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Entrevista a Huecco: “”Idiota” es un descarte de Sugarless. ¿No cabía una canción de desamor crudo?”

“El artista de los mil géneros” cumple en 2021 quince años de carrera en solitario, veinticinco si contamos también su anterior etapa como cantante en la mítica banda de funk metal Sugarless, cuando todavía se llamaba solo Iván Sevillano. Desde 2006 es Huecco, y, gracias en gran parte a su rumbatón, estilo creado por él, que mezcla rumba y reggaetón con otros tantos géneros, se ha convertido en uno de los artistas españoles más conocidos de los últimos años. De momento sigue sacando singles de lo que en 2022 será su próximo disco de estudio, y charló con Manu Gamarra sobre esto, los tiempos pasados y muchas cosas más.

En este 2021 cumples quince años de carrera en solitario. ¿En qué momento te encuentras ahora mismo?

“Pletórico. No sé si el mejor, pero muy cerca del mejor. Tienes la madurez de los diez años de Sugarless más los quince de Huecco, que son veinticinco ya, y si me dices cuando empecé con Sugarless que iba a estar veinticinco años sobre un escenario te diría que si estás loco. Esto es un privilegio”.

Huecco con Mariskal Romero apoyando la campaña “El metal nunca muere” de @cadalatacuenta.

O sea, que va para largo.

“Sí, sí. Ni puta gana de bajarme del escenario, al revés, se me van acumulando proyectos nuevos. Ahora tengo ganas de hacer un proyecto de rock y metal más puro, qué le voy a hacer si van saliendo las canciones”. (Risas)

¿Cuál dirías que ha sido el peor momento de tu carrera hasta ahora?

“El peor momento para un artista es la separación de un grupo, y la de los Sugar fue un poco traumática, pero yo quise borrar pronto todo y empezar de nuevo, por eso me fui a Estados Unidos. Y a la vista está que fue un súper acierto”.

¿Y el mejor?

“Pues vino seguido. El mejor momento fue que, nada más terminar Sugarless de aquella manera y empezar Huecco al volver de América, lo reventó: Disco de oro, 300.000 tonos de móvil descargados de “Pa mi guerrera…”. Aposté por la voz gutural del metal sobre una base latina, algo que, aunque mucha gente piense que era fácil, tenía el riesgo de no gustarle a nadie, ni a los rockeros por la base latina ni al público pop o comercial porque la voz era muy dura”.

Y que en esa época tampoco estaba el reggaetón tan arraigado…

“Empezaba, pero con voces muy latinas de reggaetón, no cañeras ni raspadas”.

“Me parece una falta de respeto salir como Sugarless sin el cantante original”

Hablando de Sugarless: ¿Hablaste con ellos cuando anunciaron en 2020 que volvían?

“Hablamos, pero la comunicación es escasa y casi siempre mediante abogados. Yo no estuve muy de acuerdo, porque para mí eso no es Sugarless, eso es Sugarless y el nombre que le quieras poner detrás. Al igual que yo no he salido nunca como Sugarless en estos quince años, y podría porque la marca y el muñeco son míos. Me parece una falta de respeto salir como Sugarless sin el cantante original. Estamos hablando, por decirlo de alguna manera“.

Entiendo que la mayoría del público que descubrió Huecco en 2006 no te conocía de tu etapa en Sugarless. ¿No te generó cierto temor el cambio tan brusco de estilo o ese paso repentino al mainstream y a hacerte súper conocido?

“No, porque yo no sentía estar traicionando a nadie. Yo siempre dije que a mí Sugarless se me quedaba corto, me suponía un treinta por ciento de lo que yo podía dar como artista. Intenté meter desde trocitos de son cubano hasta una bulería hardcore, hacía pruebas de sonido cantando a Camarón de la Isla… pero siempre había miedo a salir de ese funk metal, y mira que recuerdo algunas rarezas como “Bicho raro” que compuso Frankie, una especie de balada paranoica. Además, yo tampoco tenía apenas incidencia en lo que era la composición de canciones. Hice “Asegúramelo”, “Esa historia” y dos más, así que me sentía con la necesidad de explotar sin complejos”.

Y eso que ya eráis un grupo único por su fusión…

“Totalmente, pero mi sueño con Sugar fue siempre haberlo hecho aún más abierto, y no lo conseguí; creo que con ello podríamos haber seguido, sacar un cuarto disco… Al final, es una experiencia que no cambio por nada, te da muchas tablas y te pone los pies en la tierra para no creerte la hostia si luego llega el éxito, pero Huecco ha sido una liberación literal, y te lo digo sin miedo. Poder estar en festivales de rock en Alemania o en el Viña, abrir con partes de ska, de punk o de hardocre y mezclarlo con rumba, flamenco o chachachá… yo es que me corro vivo”. (Risas)

 “Tengo ganas de hacer un proyecto de rock y metal puros”

Pero las “raíces” en cierta manera sí las has mantenido con Huecco. Siempre dices que tus conciertos son muy cañeros y en ‘Lobbo’ (2016) sacaste aquella “Tenemos el hardcore” que recuerda mucho a lo que hacías con Sugarless.

