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Entrevista a Oeste: “Nos podían las ganas y no íbamos a consentir que el virus nos frenase”

Los mallorquines acaban de cumplir diez años como banda y están en plena forma, con un hambre voraz de devorar escenarios al calor del abrasivo metal de ‘La ausencia del miedo’, su nuevo LP. Hasta que puedan girar con normalidad, Miguel Ángel Valverde (batería), José Antonio Cánovas (cantante), Juan Pedro Colomar (guitarra) y Jaume Genovart (bajo y coros) no detienen su ilusión y siguen exhibiéndola, como hacen ante las preguntas de Alejandro Rico.

Lo primero que me ha llamado la atención al escuchar este nuevo disco es la madurez y el salto en la producción respecto al anterior EP. ¿Cómo ha sido todo el proceso de grabación?

(M) “Realmente el proceso de grabación ha sido muy rápido, ya teníamos claro meses atrás qué canciones iban a estar en el disco. Semanas antes de entrar en el estudio, estuvimos ensayándolas una y otra vez con el fin de llegar allí y clavarlas en la primera toma”.

¿Las letras apocalípticas sobre el fin del mundo son una profecía en los tiempos que corren?

(Ju) “Pues no (risas). Estas canciones las compusimos juntos hace más de cuatro años. Ha coincidido que nos ha pillado en medio de esta pandemia y mucha gente ha creído que hemos aprovechado la situación cuando realmente no ha sido así”.

Por cierto, habéis mantenido el nombre “Har-magedón” en hebreo. ¿Algún motivo?

(Jo) “La gente, imaginamos que por culpa de la famosa película, asocia esa palabra a un meteorito gigante que arrasará la tierra, o sencillamente con el fin del mundo, cuando realmente es el sitio donde ocurrirá la batalla entre las fuerzas del bien y las fuerzas del mal. Según la Biblia, será en el Monte de Megido, que es lo que significa, en Hebreo, Har-Magedón”.

En el tema “La Ausencia Del Miedo” recitáis unos versos a modo de poema… ¿Cuál es la inspiración al escribir las letras?

(Ja) “Normalmente las canciones las escribe José, aunque a veces hay excepciones y las escribo yo y él simplemente la adapta o las reescribe diciendo lo mismo pero de otra manera. La inspiración casi siempre suele ser por vivencias personales, sociedad actual, critica política o cómo nos estamos cargando el planeta”.

“Like A Bird” suena muy noventera, con cierto aroma a Metallica. ¿Qué grupos podríamos encontrar entre vuestras influencias?         

(Jo) “Esto es lo que mejor describe a Oeste, y es que los cuatro miembros tenemos gustos o venimos de estilos muy dispares. Pasando por Miguel Ángel, que le encanta el Tecno de los 80; Juan Pedro, con más extremos en el metal; Jaume, que tira más hacía el heavy español; y yo, que tengo como referente las canciones de Jim Morrison. Hemos sido capaces de unir todos nuestros gustos e influencias plasmándolas en nuestras canciones”.

Además, es la única composición en inglés… ¿Os lo pedía la canción? ¿Habéis pensado en grabar solamente en inglés?

(Ju) “Trabajamos con las melodías ya hechas. Si en ese momento nos imaginamos cómo sonaría esa canción en inglés, probamos con la letra, y, si nos convence, pues adelante. No es el único tema que tenemos en ese idioma, aunque realmente nos gusta más hacer las canciones en castellano”.

¿Cómo os ha impactado el tema del Covid-19 con este disco? ¿Qué planes teníais para este 2020?

(Ja) “El Covid nos pilló de lleno en plena producción del disco; podríamos haber parado las máquinas y esperar a que todo volviera a la normalidad. Teníamos incluso fecha para la presentación oficial, pero nos podían las ganas y no íbamos a consentir que el virus nos frenase, así que, decidimos cumplir con el plazo para que al menos el disco estuviera en plataformas digitales, y todo el proceso de producción y masterización se hizo vía telemática, con mucha, mucha paciencia. Muchas actuaciones, festivales isleños, fiestas privadas, salidas a Ibiza y la Mancha son los planes que este Covid nos ha truncado. Este septiembre es el décimo aniversario de la banda, y en octubre estaremos en Ibiza. Confiamos en que poco a poco todos nuestros planes truncados los podamos hacer realidad y que no sean los únicos”.

Desde MariskalRock.com os deseamos la mayor de las suertes. ¿Algún mensaje para nuestros lectores?

(Mi) “Apostad por la escena emergente, ya que es el futuro del género. Daros las gracias por la oportunidad de mostrar nuestra música y por todo el apoyo que nos habéis dado”.

 

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Tommy Lee (Mötley Crüe) habla de las influencias del heavy metal en su electrónico nuevo disco en solitario, “Andro”

El próximo 16 de octubre se pone a la venta ‘Andro’, el nuevo disco en solitario del batería de Mötley Crüe. No obstante, no son muchos los amantes de su banda principal lo que están particularmente ilusionados por este lanzamiento, pues los adelantos que han visto la luz hasta el momento han dejado claro que su estilo se distancia mucho del que la mayoría de los mortales asocian a Tommy Lee, adentrándose más en terrenos de la música electrónica permeable, eso sí, a otros géneros como el hip hop. “La gente se va a molestar”, reconocía el músico norteamericano.

En una reciente entrevista al medio australiano Heavy – casi tocayo con nuestra revista, líder en las antípodas – Lee ha disertado sobre la influencia que el hard rock y el heavy metal han tenido en el disco, aunque todo parece indicar que no serán tan palmarias como cabría esperar. “Llevo tocando heavy metal casi toda mi vida, así que eso va a entrar en juego siempre. En cualquier caso, es maravilloso, aunque también hay veces que quiere saltar y meterse, y es como: “No, no, no, no estoy trabajando en esa clase de canción ahora mismo”. Entonces, te sientas durante un minuto y vuelves a la carga”, señaló.

“Hay muchos estilos que me encantan, pero el metal es, definitivamente, uno que siempre está ahí, siempre está en la habitación, golpeando la puerta. “Hagamos alguna mierda heavy”. Siempre”, continuó.

“Si piensas sobre ello y escuchas los beats, muchos de los sonidos del disco no son los típicos jodidos sonidos electrónicos. Hay algunos sonidos jodidamente bestiales y retorcidos, desde bajos sucios hasta baterías a todo trapo. Así que mi bagaje y mis influencias están constantemente filtrándose de todo tipo de maneras, en todas partes, la verdad, pero en diferentes formas”, explicó Tommy Lee, casi forzándonos a escuchar el disco para detectarlas.

