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Entrevista a Soen: “Hay ideas buenas e ideas malas, no de derechas o de izquierdas, y hay que escoger lo mejor de cada bando”


Con sus intrigantes, oscuras, y agresivas (aunque a veces no tanto) melodías han conseguido hacer su propio hueco en el panorama internacional. Su música se ha caracterizado como metal progresivo, pero cuando uno escucha sus discos entiende que se trata de una banda difícilmente catalogable donde lo emocional prevalece por encima de cualquier etiqueta. Acaban de editar su quinto disco de estudio, ‘Imperial’, y es por eso por lo que Yorgos Goumas se pone en contacto con Martín López, batería y compositor de Soen.

Personalmente, aunque no hay muchos cambios estilísticos con respecto al anterior, ‘Lotus’, creo que sí parece que cuando os ponéis melódicos, sois muy melódicos, y cuando toca dar caña, pues dais y mucha…

“Exacto. Para conseguir esto, no solamente buscamos de manera consciente, este contraste entre las partes más melódicas y las más agresivas, sino que fue la producción y las mezclas finales que contribuyeron a eso. Es por eso porque elegimos a Kevin Churko (Ozzy Osbourne, Rob Zombie, Disturbed) para que hiciera las mezclas. Verás, la escuela norteamericana, por decirlo así, está más concentrada en las canciones que en los instrumentos. Es decir, si uno cree que un arreglo, un solo o un instrumento impiden que el tema o la voz o el riff principal suenen limpios o directos, entonces te dicen directamente que hay que prescindir de ellos o, por lo menos, cambiarlos. En Europa valoran al músico por encima de su música y por eso no suelen quitar, bajar o subir nada de la grabación original, así que el resultado final es más artístico pero menos potente. Yo estaba presente durante las mezclas a través del Zoom, y claro, antes de que él (Kevin) quitara algo, me consultaba a mí. La verdad es que cuando se quita un redoble de batería o unos acordes de guitarra al principio casi duele, pero cuando acabas escuchando el resultado final entiendes que estos “sacrificios” fueron para el bien del conjunto”.

Hablando de arreglos, en un par de temas aparece una sección de cuerdas también…

“Sí. Cuando queremos levantar el pie del acelerador y añadir más dinámica en el disco un par de temas más lentos vienen muy bien, y menos mal que contamos con Lars (Åhlund, guitarrista y teclista), quien es un buen arreglista también”.



Háblanos de tu faceta como compositor…

“Empecé a componer con trece o catorce años, y sólo fue cuando llegué a Opeth cuando tuve a dedicarme a tocar la batería puesto que se trataba de una banda ya hecha, con un estilo marcado y un compositor principal. Eso sí, Mikael (Åkerfeldt) pedía mi opinión y me dejaba dejar mi impronta personal en los temas. Entré en la banda con 19 años,  durante los siguientes diez años todo fue un aprendizaje tremendo, y obviamente es una época que me marcó para siempre. Cuando empecé con Soen mis composiciones tenían que pasar por la criba, digamos, del resto de la banda, sobre todo de la de Marcus (Jidell, guitarra). A partir del ‘Lotus’, cuando Marcus ya no estaba en la banda, ya todo quedaba entre Joel (Ekelof, vocalista) y yo, y es por eso por lo que creo que se trata de los dos discos más compactos y logrados de la banda”.

¿En qué genero te sientes más a gusto como compositor?

“En el que estoy con Soen. Unos lo llaman metal progresivo, pero yo lo llamo simplemente metal. Cuando quiero desconectar, puedo hacer cosas de death metal o metal de la vieja escuela, pero donde puedo dar lo mejor de mí mismo es justo con lo que hago con Soen”.

No conozco a muchas bandas donde el batería sea el compositor principal. ¿Cómo transmites tus ideas a tus compañeros? ¿Tocas más instrumentos aparte de la batería?

“Desde siempre he tocado la guitarra y el bajo, y en los últimos años también le doy a los teclados, así que las demos corren a mi cargo. De hecho, en los dos últimos discos de Soen, en algunos temas soy yo el que toque el bajo. Eso sí, no puedo tocar de pie, sino sentado” (risas).

Llama la atención el hecho que tanto los títulos de vuestros discos como los de vuestros temas son de una sola palabra…

“Siendo así de directos, nos parece una manera de atraer la curiosidad del oyente, de instigarle a investigar de qué va la temática del disco y de los temas”.

Hablando de temática, parece que en este disco, los temas sociopolíticos obtienen más peso aún que en los discos anteriores…

“Cuando uno se hace mayor y además tiene hijos a su cargo (ndr: Martin tiene cuatro hijos), es normal que empieza a mirar a su alrededor desde un punto de vista más crítico, más analítico, más incisivo, aparte de empezar a tener preguntas existenciales de manera más frecuente, o por lo menos esto pasa tanto conmigo como con Joel. De todos modos, creemos que la letra de un tema debería invitar a la reflexión y no la predicación; queremos que el oyente haga suyo un tema nuestro pero bajo su propia perspectiva y que el tema resuene a cada uno de una manera única e intransferible”.