“Sí, y es una canción muy feliz, de que “salte el barrio” como si fuera un concierto. Además, el reto es que está grabada sin guitarras eléctricas. Tuve que conseguir esa potencia del hardcore con la actitud, la voz, la pegada de la batería, el bajo y las guitarras acústicas procesadas. Y a mí me encantó cómo quedó”.

Volviendo a ese viaje que hiciste por América después de terminar Sugarless: ¿Fue por algún motivo en concreto? ¿Buscar nuevos sonidos? O quizá lo típico de encontrarse a uno mismo…

“Nos fuimos para allá Samuel y yo, pero él se volvió antes y se enfrió un poco la relación. Y lo que hice en aquel viaje, que en realidad solo duró tres meses (ndr: por lo leído en internet pensaba que había sido mucho más largo), fue asentar esos estilos que yo sospechaba que me gustaban. En Cuba flipé y comencé a componer “Pa mi guerrera”, y me di cuenta de que había estilos que conseguían ponerme la piel de gallina igual que el rock, así que decidí aventurarme con esa fusión que es lo que luego fue Huecco”.

Huecco y Kutxi Romero a las puertas de la pastelería Marimer, salvada de su cierre en esta pandemia.

Cambiando un poco de tercio: Con tantas cosas que has hecho ajenas a la música (fundar una organización benéfica, tu propia marca de aceite de oliva, ser la imagen de Maseratti, aquel cambio de look radical y campaña publicitaria para lanzar ‘Lobbo’, recientemente fuiste noticia por comprar una panadería que había cerrado por culpa de la pandemia y ayudar a la gente del barrio…), ¿a veces no te genera un cierto temor a que puedan dispersar la atención de tu carrera musical?

“No, no me da miedo, porque tendría que ocurrir que una de esas cosas que mencionas devorase al cantante. Que oye, ojalá mi marca de aceite de oliva, Cueva del Lobbo, se convierta en una multinacional, (risas) porque destinaría todos esos ingresos en cosas de la música, producir a otros cantantes… Pero sí que tienes razón de que existe ese riesgo, aunque de momento no ha ocurrido”.

Sabemos que finalmente el disco va a salir en 2022, que se va a llamar ‘XV Aniversario’, que antes sacarás algún single más, que va a haber un tema de country metal y hasta te escuché algo sobre una versión del “Porque te vas” de Jeanette…

“El título todavía no está decidido, pero el concepto va a ser ese. Lo de Jeanette me lo descubrió sin querer Fernandisco el otro día en directo. (Risas) Es una canción que llevo ensayando mucho tiempo versión metal por contrastarla con su voz, pero quizá más para el directo, no sé si entrará en el disco. Y lo del country metal es porque flipé al ver en Los Ángeles a unos músicos tocando el banjo en la calle con una actitud que parecían Slayer. Me encantó la idea y me acabó saliendo un tema”.

“Si Angelus Apatrida, Sôber o Hamlet están leyendo esta entrevista, que me contacten, que lo movemos echando hostias”

O sea, que todavía le queda al disco

“Sí, sí. Faltan dos o tres singles más, que ya están hechos, pero hay que decidir cuál entra, y yo sigo componiendo canciones nuevas, así que igual alguna que estaba dentro al final se cae”.

¿Lo estás produciendo tú, como hiciste con ‘Lobbo’?

“Algunas partes sí, en otras me está ayudando Tato Latorre. Estoy mirando con varios productores”.

Algunos ya te conocen como “el artista de los mil géneros” por todos los palos que tocas en tus canciones…

“Es que estoy abierto a cualquier estilo que venga. Yo escucho de todo, y de todo se pueden coger ideas, desde la música clásica hasta el trap. Luego ya tengo que ver qué hago con todo ello. Y que a veces incluso yo acabo siendo el más purista con determinados estilos, como el flamenco, pero no lo soy conmigo mismo. (Risas) Te voy a contar un secreto: “Idiota” (ndr: recientemente regrabada con Kutxi Romero) es un descarte de Sugarless, llevaba hecha muchos años y un día en el local de ensayo me dijeron que era una balada y que no les gustaba. ¿Crees que me puse triste? Cero. No me puse a discutir, me la guardé para el futuro y al final mira… ¿Por qué no podía caber en Sugarless una canción de desamor crudo?”

¿Y qué escucha más actualmente Huecco?

