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Guadaña: “Erytheia” canción a canción

El 13 de octubre saldrá a través de Maldito Digital ‘Erytheia’, cuarto LP de la banda de San Fernando que, esperemos, llevará a Guadaña al lugar que merece ocupar en la escena del heavy metal español. Juan Destroyer viajó a tierras gaditanas para conocer de primera mano las nueve canciones que lo componen.

Salva, Glory y Pablo en el estudio. Foto: Juan Destroyer

Por varios motivos este es un nuevo comienzo para Guadaña, pero el principal de todos es uno que no estaba previsto: el cantante Salva Sánchez enfermó gravemente de COVID-19, hasta el punto que su vida corrió peligro (se lo contó a Mariskal en nuestra radio); felizmente, se ha recuperado sin secuelas.

La renovación en el sonido de la banda también es un hecho, aunque sin haberse dejado su impronta en el camino. Han querido subrayar esa evolución modificando el logo.

Por otro lado, están los cambios en la formación. Juanlu Ripalda llegó a grabar el disco, pero ya se ha anunciado a Fran “Chesky” Tineo, de Kathew, como su sustituto. Además, el grupo está a la búsqueda de un segundo guitarrista.

También mudaron de management, estando ahora en la escudería de la incipiente Rising Rock de Manuel Pérez.

Por último, cabe señalar el salto de sello discográfico, desde The Fish Factory a Maldito Digital.

Otras cosas no cambian, como el que le hayan confiado el diseño gráfico a Fernando NavarroNanderas”. La portada plasma la décima prueba de Hércules -un poco más abajo tienes el porqué- y de fondo vemos el Drago que nació con la sangre derramada del gigante Gerión, siendo el árbol uno de los símbolos de la ciudad de Cádiz.

1- Retar al abismo

El disco comienza con la épica celestial de un coro pregrabado –es decir, montado a partir de bancos de sonido- en comunión con el poder sónico de la agrupación gaditana. Refuerza todo el conjunto una producción de altura, conducida desde el plano artístico por el batería Pablo Casas y el guitarrista Juanma Patrón, pero es mérito también de la pericia técnica de Javier Rondán, dueño del estudio Audiorama de Puerto Real, donde grabaron el álbum entre enero y marzo de este año.

La dualidad de las voces de Salva Sánchez y Glory Romero, una de las principales señas de identidad de la banda, luce como nunca. También

ganan peso ya desde el inicio de la obra las teclas, tanto en modo orquestación como con en samplers y detalles que aportan un aire de modernidad.

2- Guerreros de la tempestad

Bonita letra inspirada por los niños con cáncer del Hospital Universitario Puerta del Mar y escrita antes de que al cantante le salvaran la vida en esa cuarta planta que trata la oncología infantil, cuando todo el hospital pasó a albergar enfermos de COVID.

Musicalmente cabalga hacia el power metal, sobre todo en el final, plagado de doble bombo, y es la primera canción en la que Glory potencia un registro de voz más limpio y elegante, acercándoles también al metal sinfónico.

El estribillo entra de forma inmediata, y apunta a convertirse en la canción más emblemática de la banda para los próximos años.

3- Sangre de mi sangre
La polifonía vocal que la introduce, acompañada solo de un ligero colchón de teclado, casa perfectamente con el esqueleto principal, en el que la banda se mira en lo mejor de la escena escandinava. Nuevamente los elementos orquestales están perfectamente integrados en el sonido de Guadaña.
Cuenta con la participación del guitarrista Alex Sánchez (Sphinx), muy anexionado al conjunto, hasta el punto que incluso llegó a ser miembro del mismo, sustituyendo temporalmente a Juanma Patrón.

Así de distendido fue el ambiente durante el reencuentro

4- Nueva generación

Aquí se endurecen de forma que atraviesan la frontera entre el power y el melodeath.

Los coros del puente y del estribillo son ideales para que los seguidores los secunden en los conciertos.

En el solo sobresale una bonita armonía de Juanma Patrón que podrá ser reproducida en directo una vez que la banda incorpore al segundo guitarrista, lo cual ocurrirá muy pronto.

5- Erytheia

La canción que da título al disco rememora el episodio de la mitología griega en el que Hércules derrotó al monstruo antropomorfo de tres cuerpos Gerión. El combate acaeció en la isla del mismo nombre, donde se asentaba el terreno de la actual Cádiz antes de que el archipiélago de las Gadeiras se transformara en bahía.

Para Salva era todo un reto afrontar esa historia y contó con las aportaciones de todos sus compañeros, especialmente de Pablo.

Se alumbra con unas guitarras delicadas, pero es solo un espejismo, porque enseguida se monta sobre la melodía el batería repartiendo doble bombo por doquier.

El riff de la estrofa es sencillo pero muy poderoso, y contrasta con el cuidado desarrollo del tema, salpicado de cambios de ritmo y también de tonalidad. Hay mucho trabajo en él, la parte instrumental es una bendita locura en la que Juanma se sale.

6- Cuenta atrás

El arpegio saturado que lo introduce presagia que la calma no durará mucho.

En las estrofas el ritmo es lento pero no exento de fuerza, baste decir que Salva introduce algunos guturales según va avanzando la canción.

El estribillo, precedido de un corte abrupto, irrumpe de forma bastante sorpresiva.

Ojo a cómo rasga Glory antes del solo, personificando la rabia que sentimos todas las personas de bien cuando se atenta contra la naturaleza.

