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Contadme un poco cual ha sido la evolución de la banda hasta el momento actual.

“Podemos decir que Espiral antes de su creación tuvo un embrión en de banda que practicaba un heavy rock con letras en inglés, y que se llamó La Taberna de Moe (denominación coincidente con otra banda nacional). En esta etapa pre-Espiral grabamos una maqueta con tres temas con una formación en la que ya nos encontrábamos Antonio Jurado, Luis Zapater y yo, miembros fundadores de Espiral. Ya en el 2006 con una formación consolidada grabamos nuestro primer trabajo en el cual ya se vislumbraba unas estructuras compositivas evolucionadas hacia un metal de corte más moderno abandonando la herencia clásica del heavy rock. En el 2009, con la grabación de ‘Contratiempos’, se asentaron las líneas maestras del sonido Espiral con melodías trabajadas sobre distorsiones edulcoradas con paisajes acústicos. Con ‘Cicatrices’, nuestro tercer trabajo, de 2014, se acentuaron los paisajes acústicos con espectros instrumentales que nos adentraban los temas con algo mas de duración de lo que hasta entonces acostumbrábamos. La incorporación de voces guturales supuso un plus de agresividad al sonido Espiral que tras la salida del vocalista y del segundo guitarra quedó truncada esa línea musical enfocada al metal de nuevo cuño.

Ya con la entrada a la guitarra de José Luis Corrales, y poco más tarde la incorporación del actual vocalista, Alberto Mateos en enero de 2018, Espiral da un giro hacia los orígenes. Esta nueva dirección musical fue instantánea, la aportación vocal de Alberto dio otra dimensión al repertorio de la banda que ante la premura de participar, primero en el I Park Music Festival de Ceuta y luego abriendo para la banda portuguesa Attick Demons en la Sala Ceuta, desencadenó una selección natural de aquellos temas más representativos de la banda y que innegablemente soportaron modificaciones y adaptaciones a esta nueva línea con temas más directos y más dinámicos, amparados en la búsqueda de temas de minutaje inferior y supresión de concretas partes instrumentales”.



Supongo que estar afincados fuera de la península hace que todo sea un poco más difícil… ¿Qué dificultades encontráis para daros a conocer siendo de Ceuta?

“En Ceuta siempre hemos tenido y tenemos grandes bandas, y atendiendo al éxito y resultados nos hace afirmarnos en esa dificultad de la que ya tú nos avanzas. Internet y las redes sociales han acortado el “estrecho”, podemos casi sonar en cualquier parte, pero lo dificultoso y costoso para una banda de Ceuta es salir “a tocar”. Los directos es una gran asignatura pendiente, movernos desde nuestra tierra conlleva unos gastos que otra banda de la península no soporta. Ferry, alojamiento, alquiler de furgoneta… Suma unos cuantos euros que para una banda que quiere darse a conocer en directo actúa como un impedimento no solo para el propio grupo, que, en nuestro caso, además de soportar toda la autoedición y promoción del disco, tendríamos que correr con los gastos del desplazamiento, ya que o vas de la mano de alguna agencia que apueste, o de lo contrario al montar un bolo en una sala el promotor difícilmente garantizara los gastos de tu banda. Ya nos gustaría que nuestra ciudad apoyara con subvenciones de desplazamientos para hacer más viable que podamos cerrar en una sala de la península un concierto o, en el mejor de los casos, poder planificar una gira de presentación de ‘Cuando vuelve el Sol’”.

¿Por qué regrabar ocho temas de trabajos anteriores y no lanzaros a componer uno desde cero? ¿No quedasteis contentos con el resultado anterior?

“Pues fue una fácil decisión, no hubo debate. Pronto nos dimos cuenta que la banda estaba girando hacia sus orígenes, y el resultado era extraordinario. No podíamos dejar esos temas que habíamos trabajado con Alberto sin registrar porque nos pareció sencillamente un nuevo aire fresco a la banda. Nos gustó tanto como quedaron los temas que apostamos por este remake, más un nuevo tema que da título al álbum y que se ha convertido en el buque insignia de esta nueva espiral. Tal fue la conexión que rápidamente cerramos los temas y añadimos ese guiño a nuestra historia de la música caballa con la versión de Tharna “Una noche más” impregnada de ese olor a heavy rock, olor a Espiral. Respecto a la segunda pregunta, indudablemente sí estamos satisfechos con las grabaciones anteriores en sus discos de referencia, pero como antes he mencionado, esta nueva grabación respondía al reflejo del momento actual de la banda y por ende al cierre de una etapa de la cual nos sentimos muy orgullosos, pero también la apertura de un nuevo horizonte”.