¿Nos podrías decir en qué hechos o personas os habéis inspirado a la hora de confeccionar la temática del disco?

“Sí, pero no quiero (risas). No quiero porque sería como si estuviéramos eligiendo un lado en concreto dentro del panorama político, y eso desviaría la atención de lo que de verdad queremos hacer, que es que la gente de cualquier bando político reflexione por su cuenta. Vivimos en unos tiempos de máxima polarización y donde cualquier cosa que se expresa se puede sacar de contexto, tergiversar y usarla como arma arrojadiza. Ya sé que suena a utopía, hoy más que nunca, pero me gustaría que parara toda esta locura, que la gente se uniera, apartando sus diferencias, para trabajar para el bien común. Yo puede que haya elegido un partido político donde creo que mis ideas se ven reflejadas, pero no considero a los seguidores de los otros partidos como demonios que hay que erradicar. Hay ideas buenas e ideas malas, no hay ideas de derechas o de izquierdas, y hay que escoger lo mejor de cada bando. Yo antes participaba de manera activa en la política, pero posteriormente me di cuenta que no se puede confiar en los políticos. Basan su “negocio” en que te hagan ver que la persona de una ideología diferente es simplemente tu adversario que hay que vencer como sea; divida y vencerás”.

Contáis con nuevo bajista, el ucraniano Oleksii ‘Zlatoyar’ Kobel. ¿Cómo acabó formando parte de la banda?

“Fue a través de un amigo que me envió un video suyo tocando y me gustó su técnica. Me puse en contacto con él y resulta que era fan de la banda, así que cuando le pedí que se uniera a la banda, aceptó encantado. Desgraciadamente, a causa del COVID, no pudo venir a Suecia a grabar así que lo hizo desde Ucrania, igual que Cody (Ford, guitarrista, que es Canadiense) desde su país”.

En los créditos del disco hay varios nombres españoles como el del productor Iñaki Marconi, el del diseñador Enrique Zabala, del ingeniero David Castillo. Háblanos de ellos…

“Bueno, Iñaki es un chico uruguayo que ahora trabaja como productor e ingeniero de sonido en Suecia y ha trabajado principalmente con músicos suecos como Katatonia, pero también con Leprous o Carcass. Su labor como productor en los dos últimos discos nuestros ha marcado la diferencia también. Además, es nuestro tour manager, así que es como el quinto miembro de la banda. Enrique es otro amigo uruguayo de la infancia, David es medio sueco medio español, y trabajó con Joel y su voz como productor e ingeniero particular en algunos temas. También trabajó como asistente en el disco Ricardo Borjes, quien creo que es chileno”.

La pregunta de rigor es ¿cómo llevas esto del COVID a nivel personal y profesional?

“A nivel personal, afortunadamente tanto yo como mi familia gozamos de buena salud, pero obviamente desde el punto de vista profesional, la cosa está mal y es la primera vez desde mis 18 años (ndr: tiene 42 actualmente) que no puedo llevar a cabo mi profesión”.



En Suecia no hay tantas restricciones como en el resto de Europa, ¿verdad?

“Sí. Hace un mes las autoridades hicieron una recomendación para que la gente lleve la mascarilla en los entornos urbanos pero sin ser obligatorio. En los eventos deportivos creo que sí que hay restricciones con respecto al número de asistentes pero los conciertos sí que están prohibidos. La verdad es que tampoco importaba mucho imponer medidas de confinamiento estrictas porque los suecos, al contrario que los países latinos, no viven en la calle; su vida social se limita principalmente en su casa y en la de sus allegados”.

¿Y funcionó esta laxitud?

“La verdad es que no. La verdad es que sigue existiendo mucha confusión acerca de lo que hay que hacer, parece que las autoridades están improvisando y hay mucha confusión aún”.

Y ¿qué tal en Uruguay?

“Pues todo lo contrario: fuertes restricciones y bajo índice de infecciones”.

¿Tienes muchos familiares allí?

“Tengo a mi madre, a mi hermana, mis sobrinos, algunos primos; mi otra hermana está en EEUU, otros primos en Suiza… Mi familia está por todas partes” (risas).

¿Cuándo fue la última vez que estuviste en Uruguay?

“Hará unos diez años. El año pasado pensaba pasar un rato en Uruguay aprovechando la gira latinoamericana de Soen, pero tuvimos que suspenderla a causa del COVID. Las fechas se han movido para marzo de 2022 y como la gira termina precisamente en Montevideo espero poder quedarme un rato”.

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Mägo de Oz celebra la escucha anticipada de “Bandera negra” con fans

Foto: Ana C. Mejía

Los Cines Verdi de Madrid acogieron ayer, 9 de abril, la escucha anticipada de ‘Bandera negra’, disco de Mägo de Oz que llegará el 3 de septiembre, en un evento a través del que veinte seguidores de la formación de folk metal (junto a otros veinte integrantes del club de fans Stay Oz) pudieron disfrutar de este álbum cinco meses antes de su llegada a las tiendas.