7- Resurgir

Vuelve a notarse la influencia del death melódico, y el sintetizador de la estrofa me parece que está logradísimo, aportando al todo y con plena razón de ser.

Pero tranquilo, que seguirás reconociendo a la banda, y de hecho el estribillo de la canción entronca con el heavy metal más clásico.

8- Una aventura más

La música de Guadaña cada vez está más engalanada, pero aquí vemos al grupo en su versión más cruda y a toda pastilla.

El tema, en el que colabora su gran amigo Fortu Sánchez de Obús, es una auténtica pasada que me dejó noqueado desde la primera vez que lo escuché. A la mitad rompen con un pasaje sinfónico seguido de un preciosista solo de guitarra, y la orgía de voces final realza aún más la energía que transmite.

Es una oda a la vida en la carretera y al ritual de la música en directo con la que resulta muy fácil conectar.

Los músicos y Juan Destroyer con la bahía de Cádiz a sus espaldas. Foto: Manuel Peréz (Rising Rock management)

9- La casa de los espejos

Es la tercera letra del LP en la que el grupo le canta a su provincia, en este caso, recuperando la leyenda de la Casa de los Espejos; esta cuenta que en ella vivía un almirante que alimentaba la afición por los espejos de su hija regalándole uno cada vez que regresaba de sus largos viajes. La niña fue creciendo y, ante tantas atenciones, incomprensiblemente la madre empezó a albergar unos celos tan grandes que al final le llevaron a la atrocidad de matar a su hija. Se dice que el fantasma de la muchacha sigue vagando por la casa, que existe en la realidad, y la superstición es tal que no encuentra comprador.

La letra cuenta con narrador y varios personajes, y la banda ha contado con cantantes colaboradores: Jorge Berceo (Zenobia), Manuel Rodríguez (Sphinx), Xina (ex de Oker y Adamantia), Jaime Moreno (The Electric Alley) e Imanol Herrera (Nocheterna).

Musicalmente es la pieza más elaborada de toda la carrera del grupo, tanto que los proyectos de Pro Tools tienen un máximo de 250 pistas y tuvieron que abrir un segundo proyecto para completarla. En sus más de 10 minutos volverás a encontrar todos los elementos de los Guadaña de 2021, con mucho coro (esta vez sí grabado por uno de verdad, Coro Novanerta, conocido por sus trabajos para Saurom), orquesta, detalles electrónicos… toda una mini ópera metálica que en el pasaje más teatral me recuerda a Bonnie Tyler y su inconmensurable “Total Eclipse of the Heart”. El interludio sinfónico-coral antes del solo es otro de los detalles que engalanan la composición, que tras el solo desemboca en una arrancada thrash. El final, con las voces solistas poniendo toda su alma, despide el disco por todo lo alto.

Si ya te gustaba Guadaña creo que aún te va a gusta más después de ‘Erytheia’ que, al mismo tiempo, puede abrirles otros espectros de público siempre dentro de los lindes del metal.

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“Extremoduro ya no es ni será nunca más”: Iñaki “Uoho” lanza su comunicado más triste y emotivo

Se acabó. Lo que pudo ser tiene ya toda la pinta de que nunca será. Después de que la esperadísima gira de despedida de Extremoduro, que iba a tener lugar en 2020, se aplazase en dos ocasiones a causa de la pandemia y las declaraciones cruzadas entre el líder de la banda, Robe, y la promotora Live Nation a cuenta de la celebración de las mismas en un futuro que finalmente desembocaron en la cancelación del contrato y la devolución de las entradas, Iñaki “Uoho” Antón, guitarrista de la banda, ha ofrecido su propia versión de la situación en un comunicado inusualmente emotivo y extenso para él en el que da por imposible una vuelta del grupo a los escenarios.

El otrora guitarrista de Platero y Tú, que oficialmente milita en Extremoduro desde 1996, no alberga ya esperanza ninguna en una nueva gira de despedida y en volver a coincidir sobre un escenario con su compañero de tantas batallas, Roberto Iniesta, de quien ya el pasado año  señaló que había emitido un comunicado “unilateral” en relación al aplazamiento de la gira.

A continuación, reproducimos la carta abierta íntegra de Iñaki “Uoho” hacia sus seguidores y seguidoras:

“Hola a todos:

Me asomo aquí para deciros que he hecho todo lo posible, con todas mis fuerzas, hasta el último minuto e incluso hasta después, por intentar que los conciertos de la gira de despedida de Extremoduro se realizasen, ya fuese en 2022, en 2023, o cuando fuera que se pudieran programar conciertos grandes. De hecho, sigo pensando que os lo debíamos. Que os la debemos.

Pero después de los últimos acontecimientos, ahora ya veo (todos lo vemos) que no va a ser posible, que la realidad no siempre se ajusta a nuestros deseos ni a nuestro sentido de la equidad (que no deja de ser el nuestro; el de cada uno) y solo me queda pediros disculpas ya que, por mucho que quisiera, no puedo devolveros la ilusión que –me temo– es lo más importante que estaba en juego: lo que nos mueve.

Hemos podido comprobar que Extremoduro, tal como lo hemos conocido estos últimos veintiocho o veintinueve años, ya no es. Ni será nunca más.

Pienso que ha merecido la pena; ahí queda nuestro trabajo, vuestra respuesta a él y, sobre todo, nuestros sentimientos, los de todos: vuestros, nuestros, tuyos, míos, suyos…

Los músicos que hemos estado ahí siempre podremos tocar alguna de esas canciones cuando nos dé la gana, y vosotros siempre podréis escucharlas y cantarlas. Ahí quedan para siempre. Ellas son Extremoduro.