El batería comparó su situación con la de uno de los artistas de música electrónica más aclamados del planeta: “Es como cuando escuchas Skrillex. Si realmente escuchas ese material, es jodido metal electrónico. Mucho de ello es súper heavy, metal electrónico. Así que esas influencias se esparcen por todo el lugar. Es muy similar a lo mío, donde salen, pero salen de diferentes maneras a través de diferentes sonidos”.

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Weight Of Silence Unión de Talentos

Weight Of Silence es toda una unión de talentos auspiciada por Chuck Wright (Alice Cooper, House Of Lords) junto con Troy Lukketta de Tesla, el guitarrista de jazz fusion Alan Hinds o Derek Sherinian de Sons Of Apollo.

Weight Of Silence se dieron a conocer en mayo de 2020 y fue toda una sorpresa para Chuck Wright: «Me sorprendió la reacción del público en general y de mis colegas músicos. Tan pronto como Troy, Alan y Derek vinieron al estudio a regrabar, me dirigí a Ben Woods, uno de los guitarristas flamencos más famosos de hoy en día. Ben tiene un enorme pedigrí y ha realizado interpretaciones de rock únicas con su banda Heavy Mellow. Pensé que añadiría una gran dinámica a estos otros grandes talentos».

Originalmente publicado en YouTube, ‘Weight Of Silence’ está ahora disponible a través de varios servicios de streaming.

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Dave Mustaine (Megadeth) actualiza su estado de salud año y medio después de su diagnóstico de cáncer

Coincidiendo prácticamente con la celebración de su cumpleaños (el guitarrista y vocalista de Megadeth soplaba ayer, 13 de septiembre, las 59 velas como os dijimos en nuestras efemérides de la semana), Dave Mustaine ha abordado su estado de salud al cumplirse dieciséis meses de que se le diagnosticara cáncer de garganta (cuyo tratamiento concluyó en octubre).

El estadounidense ha hablado de este tema durante una charla con Premiere Collectibles: “Gozo de buen estado de salud. Y ya me conocéis; cuando hago algo, me dedico por completo. Así que en el proceso de someterme a todos los test, encontraron un montón de otras pequeñas manchas donde se me presentó en la piel. Así que se encargaron de todo eso. Estoy trabajando en el estudio, un poco cansado y fatigado por toda la quimioterapia y las 52 sesiones de radiación, que son muchas. Pero al entrar en el estudio y empezar a escuchar esa música que comienza a interiorizarse con mi alma, y nada importa más. Puedo volar”.

De este modo, el artista ha hecho alusión al trabajo de grabación que Megadeth continúa realizando de su próximo disco, sucesor del estrenado en 2016 ‘Dystopia’ y para el que, por otra parte, aún no hay confirmada una fecha de lanzamiento, si bien Dave ha afirmado que “está quedando genial”. Al mismo tiempo, recordamos que esta no ha sido la única ocasión reciente en la que Mustaine ha hablado de la enfermedad que ha superado, habiendo asegurado hace unos días que habló con Bruce Dickinson (cantante de Iron Maiden que venció a un cáncer de lengua) durante su tratamiento.

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Los 20 duros de la semana 14/09 – 20/09: La playlist imprescindible de rock y metal creada por el equipo de Mariskalrock.com en Spotify

Un lunes más puedes disfrutar en Spotify de la lista de rock y metal más versátil y completa, generada por las mentes pensantes de MariskalRock y La Heavy. No hay género que se le resista a nuestro equipo, que están tan pendiente de la actualidad como de los grandes clásicos y del talento emergente que sin duda alguna merece estar también en el foco de atención.

¿Cómo seguirnos en nuestra playlist de Los 20 Duros? Haz clic en la playlist que tienes aquí abajo. Se te abrirá Spotify y en la misma app dale a seguir. ¡No te pierdas ni un temazo!

MARIANO MUNIESA

1. “Perfume” – Marilyn Manson: “Me parece de los mejores temas del nuevo disco de Marilyn Manson, que tiene a mi juicio ecos tanto de ‘Antichrist Superstar’ como de ‘Holy Wood’ y en los que creo que se aprecia al Marilyn Manson más en estado puro”.

2. “Killing Of Leviathan” – Killswitch Engage: “Extraído del EP de caras B, rarezas y bonus tracks ‘Atonement II B-Sides For Charity’, este temazo me entusiasma por su fuerza y su agresividad, pero al mismo tiempo, por esa producción cuidada y que pone el acento en la intensidad de su sonido”.

3. “Hear My Train A Comin’” – Jimi Hendrix: “Era inevitable en esta semana, en la que se cumplen 50 años de la pérdida del más insigne revolucionario del rock, traer a estos 20 Duros al genio deleitándose en la música, el espíritu, la esencia, la madre de todas las músicas, el blues. Excuse me while I´m kiss the sky…”

4. “The ThrillIs Gone” – B.B. King & Eric Clapton: “Se han cumplido 20 años de la edición de este singular disco de duetos, en el que esa vieja amistad, esa complicidad y esa suerte de cordón umbilical musical que unía a Eric Clapton con B.B. King se plasmó en este otro clásico del blues que ha vuelto a emocionarme al escucharla de nuevo”.

JUAN DESTROYER

5. “Welcome to the Empire” – Firewind: “Su lado más duro nos mostró la banda encabezada por el virtuoso guitarrista Gus G. en el que quizás sea el tema más destacado de su noveno álbum de estudio, que se llama igual que el grupo”.

6. “Beber para creer” – Lèpoka: “Folk metal a toda velocidad con una formación, la castellonense, que a buen seguro te sacará más de una sonrisa con los juegos de palabras de ‘El baile de los caídos’”.

7. “Shoot You in the Back” – Motörhead: “A principios de los años 80 pocos conjuntos podían medirse con el trío inglés en términos de agresividad. Grabado en marzo de 1981 en Orleans (Francia), este “Shoot You in the Back” en directo que no había visto la luz hasta ahora anticipa la reedición, el 30 de octubre, de ‘Ace of Spades’. Es una buena muestra de cómo se las gastaban Lemmy, Eddie y Phil”.