“Pues mira (abre Spotify en el móvil). Para ir al gimnasio tengo una lista de solo metal, necesito un poco de mala leche para levantar pesas: “Papel contra tijera” de SA, “Wasted Years” de los Maiden, “Balls to the Wall” de Accept, Twenty One Pilots, Slipknot… Pero cuando voy en el coche sí que me gusta más una lista que salte de estilo en estilo como una bestia: Justin Bieber, Heavy D & The Boyz, Maroon5, Kings of Leon, Black Joe Lewis & the Honeybears, “Con calma”, que es una de reggaetón…”

También ha estado siempre tu música muy unida a las nuevas tecnologías y formatos

“Es que los comienzos de Huecco coincidieron con la época en la que la gente se bajaba los tonos para el móvil, y como que experimentaron un poco conmigo. Nunca he tenido miedo ni a nuevos retos, ni a la tecnología, ni a reconocer que escucho otras músicas… los guetos no te llevan a ningún lado”.

Entrevistado y entrevistador: Huecco y Manu Gamarra

Incluso hiciste el himno del Mundial de Baloncesto del año 2014 en España y la sintonía de El Partidazo, uno de los programas más importantes de la radio española. ¿Cómo se afronta esto en comparación con la composición tus canciones?

“Es una responsabilidad, porque tus canciones vienen más de la inspiración y te vale a ti, esto es un encargo. Tienes que imaginarte un estadio de basket, gente haciendo “¡oe, oe!”, melodías muy comerciales y sencillas… me lo propuso la FIBA y gustó en Suiza, donde está su sede, imagínate el honor. Y con respecto a lo de El Partidazo, yo es que ya había hecho una rumba para El Partido de las 12, que es como se llamaba antes, pero lo adelantaron media hora y la letra ya no tenía sentido. (Risas) Así que esta la hice un poco distinta, le metí unas guitarras muy Muse si me apuras y scratches de DJ”.

¿Eres fácil de convencer o has rechazado más proyectos comerciales?

“No he rechazado, le suelo ver el punto a todo. También hice la intro de José Mota dos o tres temporadas, y es que me gusta mucho todo lo que tiene que ver con jingles o sintonías, que tiene su dificultad. Para mí son retos, no me dan miedo”.

Te leí en una entrevista de hace tiempo que tu colaboración soñada sería con Bunbury y Chavela Vergas. ¿Lo sigues manteniendo?

“Me gustaría colaborar con muchísima gente. Dentro del rock, por ejemplo, se lo propuse hace poco a Warcry para un tema de power metal que tengo que se llama “Fuego valirio”, así que no me cierro esa puerta. Para mí, además, un “no” quiere decir “no ahora”. (Risas) También me molaría con Angelus Apatrida, Sôber, Hamlet, que son más de mi época… si están leyendo esta entrevista, que me contacten, que lo movemos echando hostias”. (Risas)

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Nightwish: Tuomas Holopainen admite que la marcha de Marco Hietala estuvo a punto de marcar el final de la banda

La salida prácticamente nada más arrancar 2021 de Marco Hietala de Nightwish conmocionaba a todos los seguidores de la banda de metal sinfónico finlandesa y obligaba al combo a retrasar los conciertos interactivos de finales de este mes (shows para los que la banda contará ya con un nuevo integrante).

El teclista y líder de Nightwish, Tuomas Holopainen, ha reconocido ahora que la marcha del mencionado cantante y bajista sacudió los cimientos del grupo hasta el punto de convertirse casi en el final del mismo: “Marco nos lo dijo en diciembre del año pasado. Y a pesar de que se ha mostrado muy abierto sobre su estado y problemas durante los últimos años, aun así supuso una pequeña sorpresa para nosotros”, comentaba a Kaos TV.

“Así que fue muy difícil de aceptar. Durante unos días estuve bastante seguro de que no había vuelta atrás, que esto era todo. Recuerdo haber hablado con Emppu Vuorinen, el guitarrista, y estábamos como: “¿Crees que es esto?”. “Sí, creo que se acabó”. Quiero decir, ya es suficiente. Han pasado muchas cosas en el pasado. Fue como la gota que colmó el vaso, como dicen. Luego, después de que pasara un tiempo, unos días, comenzamos a pensar que ha sido un viaje de 25 años, con muchos altibajos también, que esta no es la manera de terminar”, continuaba.

“Creo que todavía tenemos algo que ofrecer, y eso es lo principal. La música todavía está ahí. Sentimos que todavía hay mucha música que debe salir de esta banda. Como que: “Está bien, démosle una oportunidad más”. Y luego encontrar al nuevo bajista fue realmente fácil. No es que hagamos esto solo porque tenemos que hacerlo y no hay nada más que hacer. A nivel personal, siento que todavía hay muchas historias y melodías que quiero compartir con el mundo con una formación u otra, por eso quieres continuar y seguir adelante”, añadía Tuomas.

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La canción que Iron Maiden dedicó a los periodistas a los que “les encantaba que Bruce Dickinson abandonara la banda”

La relación entre prensa y artistas no siempre es la deseada por ninguna de las dos partes, situación que Iron Maiden vivió en sus propias carnes precipitada por la salida del grupo de Bruce Dickinson en 1993.

