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Crítica de Guadaña: Erytheia

Es una gran noticia tener de vuelta al combo gaditano, una banda que ya va por el cuarto trabajo y que, dentro del panorama estatal, con cada lanzamiento, consiguen dar un paso más. En este caso, el paso es gigante, ya que la banda consigue un sonido muy pulido, con canciones muy elaboradas, con un metal visceral, europeo, muy actual. Ante todo, se les ve en la cresta de la ola, con solo escuchar una canción se puede palpar.

En este caso, la banda ha querido rendir homenaje a su tierra natal, rescatando el nombre que recibía en la antigüedad. En ese sentido, ya de primeras el disco tiene ese fondo épico, histórico y mágico. Por otra parte, es un álbum donde sobresalen mucho las voces. Además de las voces principales de Salva Sánchez y Glory Romero, Pablo Casas (batería) y Juanma Patrón (Guitarra) se encargan en todo momento de hacer los coros, y si a esto agregamos las colaboraciones de Carmen Xina (Ex-Oker), Imanol Herrera (Nocheterena), Jorge Berceo (Zenobia), Manuel Rodríguez (Sphinx), el coro Nerta y Fortu (Obús), en el último corte, obtenemos voces y coros mágicos durante toda la escucha.

El viaje empieza con “Retar al abismo”, una canción perfecta para arrancar a lo grande, con arreglos orquestales que me hacen recordar a las bandas europeas de metal melódico y sinfónico. La verdad es que, además de que las voces están sobresalientes, lo que llama la atención es el poder de las guitarras. Con todos estos ingredientes y una letra que habla de superación y nunca rendirse, que puede ser típico en bandas heavys de esta índole pero que en este caso no suena manida, ya que coge mucha fuerza.

Después de retar al abismo y salir vivos, suena “Guerreros de la tempestad”, donde hay que hacer hincapié en que la letra versa sobre los niños con cáncer del Hospital Universitario Puerta del Mar que tienen que luchar día sí, día también. Teniendo este factor en cuenta, el mensaje coge protagonismo. Por otra parte, musicalmente es muy pegadiza y cañera, y tiene un estribillo que se convertirá todo un clásico. En esta canción, la voz de Glory toca el cielo, ofreciendo una demostración vocal deslumbrante. Realmente emocionante la historia detrás la canción y cómo un niño te puede sacar lo mejor de lo mejor musicalmente y personalmente. Por cierto, el final a doble bombo con los coros es de quitarse el sombrero.

De momento observamos mucho positivismo, mucha vida en las letras, y la siguiente canción, “Sangre de mi sangre”, también puede ser otro ejemplo, ya que la pieza está dedicada sus padres, agradeciendo todo el empeño puesto en sus hijos e hijas. En esta poderosa pieza de puro power metal colabora el guitarrista Álex Sánchez (Sphinx), concretamente en el segundo solo. De nuevo, observamos los toques orquestales que adornan la composición elegantemente, recordándonos a los grandes Nightwish. Una canción simplemente fulgurante.

De un tema muy orquestal pasamos a otro más directo y sencillo, “Nueva generación”, que tiene todo lo que uno espera de Guadaña. Es un corte perfecto para el directo, donde los coros y el estribillo coger la batuta. No faltan los toques del metal melódico en ciertas partes.

La siguiente canción es “Erytheia”, que da nombre al disco. Como anteriormente he comentado, se refieren a su territorio, Cádiz, por lo tanto la epicidad y la magia no faltan en esta composición, tanto musicalmente y tanto líricamente. Posiblemente nos encontremos con la canción más profunda y que te hace querer conocer más acerca de lo que va la letra. Resulta que hace alusión a la decima prueba de Hércules, que debe viajar a Erytheia, lo que hoy en día conocemos como la ciudad de Cádiz. Si Hércules tuvo que viajar a Cádiz, nosotros viajamos a un espacio musical único donde fluye la harmonía y la paz, lejos de extinción de la tierra, la desesperación y la destrucción. Estos temas abarcan el siguiente episodio, “Cuenta atrás”. Así son los nuevos Guadaña, de la épica más pura a la realidad más dolorosa.

“Resurgir” es pura melodía, un metal melódico y moderno muy guitarrero que siempre viene bien. De alguna manera, lo podríamos comparar con “Nueva generación”. Son canciones más directas y se entrelazan entre otras más elaboradas. En estas piezas directas y poderosas, observamos cómo la banda juega con los efectos electrónicos que hace que suene actual.

Llegamos ya a la parte de la final y la verdad es que el álbum no ha decaído en ningún momento. Ahora solo queda disfrutar del broche de oro. “Una aventura más” es una canción fiestera que habla sobre el disfrute cuando vamos a un festival y nos encontramos con nuestra gente, bandas y la magia que se crea en esas ocasiones. En esta canción participa Fortu, que añadiéndole así más caña. Interesante también la parte orquestal en medio del tema.

“La Casa de los Espejos” echa el cierre al redondo hablando sobre una casa donde vivía un almirante que regalaba a su hija un espejo cada vez que venía de los viajes, La niña, al crecer, fue asesinada por su madre por los celos. La leyenda dice que el fantasma de la joven sigue vivo en la casa. Sabiendo que la sonata dura diez minutos, puede inducir a uno a parar el disco y te sentarse en su rincón más cómodo para gozar de lo que viene a continuación. La canción empieza como si estuviéramos delante de una película de acción, puro suspense; de repente, el metal orquestal nos lleva a unos coros angelicales. Y de ahí en adelante, solo hay que dejarse llevar. Guadaña se superan a sí mismos creando una joya donde participan, como antes he comentado, las Voces de Carmen Xina, Imanol Herrera, Jorge Berceo, Manuel Rodríguez y el coro Nerta. Resume el disco de forma perfecta y, además, lo deja en el punto más alto.