Creo que no tengo más que deciros por ahora y no quiero que me salga una carta lloricona. Me gustaría daros un abrazo, pero entre que sois muchos, que estoy delante de un ordenador y no os veo, y el (o la) Covid esta (o este), me conformo con enviarlo aquí por escrito y sentir los que me queráis mandar de vuelta. Sí, soy capaz.

Y los de los que no estiméis oportuno devolverlo, pues no los sentiré.
Total, es un regalo.

Gracias por todo. Muchas gracias. Un millón de veces, gracias. Sois los mejores.

Y salud. Siempre salud.
Iñaki Anton”.

Roberto Iniesta e Iñaki “Uoho” Antón en la rueda de prensa de la presentación de la gira de despedida de Extremoduro en 2019

La noticia de la suspensión definitiva de la gira saltaba a la palestra cuando Robe publicaba en la web oficial de Extremoduro un comunicado indicando que Live Nation le había enviado un burofax rescindiendo unilateralmente el contrato de la gira, algo que choca frontalmente con la versión de la promotora.

Ya en la rueda de prensa que Robe ofreció con motivo de la presentación de la gira de ‘Mayéutica’, su segundo disco en solitario, el célebre cantante y guitarrista fue ambiguo acerca de su celebración, hasta el punto de dar por sentado que “Extremoduro es un grupo que se disolvió”, aunque no cerró la puerta a que el tour se llevase a cabo cuando las circunstancias fueran más propicias. “No sé qué va a pasar”, zanjó.

PARA LEER MÁS: 

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Entrevista a Federico Scialabba (Music Brokers): “Iggy Pop nos abrió las puertas”

Federico Scialabba con algunas de sus referencias. Foto: Jason Cenador

Music Brokers, y en especial sus recopilatorios en doble vinilo o triple CD ‘The Many Faces of’, tienen revolucionados a los coleccionistas de todo el planeta. El planteamiento es sencillo: escogen una gran banda y compilar rarezas, grupos paralelos, colaboraciones, versiones, etc., hasta configurar un trabajo que cualquier fan acérrimo gustaría de tener, ¡y a muy buenos precios! A veces la genialidad está en sacarle brillo a algo tan evidente que nos pasa desapercibido, y te aseguro que sus ejercicios de arqueología rockera y metalera se disfrutan. Ya nos han enseñado las muchas caras de Led Zeppelin, Iggy Pop, Black Sabbath, Kiss, AC/DC, Iron Maiden, Def Leppard, Bon Jovi, Mötley Crüe o Metallica entre muchos otros. Federico Scialabba, presidente de la empresa con origen en Argentina y oficinas en varios puntos del globo, le adelanta a Juan Destroyer que hay muchas otras sorpresas en camino y que es posible que Music Brokers tenga pronto sede en España.

¿Cómo es el proceso hasta la consecución de un ‘The Many Faces of”? ¿Adquirís derechos de toda índole y vais perfilando de qué bandas puede haber material para un disco o bien os hacéis con canciones teniendo ya un grupo en mente?

“Nuestro equipo recibe habitualmente múltiples listados de diferentes sellos discográficos con los que trabajamos y tenemos relación. Son sellos mayoritariamente europeos y americanos. De esos listados se va haciendo una curación de canciones que podrían, ya sea por los músicos que intervienen o sus productores, formar parte de algún “Many Faces”. Es de esa manera que se van construyendo poco a poco y siempre hay varios en desarrollo”.

¿Qué canciones fueron más difíciles de conseguir y/o te hacen sentir más orgulloso de tener bajo tu ala?

“La verdad es que cada uno de los álbumes es una joya en sí. Tal vez, el hecho que Iggy Pop y su manager Henry nos hayan abierto las puertas de sus archivos personales para su “Many Faces” lo hace mi favorito”.

¿Hay artistas que os hayan puesto trabas?

“Robert Fripp trató de prohibir la venta del de King Crimson. Al final, al descontinuarlo, lo transformo en un álbum de culto que hoy se revende a precios increíblemente altos”.

¿Cuáles han sido los mayores éxitos de ventas?

“Los grandes nombres por lo general son los más vendedores. Led Zeppelin y AC/DC están siempre entre los más vendidos”.

¿Se van a poder adquirir las referencias en tiendas físicas de España?

“Sé que la FNAC los tiene en algunas de sus tiendas y hay pequeñas tiendas que los trabajan en forma permanente. Igualmente estamos trabajando para llegar cada vez a más puntos de venta”.

Tienes cuatro sedes en otras tantas ciudades, ¿Te planteas abrir una en España?

“Es algo en lo que estamos trabajando seriamente. Estamos generando contactos con productores y músicos locales para poder darle al “proyecto España” una impronta artística propia y diferente”.

¿Cómo conseguís poder bajar tanto los precios?

“Porque construimos la cadena de valor desde la mirada del consumidor. Empezamos calculando qué es lo que te haría feliz pagar por el producto y después convencemos a todos los proveedores de que en la cantidad estará su ganancia y no al revés”.

¿Hay más discos en camino de esta colección o de otras propuestas rockeras?

“¡Siempre! ¡Para el primer trimestre de 2022 hay muchas sorpresas rockeras!”.