8. “Dragones” – Ilu Pérez: “Su paso por “La voz” quedó en anécdota después de escuchar el EP ‘Mis dragones’. Extraordinaria garganta la de la alicantina al servicio de un rock para todos los públicos”

ÑAKO MARTÍNEZ

9. “Pa Pa Ya!!” – Babymetal: “Algunos haters dicen que gracias al Covid-19 España se libró de que Babymetal tocara el pasado junio. Pero aquí levanto la mano para defender el metal japo en primera línea, y como bien dejé claro en mi crónica tras su show en Londres, son un espectáculo de primera. Lo retratan en este nuevo disco (publican dos LPs por separado) en directo grabado en dos noches ante 25 mil personas con setlists diferentes en cada actuación”.

10. “If I Ever Lose My Faith In You” – Disturbed: “Mientras trabajan en nuevo disco, los americanos nos dejan este regalo a modo de versión de Sting, con un David Draiman demostrando gran versatilidad en su voz. “La canción puede parecer pesimista porque habla de perder la fe, pero tiene un trasfondo que habla de las relaciones humanas, y cómo nos ayudan a encontrar cobijo en un mundo cada vez más confuso”, ha declarado el vocalista”.

11. “Deal With It” – Beastie Boys: “25 años después de que lo editaran en CD y vinilo, por fin llega a plataformas digitales esta joyita del hardcore, con los Beastie Boys demostrando que cuando se trata de tocar metal son de lo mejor. Se les sumó el batería de los Suicidal Tendencies Amery “Awol” Smith”.

12. “Metal Health” – Quiet Riot: “Para mí, de las bandas más divertidas de los 80, y junto a Ratt de las que creo deberían haber tenido mucho más éxito. Acaban de anunciar esta semana que seguirán en la ruta sin su fallecido batera Frankie Banali, así que buena ocasión para refrescar los 20 Duros de MariskalRock con este clasicazo. Perfecto para pinchártelo mientras te duchas un sábado a la noche dispuesto a quemar la ciudad”.

ÓSCAR LUJURIA

13. “The Pill” – Stoneville: Llega el tercer grupo de lo que yo llamo “la trilogía de rock, motos y cerveza” y, como los dos anteriores, se han marcado un señor disco. Hoy os presento a Stoneville desde Gran Canaria. Por si te estás preguntando cuales son los otros dos grupos a los que me refiero, los he presentado ya en esta sección, Black Bomber y Wild Road Rollers. Stoneville han facturado su segundo trabajo al que han llamado “II” y lo han lanzado con mucho mimo. CD con una presentación de lujo, vinilo negro y vinilo rojo y ganas, muchas ganas de comerse escenarios.  Quédate con su mensaje: “La vida es muy corta para perder el tiempo”.

JASON CENADOR

14. “Encender otro ángel” – Estirpe: “Hace ya algún tiempo que la genuina e inimitable banda cordobesa lideraba por el prolífico Manuel Ángel Martínez “Mart” está fuera del foco de la actualidad, pero seguimos empapándonos de su rock alternativo de profundos recovecos emocionales con esta cadenciosa e intensa canción de uno de los grandes discos del género en la lengua de Cervantes, “Buenos días voluntad”.

15. “For Evigt” – Volbeat: “Una de esas canciones que a uno le alegran la vida hasta en el día más sombrío. La retahíla de himnos inolvidables de los daneses es infinita, son una verdadera fdabrica de canciones redondas, emocionantes, geniales. Además, te pueden gustar o no, pero los de Michael Poulsen son una de esas bandas que se identifican enseguida, lo cual solo puede significar que tienen un sonido propio, algo que cotiza al alza en estos tiempos. Volbeat es una de las grandes novedades del cartel del belga Graspop Metal Meeting de 2021 con respecto al de la fallida edición de 2020. Cruzo dedos y rezo a todo el panteón vikingo para que se pueda celebrar como está previsto”.

16. “Solo quería jugar” – Malditeria: “El cuarto y último adelanto de esta banda afincada en Ibi (Alicante) antes del lanzamiento de su prometedor álbum debut, ‘Zozobra’, previsto para el 14 de octubre, es también mi favorito. Puro rock and roll con adrenalina, desparpajo y vitalidad. Imposible quedarse quieto, imposible que no te apetezca disfrutar a su ritmo”.

17. “Realm of the Banished Gods” – Legacy of Brutality: “Uno de los mejores álbumes de death metal que se recuerdan en la escena estatal bien merecían su sitio en Los 20 Duros. Los asturianos se llevaron el prestigioso premio AMAS al mejor disco de rock por un avasallador lanzamiento que dará las delicias de los devotos de los sonidos más extremos y salvajes, siempre con un fantástico criterio compositivo y en la producción”.

INÉS CHAMIL

18. “Dead Man Walking” – Skillet: “La banda de rock originaria de Tennessee nos presenta la versión deluxe de su álbum ‘Victorious’ lanzado en 2019 con canciones inéditas que no habían visto la luz hasta la fecha. Entre ellas encontramos “Dead Man Walking” una canción oscura con ciertos ápices electrónicos que se entrelazan sobre una base metal, recordando un poco el estilo de Nine Inch Nails. Este tema fue escrito por el líder de la banda, John Cooper, quien considera que es su canción favorita del disco”.

19. “Na, na, na” – “Los Rodríguez: La legendaria y mítica banda Los Rodríguez nos deleita con el lanzamiento de un disco que recoge uno de los momentos más álgidos de su carrera, el concierto del 7 de septiembre de 1993 en las Ventas de Madrid.  El repertorio y puesta en escena que la banda hispano-argentina mostró durante esa noche les sirvió para catapultar su éxito y afianzarse como un grupo icono del rock castellano. Elegimos para esta ocasión la segunda canción que fue interpretada durante esa velada llena de magia y rock n’ roll”.

ALFREDO VILLAESCUSA

20. “Reptil Interior” – Ilegales: “Hace escasos días las huestes capitaneadas por Jorge Ilegal sorprendían con un nuevo single en el que siguen sacando punta a la lengua al tiempo que reinciden en su rock n’ roll macarra imperturbable al desaliento. Ya la misma portada con la cola de una lagartija asomando por fuera de un enchufe nos da a entender que sus seguidores están compuestos de una pasta especial. No olvidéis que peinarse es de hijos de puta, como diría el gran apóstol de la incorrección política”.

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Entrevista a Nick Mason: “Disfruto salir de gira con mi banda, pero tocar con Pink Floyd fue maravilloso también”

Foto: Paddy Balls & Martin Griffin.