Al parecer, este hecho fue celebrado por cierto sector del periodismo musical británico, algo que no pasó inadvertido por el combo de heavy metal. Blaze Bayley, quien sustituyó a Bruce hasta su regreso en 1999, ha hablado de la particular venganza que los Maiden se cobraron durante una charla con Crash TV.

“Querían que Iron Maiden fracasara, y les encantó que Bruce dejara la banda. Realmente querían que Iron Maiden fracasara. Pero los seguidores no querían eso, y los periodistas estaban realmente hartos de no tener el poder para acabar con Iron Maiden porque es un grupo de fanáticos”, comentaba el cantante mientras explicaba que la letra de “Virus”, canción que veía la luz en 1996 como single y que fue dedicada a esta serie de periodistas.

“Trata sobre el odio de los periodistas, de su cinismo y sus actitudes, y por qué eso es venenoso, de que son el virus. Mentalmente siguen alimentándose de estas cosas horribles, y la gente comienza a creer que algo está mal cuando ni siquiera lo han escuchado por sí mismos; ni siquiera lo saben. Porque alguien les dice que es malo, ellos dicen, “Oh, entonces debe ser malo”, en lugar de investigar por sí mismos. Y ese es el ‘virus’ maligno del que hablamos en esas letras”, añadía Blaze, que recientemente reconocía que no sabe por qué lo eligieron para reemplazar a Bruce Dickinson.

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Tommy Lee (Mötley Crüe) se compra un “santuario moderno de inspiración japonesa” por más de cuatro millones de dólares

Curioso y costoso método el que Tommy Lee ha adquirido en pro de perseguir a sus musas. Y es que el batería de Mötley Crüe se ha hecho con un, en palabras de la inmobiliaria responsable de esta venta, “santuario moderno de inspiración japonesa”.

Esta propiedad cuenta con prácticamente 400 metros cuadrados repartidos en cuatro dormitorios y tres servicios, una piscina con cascadas incorporadas, una terraza comedor, una hoguera, una zona de barbacoa y una sala de jardín cerrada estilo invernadero entre otras prestaciones.

También encontramos un patio con jardín, un estanque koi, una cabaña de té japonesa y un dormitorio-oficina con una escalera de caracol que conecta con una enorme sala de usos múltiples.

Este inmueble, situado en Brentwood, California, le ha costado a Tommy la friolera de 4,1 millones de dólares. Os dejamos a continuación con una serie de imágenes de la propiedad en cuestión, cortesía de Mike McNamara (ZenHouse).

Por todo el mundo es sabido lo excéntrico de la vida de Tommy, quien el pasado año se tatuaba la cara por partida doble (cobrando precisamente estos diseños especial sentido con el santuario del que ahora es orgulloso propietario, por otra parte). Hace unos meses Scott Ian, guitarrista de Anthrax, desvelaba la locura que le pidió Lee a un piloto de jet privado.

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Bolsa de noticias: Black Label Society – Armored Dawn – Cronómetrobudú – Balsa de Piedra – Fernando Arteaga – Heavy Metal Heart

Black Label Society tiene una treintena de temas para su nuevo disco, Armored Dawn lanza single, Cronómetrobudú estrena tema, Balsa de Piedra comparte videoclip, Fernando Arteaga lanza vídeo y anuncia fechas en vivo, y Heavy Metal Heart anuncia la cancelación de su próxima edición.

Black Label Society tiene 30 canciones grabadas para su nuevo disco, cuyo lanzamiento se espera para noviembre

Zakk Wylde y sus compañeros han aprovechado bien el tiempo que la pandemia ha otorgado a todos los artistas, resultando este periodo de inactividad en directo en un total de tres decenas de canciones que los miembros de Black Label Society ya tienen grabadas para su próximo álbum.

“Grabamos unas 30 canciones. Así que lo tenemos. Solo estamos dando los toques finales a algunas cosas en este momento. Vamos a masterizarlo muy pronto. Así que probablemente saldrá en noviembre”, aseguraba Zakk en una entrevista recientemente ofrecida a WRIF Virtual Room.

En 2018 llegaba a las tiendas ‘Grimmest Hits’, trabajo de estudio más reciente de BLS del cual podéis leer nuestra crítica.


Armored Dawn presenta “Stronger Together” y su videoclip

“Stronger Together” es el nuevo tema de Armored Dawn, un corte compuesto durante el confimaniento que invita a reflexionar sobre el significado de la amistad y la importancia de las personas en un periodo tan incierto como el que atravesamos ahora. Aquí lo tenéis:

Armored Dawn ya se encuentra trabajando en su nueva placa de estudio, la cual verá la luz presumiblemente a finales de 2021.


Cronometrobudú lanza su nuevo single, “Este fuego”

Tras dos años en silencio, Cronometrodubú ha deleitado a sus seguidores con el estreno de “Este fuego”, nuevo tema que os dejamos a continuación:

“Este fuego” se ha convertido en el primer adelanto del próximo disco del combo de rock natural de Burgos, el cual editará Planeta Sonoro y podremos llevarnos a los oídos el próximo otoño. Mucho ojo a la última actualidad de Cronómetrobudú para no perder detalle de cualquier información de este inminente álbum.