Juan Destroyer en Facebook, Instagram y Twitter

 

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Iron Maiden, Judas Priest, Whitesnake, Cradle of Filth y Hardcore Superstar, entre las bandas de nuestra playlist semanal de rock y metal en Spotify

Grandes bandas consagradas y de actualidad, descubrimientos fascinantes, clásicos imperecederos y talento emergente prometedor se dan la mano en la playlist que cada semana actualiza el equipo de La Heavy y MariskalRock.com. ¡Síguela y recicla lo que escuchas!

Recuerda que puedes suscribirte a la lista en Spotify para no perder detalle cada semana y seguir nuestro perfil en esta plataforma. De este modo, estaréis al corriente de nuestra actividad en la misma y tendréis constante acceso a esta playlist, así como al resto de listas que pueblan nuestro perfil oficial.

JASON CENADOR

“Stratego” – Iron Maiden: “La legendaria banda británica nos desvelaba días atrás el segundo single de su esperadísimo nuevo disco, ‘Senjutsu’, a la venta el 3 de septiembre. La cuenta atrás para los acólitos del heavy metal a nivel mundial se acerca a su final, y el despegue será glorioso”.

“Los pilares de la paz” – Espiral: “La banda ceutí nos encandiló con su último lanzamiento, ‘Cuando vuelve el sol’, y por fin, sin óbices geográficos que valgan, tiene a la vista una interesante gira de presentación que le llevará a actuar por Oporto, Madrid, Alicante, Mallorca y su natal Ceuta. ¡Cuánta garra y ganas de comerse el mundo!”

“Falcon Spirit” – Alae Noctis: “Esta inmensa banda de hard rock y heavy metal caudalosamente influenciada por los más auténticos ochenta se marcó un disco bestial con ‘Eternal Rest for the Best’, en el que compilaban muchas de sus mejores creaciones de los últimos años. Pero atención, amantes de lo clasicote, de lo retro y de lo irresistiblemente genuino, porque pronto tendrán más novedades discográficas y nosotros estaremos atentos para contároslas”.

JOSEP FLEITAS

 “Catch Me if You Can” – Hardcore Superstar: “Desde la edición del suculento ‘You Can’t Kill My Rock n Roll’ de 2018, Hardcore Superstar han estado en dique seco en cuanto a nuevas composiciones respecta. Pero, ¡por fin!, la espera ha terminado; la formación de Gotemburgo ha roto el silencio y han vuelto con renovadas fuerzas y esa actitud que les ha hecho grandes, muy muy grandes, unos gigantes en el universo sleaze, ese que los pupilos de Joakim ‘Jocke’ Berg saben expandir hasta la majestuosidad. Calidad, energía, técnica, rabia y eficacia, todo ello se destila desde este nuevo elemento esencial en el estilo, un nuevo himno, llamado “Catch Me if You Can”, primer adelanto de lo que a finales de año se prevé sea un nuevo y poderoso Big Bang que volverá a sacudir el mundo. Enjoy!”

ÑAKO MARTÍNEZ

“One Shot At Glory” – Judas Priest: “Estos 20 Duros los reservo para celebrar la noticia de la vuelta de los festivales en Reino Unido sin restricciones con la reciente celebración de los 20 años del Bloodstock, donde Judas Priest además volvían a la carretera con su tour de 50 aniversario. Cerraron la tercera jornada del festival delante de miles de fans atónitos que presentaron un show histórico con un set list arriesgado. Prueba de ello arrancar con este “One Shot At Glory” del ‘Painkiller’, que jamás, y digo jamás, habían tocado en directo. Tema difícil para Halford con brutal agudo al final y que para mí siempre fue de mis favoritas del disco. Los Judas siguen como titanes”.

“Crawling King Chaos” – Cradle Of Filth: “Aunque su set list fue corto, los ingleses jugaban en casa en el Bloodstock, donde son asiduos, y dieron un show con una escenografía de cabeza de cartel, donde debutaron en directo el primer adelanto de lo que será su nuevo disco ‘Existence Is Futile’, que saldrá el 22 de octubre”.

“Betrayer” – Kreator: “De lo mejor del ‘Extreme Agression’ del ´89, los Kreator la usaron en el Bloodstock para los bises con un invitado especial, Dani Filth, que había tocado con los Cradle en el mismo escenario apenas dos horas antes que los alemanes. Uno de los momentos álgidos y que sirvieron para confirmar que Kreator en Reino Unido están ya en la primera división, cerrando el cartel el segundo día con el mismo número de público que los Judas Priest un día después”.

“SYSTEMATIC” – While She Sleeps: “Para mí lo mejor que han hecho los de Sheffield (UK) en su último disco ´Sleeps Society’ es desmarcarse un poco de los parámetros del metalcore que les vio nacer en 2006. En Bloodstock aprovecharon la oportunidad que les dieron para ganarse el corazón de los más heavymetaleros. While She Sleeps fue otro de los grandes triunfadores”.

HERNÁN OSUNA

“Fuego es mi segundo nombre” – Renacer del Tiempo (en directo): “’10 años’ se titula el LP que la banda argentina grabó en el Galpón de la Música de la ciudad de Rosario, previo a la pandemia, y cuyo estreno se dio el año pasado. Metalcore, hardcore y rock se entrecruzan en esta banda potente como golpe de luchador de UFC. Gritos lacerantes del frontman, guitarras punzantes, un bajo hostil y un batería a pura caña. Si te gusta “Fuego es mi segundo nombre”, te gustará Renacer del Tiempo. Atención: ¡material inflamable!”