Tras la reproducción de este LP y de la ronda de preguntas que la siguió, los allí presentes no dudaron en compartir sus impresiones acerca de este inminente ‘Bandera negra’: “Una auténtica pasada el disco, se nota toda la esencia de Mägo de Oz, en general un disco alegre, excepto alguna canción más sentimental, pero en líneas generales un disco muy elaborado en todos los aspecto, para mí el mayor cambio está en el sonido y la técnica de las guitarras. Necesito que llegue septiembre ya para volver a escucharlo”, aseguraba @dany_bikes.

Foto: Ana C. Mejía

@chris.adriaensen tampoco perdía la oportunidad de dar a conocer su crítica: “La escucha del disco ha sido espectacular. Un rato de auténtico Mägo, volviendo al de hace años y con increíbles himnos piratas. “Resacosix en pandemia” va a ser la canción de mi pandilla, estoy seguro. Qué necesaria es su música en estos tiempos”.

 

También publicaba su parecer @jon.basstard: ““Abrazos que curan” es lo que más hemos necesitado durante esta pandemia, muchos nos hemos sentido solos en este aislamiento y cada vez se está haciendo más largo. Fue una sorpresa ya que traía un aire esperanzador como “Hoy toca ser feliz”, pero sintiéndolo de todavía más cerca. La canción es muy animada y la letra hace que todo el mundo se sienta identificado con ella. Es la canción perfecta para cuándo necesitas un empujoncito y que alguien te diga que todo irá bien”.

PARA LEER MÁS:

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Crítica de Th3Climb: The Awakening XVII-X

Th3Climb se trata de un combo radicado en Barcelona que actualmente consta con el vocalista Lyca, el guitarrista Gsus y el bajista Quim, y que opta por un rock muy enraizado en lo que se hacía en los años 90 y principios de este milenio al otro lado del charco: Nickelback, Shinedown, Hoobastank, Staind o 3 Doors Down, es decir, lo que se denomina como post-grunge, pero también con un toque de bandas como The Editors o Interpol.

El disco abre con “Don’t Fall Down”, un tema con toques alternativos y con un estribillo muy melódico y épico a la vez, que bebe tanto de The Killers como de U2. “Dreaming Alone” y “Hero” se caracterizan por un fuerte groove en las guitarras, mientras que “Kryptonite” es una versión del tema de unos de sus héroes musicales, 3 Doors Down, con unos arreglos más contundentes y unas guitarras más afiladas que en el original.



“Mirror of Life” es otro tema donde se notan otra vez las influencias de U2, aunque sus discípulos Coldplay también hacen acto de presencia; acaso se trata del tema más luminoso y optimista del disco. “Night N’ Haze” es el tema más melancólico del disco, tal como indica el titulo, y no es para menos, ya que habla de la experiencia del abuelo de Lyka en un campo de concentración nazi, pero está seguido por el tema más vitaminado del disco, “Strangers”, donde además participa uno de los dos vocalistas/guitarristas de Ankor, Fito Martínez. Dicho sea de paso, el disco ha sido producido por la batería de Ankor, Ra Tache, quien también prestó sus servicios detrás de los parches.

El disco cierra con “The Awakening”, un tema que habla sobre la experiencia del vocalista de despertarse de un estado comatoso de varios meses mientras sonaba un tema de sus queridos 3 Doors Down. Si os gusta este tipo de música entre el post grunge y el alternativo con algo de post punk, no deberíais perder de vista a esta banda, que aunque opte por un estilo minoritario por estos lares no por eso desmerece de vuestra atención.

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Entrevista a Pulse: “La escena del black ya me daba pereza y no satisfacía mis inquietudes musicales”


Desde la apacible ciudad austriaca de Linz, los metalizados y cibernéticos sonidos de este Pulse ofrecen al oyente un amplio abanico de sonidos futuristas con bases sonoras tanto al ámbito metalero como electrónico. Su segundo disco de estudio, ‘Adjusting the Space’, editado el 6 de noviembre, ataca a nuestros oídos cual platillo volante con intenciones poco pacíficas, y antes de esta inminente invasión Yorgos Goumas habla con su Nemesis, su impulsor principal.

Háblanos de tu evolución musical a lo largo de los años…

“A los catorce años empecé a escuchar al rock de toda la vida, desde Queen hasta Guns N’ Roses, y poco después empecé a escuchar thrash (Metallica) y death (Deicide), pero mi apetito para música extrema no me dejaba en paz, así que me metí en el ámbito del black también. Ya por entonces era fan de Peter Tägtgren y de Hypocrisy, así que cuando me enteré que tenía un proyecto que se llamaba Pain, me fui a una tienda de discos y me compré el disco ‘Rebirth’ (1999). La primera vez que lo escuché fue como una epifanía: aunque ya conocía a bandas anteriores como Rammstein, Ministry o KMFDM, nunca había oído antes como se mezclaban las guitarras heavies con sonidos electrónicos de esta manera. Fue entonces cuando decidí que quería hacer algo similar”.