Balsa de Piedra lanza el videoclip de “Entropía”

Balsa de Piedra arrancaba el presente 2021 de la mejor manera posible con la publicación de ‘Soror Tenebrosa’, notable trabajo que no dudamos en reseñar aquí y del que forma parte la canción “Entropía”. Este tema ha sido el escogido por los sevillanos para protagonizar su nuevo vídeo, del cual podéis disfrutar bajo estas líneas:



Los integrantes de la banda de rock gótico y doom entraban en detalle de su propuesta musical en la entrevista.


Fernando Arteaga estrena vídeo anuncia fechas en directo presentando ‘The Human Are The Error’

“The Human Are The Error”, pista que bautiza al último EP de Fernando Artaga, cuenta desde este mismo momento con su propio playthrough, el cual os dejamos aquí:



Arteaga ha anunciado paralelamente las primeras fechas en las que defenderá este corta duración:

15/09/21 – Sevilla (Sala Hollander)
17/09/21 -Jerez (La Guarida)
18/09/21 – Por confirmar
08/10/21 – Por confirmar
09/10/21 -Sabadell (Vade Música)
12/11/21 -Alicante (Sala Babel)
13/11/21 – Por confirmar

Amén del lanzamiento de ‘The Human Are The Error’, trabajo del que podéis leer nuestra reseña haciendo click en este enlace, nos pusimos en contacto con el artista gaditano. El resultado fue esta entrevista.


El festival Heavy Metal Heart 2021 es cancelado

Por desgracia, una nueva edición de Heavy Metal Heart no podrá ser llevada a cabo por segundo año consecutivo a consecuencia de la pandemia. Todos deseábamos tener la oportunidad de ver el 5 de junio de 2021 en la Sala Grande de Repvlicca de Valencia a Zenobia, Saratoga, Rise To Fall, Suamenlejonna, Nocturnia, Torchia y Metal Mareny.

Los responsables del festival han advertido que estemos atentos el 8 de junio, fecha en la que se darán a conocer las primeras bandas del HMH 2022. Se asegura que esta cita (a celebrarse en el mismo emplazamiento) “volverá a España con más fuerza que nunca”. Las entradas para el año que viene pueden adquirirse ya aquí.

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El impactante relato de Ashley Morgan sobre los presuntos abusos de Marilyn Manson: “Me cortó y bebió mi sangre”

La imagen de Marilyn Manson no pasa ni mucho menos por uno de sus mejores momentos después de que desde que el pasado mes de febrero dieran inicio una serie de acusaciones de abusos por parte de distintas actrices.

La última mujer hablar abiertamente de esta clase de comportamientos de Manson ha sido Ashley Morgan, expareja del extravagante músico estadounidense que ha relatado con todo tipo de detalles determinados tratos que recibió durante su – aparentemente – corta relación.

“Sobreviví a un monstruo”, llegaba a declarar ante People Morgan, en una entrevista en la que revela que Manson le azotó, le realizó un corte con un cuchillo adornado con una esvástica y le metió el puño en la boca manteniendo relaciones sexuales. En las declaraciones de Ashley destacan estas horribles palabras: “Me cortó en el estómago y luego bebió mi sangre. Luego, me hizo beber la suya. Cuanto más dejaba que me lastimara, más lo amaba y más le demostraba mi valía”. Además, la llegó a encerrar en una caja de cristal más de 100 veces. “Tuve miedo de mi vida todas y cada una de las veces que estuve con él”.

Junto a Morgan, otras catorce mujeres han acusado a Manson de llevar a cabo estas vejatorias conductas. Marilyn, por su parte, ha negado todos estos testimonios realizados contra él. “Hay tantas mentiras dentro de sus afirmaciones que no sabríamos por dónde empezar a responderlas. Esta relación, en la limitada medida en que fue una relación, no duró una semana”, ha declarado a través de un portavoz.

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Entrevista a Kevin Pérez y Aria Ignis: “No me dan miedo los talibanes de la música, no tengo por qué esconderme”


Tras atravesar una serie de dificultades a lo largo de los últimos años, el vocalista de Aria Ignis, Kevin Pérez, ha asumido la dirección de la banda por completo tras la marcha del resto de miembros. Fruto de esta nueva etapa es el estrenado a principios de año ‘Pasado, presente y futuro’, trabajo sobre el que el artista toledano y Alfredo Villaescusa charlan en profundidad.

¿Por qué el título de ‘Pasado, presente y futuro’? ¿Lo consideras un compendio de tu trayectoria hasta la fecha?