Estamos en las oficinas de Sony Music en el barrio de Kensington en Londres, donde nos espera una leyenda de la música del siglo XX, el batería que marcó el ritmo de Pink Floyd desde el primer acorde hasta el último en la historia de la banda. Un músico siempre alejado de los escándalos, con un perfil relativamente bajo a pesar de ser parte integral, el único que estuvo en todos los discos, de una de las bandas más grandes de la historia. Alguien que es para Pink Floyd, lo que quizás fuera Ringo Starr para The Beatles: un fino batería con la actitud idónea para ser la amalgama que uniera personalidades muy fuertes y las mantuviera juntas por más tiempo, posiblemente, del que hubieran soportado estarlo. Hoy Nick Mason (que el año pasado nos visitó junto a la exposición ‘The Pink Floyd Exhibition’ en Madrid) presenta por todo el globo las canciones de la etapa formativa que derivaría en ‘Dark Side Of The Moon’ – sin incluir composiciones ni de éste ni de los subsiguientes álbumes -, y lo hace con su nuevo grupo, Saucerful Of Secrets, y el disco ‘Nick Mason’s Saucerful Of Secrets Live At The Roundhouse’. De todo ello habla con Pablo Lamela (www.rockishere.com), acompañado del fotógrafo Pablo Lamela.

Durante los últimos meses se te otorgó la CBE (Condecoración de la Orden del Imperio Británico), te nombraron Prog God (Dios del Progresivo elegido en 2019 durante los Progressive Music Awards)… y ahora llega el álbum ‘Live At The Roundhouse’ con tu banda Saucerful of Secrets. ¿Qué sigue?

Creo que más de lo mismo sería la expresión correcta. Lanzar el disco que grabamos el año pasado ha servido para volver a hacer una gira porque hasta cierto punto, el propósito principal de esta banda es ser una banda de conciertos, tocar música en vivo, eso es lo que sigue y esa es la razón de ser de Saucerful Of Secrets”.

Tomando esta respuesta se me ocurre una pregunta.  ¿Cuántas cosas han cambiado  en ti desde tus días de amateur? Quiero decir, cambiar, cambiaron muchas cosas, pero me refiero en espíritu, a eso que te impulsó a comenzar…

En espíritu es muy similar. Soy muy consciente de lo que se siente al estar sobre el escenario a día de hoy comparando con lo que sentía 50 años atrás, ya que estar en salas más pequeñas te permite tener mejor contacto visual con el resto de la banda, y ello te posibilita percibir mejor la música que cuando se toca en lugares grandes. Amo tocar en grandes estadios y pabellones con un escenario fantástico y todo lo que trae aparejado eso para el espectáculo, pero en una sala pequeña la relación con el público es más íntima, se crea una complicidad muy especial”.

Foto: Paddy Balls & Martin Griffin.

Ahora ya no es como sucedió en Venecia en 1989, cuando tocásteis sobre las aguas de los canales de la ciudad, con el público a distancia y el escenario flotante rodeado de botes…

“No, claro que no. Aquello fue una idea muy original, y guardo un recuerdo muy agradable de aquella experiencia, aunque también me acuerdo que fue dificilísima de poner en pie. A ese nivel, nunca ha sido fácil organizar una producción de Pink Floyd, pero aquello fue ya batir nuestro propio récord”.

¿Te parece bien que etiqueten tu música o la de Pink Floyd como rock progresivo?

“Bueno, creo que la gente puede poner a cada estilo las etiquetas que más les gusten, pero la etiqueta de rock progresivo no me acaba de gustar, porque de forma muy despectiva se la ha asociado a una etapa del rock en los 70, en la que se pensaba que nuestra música era algo pomposo y elitista… Quizá esas grandiosas puestas en escena eran un poco exageradas y probablemente hubo un exceso de virtuosismo que en realidad no era tan necesario. De alguna manera cuando escucho alguno de esos discos, creo que hay elementos de lo que se consideraba “Prog Rock” que quiero pensar que se han movido, que han avanzado hacia zonas algo más libres”.

Encuentro varias canciones de tu setlist que en comparación con las originales de Floyd ganaron potencia sin perder frescura. “Lucifer Sam” es una canción en particular que realmente me sorprendió por su energía…

¡Así lo espero! (risas) Creo que en todas ellas, el objetivo no es recrear exactamente como eran en su origen, pero sí quizás recuperar su espíritu original, como decías antes. Eso es una de las cosas que más me agradan de poder recrear las canciones más primigenias de Pink Floyd, que la audiencia no esté tan interesada en una copia exacta de lo que hay en los discos. Creo que uno de los problemas cuando te metes en los siguientes trabajos, en canciones como “Comfortably Numb” o cualquiera de álbumes como ‘The Wall’ o ‘Dark Side Of The Moon’, es que la gente está esperando un preciso solo de guitarra, por ejemplo, y desde ese punto de vista eso es exactamente lo que me gustaría: que la gente recuerde el espíritu del original, pero sin que tenga que ser necesariamente tocada igual que como se escucha en los discos”.

Entonces, entiendo que no vas a recrear material desde ‘Dark Side…’ en adelante. ¿No es así?

No. No quiero transformar a Saucerful of Secrets en una banda tributo donde tenga que pensar; “Oh, ¿Gary puede tocar la parte de guitarra exactamente como la tocaba David?””.


“Amo tocar en grandes estadios y pabellones con un escenario fantástico y todo lo que trae aparejado eso para el espectáculo, pero en una sala pequeña la relación con el público es más íntima, se crea una complicidad muy especial”


No fuiste el miembro de Pink Floyd más cercano a Syd Barrett, con lo cual la gente quedó sorprendida de que te hayas comprometido de esta manera con un período que claramente se relaciona con él. Conociste a Syd en Stanhope Gardens, la casa que compartíais en vuestros inicios, ¿cierto?

“Sí, es correcto. Y es cierto también que no era el más cercano. Yo no era de Cambridge como Syd, Roger Waters o David Gilmour, quizá por ello nuestra relación era algo más fría. Pero más allá de los tiempos de Syd también estamos tocando “More” y “Obscured By Clouds”, así como temas de un disco como ‘Meedle’”.

En tu libro ‘Inside Out’ dices que cuando conociste a Syd Barrett te pareció un chico encantador. ¿En qué momento te diste cuenta de que había algo que no estaba del todo bien en su cerebro, en sus emociones, en su carácter?