En estos tiempos en que la tecnología está a nuestro alcance en todos los sentidos… ¿Ha habido interés de algún sello o directamente preferís autogestionaros?

“Gracias a la tecnología podemos lograr que la banda llegue a muchísimos lugares, y ciertamente hemos recibido una propuesta de un sello independiente de Polonia, Vic Nocturna, para distribuir nuestro disco, pero que de momento lo dejamos en standby porque ya tenemos editada el lanzamiento de nuestro disco y quizás en un futuro cercano podríamos trabajar con ellos. El tema de la autogestión, en nuestro caso más que una preferencia es una necesidad, ya que decidimos autoeditar nuestro disco y después promocionarlo. Invertir el proceso, quizás nos llegaría a agotar ante la espera de una llamada que mostrara interés por nuestro disco”.

Me gusta el dinamismo entre riffs agresivos y melódicos como en “Matando sentimientos”. ¿Cómo es vuestra forma de componer?

“Sí, ciertamente nos gusta alternar momentos agresivos con otros más “dulces”, de hecho, en muchos temas tenemos partes acústicas que realzan de alguna manera los cambios con riff más pesados. Podríamos entenderlo también como una “estrategia” de liberación vocal donde el mensaje puede llegar más nítidamente a quienes buscan algo más en nuestras canciones. Con la entrada del Alberto Mateos en la banda la forma de componer ha variado, ahora los temas son más participativos, más colaborativos, y puedo decirte que desde su llegada las nuevas composiciones suenan realmente a Espiral”.

Creo que “Contratiempos” es el tema que mejor define vuestro sonido… ¿Estáis de acuerdo? ¿Con qué temas os sentís más cómodos?

“Es uno de nuestros temas favoritos, mezcla fuerza y melodía. Particularmente a mí me gusta mucho tocarlo en directo, me transmite mucha garra. “Contratiempos” forma parte de esa terna de temas que no suelen quedarse fuera de nuestro repertorio, como es el caso de “Alas del silencio” o “Alma en ruinas”. Son temas con los que nos sentimos muy cómodos interpretándolos, lo que no significa que el resto de nuestros temas nos resulten incomodos. Por ejemplo, “Cuando vuelve el Sol” es nuestro nuevo tema en el disco, y es super motivador e inspirador el poder tocarlo en directo, que, por cierto, solo se ha tocado en el festival streaming de Argentina, el Gran Rockea, y que también formó parte del setlist de nuestro concierto en streaming que preparamos para el Kriminal Fest también de argentina, organizado por Radio Krimen On Line”.



Con toda esta situación… ¿Cómo veis el futuro de la industria musical?

“Lo miramos con recelo, puede ser el peor año para un lanzamiento de un disco para una banda como la nuestra, que empieza su decidida apuesta en este mundo difícil de la música. Pero nosotros decidimos seguir y no hemos parado de seguir trabajando. No tenemos directos, pero seguimos trabajado en la promo del disco. De hecho, en junio lanzamos ‘Cuando vuelve el Sol’ y antes estrenamos un adelanto en forma de lyric video al que le siguió nuestro primer videoclip del tema que da titulo al disco, y a finales de noviembre hemos estrenado nuestro segundo videoclip. Entre tanto, en septiembre grabamos nuestro concierto en directo sin público para el festival Gran Rockea en streaming, y a finales de octubre grabamos otro concierto en directo, sin público también, para nuestra segunda participación en el Kriminal Fest. Con lo cual, un disco, un lyric video, dos videoclips y dos grabaciones en directo es para estar contento con la dinámica y actividad de la banda”.

¡Muchas gracias por vuestro tiempo! Como siempre, aquí tenéis unas líneas para dirigiros a nuestros lectores.

“Pues queremos mostrar nuestro agradecimiento a todos nuestros seguidores y mostrarles con nuestro trabajo diario que la banda, en cuanto las condiciones sanitarias sean favorables, programaremos una pequeña gira de conciertos para poder llevar nuestro directo. También queremos agradecer de forma especial a nuestro Club de Fans Oficial que tanto apoyo nos está dando, también a nuestra emisaria en tierras lusas, nuestra amiga Rosa Soares, que tanto y tan bien está haciendo por la banda. A todos, ¡gracias y cuídense!”.

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Notable logro el que se ha apuntado al casillero el cantante y guitarrista de Anvil al asegurar que él es el inventor del thrash y el speed metal. Esta atrevida afirmación de Steve “Lips” Kudlow ha sido realizada en una entrevista que el artista canadiense ha concedido a The Metal Interview en la que se abordaba la labor que Anvil hizo en la música antes del boom de combos como Metallica, Anthrax o Slayer.