No tengo más que añadir, vuelvo a decir los mismo que he dicho al principio: Guadaña han dado el paso más grande de su carrera y están en su momento. Sin lugar a dudas, el disco más completo y más elaborado de una de las mejores bandas actuales de metal nacional.

PARA LEER MÁS: 

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Gernika Fest: Jorge Salán + Topo + Indenakin + Voodoo Axis: Pasado, presente y futuro de la mano por el rock

Por fin volvemos a la carretera, como dicen los artistas. Esto ya marcha en toda regla y muestra de ello fue la cita que vivimos en el núcleo rural de Belmonte del Tajo, situado al sureste de Madrid, donde se estrenaba con la primera edición de un potente festival, GernikaFest, promovido por la gente del Bar Gernika con tradición de rock n’ Roll y con el respaldo del Ayuntamiento, junto con el staff de organización de gente profesional que conocemos de primera mano, como son A New Label y Rainbow Brush, que no paran de mover la escena dando cabida a bandas consagradas y de futuro en todos los eventos que promueven.

Jorge Salán acompañado por miembros de Indenakin y Voodoo Axis | Foto: Paco Rockdríguez

Esa coctelera y espíritu lanza este Gernikafest en un pueblo que, desde las primeras horas de la tarde, se vestía de festival de rock para la curiosidad de todos los que lo habitan. La plaza del Ayuntamiento acotaba sus calles aledañas como recinto improvisado, y con una pequeña aportación a modo de donativo de 3€ destinado a crear una escuela de música en el municipio, accedemos al mismo.

Voodoo Axis | Foto: Elvira Baginska

Había familias con niños que jugaban fascinados con ese imponente gran escenario y despliegue que había montado para la ocasión. Como maestro de ceremonias para toda la jornada contamos con Isra Minaya (socio de A New Label), que nos avisaba que arrancaba Voodoo Axis y que como una máquina del tiempo nos íbamos a transportar a Woodstock.

Hace muchos años que conocí a su vocalista y guitarrista Pablo con su banda Mr. Goliath, que me pareció una viva reencarnación de Jimmy Hendrix, tanto estéticamente como musicalmente, y por fin, después de mucho tiempo, he tenido la suerte de verlo por primera vez con este homenaje al genio de la guitarra que me pareció fascinante. El power trio se completa con Dogo (Juan Diego) al bajo y Michel a la batería, y cada uno de sus jóvenes componentes sentían cada nota de los grandes clásicos que desgranaron en el set que iniciaban con “Killing Floor” y “Lover Man” y que, conforme avanzaba, lanzaba todo tipo de grandes piezas que todos conocemos como la psicodelia de “Hey Joe”, “Fire”, “Purple Haze” o uno de los temas que reconocían como gran inspiración en la banda, el mítico “Voodoo Child” que dejaban para el final junto con “Wild Thing”, que fue el cierre de este show. Para abrir boca hicieron a la gente partícipe, y estuvo disfrutando en la plaza con este bonito y emotivo viaje al pasado.

Indenakin | Foto: Fran Llorente

La jornada seguía cargada de música y tocaba el turno a los chicos de Indenakin, que eran los anfitriones de este festival  promovido, como decimos, por la gente del Pub Gernika, donde surge esta formación tal y como ellos hacen referencia en su álbum ‘El sótano del Gernika’ editado en 2016. En esta ocasión, presentaban su nuevo álbum, ‘Corazones negros’, y el sonido de la banda, así como la estética, continuaba con referencias a la música fusión y raíz del rock.

La banda jugaba en casa y se notaba, con el calor del público que estuvo dando respaldo para la ocasión. Letras en castellano con registros melódicos y donde su frontman, Jorge Domingo, jugaba un papel importante tanto a la voz como a la guitarra, que resultaba influenciada por el maestro Carlos Santana y salía relucir en temas como “Empezó con un perdón”. Al bajo, Pelayo Gutiérrez con su estilo funky; Ángel Hernández al teclado y Nino (Fernando Martínez) a la batería completan esta formación que se presenta con amplia variedad de sonidos como ritmos de bossa nova, jazz, étnicos o tropicales que invaden nuestros sentidos. Se marcaron un extenso show repleto de temas que alargaban con virtuosismo y donde el poder de la guitarra estaba presente. Se despidieron con un tema de Los Bravos que sin duda bordaron completando una noche muy importante en la historia de la banda.

Jorge Salán | Foto: Paco Rockdríguez

Tocaba el turno de una de las estrellas más importantes en el mundo de la guitarra como es el maestro Jorge Salán, que desde joven ya despuntó estudiando en Estados Unidos y ha tocado por todo el mundo con referentes como Jeff Scott Soto, Joe Lynn Turner, Eric Martin, Dee Snider, Avalanch, Mägo de Oz o Miguel Ríos. Sin duda, tenemos la suerte de contar con uno de los mejores en una noche que seguía completándose conforme avanzaba la velada.

Una intro pregrabada abría con referencias a grandes blues man de la historia y nos avecinaba el repaso que daría haciendo homenaje a grandes referentes de la música rock de pura de raíz. Cayó entonces como la más bienvenida de las lluvias “Doom and Gloom” de The Rolling Stones, seguido por “Victim Of Desire”, puro blues que grabó junto con The Majestic Jaywalkers en su álbum ‘Graffire’.

Esta vez, Salán se presentó acompañado por grandes músicos como son Paco a la guitarra y Pablo Romero a la batería. Desde las últimas ocasiones que he tenido la oportunidad de ver a Jorge Salán en directo, agradezco bastante como ha trabajado notablemente las partes vocales que hacen justicia a la gran calidad técnica que le acompaña como guitarrista solista.