“No hubo un momento concreto, fue algo gradual, cosas que ibas notando día a día. Sí te podría decir que en mayo de 1967, cuando editamos el single “See Emily Play” íbamos a volver a la BBC para nuestra segunda presentación en el programa de televisión ‘Top Of The Pops’ y Syd no estaba nada contento de estar haciendo eso. Ahí quizá no solamente yo, creo que todo el grupo nos dimos cuenta que no se sentía feliz con lo que estábamos haciendo. Quizá ello influyó en sus problemas con las drogas. A partir de ahí pensé seriamente en que podría marcharse del grupo, como sucedió poco después”.

¿Sientes nostalgia de los locales de la era psicodélica de aquellos años, de clubes como el UFO, donde tocasteis a menudo en vuestros comienzos?

Mmmm… No en particular del UFO porque fue muy, muy al comienzo y tampoco tocamos allí tantas veces. Tengo que decirte que nunca fue un gran lugar para hacer música en directo y la verdad es que solo había actuaciones una vez a la semana. El resto de la semana era un Club de folk irlandés, una sala de baile. Estoy en realidad más preocupado por las pequeñas salas que a lo mejor son parte de pubs y que están cerrando todo el tiempo, porque algunas zonas se han aburguesado y la gente no quiere que en sus vecindarios suene música en vivo o que el público salga de ellos a las once de la noche, o lo que sea, no lo sé. Si esos lugares desaparecen se hará cada vez más difícil conocer qué es lo que están haciendo musicalmente las nuevas bandas más jóvenes”.

¡De hecho el Nick Mason’s Saucerful Of Secrets comenzó en Camden, en Dingwalls!

Es un buen ejemplo, pero también Camden está amenazado por los proyectos de desarrollo de inmuebles, apartamentos turísticos, franquicias de negocios… espero que pueda mantenerse la escena musical”.

Pablo Lamela con Mason en Londres.

Tanto tú como tu banda actual parecéis un grupo de teenagers divirtiéndose en el escenario. Pero durante años dentro del monstruo Floyd hubo muchas peleas. ¿Pensaste en algún momento que la letra de “One Of These Days” podría hacerse realidad? (ndr: la única letra que tiene el track dice: “Uno de estos días voy a cortarte en pedacitos”).

(Risas) “¿Sabes? me parece que el problema es que se hizo mucho hincapié entre las peleas, los desencuentros, los enfrentamientos principalmente entre Roger y Dave, y no te voy a negar que sucedieran, pero fue sólo en ciertos momentos. Tuvimos muchos periodos  en los que nos llevábamos muy bien, en los que estábamos muy unidos, pero eso no se recuerda. Realmente disfruto salir de gira con esta banda, pero la verdad es que tocar con Pink Floyd fue buenísimo también. Nunca aceptaré que alguien diga que aquello fue miserable y esto es muy cool. Es divertido, estimulante, creativo de una manera diferente pero aquello fue divertido también. Hicimos mucho material muy bueno juntos”.

Tengo tickets para el Royal Albert Hall de Londres en mayo. Durante las últimas giras de David, Roger y tuyas, hubo miembros de Pink Floyd uniéndose a otros miembros de Pink Floyd. ¿Podemos esperar alguna sorpresa para ese concierto?

“¡Si la hubiera, aun así no podría decírtela o dejaría de ser sorpresa! (Risas) Pero no, no tenemos prevista ninguna sorpresa de momento. Si hay una persona que me hubiera gustado tener para tocar con nosotros en el Albert Hall sería Robert Wyatt”. (ndr: Miembro de Soft Machine, otro grupo importante del movimiento psicodélico de finales de los 60).

Tengo tantas preguntas… pero ahora se me viene a la mente Neil Peart, el recientemente fallecido batería de Rush. ¿Le conociste personalmente?

No, no llegué a conocerle en persona. Lo lamento. No fue alguien con quien llegara a encontrarme. Leí un par de sus libros, me encantaba esa forma profunda de pensar, su forma de contar historias, además de ser un magnifico batería. Y teníamos en común esa afición a las cajas de batería ploteadas con los logos de Dark Side, Queen o Rush” (risas).

¿Tu batería favorito?

“Quizás Ginger Baker sea probablemente la mayor influencia que tuve en mis comienzos, pero hay montones de otros buenos baterías en los que me fijé y de los que he aprendido muchas cosas. Terry Bozzio, Simon Philips, Mitch Mitchell de la Jimi Hendrix Experience fue una gran influencia también para mí. Virtualmente, cada batería que veas tiene algo sobre lo que puedes decir: “¡Oh, mira, eso que hace está bien!”.

Volviendo al presente, en tu próxima gira vas a presentarte en España. ¿Con qué se van a encontrar los fans hispanos en tu concierto?

“Ojalá que los españoles se encuentren con elementos para redescubrir y disfrutar de otra manera a unos muy tempranos Pink Floyd. No es solo cuáles y cómo toquemos esas canciones, sino el espíritu de las mismas, ya que la música de Floyd parece que con el paso de los años se volvió más y más seria, más elaborada, más compleja. Lo que espero es que esas mismas canciones mantengan la frescura, además de que se comprenda que existe un elemento histórico inherente a ellas”.

 

¿Cuál consideras que es tu mejor periodo como músico desde el momento en que decidiste dedicarte al rock?

“No tengo un período predilecto. Si pensamos en 1967, en los tiempos de ‘The Piper…’ fue una época muy excitante porque la fantasía se hace realidad, y de repente tienes un contrato discográfico, tienes un disco, sales en los periódicos, en televisión, es inolvidable. Pero luego todo va evolucionando y llega ‘Dark Side…’, llegas a Norteamérica y pasas de tocar en clubes a tocar en teatros y de pronto, tocar en arenas, estadios. Eso por supuesto  también es excitante, y luego llega un momento más estable donde comenzamos a hacer ‘The Wall’ y todo el tour se hace en un jet privado, lo cual ya parece lo máximo. Por eso no elijo ninguno de esos períodos porque todos tienen diferentes cualidades que los hacen únicos. Luego está el período post Roger Waters, en el que volver a tocar en vivo fue fantástico, porque parecía que todo había terminado. Por el contrario, hicimos shows más grandes que los que habíamos hecho hasta ahora. Eso fue grandioso y ahora está lo actual con mi banda y lo estoy disfrutando realmente porque tiene los elementos que amo de los primeros días. Lo mejor de esta banda es el espíritu, todos están contentos y ansiosos por hacer más y más conciertos. Es genial”.