Aparte de los gustos musicales, con Tägtren compartís el mismo interés con lo que se refiere a los alienígenas, vista la temática de este disco. Sin ir más lejos, el primer single, “Black Night”, es sobre este supuesto satélite extraterrestre que lleva orbitando la Tierra desde hace miles de años y al cual Tägtren también le dedicó un tema, “Black Night Satellite” en el disco ‘Coming Home’ (2016). Además, veo que llevas una camiseta de la NASA y tu cuenta de Facebook contiene la palabra SETI (acrónimo en inglés del proyecto de Búsqueda de Inteligencia Extraterrestre).

“Desde pequeño me fascinaba toda esa temática, y por supuesto la ciencia ficción. Ahora eso sí, yo soy más del lado oscuro y distópico del género: las películas de ‘Alien’, ‘Event Horizon’ (Paul Anderson, 1997), ‘Interstellar’ (Christopher Nolan, 2014), etc. El lado luminoso de ‘Star Wars’ y ‘Star Trek’ no me llama mucho la atención. Aun así, esta temática no tiene cabida en el black metal, y si a eso añadimos el hecho que la escena del black ya me daba pereza y no satisfacía mis inquietudes musicales, Pain fueron el empujón final para que me moviera por otros derroteros musicales”.

¿Cómo fue tu conversión de músico de black metal a uno de cyber metal?

“Tuve la suerte de poder contar con la inestimable ayuda de Claus Prellinger, propietario del sello y estudio de grabación CCP, con el cual ya habíamos sacado los discos de Astaroth, y que me enseñó cómo manejar un equipo de estudio digital y es acaso el productor más importante en Austria. Fue un proceso largo y arduo, eso sí”.



Y tanto, porque el primer disco de Pulse, ‘Extinction Level Event’ (2015), salió 15 años después de haber tenido aquella epifanía, ¿verdad?

“Sí. No solamente tuve que reinventarme como músico, sino que tuve que hacerlo todo yo, desde la composición y ejecución de los temas hasta la promoción, y todo fue pagado de mi bolsillo. Por entonces, Astaroth todavía teníamos un contrato con el sello Prellinger, pero al principio se mostró reticente a la hora de lanzar el debut de Pulse porque no creía en su viabilidad comercial. Intenté encontrar otro sello para Pulse, pero no pudo ser, así que al final decidí sacarlo con el sello Prellinger aunque esto significara que yo tuviese que cubrir todos los gastos. Prellinger hizo de productor en honor a nuestra amistad y no porque creyera en el proyecto. Cuando recibimos la oferta de nuestro sello actual, NRT-Records, Prellinger por fin se dio cuenta que sí que existía un público para nuestra música, así que se convirtió en productor para este disco también…Y esta vez los gastos fueron cubiertos por el sello, no por mi”.

Habéis versionado al clásico hit de la Neue Deutche Welle, “Major Tom”, cuya versión original fue de Peter Shilling en 1982. Aparte de su temática espacial, inspirada en el “Space Oddity” de David Bowie, supongo que la música synth pop ochentera también es de tu gusto.
“Exacto. Sin embargo, también me han influenciado artistas como Jean-Michelle Jarre, Vangelis o Enigma, y mi banda favorita de todos los tiempos es Pink Floyd. De hecho, el nombre de la banda proviene del título de su disco en directo (ndr: P·U·L·S·E, de 1995)”.

Precisamente de esto quería hablarte: el tema instrumental “Encounter” rezuma Pink Floyd por todos sus poros…

“Es mi homenaje a esta banda. El tema con el que se abre su disco ‘The Division Bell’ (1994) que se llama “Cluster One” fue la base del “Encounter”. Cuando le dije a Dom que iba a emular a David Gilmour no se echó para atrás, es un guitarrista muy talentoso”.

El tema “Points of Nibiru” (Nibiru es el supuesto planeta de origen de los legendarios dioses sumerios Annunaki) también muestra tu interés acerca de los astronautas antiguos…

“Me fascina la posibilidad que en los tiempos más remotos llegaron aquí extraterrestres para sacar a la Humanidad de su estado primitivo y que nos ayudaron a construir esas maravillas antiguas como son las pirámides egipcias, por ejemplo”.

¿Cómo surgió la colaboración con el DJ venezolano Zardonic (ndr: otro artista que empezó como teclista en una banda de black metal para ir posteriormente a derroteros industriales)?

“Soy fan de su obra así que le envié un correo electrónico preguntándole si le interesaría hacer una remezcla del tema “AlienAngel”, del disco anterior, y aceptó sin ningún problema. Así de simple (risas)”.

Tu conversión del black al industrial me recuerda tanto a Samael como a The Kovenant.