MARISKAL ROMERO

“Until A New Dawn” – Leo Carnicella: “Más allá del impecable trabajo del músico venezolano afincado en Europa volcando toda su pasión por los genuinos sonidos sinfónicos que tanto ama y rememora en este EP o la colaboración de un bajo brillantisimo de Tony Franklin, me detengo en la voz personalísima de uno de los grandes próceres del rock latinoamericano en radio y televisión desde Caracas. En la capital venezolana vivió, trabajó y murió el inolvidable colega y amigo Alfredo Escalante, cuyo mensaje nos sigue “sacudiéndonos”.

JUAN DESTROYER

“World Needs Mosh” – Crisix: “Ya te adelanto que encontrarás en la revista de septiembre entrevista con la cada vez más internacional banda barcelonesa de thrash. No obstante la banda sigue dando caña por Cataluña siempre que puede y aun en tiempos de pandemia: el 15 de octubre encabeza el festival Veneris Metallum. Seguro que suena en Salt este “World Needs Mosh” –cuánta verdad la de ese título- con el que anticiparon ‘The Pizza EP’ (a la venta el 10 de septiembre)”.

“Järnhand” – Thyrfing: “Por qué la banda sueca de viking metal ha tardado ocho años en darle continuidad a De Ödeslösa es otra de las preguntas que tienen respuesta en La Heavy 434 que está a punto de llegar a los kioscos, tan solo unos días más tarde de que salga, el 27 de agosto, ‘Vanagandr’”.

PAU PEÑALVER

“Overdue” – Press to MECO: El nuevo disco de Press To Meco está ardiendo en las redes sociales. El trío inglés ha marcado el inicio de algo que se vislumbra exitoso. Pese a ser su tercer esfuerzo, la crisis interna del combo y la incorporación de Jake Crawford, su nuevo bajista, ha dado oxigeno suficiente al dúo creativo Luke Caley y Lewis Williams. Tuvimos la oportunidad de hablar con ellos y en septiembre saldrá en la revista La Heavy. Esta gente promete y quieren comerse el mundo con humildad y piezas como esta ‘Overdue’. Cuando el math rock busca la comercialidad, las probabilidades de llegar a un público entregado son efectivas y un secreto a voces. Viva Press To Meco”.

 “I Hear the Ocean (When I Wanna Hear Trains)” – The Wallflowers: “Ahora que Bob Dylan vuelve a ser noticia, nosotros nos centramos en los atributos musicales de su descendencia. Jakob Dylan regresa a la actualidad musical gracias al nuevo disco de The Wallflowers, el grupo que le vio surgir del anonimato en 1996 con el sencillo ‘One Headlight’. Se tenían que comer medio mundo y 25 años después regresan con ‘Exit Wounds’, un trabajo cien por cien americano que nos alegra el corazón y cosquillea nuestros oídos. Ya que no podemos salir a la carretera y seguir el camino de la Ruta 66, este es un buen remedio hasta nuevo aviso”.

MARIANO MUNIESA

“Kids And Guns”- U.D.O. “Udo Dirkschneider tiene una nota amarga en ‘Game Over’, el nuevo álbum de estudio que se pone a la venta el próximo 22 de octubre. Si la humanidad no se replantea varios aspectos de su desarrollo, las consecuencias pueden ser fatales. Este tema, adelanto de su próximo disco de estudio, “Kids And Guns” trata sobre el aumento de las ventas de armas y la escasa regulación en la industria de las armas de fuego en los USA, lo cual también conduce a tasas más altas de violencia en niños o adolescentes. Tema para disfrutar y reflexionar”.

“All We Are” – Doro: “Muy pronto tendremos el nuevo disco, DVD y documental acerca de lo que fue la gira de conmemoración y celebración en 2017 que Doro quiso hacer con sus Warlock, y a modo de adelanto, nuestra jefaza nos regala esta primicia, su clásico imperecedero “All We Are””.

 “All In The Name Of Love” – Whitesnake: “El próximo 29 de octubre se pone en circulación el ambicioso lanzamiento de ‘Restless Heart: Super Deluxe Edition’, edición de lujo de dos CD que incluye el nuevo remix más el álbum original, recientemente remasterizado, más una edición de lujo del doble LP impreso en vinilo plateado de 180 gramos que presenta el álbum recién remezclado. Este adelanto es una auténtica joya musical para todos los seguidores del más puro hard rock con la clase y el estilo característico de David Coverdale”.

“Living In The Heart Of Love” – The Rolling Stones: “Vamos a ver… La canción es un temazo, casi puro hard rock al estilo Stone con el piano eléctrico de Nicky Hopkins, pero NO es un descarte de ‘Tattoo You’, sino una “outtake” de ‘It´s Only Rock ´n´ Roll’, disco grabado por los Rolling Stones entre enero y abril de 1974. Si se escucha la producción, la instrumentación, los solos de guitarra, todo, se nota a la legua que es un tema grabado en los 70, y de hecho, parece como una “canción-ensayo-prueba” para uno de los temas que sí entro en ‘It’s Only Rock ´n´ Roll’, como fue “Luxury”. Las cosas como son, ¿OK?”.

INÉS CHAMIL

Trust  – Live (Unplugged in Boston Live 2001) – Megadeth: “Por fin ya tenemos con todos nosotros el disco en acústico de la banda de thrash metal, habiendo estado anteriormente disponible sólo para miembros del club de fans. El ‘Unplugged In Boston’ es un álbum acústico  en formato CD y vinilo que recoge una experiencia única al mostrar un concierto en acústico de forma íntima e impecable. Sin duda, una joya para todos los fans de Megadeth”.