Fue combinando parte de su set en solitario alternando con guiños a sus claras referencias como son B. B. King en “The Trill Is Gone” o “Take Me To The River” de Talking Heads, donde se volcó todo el público allí presente, para finalmente dar paso a la presentación de su último álbum, ‘Tempus’, con temas como “Es momento de luchar”, una pieza que inspira lucha y no decaer hacia los comentarios de los denominados “haters” que malgastan su tiempo en las redes invadiendo con malas vibraciones.

Jorge se presentó con elegancia desde su cuidada estética. Con mucha clase y maestría, y con su virtuosismo a la guitarra, mostró su carisma atrapando a los asistentes que llenaron la plaza del pueblo. Uno de los gestos más aplaudidos por todos fue cuando se bajó del escenario con su guitarra inalámbrica tocando y haciendo partícipes a todos los que estábamos en la plaza disfrutando del concierto de pie, como en los viejos tiempos. Ya había ganas de disfrutar de un concierto sintiendo el calor del público que tan necesario es tanto para los artistas como los que lo presenciamos.

Este power trio  nos ganó la noche por el momento en un show extenso en el que hubo partes para todo. Continuaron los clásicos, y esta vez en acústico y solo Jorge en escena interpretó “I Still Haven’t Found What I’m Looking For” de U2 y “Todo se me muere”, de su último trabajo, para continuar con la banda completa en recta final con himnos que movieron a todo el personal, tales como “Smoke on the Water”.

Tras un momento de ausencia, reaparecieron en escena para sorprendernos disfrazados con las barbas de los genuinos ZZ Top, punto cómico de la noche que acompañaban con el tema “La granje”, seguido por “Rocking All Over” y “Jhonny B. Goode”, en el que colaboraban y entraban en escena nuestro Jimmy Hendrix (Pablo de Voodoo Axis ) junto con Jorge (Indenakin) a las guitarras, formando así un bonito gesto de unión en este festival y que da esperanzas al futuro del rock.

Topo | Foto: Paco Rockdríguez

Este festival reunía todos los ingredientes: el presente con Jorge Salán, el futuro con las bandas Indenakin y Voodoo Axis, y un pasado muy vigente. En este último ámbito, no podemos olvidarnos de uno de nuestros referentes de la historia del rock en castellano como Topo, que se encargaron del cierre del evento.

La plaza se volcó, sobre todo y con mucho cariño “los viejos rockeros”, agradeciendo este remember con una banda que sigue en activo con mucha fuerza y que sigue sumando nuevo material a su colección.  Una estupenda formación con José Luis Jiménez al frente de la misma a las voces y al bajo, Lele Laina a la guitarra, el genial guitarrista Luis Cruz, que despuntó durante todo el show y fue el único miembro que hizo aparición con mascarilla, con lo que no pudimos apreciar sus gestos de complicidad; y Jesús “Almo” a la batería.

Sonaron canciones conocidas por todos como “Marea negra”, “El ritmo de la calle”, “Días de cine” o “Vallecas 1996”, donde inevitablemente todos sentimos esa melancolía musical que desprenden las notas de Topo en directo.

Su puesta en escena es pura magia e imponente, y el contagio de los allí presentes hizo que fuera una noche inolvidable con esta gran banda que es una leyenda viva de nuestro rock nacional. Pocas formaciones tienen el privilegio de contar con una historia tan dilatada, que se remonta a 1978, como Topo. Recordemos que sus miembros ya provenían de otra banda referente como es Asfalto, que nació como tal en 1972, con lo que no podía faltar uno de los temas más esperados como era “Días de escuela”.

Un acontecimiento de estas características fue un cierre definitivo muy bien seleccionado para esta jornada de nuestro puro rock, cuyos acérrimos estos días estamos agradeciendo este nuevo retorno a una mayor actividad musical.  A pesar de las altas horas en las que nos encontrábamos, la gente siguió en pie disfrutando de clásicos como “Mis amigos dónde estarán” o “Todos a bordo”, que fue el cierre del Gernikafest 2021. Esperamos con muchas ganas una continuidad del mismo y queremos agradecer de todo corazón a los que lo hicieron posible.

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Crítica de The Loyal Order: The Loyal Order

The Loyal Order es fruto de la práctica en la que músicos de alto tallaje buscan nuevas inquietudes en proyectos paralelos a los habituales. En esta ocasión Jeff Buehner, conocido por las labores de bajista en la banda de glam metal Rough Cutt, recibe la propuesta de crear un tema para un programa de televisión.

Tras ese encargo, Buehner se une a Brandon Cook (Black ‘n Blue) para dar forma a la canción “Off the Grid (Superhuman)”. El resultado de esta asociación es tan bueno que deciden formar una banda y reclutan al guitarrista Justin Gibson, el bajista Patrick Young (también miembro de Black ‘n Blue) y Kyle Baltus (36 Crazyfists) a la batería. 

El debut del combo de Oregon tiene tantos matices e influencias que no se hace nada lineal. ‘The Loyal Order’ arranca con “Ready For Dead”, un tema de hard rock moderno, melódicamente radiable y con gancho, al estilo de bandas californianas. Hay buenos riffs y beats de batería que recorren “Hellfire” como antesala de “Half Life”, una pista con menos revoluciones y con un leve aroma a post grunge que me ha recordado a registros de bandas como Seether. 

“Fuck Or Fight” suena a unos primigenios Buckcherry, la fantástica balada “Colorblind” tiene arreglos de guitarra estilo Soundgarden y “I Fall Silent” podría haberla firmado cualquier banda de rock actual de estadio. Me gustan las guitarras distorsionadas y en espiral de “Superhuman”, que me traen a la cabeza riffs de Black Stone Cherry; “The River” se envuelve de tela acústica y “Fall To Rise (Sabachthani)” te explotará directamente la cabeza con riffs arenosos y dobles bombos en una dosis de metal que se aleja de la línea general del disco. 

Tienen tanto potencial y mezcla de influencias que quizá falta por definir un camino recto hacia el éxito. Pero no me cabe duda de que, tomen el que tomen, probablemente conducirán a su destino.