“Samael tiene que ser la banda que más veces he visto en directo en mi vida, unas veinte, y sí, son otra de las bandas que más me gustan. Con respecto a The Kovenant, prefiero su último disco, ‘SETI’ (2003). Verás, se trata de una banda con arreglos y melodías bastante complejas, y yo prefiero los arreglos simples y directos. Me gusta tener estrofa, puente, estribillo y ya está, y creo que esto queda patente en nuestro disco. Quiero que los oyentes se queden cautivados por la inmediatez y que se enganchen enseguida. Para mí, menos es más”.

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Efemérides de la semana 16/11 – 22/11: Guns N’ Roses, Metallica, Dikers, Dimmu Borgir, AC/DC, Avantasia, HIM….

Una semana más os traemos este recopilatorio con todas las fechas destacadas (cumpleaños, muertes, reediciones…) del mundo del rock y del metal. ¡Bienvenid@ a un nuevo capítulo de nuestra enciclopedia musical!

16 de noviembre

  • Robert “Mutt” Lange, productor de artistas tan reconocidos como Def Leppard, AC/DC o Bryan Adams, cumple 72 años.
  • Sabino Méndez, guitarrista y compositor de muchas de las grandes canciones del grupo Loquillo y los Trogloditas, cumple 59 años.
  • Dave Kushner, guitarrista rítmico de Velvet Revolver, celebra su 55 cumpleaños.
  • Logan Mader (Once Human), guitarrista que ha vuelto a las filas de Machine Head con el aniversario de ‘Burn My Eyes’, también ex-Soulfly, cumple 50 años.

Richard Fortus (Guns N’ Roses)

17 de noviembre

  • Juan José Palacios “Tele” (Triana), eterno batería de una de las formaciones más importantes del rock español, nació un día como hoy en 1943. Murió en el año 2002 a los 58 años de edad tras sufrir un infarto de miocardio horas después de un concierto en Lora de Estepa (Sevilla).
  • Martin Barre, guitarrista de Jethro Tull desde 1969 hasta nuestros días, llega a los 74 años.
  • Jeff Buckley, una de las mejores voces de la música de todos los tiempos, nació un 17 de noviembre de 1966. Nos dejó el 29 de mayo de 1997 a los 30 años tras ahogarse mientras nadaba en el Wolf River de Memphis (Tennessee).
  • Richard Fortus (Guns N’ Roses), actual guitarrista de la troupe liderada por Axl Rose, cumple 54 años.
  • John Glascock fue bajista de Jethro Tull hasta su muerte a los 28 años por una enfermedad cardiaca. Sucedió un 17 de noviembre de 1979.
  • Iker Piedrafita (Dikers), cantante y guitarra de la banda además de hijo de Alfredo Piedrafita (Barricada, Miss Octubre), y reputado productor, cumple 39 años.

Kirk Hammett (Metallica)

18 de noviembre

  • Kirk Hammett (Metallica), guitarrista del grupo de metal de San Francisco, cumple 58 años.
  • Johan Liiva (ex-Arch Enemy), primer cantante de los suecos, cumple 50 años.
  • Shagrath (Dimmu Borgir), cantante que toma su nombre por un personaje de la saga El Señor de los anillos, alcanza los 44 años de edad.
  • Johnny Christ (Avenged Sevenfold), bajista de la banda estadounidense, cumple 36 años.
  • Moris, leyenda del rock argentino, celebra su 78º cumpleaños.
  • Metallica lanzó ‘Reload’ un día como hoy de 1997.
  • Jan Kuehnemund, guitarrista de Vixen, nació un día como hoy de 1961. Falleció el 10 de octubre de 2013 a los 51 años a causa de un cáncer.
  • Malcolm Young, guitarrista y compositor en AC/DC, falleció un día como hoy de 2017 a los 65 años.

Malcolm Young (AC/DC)

19 de noviembre

  • Matt Sorum (ex-The Cult, ex-Guns N’ Roses, Velvet Revolver), batería, cumple 60 años.
  • Led Zeppelin publicó ‘Coda’ un día como hoy de 1982.
  • Charles Manson, asesino y creador artístico, falleció el 19 de noviembre de 2017 a los 83 años de edad.

20 de noviembre

  • Duane Allman (The Allman Brothers Band), guitarrista, nació un día como hoy en 1946. Falleció trágicamente en 1971, a los 24 años, tras sufrir un accidente de tráfico.
  • Davey Havok (AFI), cantante vegano de los norteamericanos, llega a los 45 años.
  • Oliver Sykes (Bring Me The Horizon), cantante de la banda británica, cumple 34 años.
  • Whitesnake puso a la venta ‘Saints & Sinner’ un día como hoy de 1982.

21 de noviembre

  • Tobias Sammet (Avantasia, Edguy), pluriempleado cantante y compositor alemán, celebra su 43º aniversario.
  • Paradise Lost lanzó ‘Symbol of Life’ un día como hoy de 2002.
  • Capitán Cobarde (o, según su DNI, Alberto Romero), antes conocido como Albertucho, cumple 37 años. ¡Felicidades!

