pronto que tarde podamos experimentar en directo las buenas sensaciones que tanto ‘Charcoal Grace’ como el resto de vuestro legado destilan en estudio.

“Gracias a ti, Josep, por la entrevista y el apoyo, espero que pronto podamos compartir la experiencia de mostraros en directo la pasión que hay tras cada canción que componemos. ¡Gracias por vuestra confianza!”

Escucha ‘Charcoal Grace’ en Spotify:

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Escribieron juntos algunas de las páginas doradas de la historia del rock, pero parece que los caminos de David Gilmour y Roger Waters están condenados a chocar permanentemente. Incluso cuando hablamos de himnos creados por Pink Floyd, en un mismo disco encontramos la canción que adora tocar el que fuera bajista de la banda y la que el cantante y guitarrista confiesa que le costó cantar.

Recientemente, Waters publicaba en sus redes un vídeo en el que respondía a la pregunta de un fan sobre cuál es la canción que más le gusta tocar en directo, y el siempre polémico músico tuvo claro elegira “Wish You Were Here”, con lo que parece un motivo simpático y acaba siendo emocionante, que puede callarse y dejar que el público le cante: “Me encanta “Wish You Were Here”, porque prácticamente puedo dejar de cantar y, casi en cualquier parte del mundo, sobre todo en la última estrofa, en realidad lo pido.

Digo: “Cantad conmigo”. Y entonces me callo y les dejo que sigan: “How I wish, how I wish you were here. Two lost souls swimming in a fish bowl year after year, running over the same old ground. What have we found? The same old fear. Wish you were here”. Me encanta oír al público cantarme eso”.

En el mismo disco al que la citada canción dio nombre, publicado en 1975, se encuentra la canción con la que David Gilmour confesó haber tenido dificultades para cantar al encontrarse la parte final en un tono al que el vocalista le costaba llegar, hasta el límite de tener que recurrir a jugar con la velocidad de la cinta en la que grababan para lograr el tono deseado en su voz. Tal como se indica en el songbook de ‘Wish You Were Here’: “La única vez que utilizamos la velocidad de la cinta para ayudarnos con las voces fue en una línea de la canción “Machine” (ndr: “Welcome to the Machine”). Era una línea a la que simplemente no llegaba, así que bajamos la cinta medio semitono y luego metimos la línea en la pista”.

 

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Pasadas las 21:30 horas, hacía acto de presencia sobre el escenario el mítico locutor de Radio3 Jesús Ordovás, que tanto ha contribuido a la difusión del rock en nuestro país como Mariskal y el Pirata entre otros. Hizo de maestro de ceremonias, engalanado con una chistera y contó algunas anécdotas antes de presentar a los integrantes de Sal de mi Vida. ”¡Vamos a celebrar nuestros primeros 35 años de rock!”, dijo Beni, el frontman de la agrupación.

Comenzaron el show con “Adiós mi amor”, para la cual subió al escenario Jaime, uno de los antiguos músicos del grupo, porque era una noche de celebración y algarabía bañada con el mejor rock and roll de la ciudad y nadie quería perderse la fiesta.

“Buenas noches querida Madrid .Queremos dedicar este concierto a nuestro guitarrista Gerardo, que por motivos laborales hoy no puede estar con nosotros. Va por ti”, dijo el carismático cantante, y dieron paso a “Tu ya sabes”. Prosiguieron con “Después de tanto tiempo”, en la cual los acompañó Yolanda González, del grupo Estación Victoria. El ritmo era a toda velocidad y no dejaba a nadie indiferente.

Continuaron apareciendo invitados. Subió para acompañarlos “Mister” Crespo en “Rockers del 83”. Beni agradeció que no hubiera foso y poder tener al respetable tan cerca. “Vamos a hacer algo muy macarra”, dijo, y tocaron “La carretera”. A destacar el solo de guitarra de Manu.

Alan, el primer batería del grupo, se sumó al show para cantar “Recuerdos” con un tremendo homenaje a los años 80 de Madrid, donde también se respiraba rock por todos lados. El público refrescaba sus golas con espirituosos y cervezas y acompañaba  en todo momento cantando. Prosiguieron el show con “Balada para una viuda” , “Nada más” y “Mil botellines”. Entonces invitaron a otro amigo a cantar con ellos, el músico José María Granados, e interpretaron la descriptiva “Déjame jugar”.

Los invitados no cesaban y subieron a Amaia para acompañar con su violín electrónico y Esther en la voz para interpretar “Dímelo a la cara”. La banda se mostraba en todo momento perfectamente engrasada y contenta de estar repasando su extensa trayectoria en su ciudad.