YORGOS GOUMAS

“Hasta Que Sueñes Conmigo” – Láudano: “El proyecto musical de Alberto Díez entra en una nueva etapa musical, donde, aparte de las atmosferas góticas y místicas, los arreglos neoclásicos y las letras poéticas llenas de lirismo y dramatismo, se añaden pasajes sonoros que aluden al rock sinfónico y el neoprogresivo, pero manteniéndonos a raya, siempre dejando en primer lugar los ambientes evocadores de los que nos tiene acostumbrados. Díez muestra su faceta compositora más madura e intrigante. ‘Musa’ puede que sea el mejor disco de su discografía”.

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Crónica de Kike M en Madrid: Ha nacido una estrella

El primer LP de Kike M será también la primera referencia de Metales Preciosos, el sello de Charlie Sánchez, quien quiere hacer del artista salmantino afincado en Madrid –y uso a propósito el término artista, pues se verá en el disco lo buen ilustrador que es- una firme realidad de nuestra escena.

‘Antipersonal’ saldrá en septiembre, pero diez de sus once canciones sonaron en El Sol, sala madrileña donde Kike tuvo que hacer doble pase debido a las limitaciones de aforo.  Yo acudí al primero de ellos, en horario vespertino, que fue presentado por Rodrigo Contreras, locutor del programa RockFM Motel.

Me descolocó un poco que el cantante comenzara el concierto con los ojos vendados mientras tocaban la alegre tonadilla con la que da comienzo “Prefacio”. Enseguida me llaman la atención los ingeniosos ritmos de Gabriel Vidanauta, que la mayor parte del tiempo huye de los patrones habituales del rock –hasta las jotas caben en su ideario- para potenciar el componente bucólico del grupo y la vivacidad que desprende el violín de Manu Clavijo.

En lo que llaman “Introducción para saltar a escena” dan la primera muestra de que, en cuanto le dan rienda suelta a la imaginación, se transforman en una banda de folk rock progresivo. “El ladrido de mi voz retumba”, canta Kike, que lejos de gañir, tiene la garganta a tono y trina como una jilguerillo.

“Destellos” viene a confirmar que en directo suenan más enérgicos que en el disco, y en la segunda mitad, el violín vuelve a encender a un público anclado en sus asientos.

Más lenta es “Sensibilidad”, dedicada por el cantante a los mecenas del arte. La otra debilidad de Kike es la naturaleza, y dice tenerle “envidia sana e insana al mundo animal”, protagonista de “Sur”, una canción de su EP ‘Pobladores del suelo, las nubes y el mar’ (2018).

Agradece el vocalista que “Fortaleza” haya estado sonando en RockFM –también MariskalRock Radio le ha tendido la mano- y nos cuenta que es una canción que nació durante una visita a Toledo. Rock de toda la vida que es rara avis en su repertorio, que se aleja de los convencionalismos.

En la parte intermedia de “Puertas abiertas” renuevan sus votos con la música progresiva, siempre con la impronta personal del violín y la guitarra acústica del señor M.

Diego Aragón de Papawanda se les une con su trompeta en “Infiel felicidad”, un acelerado tex-mex que, en otras circunstancias, nos habría levantado de nuestros asientos.

“Shere Khan” es un medio tiempo que va ganando en intensidad, algo parecido a lo que ocurre con “Agua y piel”. Para este último, Kike anuncia colaboración femenina, pero resulta que no está presente en la sala, supongo que sí llegaría a tiempo para el segundo pase; en cualquier caso, el guitarrista Jose Bueno hizo coros con mucha solvencia.

El cantante se queda solo en el escenario para tocar “Ojos de dragón”, una canción totalmente nueva y muy bonita que nos deja apreciar su destreza con la guitarra acústica.

A continuación presenta a la banda -de la cual solo me queda por nombrar al bajista Isaac González, a quien le pediría un poco más de gallardía en su interpretación- y se arrancan con otro tema rescatado del EP: el movidito “Los mejores” y sus aires de western, que se anuncia como el último de la función. No es así, lo empalman directamente con ese demencial “Trance” que el respetable corea, constatando que está destinado a ser el tema que propulse la carrera de Kike M, un artista al que me le imagino ovacionado en Viñarock pero que tampoco desentonaría en Sonorama.

Juan Destroyer en Facebook, Instagram y Twitter

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“Larga vida al metal”: Grabación de la canción y filmación del videoclip que une al heavy español

Niko, Tete, Alirio, Alberto, Yeray y Óscar

Ayer fue un día grande para el heavy español con la grabación en Madrid de “Larga vida al metal”, el himno que ha unido a un impresionante elenco de músicos por una buena causa: la del reciclaje, promovida por la campaña “El metal nunca muere” de Cada Lata Cuenta.

Tras quince meses de pandemia y dos veranos sin festivales, la cita en los estudios Drax Audio (antes Eurosonic) supuso, además, un reencuentro de amigos del gremio musical que, en la mayoría de los casos, llevábamos bastante tiempo sin vernos.

Jorge en pleno éxtasis

MariskalRock y La Heavy han formado parte de la campaña desde el comienzo, Mariskal Romero es, de hecho, parte activa de la misma, y evidentemente no faltamos a la convocatoria, que culminó con la filmación del videoclip de la canción.

“Larga vida al metal” tiene su origen en una comida hace tres meses y medio en la que nos reunimos Tete Novoa (cantante de Saratoga), Pablo García (director de Cada Lata Cuenta), Mariskal y el que suscribe estas líneas y firma las fotos. Allí empezó a tomar forma la idea de hacer un himno que propulsara la campaña y, al mismo tiempo, hermanara nuestra escena.