“Somos más viejos. ¿Qué más puedo decir? Soy dos o tres años más mayor que esos tíos. Fin de la historia. Yo estaba el primero en la línea”, comentaba entre risas Steve. “Alguien tuvo que hacerlo. Y vamos a afrontarlo: es un tipo de situación diferente. Nuestro batería, Robb Reiner, es un batería espectacular y especial, y muy inventivo e innovador. Así que cuando llegué con riffs que pensaba que sonaban como Deep Purple y él estaba tocando la batería a doble bombo para esta clase de riffs, esa fue la invención del speed metal. La gente nunca había escuchado eso”.

“Y esa es una innovación que se crea entre un guitarrista y un batería. Solo una combinación de eso podría hacer eso, no un guitarrista y un vocalista, sino un guitarrista y un batería. Eso es lo que va a crear ese tipo de música, porque cuanto más rápido tocas y más partes pones, menos importantes son las voces, y esa es básicamente la dirección que tomó el speed metal. Eso es por lo que prácticamente no hay melodía en el speed metal, porque no puedes, no hay tiempo para crear una melodía en los espacios que haces en las canciones. Y así todo va de la mano. Por lo que algunas nuestras cosas como “666”están casi vacías de melodía, pero ese es el estilo. Así es todo. Slayer escuchó eso y dijo: “Está bien, hagamos una banda alrededor de ese sonido”. La síncopa y las ideas que se expresaban en canciones como “Jackhammer” o incluso “March of the Crabs” se convirtieron en Metallica”, zanjaba Kudlow.

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La presente pandemia de coronavirus está trayendo de cabeza a Ozzy Osbourne, que en los últimos años no ha gozado de una salud precisamente fantástica. Y es que a sus casi 72 años y con un historial médico cuanto menos holgado, El príncipe de las tinieblas teme por su vida en caso de contraer la enfermedad que ha marcado 2020.

“Tengo enfisema, así que si cojo el coronavirus, estoy jodido. La cirugía me dejó completamente destrozado. Me rompí el cuello en un accidente de quad (ndr: suceso que data de 2003), y cuando eso curó me apretó la columna vertebral, así que me estaba sucediendo todo tipo de cosas raras. Estaba en el escenario, y de repente recibía una fuerte descarga en un lado de mi cuerpo. Entonces, una noche, hace 18 meses, fui al baño a oscuras y sencillamente me caí. Dije: “Sharon, estoy en el suelo”, y ella dijo: “¡Bueno, pues levántate!”. Pero no pude. Una vez tienes 70 años las compuertas se abren y todo va cuesta abajo. Eso sí, me he salido con la mía durante mucho tiempo”, ha reconocido sobre sus últimos años Ozzy ante GQ Magazine.

En esta misma charla el británico ha explicado que trata de mantenerse todo lo aislado posible por su bien: “Si salgo, uso mascarilla, pero no me gusta usar mascarilla, así que no salgo mucho. El productor de mi álbum (ndr: Andrew Watt, con quien Ozzy ya está trabajando en un nuevo álbum) contrajo el virus. Lo llamaba todos los días y me decía que no podía dormir, porque en cuanto se dormía dejaba de respirar. No es la misma persona ahora. Es como cualquier persona que haya tenido una experiencia cercana a la muerte: se ha vuelto un poco cuidadoso con la vida. Pero mis dos nietas lo cogieron, y no hubieras pensado que les pasaba nada malo. Simplemente les rebotó”.

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Para quienes no os conozcan, Adamantis se conforma por Javier Estrada (guitarra) y Evgeny Gromovoy (batería), de origen ruso, pero ambos pertenecientes a la escena heavymetalera underground madrileña. Terminan la agrupación, Jeff Stark (voz), Jeff Taft (guitarra) y Cody Pelchat (bajo), estadounidenses y todos afincados en Boston. ¿Nos podéis aclarar esta divertida locura? (risas)

(Ja) “Evgeny y yo nos conocimos en una quedada de españoles afincados en Boston. Empezamos a charlar y nos dimos cuenta de que habíamos vivido en la misma escena underground en Madrid a finales de los 90 principios de 2000, teníamos muchos conocidos en común pero nunca habíamos coincidido. A partir de ahí empezamos a tocar juntos y decidimos montar una banda de power metal. En ese mismo momento, Jeff y Ashley Caval (antigua cantante) estaban buscando gente para montar una banda con la misma idea, internet hizo su magia,  los astros convergieron y aquí estamos ahora. Hay que tener en cuenta que este género no es tan común en EEUU, así que encontrarnos fue de verdad una gran suerte”.