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Mötley Crüe actualiza el estado de Vince Neil tras caerse en pleno concierto y acabar en el hospital con las costillas rotas

Imagen de Vince Neil durante el M3 Rock Festival compartida por Mötley Crüe para anunciar su estado de salud

Hace solo tres días el cantante de Mötley Crüe, Vince Neil, se rompía las costillas al caer del escenario durante un concierto que daba con su propia banda en el festival Monster on the Mountain en Pigeon Forge, Tennessee, algo que dejaba en el aire los planes del grupo de Nikki Sixx para su ‘Stadium Tour’ de 2022.

Sin embargo, ahora hemos podido conocer de la mano de las redes sociales de Mötley Crüe que Neil se encuentra bien. “Vince ha vuelto a casa y está descansando tras romperse algunas costillas el viernes por la noche. ¡Nuestro amor y mejores deseos para una recuperación rápida y listos para darlo todo en 2022!”, ha señalado la banda.

El cantante se cayó del escenario mientras interpretaba el clásico de Mötley Crüe “Don’t Go Away Mad (Just Go Away)”. TMZ informó tras lo ocurrido que “había un pequeño espacio entre el altavoz y el escenario que Vince no vio y se cayó por la grieta hasta el suelo”. Tras ello, su banda siguió tocando hasta finalizar su setlist.

La información fue confirmada por uno de los organizadores del evento, Eddie Trunk, quien twitteó entonces que Vince Neil “se resbaló y cayó del escenario” después de “haber estado moviéndose y cantando genial antes del accidente”, e informó de que después fue trasladado al hospital para hacerle pruebas de rayos X. El medio también señaló que el cantante no estaba en estado de embriaguez.

Parece que en un tiempo el artista podrá seguir poniéndose a punto con su tratamiento con Emsculpt Neo, un dispositivo revolucionario para quemar grasas y maximizar el trabajo de gimnasio. Neil atrajo las dudas de los fans tras quedarsesin voz” mientras cantaba “Girls, Girls, Girls” en su vuelta a los escenarios este verano, pero las palabras de Trunk y de los fans apuntan a que el de Mötley Crüe estaba realizando una buena interpretación antes de caerse y romperse las costillas.

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Crónica de D’Órdago en Madrid: Intensidad con dos guitarras acústicas

Sencilla y llanamente, me encantan y me tienen enganchado con este proyecto musical. Estamos ante un dúo acústico  en el que nos encontramos a Juan José Plaza y José Antonio Sánchez (Joselillo, que viene de los desaparecidos Kultura de Bar), y que nos ofrece canciones intensas, llenas de matices musicales y con una marca muy propia. En algunos momentos, tienen ese toque de rock más urbano cercano a nombres como Extremdouro y en otros, navegan por mares musicales cercanos a cantautores, aunque, eso sí, más desgarrados, crudos y callejeros.

En El Rincón del Arte nuevo vimos una descarga llena de fuerza que conectó de manera instantánea con los que estábamos presentes desde el festivo “En mi cabeza”, que hizo a mis pies moverse sin parar, pasando por otros temas  que son medios tiempos llenos de intensidad como “Empercudío” o un oscuro “Cuervos”, que tiene un inicio blues con matices flamencos que te va envolviendo de manera absoluta y que transmite intensidad, con un letra dolorosa. También sobresalió el más directo y rockero “Nunca Fuimos Calma”.

El dúo sabe mantener la intensidad y la fuerza durante todo el concierto, algo que, armado de dos guitarras acústicas, no es nada fácil, pero que lo hacen de manera fantástica. Entre sus propias composiciones, fueron intercalando versiones que se llevan a su terreno como “El Lago” de Triana (la que más me gustó de todas las que hicieron), “Pan Duro” de Marea o “Princesa” de Sabina, con la que cerraron la noche. Pero lo mejor, sin duda, está en sus propias composiciones, que reconozco me ponen la piel de gallina, como “No perder la perspectiva”, que es mi favorita y derrocha fuerza e intensidad y, por supuesto, “Solo un ratito”, que a los que tenemos animales nos rompe el corazón y nos hace saltar las lágrimas. Y es que son parte de nuestra vida. Va dedicada a todas las personas que amamos a los animales y para los que son esenciales en nuestra vida.

Emoción e intensidad a partes iguales para un proyecto musical brillante que tiene un trabajo debajo el brazo con temas como los que hemos mencionado o como “Como Ícaro”, que también sonó durante la noche y que rebosa energía, al igual que “Dragones y princesas” que tiene un sentimiento musical cercano a nombres como Triana. No hay palabras suficientes para decir lo recomendable que es ver y apoyar a este proyecto musical. Brillante.

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Crónica de Balas Sobre Broadway en Madrid: Un tiroteo salvaje de rock and roll

Tras dos años sin subirse a un escenario volvieron Balas Sobre Broadway. El pasado 25 de septiembre, los tres entregados rockeros que conforman la banda madrileña retomaron la presentación de su último álbum, ‘Salvaje’, en la sala Elefante Blanco  de Madrid y, como en toda presentación tan largamente esperada, los nervios estuvieron presentes en el escenario y jugaron alguna pequeña jugarreta a la banda que solventaron con humor y buen rollo.

El concierto empezó a la hora prevista con una suave nana como preludio y ante un aforo completo, dentro, claro está, de las medidas del protocolo Covid-19, del que estamos ya un poco cansados todos. Ahí estaban Juanfran Alonso y sus cuatro guitarras, Julio de Soto con su bajo y José Luis Badalt, el nuevo batería del grupo, que tomó el relevo a su predecesor, Juan Jaramillo, en pleno show, dispuestos a dejarse la piel por ese rock and roll suicida que practican con tanta vehemencia y contagiosa pasión.