22 de noviembre

  • Tobias Sammett (Avantasia)

    Sherpa, que mantiene su camino en solitario y ahora ha iniciado el vuelo con Los Barones junto a su viejo colega Hermes Calabria, pero conocido sobre todo por su trabajo como cantante y bajista de Barón Rojo, cumple 70 años.

  • Steven Van Zandt (E Street Band), guitarra de la formación acompañante de Bruce Springsteen, cumple 70 años.
  • Ville Valo (HIM), cantante y compositor de los finlandeses, alcanza los 44 años. ¿Sabías que es el inventor del Heartagram?
  • Corey Beaulieu (Trivium), hacha de la banda de Florida, cumple 37 años.

 

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Crítica de De La Nada: Paso a paso (contra viento y marea)

Determinados sonidos te recuerdan de inmediato a los garitos de madrugada y los conciertos multitudinarios. Formas de ocio hoy en día perseguidas con una saña que no se recuerda desde épocas dictatoriales. Al margen de polémicas absurdas, quedémonos con ese ambiente de emoción que se generaba a escasos minutos de que un grupo irrumpiera en un escenario o esa agradable camaradería que surgía cuando uno se empezaba a encontrar algo más cocido de lo habitual. Los borrachos y los niños siempre dicen la verdad.

De ese rollito hostelero y crápula parecen haber mamado hasta las cachas estos valencianos que en su segundo redondo incorporan influencias que no se esperarían en un trabajo de rock urbano al uso. Quizás este endurecimiento de estilo se deba a la incorporación de Rebeka a la guitarra y Aída a la batería. O tal vez los meses de confinamiento acumularon cierta mala leche y ganas de montar un fiestón, aunque fuera de forma virtual o sonora, si físicamente todavía no era posible.

Porque si hay algo cierto sobre esta reválida es que las primeras notas de “Soñando” contagian esa positividad que tanta falta hace en tiempos de agoreros apocalípticos, a la par que en la letra rememoramos a poetas a ras de suelo del calibre de Vito Íñiguez (Sínkope). Siguen subiendo la temperatura con “Bailando con las flores”, con estrofas también para enmarcar y guitarras en la senda de cimas del género como Marea o Extremoduro. Y en la homónima “Contra viento y marea” no se despegan de la deuda con el rock transgresivo antes de un estribillo luminoso que podría ser casi de libro de autoayuda. No sería descabellado pensar en las composiciones melódicas pero enérgicas de Iker Piedrafita (Dikers), ni siquiera se privan de introducir un breve rapeado para incrementar la emoción.

En “Mentiroso” apelan a las agallas y al poso rockero en la estela de Platero y Tú, uno de los momentos más inspirados del redondo, aunque no les sale nada mal cuando optan por el camino inverso en la ranchera macarra “Al desquite”, no muy alejada de las piezas más titiriteras de Boikot. Menos mal que los auténticos tienen posibilidad de purgarse de inmediato con “Realidad efímera”, otra vuelta a la ortodoxia de riffs potentes y estrofas de esparto, o el aroma rock clásico de “No nos vamos a callar”, donde incluso evocan en el comienzo el mítico “(I Can’t Get No) Satisfaction” de los Rolling Stones.

Todavía tenemos otras incursiones inesperadas, como “Sube a mi nube”, que en una primera parte critica el desaliento y tensión que se incrusta cada vez con mayor ahínco en la sociedad, previamente a transformarse en un jolgorio flamenco y hasta un tanto psicotrópico que les emparentaría con leyendas del calibre de Tabletom. Compensan la ida de olla con el ímpetu de “Que se pare el tiempo”, ideal para los infatigables al desaliento, y nos dejan con el sorprendente tango “A la sombra de las luces”, con canalleo a rebosar y letra punzante cargada de pena y rabia, como mandan los cánones.  Copazo y cigarrillo a su salud.

Podrá afirmarse que en la actualidad surgen combos de rock urbano hasta de debajo de las piedras, pero no muchos se atreven a salir de su zona de confort y explorar terrenos a priori vetados para ellos, sin complejos y valentía por doquier. Ese es el caso del rock & roll de múltiples aristas de estos muchachos, críticos cuando la ocasión lo requiere y desenfadados cuando no se necesita darle demasiadas vueltas a las cosas. Merece la pena descubrir sus diversas facetas y probar su versátil poción. Hay riesgo de transformación.

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Impostores estrenan el videoclip de “Antes quemado que apagado”, protagonizado por el ciclista paralímpico Gonzalo García Abella

La banda anteriormente conocida como Güs y Los Impostores inaugura etapa con su nueva nomenclatura con el videoclip de “Antes quemado que apagado”, un  emocionante single que será sucedido por otro, titulado “L.A.”, a comienzos de diciembre.