A estas alturas de la noche, un público completamente entregado aplaudía fervientemente y bailaba con cada ejecución de la banda. Continuaron con “Sal de mi vida” y la funky “Si te muerdes , te envenenas” .Vaya groove en esta canción.

El grupo integrado por Manu en guitarra, Ángel en bajo, Maru en piano, César en batería, Gerardo en guitarra (ausente en esta ocasión) y Beni en voz, demostraba en cada acorde por qué son considerados una de las bandas de culto de la post-movida madrileña.

La excusa era la presentación en vivo de su reciente material discográfico publicado el año pasado, ‘Dímelo a la Cara’, pero la realidad era que debían celebrar ante sus fieles un encuentro para que nuestras almas se nutrieran del necesario alimento vital llamado rock and roll.

Repasaron todas su épocas a lo largo del show y también hubo tiempo de presentar en sociedad un canción recién salida del horno, como comentó Beni, llamada a ser un nuevo hit del grupo ,“Que puede salir mal”. Increíble la presentación.

Invocaron nuevamente a “Miss Party” Esther, para hacer una interpretación inigualable del rock  “Sólo en Madrid” y, sin dejarnos respirar, tocaron “¿Y ahora qué?” .

“Tirados en el sofá escuchando a los Stones”, canta Beni en “Una noche muy lejana”, y el público acompaña haciendo los coros. Conexión total entre los “macarras castizos” de Sal de mi Vida y los afortunados fans.

Pero, lamentablemente, el show debía concluir. Para finalizar una noche de cumpleaños tocaron la clásica “Dejarme llevar” acompañados en el escenario de todos los músicos y cantantes que participaron de la fiesta, que terminó con aplausos y vítores por parte del respetable y de todos los medios de prensa presentes en el show.

Fue una noche de puro rock and roll, aderezada por músicos amigos, sazonada por exintegrantes del grupo y maridada por los incombustibles fans que, en conexión, todos juntos, lograron que fuera un honor compartir la celebración.

¡Por 35 años más de Sal de mi Vida!

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El eterno debate sobre si es Black Sabbath la banda responsable del nacimiento del heavy metal desde sus orígenes más cercanos al blues tiene por igual defensores de esta teoría y a quienes presentan otros nombres como los de Blue Cheer o Steppenwolf para hablar de la raíz del género, como hizo Rob Halford. El propio cantante de Judas Priest recuerda que Tony Iommi, guitarrista de Black Sabbath, rechaza la etiqueta de heavy metal para su banda, y recientemente otro ilustre representante metalero ha afirmado que si entrevistaras a Ozzy Osbourne en 1972, te diría que Black Sabbath “es una banda de blues, no de heavy metal”.

Estas palabras han llegado durante la entrevista que ha ofrecido Bobby Blitz, cantante de Overkill, a The Classic Metal Show, en la que se puso sobre la mesa la diversidad de las canciones de su último disco, ‘Scorched’, en el que querían un poco del sabor de los años 70, con el tema “Wicked Place” como ejemplo: “Hablamos de la diversidad del disco y también de hacer canciones de los 70 con Phil Demmel. Una de las primeras cosas que sentí cuando escuché esto, escuché el riff original y me puse al teléfono con D.D. (Verni), y dije: “Amigo, es como los putos Foghat con esteroides. Yo cantaba esto en la ducha cuando tenía 14 años”.

Es un blues espeso que te lleva a otra época. Fue muy divertido, porque alguien me preguntó cuando estábamos haciendo entrevistas, “¿qué pasa con “Wicked Place”?” Yo dije: “¿Te refieres a cómo puede una banda de metal hacer un gran blues como ese? Si estuvieras entrevistando a Ozzy en 1972, te diría que era una banda de blues, no de heavy metal'”.

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¿Preparados? ¡Va a estallar el Obús! Nada menos que uno de los grandes pioneros del heavy metal en nuestro idioma, Fortu Sánchez, la inconfundible voz de Obús, estará esta noche del miércoles acompañando a Mariskal Romero en una nueva edición del Decálogo de Mariskal en RockFM, en la que su banda, los legendarios Obús, serán los grandes protagonistas.

Camino del lanzamiento del que será su decimosexto álbum encontramos a Obús, cuya trayectoria será repasada ampliamente durante el Decálogo que comenzará, como siempre, a la hora bruja, las 00:00 (hora peninsular española), cuando la noche del miércoles dé paso a la madrugada del jueves. Además, Fortu nos trae sus temas favoritos y no faltarán The Rolling Stones o Judas Priest, como nos presentan los propios Mariskal y Fortu en el vídeo en el que también nos recuerdan la cita con Obús en Madrid del 24 de febrero en la sala Shoko, donde cerrarán la gira del 40º aniversario (entradas a la venta en este enlace).