“En parte sí y en parte no lo considero un compendio de toda mi trayectoria: En parte, sí, porque digamos que el proyecto o con el nombre de Aria Ignis es con el que más he avanzado y el que mas está perdurando en el tiempo, y con el que más reconocimiento estoy obteniendo hasta la fecha. En parte, no, porque también he tenido otros proyectos anteriores de menos tiempo o de menor reconocimiento incluso público. Pero como lo que sí que quería reflejar en el nuevo disco eran todas las etapas de Aria Ignis hasta la fecha, qué mejor manera que titularlo ‘Pasado, presente y futuro’”.

La principal novedad de este lanzamiento es que has añadido tu propio nombre al del grupo, ¿a qué se debe este cambio?

“En gran parte incluso lo quería haber hecho en la salida del segundo álbum, pero no se podía principalmente porque la promoción ya estaba prácticamente hecha sin aun el añadido de mi nombre al logo, y además con todos los problemas y cambios que estaban aconteciendo con el tema del crowdfunding y miembros y mil historias más…Fue imposible hacerlo antes. ¡Y el motivo creo que está más que claro! (risas), Aria Ignis empezó siendo formado por dos fundadores, antes de la salida del segundo álbum expulsé al que era mi socio por los motivos que ya se saben y otros de índole personal, y a partir de ahí iba a ser mi mano la que iba a dirigir todo al completo e incluso llevar el proyecto como solista”.

Aria Ignis han tenido una trayectoria bastante convulsa en sus diez años de trayectoria, ¿fueron malas casualidades o se debió a otros motivos concretos?

“Y tanto que ha sido convulso en estos casi diez años, y digo casi por que aun quedan dos para que sean diez (risas). Creo que han sido malas casualidades mezcladas con inexperiencia ante muchos aspectos”.

Mirando ya hacia el futuro, en este último álbum sigue presente el power metal a la vieja escuela, pero quizás se ha dado más protagonismo a los sonidos acústicos, ¿continuará esta evolución en posteriores lanzamientos?

“Muy buena esa pregunta y muy buena apreciación porque es así, era totalmente mi intención darle mas protagonismo a los sonidos acústicos, porque además como primicia y adelanto te confirmo que sí, que en la siguiente producción en la que vengo trabajando se está dando incluso aun mas protagonismo a sonidos e instrumentos acústicos, e incluso a otros estilos los cuales puede que tengan poco que ver con el power metal. Tengo ganas de que la gente y el público me vea desenvolverme en ellos, pues es algo que también me lo lleva pidiendo mi interior durante bastante tiempo”.

Tenemos una versión orquestal de “El pozo amargo”, que ya aparecía en ‘Desafiando al destino’, ¿por qué te animaste a regrabarla?

“Pues en gran parte la idea me vino cuando termine de grabar las voces en las sesiones para “Desafiando al destino”. Al ser un tema tan toledano la misma canción daba ese juego y lo pedía, mas tarde grabando los retoques y últimos arreglos terminé por decidir que tenía que hacerlo, pues ya la orquestación de la versión eléctrica es muy bonita”.

Creo que hay también otros temas procedentes de trabajos anteriores que no llegaron a utilizarse en su momento, ¿es así? ¿Cuánto hay entonces de viejo y nuevo en este lanzamiento?

“Y así es, pues como creo que conté mas arriba quería que se quedase reflejado en el álbum cada momento y cada etapa que ha tenido Aria Ignis desde el minuto 0 hasta ahora. En cuanto lo que hay de nuevo y viejo, pues un 20% del primer álbum, un 35% del segundo y el 45% restante podemos decir que es nuevo. Que para mí podríamos decir que ya es viejo, pues como antes dije ya vengo trabajando en la siguiente producción, yo no pienso parar y quiero seguir mostrando mi evolución constante y cada vez más mi madurez”.



Los que escuchen hasta el minuto final se encontrarán con una sorprendente versión del “Cuando tú vas” de Chenoa, ¿cómo os dio por ahí? ¿No os dan miedo los talibanes?

“Siempre en todos los discos metimos un bonus track oculto, y este no iba a ser menos obviamente. Y la elección del tema de Chenoa vino porque en una selección de temas para hacer en directo se quedó fuera por otra versión en su momento (risas), ¡pero se me quedo esa espinita de hacerla… Y en fin, ¡ahí está! De todos modos, también es un tema con el que me divierto mucho a la hora de cantarlo, y ese fue otro de los motivos. Y no, la verdad que no me dan miedo los talibanes de la música ni los terroristas ni los del ISIS (risas), ni nunca me lo han dado. Pues yo aunque siempre haya hecho heavy metal o esa vertiente de cara al mercado, mis estudios son de canto moderno en general y parte de lírico, con lo cual si en cualquier momento me apetece hacer algo distinto o expresar lo que siento con algún estilo de música distinto, no tengo por qué esconderme. Alguien que machaque solo por ser distinto a lo que a él le guste o porque sea distinto a lo que he venido haciendo solo demuestra que es un cenutrio con los oídos y las miras cerradas”.

Llama también la atención el hecho de que ‘Desafiando al destino’ se editara hace apenas un año, ¿te sirvió el periodo de confinamiento para componer o cómo es posible entonces?