Impostores han contado con el ciclista paralímpico Gonzalo García Abella para este nuevo audiovisual, de cuya dirección se ha encargado Sonia Mora. El deportista es, a todas luces, un protagonista estelar que además se declara abiertamente seguidor de la banda. Fue también quien inspiró la letra del tema. “Es una canción para los que no se rinden nunca”, declaran sus artífices, poniendo en valor la motivación seguir adelante en unos tiempos que bien agradecen composiciones así. Su estribillo adictivo y su riqueza musical a ritmo de un rock and roll fresco, vivaz y accesible coloreado por un violín que es ya seña de identidad del grupo hacen de esta canción un corte verdaderamente irresistible.

El 22 de noviembre, “Antes quemado que apagado” estará disponible el tema en las principales plataformas digitales, mientras que el mencionado “L.A.” verá la luz el 7 de diciembre. A partir de ahí, la intención de la banda es regresar al estudio a comienzos de 2021 para dar forma a media decena de canciones de nuevo cuño.

Bajo el nombre de Güs y Los Impostores, la banda publicó en 2018 un vibrante álbum de larga duración homónimo, localizable en Spotify con el título de ‘Mi última canción’. La susodicha, habida cuenta del lustroso estado de forma de la banda, tardará, sin duda, en llegar.

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Crítica de Pulse: Adjusting the Space

¿Qué ocurre cuando el género musical al que sirves ya no te llena y de repente te topas con un disco que te hace dar un giro casi de 180 grados a tu creatividad? Este es el caso de Nemesis, otrora líder de los blackmetaleros austriacos Astaroth, para quien el proyecto de metal industrial de Peter Tägtgren, Pain, supuso toda una revelación y el empuje definitivo que le hizo cambiar de rumbo musical. Algo parecido le ocurrió también a Mortiis, por ejemplo, quien pasó de ser bajista de Emperor a hacer dark ambient y electro pop.

Después de un largo periodo de aprendizaje y adaptación, en 2015 editó su primer álbum bajo el nombre Pulse, ‘Extinction Level Event’, donde ya daba rienda suelta a sus influencias de dark wave, techno e industrial. Cinco años después vuelve con este disco en el que, aunque otra vez se encarga de casi todo, ahora viene acompañado por otros tres músicos (Dom, guitarra, Vidar, bajo y Pulsar, batería); sobre todo cara a los directos.

‘Adjusting the Space’ es una continuación y expansión del sonido del debut, donde se pueden percibir reminiscencias del dark wave más industrial de Wumpsut o Suicide Commando, el EBM de unos Front 242, el aggrotech de Combichrist, el metal industrial de Deathstars, Sybreed, Turmion Kätilöt, Gothminister o incluso de nuestros Mind Driller, el neue deutche härte de unos Rammstein y cómo no, el synth pop y el neue deutche welle ochentero. A nivel más maquinero aún si queréis, también hay elementos de trance y techno, pero igualmente encuentran cabida sonidos más ambientales y etéreos a lo Vangelis e incluso a lo Pink Floyd.

La estética a lo cyberpunk y la temática inspirada en el espacio y los alienígenas completan esta propuesta musical que puede que no llame la atención de los metaleros más recalcitrantes pero que seguramente hará las delicias de los amantes de los sonidos futuristas, fríos, sintéticos y muy, pero que muy bailables.

 

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La “fragilidad” de Metallica según Lars Ulrich

A pesar de ser una banda asociada claramente con el heavy metal e incluso con el thrash metal en sus orígenes, en opinión de Lars Ulrich, la “fragilidad” de la banda, algo totalmente desconocido e insospechado para sus fans, ha quedado patente a tenor de algunos de los graves problemas que ha tenido. Un ejemplo de ello es la batalla de su vocalista y guitarrista, James Hetfield, contra el alcoholismo y su nueva terapia de rehabilitación iniciada en 2019.

El batería y Kirk Hammett compartieron con algunos medios de prensa recientemente sus reflexiones acerca de cómo sobrellevar esa situación que cambió radicalmente sus planes, antes incluso de que estallase la pandemia. De hecho, el guitarrista se pronunció muy claramente al respecto en la entrevista exclusiva que Juan Destroyer le hizo para el número 424 de La Heavy.

Preguntados sobre la decisión de Hetfield de ingresar en un centro de rehabilitación, Ulrich respondió hablando acerca de Metallica en su conjunto, en declaraciones recogidas por Louder: “Soy consciente de nuestra fragilidad todo el tiempo. Creo que llevamos nuestro lado humano con orgullo. Siempre nos hemos sentido bastante cómodos compartiendo nuestras vulnerabilidades. Supongo que mostrar nuestro lado humano, ser sincero, siempre ha sido parte de Metallica, y lo que sucedió en 2019 y cómo lo vivimos me parece un buen ejemplo de esto que explico”. 

Hammett, por su parte, tras asegurar que no ha tomado una copa en cinco años y medio, afirmaba: “Cuando alguien necesita ayuda, no soy de los que entran a juzgar, porque yo mismo he pasado por eso. He estado allí. Lo único que debes hacer es ayudar a tu prójimo”.