Con el tema “Una bala para ti”, Julio nos abrió una noche emotiva llena de dedicatorias. En primer lugar, quisieron dedicar el concierto a Marisa, madre del bajista que falleció y siempre les acompañaba en sus conciertos. Juanfran se empeñó en que la noche se llenará aún más de rock con el tema “Insoportable”, que, dicho sea de paso, vio su videoclip publicado hace tan solo unos días.

Uno de los momentos más emotivos de la noche fue la despedida de Juan Jaramillo, batería original de la banda, que tras interpretar temas como “Televisión ” y “Perseguido” entregó las baquetas a José Luis, un grandísimo batería llegado de México que agradeció poder estrenarse en Madrid y que nos regaló grandes solos de batería durante toda la sesión para el deleite de todos los presentes.

Con el siguiente tema, “Posesión”, llegó un breve homenaje al recientemente fallecido Charlie Watts (The Rolling Stones) con la ya mítica frase” It’s Only Rock & Roll… but I Like It” y un fuerte aplauso de todos los allí presentes.

Durante toda la noche, Juanfran fue presentándonos a “sus niñas”, cuatro fantásticas guitarras. He destacar su vitalidad y puesta en escena, no es nada fácil después de tanto tiempo sin subirse a un escenario coordinar técnica y movilidad y lo hizo realmente bien.

Turno después para introducir el tema que da título al álbum, “Salvaje”. ¿Y qué hizo Juanfran? Pues empezar a tocar “Highway to Hell” de AC/DC. Y claro, Julio no podía ser menos y nos sorprendió con “Smoke on the Water” de Deep Purple. Tras las risas, llegó el ansiado tema, que bordaron.

El momento bucólico de la noche llegó con el tema “Nada ha cambiado”. Siendo sincera reconozco que las baladas no son el fuerte de Juan,  o al menos en este tema, en el que intentó emular aires de blues que lo enturbiaron un poco, y es que  este frotman tiene una voz perfecta para un rock más macarra y salvaje. Eso sí, el solo de guitarra lograba que este hecho pasara desapercibido.

Para mí, el momento más alto de la noche llegó en “Rock and roll Madrid”, tema que quisieron dedicar, aprovechando que les han puesto a su nombre un parque en La Elipa, a una de las más míticas bandas madrileñas, Burning. En este tema los nervios desaparecieron del escenario. Personalmente, es una de las canciones que recomendaría a todos los amantes del rock, ya que hace referencias a músicos y salas que hicieron que el rock sonara con fuerza en Madrid en los 80. Y sigue sonando que da gusto gracias a grupazos como Balas Sobre Broadway.

El fin de fiesta lo pusieron a ritmo de Motörhead con una versión en castellano del “Rock ‘N’ Roll”, momento en el que les hubiera gustado brindar con todos con un buen bourbon. Pero ese brindis tendrá que esperar a que los conciertos vuelvan a ser esas reuniones sin distancias de seguridad y sin mascarillas.

Como dicen estos balas perdidas: “¿Quién nos iba a decir que el rock and roll vive en Madrid?” Esto que quede entre nosotros, MariskalRock lo tenía claro. Y si oís Balas Sobre Broadway, estéis en la ciudad que estéis,  no las esquivéis. Nunca unas balas sonaron tan bien.

PARA LEER MÁS: 

 

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Rock Machine Festival, La Familia Revolución, The Zona Rock Band y la mejor programación de rock y metal en nuestra radio

Seguimos caminando con paso firme en esta potente semana central del mes de junio, con las pilas bien cargadas para ofrecerte otras 24 horas de la mejor música del planeta. El mejor rock y el más potente metal están preparados para seguir haciendo temblar tus parlantes en MariskalRock Radio.

Hoy el tramo de directo comenzará a las 16:00 (hora peninsular española) con una nueva entrega de Rock Star, el programa que dirige y presenta Mariano Muniesa, que nos pone al día de todo lo que está pasando en la escena del rock y el metal de un extremo a otro del planeta.

En la primera hora del programa, Mariano recibirá a Luis Fernández-Cervera, responsable del sello La Familia Revolución y bajista de Vincent Black Shadow, que llegará acompañado por Pablo Mantiñán, guitarrista de Cryptyco, banda de la que este verano estrenamos en esta casa el videoclip de “Vendimos nuestra alma al rock’n’roll”, que tendrá disco pronto bajo el citado sello.

A las 17:00, en el segundo tramo del programa, tendremos en el estudio a Domingo Carrascón, compañero al que tendréis presente los fieles oyentes por su programa Onda Rock Lunes, que nos hablará del concierto que se celebrará este próximo 1 de octubre en el Independance Club de Madrid con la celebración del quinto aniversario de The Zona Rock Band.

Mariano Muniesa será el encargado de presentar esta noche de rock en la que además de contar con la actuación de The Zona Rock Band con su homenaje a nuestro rock, también tendremos a Ozzy Bloody Bastard descargando los grandes clásicos del Madman.

Mariskal Romero se hará con los micrófonos a las 18:00 para ofrecernos un nuevo capítulo del Mariskal Romero Show – Musicolandia, el programa de referencia de la radio rock en nuestro idioma. En el programa de hoy Mariskal contará con la compañía de nuestro compañero Txus Tankian, que presenta el programa Rock Machine en esta casa los miércoles a las 15:00, y Paco Marín de La Revolución del Mono, una de las bandas que descargarán este fin de semana en la madrileña localidad de Pinto dentro del Rock Machine Festival.

El sábado 2 de octubre en el Auditorio Parque Juan Carlos I de Pinto se celebrará con entrada libre el festival que cuenta en su cartel con Tete Novoa, la banda del vocalista de Saratoga; los valencianos Night Hearth, que nos presentarán su reciente álbum ‘El rincón del tiempo y el alma’; los potentes Eternal Psycho, la Rock Star Band liderada por la vocalista Bárbara Black y el guitarrista Martín (Sangre Azul), el rock urbano de Uno Al Mes, y los ya mencionados La Revolución del Mono.