Nick, para terminar te quiero preguntar sobre mi disco favorito – y el de muchos – que es Dark Side Of The Moon. Confieso que después de haberlo escuchado miles de veces antes, cuando lo escuché por primera vez en una mezcla surround, en un entorno ideal en mi casa, me emocionó increíblemente. Cuando estabais haciendo ese disco, ¿Os dábais cuenta de la obra descomunal que estabais poniendo en pie y que sigue casi 40 años más tarde entrando en los rankings o tomasteis conciencia de la magnitud de esa obra una vez editada?

“No, no nos dimos cuenta de ello mientras lo estábamos elaborando. Sabíamos que estábamos haciendo lo mejor de nuestra carrera hasta entonces, pero no teníamos idea que fuera a tener la magnitud que todavía hoy tiene. Fue como la tormenta perfecta, o sea, no es solamente porque sea un gran disco, sino que además está el hecho que vino en un packaging fantástico con esa imagen, más la calidad de la grabación. Alan Parsons hizo un trabajo fabuloso, hasta tal punto que es un disco que se usa para testear equipos estéreo. Las letras son algo especial para mí. Las letras que escribió Roger son geniales, fueron escritas por un chico de 23 años pero son relevantes y tienen sentido para cualquier persona con independencia de la edad que tenga”.

Muchas gracias, Nick. Nos vemos entonces en mayo en el Albert Hall y te vemos en España.

Gracias a vosotros por venir y por la hermosa revista (ndr:se refiere a La Heavy) y el libro que me regalaron” (ndr: la Guía de Lugares Históricos del Rock de Londres, por este autor).

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Crónica de Lacuna Coil: La revolución será en directo

Allá por 1970 el poeta y músico Gilbert Scott-Heron pronunciaría una frase que pasaría a la historia, formaría parte del acervo cultural de generaciones venideras y se aplicaría a múltiples contextos diferentes. “La revolución no será televisada”, dijo en una esquina de Harlem a modo de advertencia contra el poder manipulador de los medios de comunicación, al tiempo que también censuraba diversos aspectos del estilo de vida americano así como esa brutalidad policial que todavía no ha cesado a día de hoy. Todo un manifiesto antisistema cuya vigencia sigue resultando apabullante en plena era digital en la que cualquiera no conectado está condenado al ostracismo social.

Dadas las medidas dictatoriales respecto a la celebración de conciertos en la península, quizás de momento sea una buena opción recurrir al llamado streaming para seguir disfrutando de eventos en vivo. Eso mismo parecen haber pensado los chicos de Lacuna Coil, que ofrecieron un show a nivel global el pasado 11 de septiembre a través de la plataforma A-Live. Una iniciativa que buscaba paliar el hecho de que la pandemia les pillara en plena presentación de su álbum ‘Black Anima’ y por tanto sin la posibilidad de trasladarlo en condiciones a los escenarios. El Apocalipsis debería ser desde casa, no quedaba otra.

Por ser una tremenda obviedad, dejamos fuera de discusión que un espectáculo en las distancias cortas jamás se podrá comparar a cualquier bolo online, del mismo modo en que nunca será lo mismo la comunicación cara a cara que a través de una pantalla. Asumida esta premisa básica, lo que uno espera en un evento de pago como el que montaron los italianos es que ante todo sea entretenido, dinámico y que refleje lo máximo posible las emociones que te embargaban cuando se podía acudir a sus bolos físicamente. Lo último tal vez se antoje poco menos que una utopía, pero por soñar que no quede en estos tiempos tan complicados para la cultura.

Bajo un fondo negro con estandartes, algún dragón y otros motivos esotéricos, muy puntuales comenzaban a retransmitir Lacuna Coil un show muy del uso de los que acostumbrarían a realizar antes de que el mundo se viniera abajo. Apareció, en primer lugar, Cristina, misteriosa y encapuchada para entonar la intro “Anima Nera”, el paso previo al estallido sonoro de “Sword of Anger”. Todo un acierto iniciar recitales de una manera tan contundente que te levanta hasta las pestañas. Y más cuando uno se encuentra apaciblemente sentado en su casa.

Para que el rollo fuera más interactivo, había una barra de herramientas que te permitía aplaudir y hasta enviar selfies que luego se publicarían en un extremo de la pantalla. Y si uno se sentía con ánimo dicharachero, también existía la posibilidad de charlar con el resto de participantes o mandar mensajes que se reproducirían unos instantes después a la vista de todos. Supongo que el propósito de esto era simular esas conversaciones que se oyen de refilón en los bolos o la peña que te vas topando por el recinto.

Volviendo al concierto que nos ocupa, los milaneses pegaron un repaso considerable a su último trabajo editado con “Now Or Never” o “Reckless”, entre muchas otras, si no lo desgranaron casi entero, poco faltaría. Un servidor, que les descubrió en su primeriza etapa gótica, añora muchos temas de esa época, pero también entiende que su nueva orientación cercana a combos tipo Korn o Slipknot quizás esté más enfocada para las distancias cortas. Cuidaron hasta el más mínimo detalle incluso en la vestimenta, con una especie de monos obreros blancos salpicados de manchas negras. Una guisa similar a la que llevaban In Flames allá por comienzos del presente milenio, un movimiento arriesgado que les granjeó la hostilidad de la mayoría de los heavies tradicionales.

La producción del evento estuvo por tanto muy acertada y algunos seguidores lamentaron que no se tratara de un recital con gente como en la vieja normalidad. Y desde los hogares pudo percibirse asimismo el descomunal poderío vocal de Cristina Scabbia, que sigue oficiando todavía a un nivel deslumbrante. Un dato objetivo que es imposible no resaltar por muchas pantallas que tengamos delante.

“Apocalypse” conserva algo del metal gótico de antaño y “Through The Flames” rompió también el rollo dominante por su halo doom y una vistosa puesta en escena con cruces blancas y humo violeta. De los puntos álgidos, sin duda. En este sentido resultó oportuno en la cúspide del evento un breve parón en el que nuestros dispositivos se llenaron por unos minutos de las caras de los participantes. A la vuelta, continuaron con el exhaustivo repaso a ‘Black Anima’ con piezas que no se tornaban en absoluto pesadas del calibre de “Under The Surface” o “Veneficium”, con coro eclesial pregrabado, pero bueno. Molaron una vez más los detalles accesorios de carácter esotérico con cruces rojas, pentagramas y demás.