“La verdad que hasta a mí mismo me ha llamado la atención el sacar dos discos en dos años, pero también todo ha sido por el largo proceso que tuvo el segundo disco hasta que terminó saliendo al mercado, y porque según se realizó la presentación del mismo, por diferencias con el resto de músicos, decidí despedirles y ponerme a trabajar en este nuevo álbum, pues en gran parte también veía lo que se venía encima de la sociedad mientras estábamos haciendo bromas y riéndonos del virus. El confinamiento me sirvió para seleccionar los temas y componer y arreglar a los que les hacía falta un lavado de cara, después en las desescalada aproveché para encerrarme en el estudio a grabar las voces y el resto ya sabes, mezcla mastering y de trámite con el sello discográfico”.


¡No dudéis en escuchar ‘Pasado, presente y futuro’!


¿Qué planes de directo tienes a la vista? ¿Echas de menos subirte a un escenario?

“Difícil respuesta en cuanto a conciertos o presentaciones en sí. Dada la situación y, al no ver apenas luz al final del túnel, no va a haber conciertos de momento, pero por ello quiero y estoy preparando una cosilla muy especial que será lo mas cercano a un concierto que podrán ver a día de hoy. Claro que echo de menos el subirme a un escenario… No sabes cuánto… Y casi que igual echo de menos cualquier cosa que tuviera que ver con lo que ante llamábamos vida normal … No me jodas, que llevamos un año que no podemos ni salir de Castilla la Mancha en mi caso”.

Por último, imagino que a pesar de tantas idas y venidas de miembros y demás problemas habrá un núcleo irreductible de seguidores que os apoya y os apoyará en esta nueva etapa, ¿qué mensaje les lanzarías?

“Sí, por suerte en ese aspecto no puedo tener queja pues los seguidores son fieles siempre, son los mejores, pues ellos mismos son participes de la propia evolución del proyecto y de cada paso de el mismo. Y el mensaje que les quiero mandar no solo a ellos, sino a todos vuestros seguidores/oyentes/lectores, es que si han llegado y leído hasta aquí, simplemente… ¡gracias! ¡Y que sigan ahí, pues no pienso parar nunca! ¡Muchísimas gracias a vosotros por este ratito de charla!”.

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Corey Taylor (Slipknot) da la razón a Lars Ulrich (Metallica) en una de sus decisiones más controvertidas

El vocalista de Slipknot y Stone Sour, Corey Taylor, no ha dudado a la hora de dar su opinión sobre un tema que a Lars Ulrich, batería de Metallica, le ha costado años de críticas.

Ha ocurrido en el más reciente episodio del podcast del popular Steve-O “Wild Ride!”, en el que participaba Taylor, al que se le preguntó por su formato favorito a la hora de escuchar música. El enmascarado lo tiene claro: “Obviamente, tengo que decir que prefiero el método de la vieja escuela: comprar el disco, mirar el artwork, leer las letras…”

“Es un poco raro”, continúa Corey. “Es complicado, porque en esta época es muy difícil saber cuáles de los malditos servicios de streaming en realidad compensan a los artistas a los que están estafando. Lo más importante para mí es que la gente escuche la música. He hecho las paces con la realidad de que hay varios servicios que simplemente nos están jodiendo, y hasta que la legislación se aplique realmente, que se aprobó con Trump, cosa que no podía creer, nos seguirán cobrando esa tasa. Pero han apelado esa ley”.

Pese a todo, el vocalista se muestra optimista de cara al futuro: No creo que las apelaciones realmente vayan a ser aprobadas. Subirán las tarifas, y los músicos podrá volver a ganarse la vida con sus grabaciones”.

En ese momento Taylor recuerda cómo se cargó contra Lars cuando Metallica se enfrentó en el año 2000 a los pioneros en lo que a compartir libremente archivos se refiere, Napster: “Recuerdo que todo el mundo le puso verde por aquello, pero él tenía tanta razón y a tantos jodidos niveles, tío. Asusta. Me pregunto cuánta gente mira atrás y se come sus palabras por aquello. Él sabía que esta era la dirección a la que íbamos”.

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Extremoduro: Robe responde a Live Nation sobre la gira de despedida

Como publicamos hace unos días, Live Nation, promotora de la esperada gira de despedida de Extremoduro, tendría todo preparado, fechas y recintos, para la realización de los conciertos de esta gira en 2022, pero comentaban que faltaba la conformidad de Robe, que acaba de publicar su nuevo disco, ‘Mayéutica’.

La respuesta de Robe no se ha hecho esperar y ha llegado en forma del siguiente comunicado, publicado hace solo unos minutos, en el que asegura no poder “volver a comprometerme mientras dure la pandemia y confiar en que el año que viene se pueda llevar a cabo la gira de Extremoduro”:

“¡Hola a todos! Dicen en la empresa promotora y en algunos medios de comunicación que la gira de Extremoduro está en mis manos. No os lo creáis, es mentira. Para los religiosos, está en manos de Dios, y para los ateos, en manos de la ciencia.