La Hora Argonauta de Jason Cenador llegará a las 19:00 como cierre del tramo de directo con el programa más vertiginoso de la parrilla, en el que se repasa lo mejor que ha dado la jornada, nos presenta lo más destacado de la escena emergente, y no se pierde nada de los más consagrados artistas de nuestra música favorita.

Ya sabes, no quites la radio después, porque la música seguirá sonando las 24 horas del día. ¡Sintoniza MariskalRock Radio!

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Crónica de ARF Special Edition en Vitoria: El Drogas + The Lizards: Un acto de memoria

Que en las actuales circunstancias restrictivas se sigan programando eventos debería merecer un aplauso monumental. Y más cuando seguramente somos el único país de Europa en el que los conciertos todavía se hacen sentados. Nos llegan imágenes de bolos abarrotados de peña en Reino Unido o al otro lado del Atlántico y muchos nos preguntamos qué es lo que hemos hecho mal para que nos castiguen de esta manera. La única respuesta posible es que quizás todavía exista en este país bastante nostalgia de aquellos tiempos en los que se prohibían concentraciones por temor a que alguien se desmadrara. Todos firmes y que nadie se mueva. Como si fuera un cuartel.

El Drogas

Estaba claro que la edición de este año del Azkena no sería ni de lejos parecida a las míticas citas en Mendizorroza, pero por lo menos se había logrado configurar un gran cartel en las dos semanas que duraría el evento en el Iradier Arena vitoriano. Una antigua plaza de toros en la que todavía se pueden ver los burladeros y que no goza precisamente de una acústica privilegiada, por lo que pudimos comprobar.

Por motivos laborales sentimos realmente en el alma perdernos a los barceloneses The Lizards, pero estamos convencidos de que el trío punkarra capitaneado por Carla Santacreu daría un bolo apabullante en el que sonarían temazos de levantarse del sitio como “Everybody Sucks”. Esto de que se programen conciertos a la hora de la merienda sí que da por saco. Que vuelva la noche, por favor.

El Drogas

Para cuando llegamos a la capital alavesa nos sorprendió encontrarnos un recinto abarrotado en el que no había demasiados huecos libres, no en vano El Drogas es un tipo que siempre cuenta con una reseñable porción de fieles. ¿A quién no le gusta escuchar esos himnos imperecederos de Barricada que en las distancias cortas se transforman en auténticas bombas? Que no cese nunca la deflagración.

Por desgracia, el sonido del que gozaron en un inicio no puede decirse que fuera el mejor desde las gradas, en la zona de las mesas se oía algo mejor, o eso intuimos mientras tirábamos fotos. Enrique Villarreal y su sólida banda se marcaron un repertorio muy variado en el que hubo casi de todo, por lo que lo de aburrirse se convertiría en misión imposible.

El Drogas

Desde el poso relajado de “Sin lámpara” al carácter reivindicativo de “Pétalos” de ‘La tierra está sorda’, sin olvidarse del somero repaso a repugnantes personajes de los últimos tiempos en “Están para violarlas” o “Peineta y mantilla”. Y que todavía sigamos teniendo instituciones a las que no se puede criticar demuestra que piezas del estilo de “Come elefantes” continúan siendo más necesarias que nunca.

Muy potente les quedó “Aquí no tienen nombre”, pero era evidente que lo que movía a las masas eran los temas pretéritos de Barricada, caso de “Oveja negra”, eterno himno contra la tortura que provocó que el entusiasmo subiera de golpe hasta la estratosfera. Una inconfundible risotada de El Drogas solo podría preludiar “En la silla eléctrica”, que a pesar de los años mantiene por completo su fuerza devastadora. Para volar hasta lo alto de un tejado.

El Drogas

Lo bueno que tiene ir a un bolo del exvocalista de Barricada es que lo mismo puedes estar cantando a pleno pulmón alguna pieza histórica que pasar de un plumazo a un corte influenciado por Tom Waits como “La mala suerte”. Los amantes de la variedad gozarán sí o sí.

Y si Enrique saca maracas no es para arrancarse con una samba, sino para la macarra y deudora de Burning “No sé qué hacer contigo”, otra canción que no envejecerá nunca.  Esto de estar obligado a contener la emoción por decreto es muy duro, no solo para el respetable, sino para los propios músicos. Aquí entraría también esa horrible costumbre de empezar tan pronto que nos hace polvo a los que curramos de tarde. “No se me vaya a pasar la hora de la cena”, ironizó El Drogas.

El Drogas

Agradecimos del mismo modo “Salvaje mirar” de Txarrena, de los cortes más macarras de la discografía del inquieto cantante. Y aparte de sus característicos “¡A gusto!”, casi parece un inevitable santo y seña cuando se arranca con aquello de “El sol no calienta igual en todas las cabezas…” antes de “Víctima”. Los fans poseen un código especial para reconocer este tipo de detalles, no cabe duda.

Bastaron unos pocos segundos de “Todos mirando” para que la multitud entonara a pulmón la primera estrofa hasta el estribillo, hay cosas que nunca cambian. Y no desentonan tampoco “Todos los gatos” o “Empujo Pa’Ki”, ni una mácula en la ristra con la que nos obsequiaron aquella noche. La peña se levantó y gritó con “No hay tregua”, con clamorosos cánticos a capela por parte de la concurrencia y con El Drogas dedicándola al final “a la voz que siempre la ha cantado”. Grande Boni.

Se pidieron bises y por supuesto se concedieron. Enrique en este aspecto suele ser bastante generoso, por lo que atronó “Barrio conflictivo” con más significado que nunca debido al maldito Estado policial en el que todavía vivimos. “Azulejo frío” era otra de las impepinables que debía de caer, al igual que “En blanco y negro”, que provocó hasta saltos generalizados en la zona de las mesas. La emoción no se puede reprimir.