En la recta final se decantaron por “Layers of Time” y la homónima “Black Anima” antes de que las cámaras nos mostraran a algunos integrantes de la banda sentados y contando las emociones que habían sentido al subirse a las tablas después de muchísimo tiempo. La sensación predominante era que a la mayoría le había sorprendido “la intensidad”, a pesar de que no existiera contacto humano. Y el otro cantante Andrea nos conminó a permanecer atentos porque todavía quedaba una sorpresa.

El regalo no era otra cosa que el “Save Me” de su más reciente obra con Cristina únicamente acompañada de una pianista. Una curiosa versión que gustó a los seguidores, a tenor de los comentarios leídos, pero que estaba bastante lejos de los deseos de este humilde redactor, que hubiera preferido de lejos cualquier cosa de su olvidado ‘Comalies’ del 2002, o incluso del ‘Karmacode’, si nos apuran. Una escasa hora tampoco era una duración para echar cohetes, aunque ese suele ser su tiempo habitual en escena, si no recordamos mal.

En una situación en la que los conciertos como antes se vislumbran en un horizonte muy lejano, más todavía en este país bananero, se agradecen estas iniciativas para no olvidar lo que era la música en vivo, sin grabaciones cutres de por medio. De justicia es reconocer el esfuerzo de los artistas por saciar el hambre cultural de sus seguidores. Pero no perdamos de vista las palabras de Scott-Heron: “La revolución te va a poner en el asiento del conductor”. Y en eso pensamos mientras levantamos el puño. La revolución será en directo.

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Bolsa de noticias: Jorge Salán – Saurom – +Sonrisas Fest – Aisles – Cronómetrobudú – Gwydion – Las Sexpeares

Jorge Salán publica vídeo de su nuevo adelanto, Saurom lanza el videoclip de su nuevo single, +Sonrisas Fest presenta su programación, Aisles presenta a su nuevo cantante, Cronómetrobudú llega al millón de reproducciones en YouTube, Gwydion muestra el arte de su próximo disco y Las Sexpeares anuncian nuevas fechas con Girando por Salas.

Jorge Salán lanza el videoclip de “No despiertes”, nuevo single de ‘Tempus’

El virtuoso guitarrista Jorge Salán acaba de estrenar un nuevo single perteneciente a su próximo disco, ‘Tempus’, de nombre “No despiertes”. ¡Te dejamos con él!

Este tema sucede al ya presentado “Viejos dinosaurios”, y, como decimos, formará parte igualmente del nuevo disco de Salán (que regresa de este modo al hard rock), que llegará a las tiendas el 13 de noviembre de la mano de A new Label. En él colaborarán artistas como El Drogas, Kutxi Romero (Marea) o Pedro Andreu (batería de Héroes del Silencio).

Este será su tracklist:

  1. Sueño eterno
  2. Viejos dinosaurios
  3. Vida
  4. Es momento de luchar (con El Drogas)
  5. No despiertes
  6. Todo se muere (Kutxi Romero)
  7. Tocar el cielo
  8. Silencio (con Pedro Andreu)
  9. Divinas palabras

Nosotros ya hemos podido escuchar otros cuatro temas de dicho disco (“Sueño eterno”, “Vida”, “Es momento de luchar” y “Todo se muere”), y aquí os decimos cómo suenan.


Saurom presenta el vídeo de “3…2…1… ¡La Tierra!”, nuevo single de ‘Música’

Tras el lanzamiento de los adelantos “El Lazarillo de Tormes”, “El queso rodante” y “Amanecer”, Saurom lanza ahora el videoclip correspondiente a su nuevo single de ‘Música’, “3, 2, 1… ¡La Tierra!. Haz click aquí para disfrutar de él.

Saurom ha declarado lo siguiente al respecto de este tema: “El momento más mágico e inexplicable de la vida se produce en el nacimiento. Cuando un bebé llega al mundo el tiempo se para y vuelve a empezar… una alegría indescriptible y una felicidad plena invade los corazones mientras nuestros sentimientos danzan agitados por la senda del espíritu, sin control, contagiados por la emoción y la ilusión del místico acontecimiento. Antes de todo ello, un enigmático tripulante realizará un viaje precioso envuelto en un halo de misterio, que durará nueve meses… En esta ocasión os relatamos nuestra propia experiencia en contacto permanente con un astronauta muy esperado…”.

Saurom estrenará ‘Música’ el 4 de diciembre. Hasta entonces, podemos deleitarnos con estos adelantos o revisar la entrevista que Jason Cenador realizó durante el confinamiento a Narci Lara.


Llega el festival benéfico +Sonrisas Fest, con bandas como Celtas Cortos y presentado por Jason Cenador y Óscar Sancho (Lujuria)

La Asociación Avalon, con sede en Casar de Cáceres, nos presenta la programación del +Sonrisas Fest, evento con fines solidarios que este año hace su debut y que podremos ver a través de streaming los días 26 y 27 de septiembre en YouTube a partir de las 17:00h (durando dos horas y media cada jornada).

Este +Sonrisas Fest contará con la colaboración de personalidades y artistas como Celtas Cortos, Juan Muñoz (integrante de Cruz y Raya), Keunam y Hermoti, Dario González, The Dalmatians, Synchronical, Proyecto Hatta, Ayuso, Azors, Drayed, Dúo Meraki, Mnemofobia, Sara y Varo, Vertical, Fonsiito Jiménez, Terriculum Avium, Tocando Techo, Prexton, Jesús Lázaro, Mind Traveller, Saúl Gentil, Kalerizo, Senda de la Montaña, Rodrigosaurio, David/Jak, Omnia Transit o Kaplan. Todos ellos actuarán siendo presentados por Jason Cenador y Óscar Sancho (Lujuria).

Los fondos recaudados a través de esta iniciativa irán destinados a  familias con hijos e hijas con enfermedades irreversibles y en tratamientos paliativos. Te dejamos con su tráiler:

Para colaborar con +Sonrisas Fest basta con realizar un Bizum a estos teléfonos (687 153 122 o 659 852 908) o una transferencia bancaria a esta cuenta corriente: ES53 2048 1223 1030 0004 ( Concepto: Donación +Sonrisas Fest Beneficiario: Asociación cultural y juvenil “Avalon”. C.I.F: G-10427680)


Aisles presenta a su nuevo vocalista con una regrabación de “Smile of Tears”

Prácticamente durante dos años se ha extendido la búsqueda de un nuevo vocalista para la banda chilena Aisles. Finalmente, ha sido Israel Gil quien ha sido anunciado como el muevo hombre a los micrófonos, con una nueva versión del tema “Smile of Tears”, extraído del disco ‘In Sudden Walks’. ¡No te la pierdas!