Los guturales los aporta Diva

Tete ha sido el cerebro de la operación, y no solo por ser el compositor de la canción, sino porque también fue él quien se encargó de llamar a los músicos participantes; además, el día de la grabación ejerció de coordinador para que, en cinco horas, diera tiempo a filmar entrevistas y el videoclip.

Otra persona fundamental ha sido Yeray López, guitarrista de la banda de Tete y de Ayra, que ayudó en la composición y arreglos de la canción y es el productor de la misma, encargándose además de su mezcla y masterización.

Durante la filmación del videoclip, con Matt al fondo

En cuanto a los músicos presentes, la lista es larga: el tándem de cantantes lo completan Fortu Sánchez de Obús, Alirio Netto de Avalanch, Óscar Sancho de Lujuria (quien también es imagen de la campaña desde que vio la luz) y Diva Satánica (Nervosa, Bloodhunter); los guitarristas son Jorge Escobedo de Sôber y Alberto Rionda de Avalanch (este último se encargó también de las rítmicas); en cuanto a la base rítmica, encontramos al bajista Niko del Hierro (Saratoga, Alderaan) y al batería Matt de Vallejo (Ankhara, Mónica Naranjo, Aitana).

El comentario generalizado acerca del tema es que tiene un estribillo muy pegadizo. Salimos todos de allí con él más que interiorizado y creo que, más allá de su trasfondo de concienciación (por cierto, cerveza va, cerveza viene, entre todos reciclamos un número de latas nada desdeñable…), calará entre el público también en un plano estrictamente musical. Visualizo perfectamente a Tete incorporándolo a su repertorio en directo como solista.

Si quieres saber más acerca de “Larga vida al metal”, no te pierdas el texto que ha publicado Óscar Lujuria.

Fortu también lo dio todo

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Nueva encuesta: ¿Cuál fue el mejor disco de 1971?

Nos retrotraemos a los tiempos en los que el hard rock y la música progresiva eran aún jóvenes y en los que se lloraba la pérdida de algunos de los grandes iconos de los 60.

Vota en nuestra encuesta por disco favorito de aquel año. Accede a la página de inicio de MariskalRock y la encontrarás en la parte inferior derecha de la web.

Le decíamos adiós a Janis Joplin, Jimi Hendrix y Jim Morrison. The Rolling Stones, The Who, Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple estaban en la cúspide. Yes, Jethro Tull o Emerson, Lake & Palmer demostraban que la música compleja podía llegar al gran público. Alice Cooper, Thin Lizzy o ZZ Top daban sus primeros pasos. Desde Argentina, Vox Dei dejó constancia de que el rock no era solo cosa de anglosajones.

Pink Floyd, Uriah Heep y UFO también están representados en esta encuesta en la que intuimos que ‘IV’, ‘Sticky Fingers’, ‘Who’s Next’ y ‘Master of Reality’ parten con ventaja, pero no adelantemos acontecimientos, el público es soberano…

En la anterior encuesta preguntamos por el mejor disco de 1991, una añada espectacular, transición entre lo que había triunfado en la década anterior y la revolución que estaba por venir. Pincha aquí para conocer los resultados.

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¿Cuál fue el mejor disco de 1991? ¡Resultados de la encuesta!

Casi 2.000 votos reunió la encuesta en la que os preguntábamos por el mejor disco de 1991, una estupenda añada para el rock y el metal. Es una alta participación de la que podemos extraer resultados concluyentes.

Pues bien, hay un claro ganador, que se llevó 461 votos, un 23% del total: El ‘Black album’ de Metallica. No es de extrañar teniendo en cuenta que es el disco de heavy metal más exitoso de todos los tiempos y el único de dicho género que tiene el honor de figurar entre los álbumes más vendidos de la historia.

En el segundo puesto, aunque muy alejado de la banda californiana, ‘Innuendo’ de Queen, con 189 votos, un 10%. Publicado tan solo ocho meses antes de la muerte de Freddie Mercury, aún hoy pone los pelos de punta escuchar “The Show Must Go On”.

Completa el podio ‘Nevermind’ de Nirvana, el disco que convirtió a Seattle en la capital mundial del rock durante unos años y que cambió completamente la tendencia dominante, relegando al glam metal a un segundo plano. 159 participantes lo eligieron, un 8%.

Muy reseñable el cuarto puesto de Sepultura con ‘Arise’, que se quedó muy cerca de los de Cobain a pesar de lo agresivo de su propuesta frente al sonido mucho más comercial del creador de “Smells Like Teen Spirit”.

Por otro lado, los votos sumados de los dos ‘Use Your Illusion’ lo alzarían hasta la segunda plaza, lo que no hace sino reafirmarnos en nuestra convicción de que Guns N’ Roses debió lanzar ‘Use Your (Best) Illusions’, un solo álbum que habría estado a la altura del mismísimo ‘Appetite for Destruction’.

En cuanto a los de aquí, el más laureado –séptimo puesto- fue ‘Por instinto’ de Barricada, allá donde figura la canción más famosa de los navarros: “En blanco y negro”.

En nuestra nueva encuesta preguntamos por el mejor disco de 1971, ¿te animas a participar? Accede a la página de inicio de MariskalRock y la encontrarás en la parte inferior derecha de la web.

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Crítica de AC/DC: Power Up

‘Power Up’: Encender, activar, aumentar la potencia. ¿Acaso no es una definición perfecta de lo que supone para mí, como para muchos millones de personas, la música de AC/DC?