Acudir a un concierto de El Drogas en la actualidad supone una especie de acto de memoria, la histórica y la suya propia, con una trayectoria que abarca ya varias décadas y que propicia una variedad tremenda en el repertorio. Muy cerril hay que ser para no salir con los ánimos por las nubes después de un recital así. Empadronados a perpetuidad en zona conflictiva.  

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Guns N’ Roses toca “Hard Skool” por primera vez en directo (vídeo)

La llegada el pasado día 24 de septiembre de “Hard Skool”, la nueva canción de Guns N’ Roses que se anticipaba gracias a una afortunada seguidora días antes, precedió al anuncio del lanzamiento de un EP de cuatro canciones que tomará su título del de esta última canción estrenada.

“Absurd” fue el primer tema cuyo estreno nos sorprendió en mitad del nuevo tramo de la gira de la banda que siguen capitaneando Axl Rose, Slash y Duff McKagan tras el regreso de los dos últimos a la formación, y el anuncio del lanzamiento de este EP ha zanjado los rumores que apuntaban a un nuevo álbum completo. El 25 de febrero de 2022 se pondrá a la venta este ‘Hard Skool’, por lo que llegará a tiempo de presentarse en el concierto que Guns N’ Roses tiene programado en Sevilla en junio del próximo año.

Aunque “Hard Skool” se había podido escuchar en las pruebas previas a los recientes conciertos de la banda, el pasado día 26 de septiembre fue el elegido para su puesta de largo sobre el escenario del Royal Farms Arena de Baltimore, Maryland, como podemos ver en el vídeo bajo estas líneas.

PARA LEER MÁS:

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Entrevista a Jinjer: “Cantar Bob Marley con voces guturales sería como orinar en la tumba de algún rockero famoso”

Jinjer | Foto: Alina Chernohor

Antes de la presentación de Jinjer en Fuengirola este sábado 28 de agosto, como parte del Metal Paradise Fest (compartirán escenario junto a Kreator, Crisix, Saurom y Lèpoka), la vocalista Tatiana Shmaylyuk dialogó con MariskalRock sobre la potencia colosal de ‘Wallflowers’, el último disco de la banda. Si quieres saber cómo cabrearse después de una entrevista en la televisión ucraniana fue la inspiración para uno de los temas del nuevo LP o por qué la cantante –confesa fan del reggae- no entonaría ni de coña un clásico de Bob Marley con voces guturales, no te pierdas esta entrevista que Hernán Osuna le realizó a la nacida en la ciudad de Górlovka hace ya 34 años.


Hola Tatiana, ¿cómo estás? Felicitaciones por el nuevo material. A propósito de ello, ¿fue ‘Wallflowers’ una experiencia terapéutica, una manera de sacar afuera toda la frustración que trajo consigo la pandemia?

“Primero que todo, debería decir que la pandemia sencillamente nos dio tiempo precioso para escribir este álbum. De todas formas, si bien la situación influyó de alguna forma, en el disco hablamos de los problemas de la humanidad, pero de un modo personal. No tratamos el tema de los desastres ambientales o de las guerras ni de la pandemia, no. En todo caso, la pandemia me dio la oportunidad de pensar y repensar sobre mis propios problemas y aquellos que continúan latentes en el mundo”.

A diferencia de ‘Macro’, el álbum que editasteis en 2019, cuya composición se dio principalmente entre viajes, pruebas de sonido y vans de gira, en esta oportunidad tuvisteis mucho más tiempo para procesar todo el material. ¿Sientes que la banda se enriqueció en ese sentido?

“Sí, por supuesto. Tuvimos el regalo del tiempo, más allá de todo lo que conllevó el confinamiento y la pandemia en general”.

Jinjer en el Festival Alcatraz de Kotrijk (Bélgica), 2021 | Foto: Hughes Vanhoucke

Nuevamente grabasteis en los Kaska Records Studios de Kiev junto al productor Max Morton. ¿Qué os pidió como banda? ¿Cuáles fueron los nuevos desafíos y objetivos?

“Por mi parte, puedo decir que es el álbum más heavy que hemos grabado hasta la fecha. El sonido es sumamente agresivo. Creo que trabajar de esta manera y lograr el resultado final con Wallflowers’ fue muy interesante para nosotros como músicos, y para Max Morton, ya que él también es un gran instrumentista. En lo que respecta a mí, hice las cosas de la misma manera que siempre: fui la última en sumarme al proceso de grabación. Mi forma de trabajar generalmente incluye cosas que tienen que ver con la improvisación y la experimentación”.

Eso es algo más característico del jazz, quizá, pero no tan típico en el heavy metal.

“Sí, la verdad es que improvisé cosas en casi todas las canciones. Salvo en temas como “Disclosure” o “Vortex”, en esos dos ya tenía todo planeado en lo que respecta a las líneas vocales. Sabía exactamente lo que debía hacer y qué decir. Pero el resto fue pura improvisación”.

El videoclip de “Vortex” tiene más de un millón ochocientas mil reproducciones hasta la fecha. ¿Qué tienes para decir al respecto? ¿Cómo te sientes?

(Risas). “No sé. No es algo a lo cual realmente le dé mi atención, pero debo decir que sí me sorprendió cuando me enteré que llegó al millón de reproducciones en la primera semana. Te agradezco y le agradezco a cada persona que se haya tomado el tiempo de ver el vídeo: la gente, sus parientes, sus perros (risas). Todos”.

“Disclosure” me pareció muy guay. La veo como una mezcla de Nirvana, Alice In Chains, rock alternativo y groove metal. ¿Qué puedes decir sobre esta pista? ¿De qué se trata?

“No eres el primer periodista que señala algo sobre este track y que me dice que le gusta. Muchísimas gracias. Te contaré sobre una situación puntual que fue la que llevó a la creación de las letras de la canción”.