El recién llegado Israel ya trabaja con el resto de sus compañeros en la creación de un nuevo disco de la banda, cuyo estreno se encuentra programado para mediados del año que viene. “Me toca mucho este tema porque lo grabamos cuando estaba iniciando la pandemia. Lo de ‘sonrisa de lágrimas’ me hace mucho sentido, porque en estos tiempos de cuarentena, con videollamadas y redes sociales, uno aparenta en la cámara que está contento, pero en realidad por dentro estás triste”, ha declarado Gil.

Os recordamos que el pasado mes de mayo Aisles inauguró su perfil de Patreon, donde podéis convertiros en mecenas de la banda a cambio de recompensas tales como acceso exclusivo a singles, descuentos en productos de Aisles e incluso artículos autografiados por sus miembros.


Cronómetrobudú alcanza el millón de reproducciones en YouTube

Los integrantes de Cronómetrobudú tienen que estar naturalmente de enhorabuena. Y es que, la formación burgalesa ha alcanzado el millón de reproducciones en YouTube, donde podemos escuchar todas sus canciones y ver todos sus videoclips. Te dejamos tanto el acceso al canal de Cronometrobudú como a su página de Facebook, donde ver este vídeo de celebración.


Gwydion muestra la portada de su próximo álbum

La veterana banda de folk viking metal portuguesa Gwydion  se complace de presentar el arte que presidirá la portada de su próximo disco, el número cinco de su trayectoria. Este homónimo ‘Gwydion’ verá la luz el 13 de noviembre a través del sello Art Gates Records.

La ilustración, diseñada por Joe A. Arca (que ya ha trabajado con otros grupos como Dragonfly, Noctem o Coffeinne) representa la historia del grupo. Gwydion ha confesado la emoción presente por publicar un nuevo trabajo: “25 años han pasado, y estamos muy emocionados de lanzar la obra maestra definitiva para nuestros fans. Este álbum reúne todo lo que quieres escuchar de la banda, hemos volcado todos nuestros esfuerzos en este proyecto. Es un álbum enorme. ¡De casi 74 minutos! Es épico, melódico, dramático y heroico, ¡Todo lo que se puede esperar de Gwydion! También habrá muchas sorpresas, ¡Incluyendo varios invitados inesperados!”.


Las Sexpeares anuncian su regreso a los escenarios de la mano de #GirandoPorSalas

Las Sexpeares han dado a conocer sus primeras fechas en directo después de que la pandemia de coronavirus golpease nuestras vidas. El trío afincado en Barakaldo (Bizkaia) lo hará con la ayuda del programa #GirandoPorSalas, y en los tres shows anunciados se presentará su último disco. ‘Somos lo peor’.

Toma nota de la información de estos conciertos:

07/11/2020 – Madrid (Moby Dick Club)
13/11/2020 – Melide, A Coruña (Pub Gatos)
14/11/2020 – Ferrol (Sala La Room)

Las entradas para cada una de estas veladas ya se pueden adquirir a través de este enlace desde 5 euros. Una vez en taquilla, su precio ascenderá a los 8 euros.

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Mägo de Oz anuncia las primeras fechas de conciertos para 2021

Seguro que los seguidores de Mägo de Oz no han tardado en echar mano de sus calendarios tan pronto como la banda madrileña ha confirmado las primeras fechas en las que tendremos la oportunidad de verla en directo. Tan solo unas semanas después de recibir el Disco de Oro por ‘Ira Dei’, el combo de folk metal ha desvelado las jornadas en las que se llevarán a cabo sus primeros conciertos de 2021 (sin contar los de Madrid y Barcelona, programados para finales de este año pero pospuestos al siguiente por la crisis de coronavirus).

Estas primeras tres fechas corresponden a territorio mexicano, y te las dejamos a continuación:

08/05/2021 – Guadalajara (Auditorio Telmex)
20/05/2021 – Monterrey (Arena Monterrey)
22/05/2021 – Ciudad de México (Arena CMDX)

Estos son solo los tres primeros conciertos que ya cuentan con fecha del total de 30 que compondrán el ‘Apocalipsis Tour 2021’, del que esperamos fervientemente conocer el resto de jornadas cuanto antes.

Os recodamos que Mägo de Oz es una de las bandas que protagonizan nuestras efemérides de esta semana. ¡Haz click aquí para echarles un vistazo!

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Héroes del Silencio anuncia “El día H” en directo el viernes 18 de septiembre

En los últimos tiempos, las redes sociales de Héroes del Silencio venían registrando una inusual actividad, y finalmente será el próximo viernes 18 de septiembre cuando todo ello culmine en un directo que será emitido a través de su Facebook coincidiendo con el 25 aniversario del lanzamiento de ‘Avalancha’, su celebrado cuarto y último disco de estudio.

Será a partir de las ocho de la tarde, hora peninsular española, cuando la celebérrima banda zaragozana integrada por el vocalista Enrique Bunbury, el guitarrista Juan Valdivia, el bajista Joaquín Cardiel y el batería Pedro Andreu pondrá en marcha una emisión en vivo en su perfil de la red social, todo bajo el sugerente apelativo de “El día H”.

Más allá de la conmemoración de la efeméride, enclavada en el XIII homenaje mundial a Héroes del Silencio, no ha trascendido nada más acerca de en qué consistirá el evento virtual, con lo que las suspicacias e ilusiones de sus miles de seguidores han echado automáticamente a volar.

Héroes del Silencio reunidos en 2007

La última vez que Héroes del Silencio se reunió fue en 2007, en una aclamada gira que llenó hasta la bandera enormes recintos en Ciudad de Guatemala (Guatemala), Buenos Aires (Argentina) , Monterrey y México, D. F. (México), Los Ángeles (Estados Unidos), Zaragoza, Sevilla y Valencia. El año pasado, Joaquín Cardiel abría la puerta a una reunión asegurando que habían hablado de ello.

¿Estaremos ante el anuncio de un nuevo retorno a los escenarios una vez la pandemia haya quedado atrás o simplemente frente a un bonito gesto de nostalgia tras cumplirse un cuarto de siglo de su último disco? La cuenta atrás para saberlo ha comenzado.

Estos son los horarios de la emisión en directo en el Facebook de Héroes del Silencio para otras zonas horarias: 11 AM: Los Ángeles; 1 AM: México, Bogotá; 3 AM: Argentina.

PARA LEER MÁS:

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