Incluso en tiempos aciagos, el cosmos nos lanza destellos de luz: la banda de hard rock en activo más famosa del planeta -siempre imitada, nunca igualada- está de vuelta. Y lo hace con su acostumbrada pureza de argumentos, esa que le otorga el privilegio de ser uno de los pocos grupos a los que el gran grueso de los fanáticos del rock no les demanda que cambien la fórmula.

Hasta a un niño le bastarían los cinco segundos iniciales de “Realize”, con la entrada todos a una de la banda y el chillido de Brian Johnson, para reconocer a AC/DC al instante. A partir de ahí tu pie se moverá solo y tu cuello irá detrás siguiendo el firme ritmo de Phil Rudd con un sutil meneo. La sencillez de ingredientes de siempre, si el género es bueno, va a estar rico seguro.Quienes los menosprecian omiten, por pura ignorancia o con frustrada consciencia, lo fácil que es tocar AC/DC pero lo difícil que resulta hacer que te suene siquiera con la mitad del rollo que le imprimen ellos.



Menos es más, pero tampoco hace falta obcecarse con el minimalismo, y el trabajo de coros de “Rejection” es sensacional, acompañando con solera a la raspada voz de Johnson. Parte del mérito también para Brendan O’Brien, el productor, a la hora de fundir las pistas. “Shot in the Dark” está molón, y con la vitola de primer single, seguro que será fijo en los futuros conciertos del grupo, que cruzo los dedos y toco madera al mismo tiempo para que sean más pronto que tarde.

En una línea más melódica ya explorada en el pasado con, por ejemplo, “Money Talks”, se sitúa “Through the Mists of Time”. A la segunda escucha te sorprendes tarareándola ya y probablemente será otra de las más recordadas de ‘Power Up’. El riff principal de “Kick You When You’re Down” tiene un distintivo y agradecido aire sureño a lo peli de indios y vaqueros que oxigena el disco. Llegado el ecuador, los espacios en las estrofas de “Witch’s Spell” no me llenan, sin embargo, el estribillo es un certero tiro al blanco.

Pocas veces habrás escuchado a Brian cantar tan grave como en el comienzo de “Demon Fire”, un tema rápido, con el bajo de Cliff Williams pautando la intensidad, que recuerda a “Safe in New York City”. Frente a los artificiales fade out, el final con Angus Young correteando por el mástil. Si cierras los ojos visualizarás al guitarrista coronándolo con uno de sus saltitos. “Wild Reputation” tiene una onda a lo “Hard As A Rock”. Es el tema más corto del álbum, no llegando ni a los tres minutos, y se va en un santiamén para dar paso al contenido pero vigoroso “No Man’s Land”.



La rítmica de Stevie Young en “Systems Down” es más enrevesada de lo acostumbrado, y en algunos compases Cliff también se quita el corsé, dibujando al margen de las guitarras. Si mi oído no me falla, el sobrino de su tío pisa brevemente un pedal wah-wah antes del solo de “Money Shot”, lo cual no deja de ser noticia en el contexto de una canción de AC/DC. También se puede tildar de experimento la extraña conjunción de notas en el estribillo de “Code Red”, última de las doce canciones.

El pronóstico era incierto sabiendo que buena parte del material se había construido basándose en ideas inacabadas que Malcolm y Angus habían trabajado en el pasado, pero lejos de arrojarnos las sobras, estos abueletes se han enredado en los fogones del rock and roll para poner sobre la mesa un guiso bien apetitoso. No han olvidado la receta, no.

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Doro recuerda la primera vez que compartió escenario con Metallica: “Fue uno de sus primeros shows en Europa; Cliff Burton era genial”

La reina del heavy metal alemán ha echado la vista atrás rememorando la primera ocasión en la que compartió escenario con los miembros de Metallica, cuando los estadounidenses se encontraban ofreciendo sus primeros conciertos en el viejo continente.

Esta anécdota ha surgido en una entrevista que Doro ha ofrecido al podcast Ouch, You’re on My Hair: “Acababa de publicar mi primer disco, ‘Burning the Witches’, con Warlock. El promotor nos dijo: “Chicos, ¿queréis tocar en mi club? Era un club pequeño, quizás para 300 o 400 personas. Dijimos: “Sí, nos encantaría”. Estaba en Países Bajos. Y él nos dijo: “Hay otra banda viniendo de San Francisco”. Nosotros pensamos: “Oh, eso es guay”. Tocamos un concierto genial. Hubo stage diving y headbanging, y no hubo seguridad. Así que dijimos: “Vale, vamos a ver al otro grupo”. Y era Metallica”.

“Fue uno de sus primeros shows en Europa. Y sí, conocí a Cliff Burton, era genial. Después tocamos en un par de festivales juntos. Siempre quise a James Hetfield. Siempre quise a todos los chicos, eran geniales, especialmente a inicios de los ochenta”, añadía Doro, que en esta charla también señalaba cuáles son algunos de sus discos de metal preferidos. “Creo que ‘Kill ‘Em All’ fue un disco espectacular. Y luego Megadeth con ‘So Far… So Good… So What!’, fue mi primer tour en América. Fue en el 88, y giramos juntos. Íbamos Warlock, Sanctuary y Megadeth, y fue… Oh, tío… Todos los conciertos eran en los pabellones más grandes, y fue una época genial para el metal. Fue fantástico. Y mi canción favorita era “In My Darkest Hour”. Me encanta. Qué gran tema”.

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