¿Qué canciones crees que no pueden faltar en el decálogo de esta semana con Obús como protagonistas? Podrás comprobar si tus temas favoritos o tus apuestas para el programa de esta noche forman parte de este nuevo Decálogo de Mariskal en el salto del miércoles al jueves, como siempre, a las 00:00 hora peninsular española (17:00 en Ciudad de México, 18:00 en Miami, y 20:00 en Buenos Aires) en RockFM, tanto sintonizando la emisora como desde la propia web.

Y no olvides que en la sección de podcast podrás disfrutar en cualquier momento que lo desees de todos los Decálogos a los que Mariskal Romero ha ido dando forma cada semana, fiel a su cita con la audiencia de RockFM en todo el mundo.

 

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Los británicos venían acompañados por dos bandas para calentar al público asistente: los estadounidenses The Callous Daoboys y los alemanes de Unprocessed.

A las siete y media de la tarde, The Callous Daoboys (adaptación libre de los Dallas Cowboys), desconocidos para mí, aparecieron en el escenario. Se trata de un colorido grupo formado por dos mujeres y cuatro hombres. Los estadounidenses, liderados Carson Pace, que vestía un chándal Adidas, entregaron una fuerte dosis de mathcore mezclada con el violín de la elegante Amber Christman.

Inmediatamente, pensé tanto en The Dillinger Escape Plan como en el trío alemán The Hirsch Effekt, con esta propuesta que fue bastante apreciada por el público, aunque el cantante esperaba un poco más de entusiasmo. La energía irradiada desde el escenario hacía que este pareciera demasiado pequeño para seis músicos y tres baterías, dos de las cuales estaban cubiertas con fundas. Detrás de estas, el extraño telón de fondo de la banda, una reproducción de su página de Wikipedia.

The Callous Daoboys trajeron un set caótico pero con un gran soplo de aire fresco que el mathcore puede brindar.

Cerca de las ocho y media de la tarde fue el momento para los alemanes de Unprocessed, con el primer espectáculo de la gira para el bajista David John Levy, que se perdió las primeras fechas por enfermedad. Desde los primeros sonidos quedó inmediatamente claro que esto estaba más en línea con el género de TesseracT, a veces con riffs djenty y otras veces con un trabajo de guitarra técnicamente sofisticado y una sorprendente sección rítmica, una combinación de Plini, Polyphia y TesseracT.

El mes pasado, la banda lanzó un nuevo álbum que definitivamente merece la pena escuchar y tenerlo, ‘… And Everything In Between’. Lógicamente, era su intención presentar este último álbum al mundo durante esta gira de seis semanas, por lo tanto, dedicaron la mitad de su set de 45 minutos en interpretaciones de este último lanzamiento, lleno de pasajes épicos de guitarra y breaks pesados, mientras que la melodía nunca estuvo muy lejos. Esto fue sin duda una revelación en lo que a mí respecta.

Exactamente a las diez menos veinticinco, los integrantes de la banda principal de la noche, TesseracT, subieron al escenario, siendo Jay Postones el primero en trepar a escena para tomar asiento detrás de su batería, seguido por el exoficial de policía Daniel Tompkins. Nada más estar en el escenario, este último se dirigió a la audiencia para informar de que estaba enfermo, pero que no había venido a España para cancelar el espectáculo.

Si no me equivoco, hace ya diez años y un día que TesseracT actuó en un local de Madrid haciendo que las expectativas del público sobre su música fueran altas, entonces aquella sala se llamaba Penélope, ahora lleva el nombre de Mon.

Este domingo de enero, la banda interpretó principalmente temas de los dos últimos discos, el álbum conceptual ‘War of Being’ – innegablemente su mejor trabajo hasta la fecha – y ‘Sonder’, que fue lanzado hace casi seis años. Además, durante la hora y algo que los chicos estuvieron en el escenario, escuchamos algunos temas más antiguos, incluida una canción de la época en que Ashe O’Hara se hacía con el micrófono, plasmada en ‘Of Mind – Nocturne’, que tiene unos once años.

Tuvimos un final fuerte con “The Grey” y “Juno” seguido de los bises “Concealing Fate, Part I: Acceptance” y “Concealing Fate, Part 2: Deception”, que juntos hicieron un buen cuarto de hora de despedida.

Esperemos que no pase tanto tiempo antes de que podamos volver a ver a TesseracT en alguna sala dentro de las fronteras españolas.

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