A día de hoy, nadie puede asegurar, con la más mínima certeza, que los conciertos se vayan a poder hacer en 2022 por mucho que yo firme en un papel. Pero por fin tenemos buenas noticias: se ha abierto un plazo de devolución de veintiún días para devolver las entradas.

En la empresa promotora, Live Nation, están obstinados en poner fechas para 2022. Yo ya les trasladé mi decisión de no poner nuevas fechas hasta no tener la seguridad de poder llevarlas a cabo. No puedo volver a comprometerme mientras dure la pandemia y confiar, en contra de la opinión de muchos expertos, en que el año que viene se pueda llevar a cabo la gira de Extremoduro.

Como ya os expliqué, creo que hay que adaptarse a la situación actual y trabajar en proyectos que sean posibles, haciendo conciertos que cumplan la normativa de cada momento. Yo, estando así las cosas, no puedo hacer nada más que meterme de lleno en la próxima gira de Robe que, como dije, empezará en otoño y continuará durante todo el año que viene porque, como los aforos estarán limitados, tendremos que hacer muchos más conciertos que en una gira normal.

Muchos me preguntáis qué deberíais hacer con las entradas. Os daré mi opinión. Estamos viviendo una crisis mundial que nadie sabe cómo va a acabar, por eso yo no puedo animaros a que conservéis las entradas. Yo no sé qué va a pasar con la crisis económica que sin duda acarreará esta crisis sanitaria, ni siquiera si la gira finalmente podrá hacerse. Por eso creo que lo más sensato es que tengáis en cuenta este plazo de 21 días que ha abierto la empresa promotora para pedir la devolución del dinero y, como ya dije, si cuando todo esto acabe, la gira sigue teniendo algún sentido, podrá reprogramarse y entonces podréis volver a comprar las entradas.

No podemos seguir lamentándonos por lo que pudo ser y no fue. Nuestra obligación y nuestro derecho es mirar hacia delante, adaptarnos y vivir. Y ser felices. Besos y abrazos. Robe”

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Rob Halford (Judas Priest) habla sobre su primer disco de blues en solitario

Cuando toda la atención alrededor de Judas Priest estaba centrándose entre las noticias de ese nuevo disco que ya estaría en proceso, y las declaraciones cruzadas de Rob Halford y K.K. Downing sobre la salida del guitarrista de la banda, el Metal God se desmarca sorprendiendo con la noticia de un nuevo disco en solitario en el que el blues sería protagonista.

Según hemos podido conocer tras la entrevista concedida por el vocalista a Kyle Meredith, el mismo equipo que se encargó del navideño álbum de 2019, ‘Celestial’, estaría detrás de la creación de este disco, incluyendo a su hermano Nigel y el hijo del bajista Ian Hill, Alex.

“Me encanta el blues”, comenta Halford en la entrevista. “Todo viene del blues. El rock and roll empezó con el blues. Qué gran género musical. He estado trabajando con mi hermano Nigel y mi sobrino Alex, el hijo de Ian Hill, al bajo, y nuestro amigo Jon Blakey a la guitarra. Estos tíos han estado reuniendo material para hacer un disco. Yo solo tengo que encontrar las letras y meter la voz”.

“Lo único que le digo a los chicos es que hagan lo que sientan que quieren hacer en lo que se refiere a las ideas”, asegura el Metal God. “Les pasé una lista de mis estilos de blues favoritos y de artistas de blues como una pequeña plantilla sobre la que pudieran trabajar. Lo tengo todo en este teléfono. Es genial. Va a ser un momento muy especial, porque siempre he querido hacer un disco de blues”.

Parece que lo complicado será ponerle fecha: “Cuando el tiempo lo permita, lo que es muy complicado con tantos músicos teniendo que lidiar con la pandemia y la espera de la gira del 50 aniversario de Judas Priest y el nuevo disco de Priest, entonces nos meteremos con el blues”. Un disco que, en sus propias palabras, abarcará muchos estilos dentro del género:  “Creo que debe tener pequeñas texturas de cada sabor dentro de la gran variedad del blues”.

Sobre la forma en la que va a encarar las letras, Halford cuenta: “El blues es el blues. Todos sentimos el blues, pero puedes encontrar blues alegre y triste, tienes todos esas facetas en el blues. Es parecido a las oportunidades que hay para historias como las que inventamos en Judas Priest con “The Sentinel” o “Painkiller”, y todos esos personajes que creamos. Puedes lanzar tus letras de la manera que quieras mientras conecten con la música. El mensaje es vital, porque nos gusta escuchar historias con las que nos podamos relacionar, reales o inventadas. Va a ser una aventura para mí. Me encanta sentarme con un lápiz y un papel, que es como yo lo hago, y simplemente pensar. Tengo una idea, suelto algunas palabras al instante, y así es como la semilla empieza a crecer”.

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