Vale, cómo no.

“Bueno, a finales del mes de marzo realizamos una entrevista en la televisión ucraniana con un tío que suele dialogar con personalidades mediáticas de nuestro país. Realmente, cometimos un pequeño error al no chequear su canal de YouTube y ver algunas entrevistas. Es una persona conocida, así que al final tomamos la decisión de ir; yo estaba nerviosa porque nunca había estado allí ante las cámaras de televisión. Fue un completo desastre”.

¿Qué pasó?

“Este tío era la típica persona con el cerebro lavado y además se comportó de manera muy manipuladora y provocativa. Nos hizo algunas preguntas incómodas y su cara denotaba odio hacia nosotros. Es más, fue muy hipócrita porque nos decía: “No, no, estoy aquí con buen rollo”, pero su cara decía lo contrario. Podía sentir esa mala vibra y me puse furiosa interiormente”.

“Qué ganas de golpear a este gilipollas”. ¿Sentiste algo así?

“Jaja, sí. Estaba muy enojada, realmente quería levantarme de la silla y largarme de allí cuanto antes. Pero al final, cuando terminamos, solo se levantó y se fue: no saludó ni estrechó nuestras manos. Nada. Muy irrespetuoso. Quedé con mucha furia interior por tres días”.

Lo positivo es que pudiste canalizarlo en algo bueno y sano: una canción.

“Sí, después de unos días empecé a escribir las letras. Fue algo natural y puedo decir que este tío tuvo su logro, ya que fue la inspiración para una canción de Jinjer. Por otro lado, quizás el aire grunge de “Disclosure” tenga que ver con que fue escrita en abril y en ese momento todo el mundo está hablando de Nirvana y Kurt Cobain (Ndr: el músico se suicidó el 5 de abril de 1994, aunque hay teorías que planten que fue asesinado, y fue hallado tres días después). O también de Alice In Chains. Soy muy fan de esas dos bandas y a veces me pregunto: ¿Qué pasaría si Kurt Cobain o Layne Staley estuvieran vivos? ¿Cómo serían sus vidas en 2021?”

El álbum comienza con “Call Me a Symbol”, un track furioso, con hermosos blast beats a cargo del batería Vladislav “Vladi” Ulasevich. ¿Estabais pensando en Opeth a la hora de componer esta canción?

“El público español siempre nos recibe con el corazón abierto”

“¿Dices que suena tipo Opeth? No sé, para mí es algo que nunca hicimos previamente. Tiene una melodía muy de la Edad Media (Tatiana se pone a tararearla), como de una fiesta en la que caballeros y reyes danzan. Si suena a Opeth, guay. Al menos no suena a una banda de mierda (risas). Tomaré lo que dijiste como un cumplido”.

La música de Jinjer es muy agresiva y, para cantar adecuadamente, además de lo estrictamente técnico, debes estar relajada. ¿Realizas estiramientos o practicas yoga antes de subir al escenario?

“Realmente, no. Nuestro ejercicio físico es hacer tours constantemente y tocar día a día. Pero ahora, ya que no tengo mucho para hacer, comencé a practicar un poco de yoga. La verdad es que no me disgusta. Siempre trato de hacer cosas nuevas y me gusta seguir algunos vídeos de YouTube. Con respecto a los tours, los camerinos no son muy grandes, a veces no hay espacio ni para las guitarras, así que no se puede hacer mucho. Pero vale decir que estoy intentando con el yoga, con el fin de crear un nuevo hábito. Cuesta un poco, soy perezosa a veces (risas)”.

El año pasado lanzasteis el disco en directo, ‘Alive in Melbourne ‘. ¿Qué evaluación haces de ese material?

“Mmm… Me olvidé un poco (risas). Lo que recuerdo es que aquel show fue jodidamente genial y tenemos ganas de volver a Australia. Sinceramente no miré el vídeo de ese show. Te contaré ese secreto: no suelo mirar filmaciones de nuestros shows. Trato de evitarlo. Pero lo bueno es que es parte de nuestra historia y quizá algún día vea todo eso y llore de manera nostálgica”.

Sé que eres fanática del reggae y que antes de Jinjer tuviste un grupo de ska, funk y reggae. Hay muchos discos recopilatorios que mezclan géneros, como Bossa n´ Stones o Vintage Reggae Café, en el que suenan temas pop en formato reggae. ¿Podemos imaginar a Tatiana Shmaylyuk cantando “No Woman, No Cry” en un recopilatorio reggae de Jinjer?

“No, ni de coña. Es uno de los grandes éxitos del reggae mundial y no creo que cantarlo con voces extremas sea una buena idea. No, no quisiera destrozar esta canción. Quizá podríamos algo hacer netamente de reggae nosotros mismos, pero cantar un cover de Bob Marley con voces guturales, no. Sería como ir a orinar en la tumba de algún rockero famoso. Demasiado irrespetuoso”.

Jinjer tocará este sábado 28 de agosto en el Metal Paradise Festival que se llevará a cabo durante dos días en Fuengirola. El año que viene también estaréis en el Leyendas del Rock. ¿Qué opinas de la audiencia española?

“El público español siempre nos recibe con el corazón abierto y de manera efusiva, así que espero estar ya ahí”.

Mantienes una relación con Alex López, el batería de Suicide Silence. Eugene Abdukhanov, el bajista, tiene un hijo. Vladislav Ulasevich también tiene una relación. ¿De qué manera lidian en Jinjer con las giras y el hecho de mantener vínculos estables?

“A estas alturas ya somos como un organismo propio. Todas y todos tenemos nuestras propias luchas personales y a veces tenemos algunos roces, pero lo resolvemos hablándolo y estrechándonos las manos. Somos como una familia que se ha fortalecido mucho a lo largo de los años. Y el hecho de haber crecido y vivido en la misma ciudad facilitó la conexión”.

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