Ulrich también habló sobre cómo la dinámica de la banda ha cambiado a medida que van pasando los años, comparando la forma en que trabajan ahora con la forma en que fueron representados en el documental de 2004 ‘Some Kind of Monster’.“Conforme te vas haciendo más mayor, uno se vuelve más respetuoso”, dijo. “Entiendes lo que significa la palabra empatía y toda una serie de cosas que nunca te imaginas reconociendo cuando tienes 22 años. Entonces, cuando ya tienes más de 50 años, te dices a ti mismo: “No necesito ir al estudio a luchar contra mis compañeros”. Eso no es lo que quiero hacer. Quiero conectarme con la banda, trabajar a gusto con ellos, quiero impulsar ideas, y sí, lo consigo y lo disfruto”.

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David Coverdale recuerda el mal trato de Deep Purple hacia él y Glenn Hughes, y reivindica a Ritchie Blackmore

Aprovechando el ciclo de entrevistas de promoción que David Coverdale esta haciendo para diferentes medios por la edición del nuevo álbum recopilatorio de baladas de Whitesnake, ‘Love Songs’, a la venta el 6 de noviembre, el cantante ha recordado la desagradable experiencia que supuso para él y para Glenn Hughes el mal trato recibido por sus excompañeros de grupo en Deep Purple ante su entrada en el Rock and Roll Hall Of Fame en 2016.

Coverdale dijo que inicialmente iba a rechazar la invitación para asistir al evento si el fundador Ritchie Blackmore hacía lo propio, en declaraciones recogidas por Eonmusic: “Ritchie y yo habíamos estado hablando de este asunto. Habíamos sido nominados antes y nunca acudimos, así que le dije: “¿Vas a ir?” Y él dijo claramente: “No”. “Bueno, entonces yo tampoco iré”, le respondí”.

David Coverdale añadió: “Pero lo que sucedió en 2016, literalmente, una vez que se anunció que íbamos a ser admitidos oficialmente, fue que los Deep Purple actuales se negaron a ir si Ritchie Blackmore estaba allí. Y esto fue como 72 horas antes, cuando estaba listo para volar con mi familia. Me costó como entre 75.000 y 85.000 dólares, porque tienes que pagar por todas las mesas menos en la que estás. El billete de avión de mi hija, que vino desde Alemania; mi hijo salió de la universidad… era un asunto de familia. De repente, a Glenn Hughes y a mí nos dijeron: “Bueno, no queremos que cantéis con nosotros”. Inicialmente, había hablado con Ian Gillan acerca de venir y cantar los coros de “Smoke On The Water”, ya que originalmente iban a cerrar el show. De pronto, se desenchufó nuestro sonido e intentaron pararnos haciendo discursos. Mi mujer estaba jodidamente furiosa por todo este desprecio, aparte del hecho de que se había gastado una fortuna en vestidos elegantes (risas). Y yo dije: “¡A la mierda! Nadie nos va a mantener marginados”. Me puse en contacto con Carole, la manager de Ritchie, y le dije: “Dile que venga conmigo. Nadie le va a molestar. Dile que venga conmigo”,  pero no quiso  hacerlo”.

Coverdale agregó finalmente: “Lo primero que dije cuando estuve allí fue: “Ninguno de nosotros hubiera estado aquí sin Ritchie Blackmore”, y me aseguré de ese punto y de decirlo alto. Steve Morse y Don Airey fueron algo más amables conmigo y con Glenn que el resto de grupo. Lo pasamos jodidamente genial. Estoy muy feliz de ser quien soy, y he hablado con Glenn el otro día sobre eso: ¿Qué cojones les pasaba? No pudimos actuar, pero no nos importó. Estuvimos atendiendo a la prensa mientras ellos estaban tocando”.

Al hacer un último comentario sobre la gran contribución de Blackmore a Deep Purple, David dijo: “No importa. Él sabe que era responsable de la mayoría de la música que se hizo para el grupo, y es verdad, ninguno de nosotros habría estado en ese escenario sin Ritchie Blackmore. Ninguno de nosotros”.

Ritchie Blackmore es cofundador de Deep Purple y escribió muchos de sus riffs más memorables, incluido “Smoke On The Water”, pero no ha tocado con el grupo desde su abrupta partida en 1993. A pesar de que Blackmore no se presentó en el Rock´n´Roll Hall of Fame, recibió varios reconocimientos durante los discursos de inducción de los miembros de Deep Purple presentes así como por parte de Lars Ulrich, quien introdujo a Deep Purple en la institución y elogió a “Ritchie fucking Blackmore” por haber sido el autor de uno de los riffs de guitarra más memorables de todos los tiempos: “Smoke On The Water”. En el transcurso de la ceremonia, los discursos de aceptación de Deep Purple incluyeron turnos de Gillan, Glover, Paice, Coverdale y Hughes antes de que el line-up actual subiera al escenario y tocase un breve set compuesto por “Highway Star”, “Green Onions” (con una imagen de Jon Lord detrás de ellos), “Hush” y “Smoke On The Water”.

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