(E) “Crecí en los alrededores de Madrid (mi familia llegó a España cuando yo tenía 8 años), y aprendí de mi padre todo sobre AC/DC, Led Zepellin, el pelo largo como símbolo… Mi padre me compró mi primera batería cuando yo tenía como 14 o 15 años, me apunto a clases… Mi pasión musical se la debo a él. En los finales de los 90 y primeros 2000 yo solía ir mucho por los bajos de Argüelles, tocaba en unos cuantos grupos (uno de los primeros fue Wariag – en este grupo conocí al que sería luego el teclista de Javi en Thy Tempest), conservo un gran grupo de amigos metaleros de aquella época… Luego la vida me llevó a Boston, donde resido desde el 2011 por motivos de trabajo.  Pero el lobo, por mucho que le des de comer, siempre mira al bosque. Así que al llegar empecé a buscar garitos de metal, gente con la que juntarse para ir a conciertos, etc. Poco a poco fui conociendo la escena local, quién es quién, dónde están los locales de ensayo, dónde se hacen bolos…  piensa que ese tipo de cosas no vienen en las guías turísticas (risas). Cuando ahorré un poco me pille una batería, primero eléctrica, luego una acústica super cutre, tocaba por mi cuenta en el local de un colega… Justo entonces (hace ya como cerca de cinco años) conocí a Javi, y de ahí tiramos para adelante”.

¿Enriquece al sonido de la banda el que todos vosotros provengáis de lugares tan dispares?

(Ja) “Sin duda, aunque de forma más complicada de lo que podría parecer. El caso de Jeff Stark es bastante paradigmático, él se ha curtido en la escena de Seattle, su mentora es Pamela Moore (Sister Mary en el ‘Operation Mindcrime’ de Queensrÿche) y sus líneas de voz y su estilo tienen un sabor a Seattle muy claro. Jeff Taft, en cambio, tiene un estilo muy europeo, mientras diría que el mío es más americano, así que estamos un poco cambiados. Pero sin duda, la combinación de estilos y preferencias musicales de cada miembro de la banda es lo que crea el sonido de Adamantis. El sonido de este ‘Far Flung Realm’ no es intencional, la composición ha sido un proceso muy orgánico en el que cada uno ha aportado su granito de arena sin demasiadas restricciones, pero con esa base de heavy metal clásico compartida por todos”.

(E) “Mi influencia principal es Thomen ‘The Omen’ Stauch (quien también es mi actual instructor), y creo que eso contribuye a que sonemos bastante europeos. Trato de darle muy duro pero con mucho cuidado de apoyar las melodías y meter tanto fill de timbales como sea posible (risas). La combinación de todas nuestras dispares influencias es clave, creo que nos complementamos muy bien. Y quiero destacar en particular que el sonido de la batería en este disco es fenomenal  – en gran medida gracias los consejos expertos de Thomen (por ejemplo, él ha insistido en que me usara dos bombos para la grabación porque la resonancia de cada golpe de pedal dura el doble), y de nuestro productor, Christian “Moschus” Moos, amigo de Thomen y él mismo un baterista fenomenal. La batería suena grande, orgánica y con pegada natural. Mención especial merece Steve Aliperta, de Kennedy Studios, el ingeniero que grabó la batería. Él ha conseguido que sacáramos de un sonido de profesional con un presupuesto limitado”.

Este se puede decir que es vuestro primer trabajo, ya que anteriormente editasteis un Ep, además, con otra formación. ¿Dónde y con quién lo habéis grabado? ¿Os ha limitado a la hora de componer o grabar la maldita pandemia que azota el planeta?

(Ja) “Como dice Evgeny, las baterías y las voces las grabamos en los Kennedy Studios de Steve Aliperta, en Burlington, cerca de Boston. Las guitarras y el bajo están todas grabadas en línea, esto compromete un poco el sonido (aunque cada vez sea menos la diferencia entre ampli analógico o reamplificación digital) pero nos ha permitido grabar en casa tranquilamente, sin la presión de estar pagando horas de estudio, lo que nos ha dado mucho más margen a la hora de hacer arreglos, solos y demás. Dato de Trivial: las guitarras rítmicas las grabamos en el sótano de Evgeny en el invierno-primavera de 2020. Evgeny se solía poner una piel de oveja islandesa cuando hacía frío en el sótano, y de ahí que llamáramos su sótano ‘The Jarl’s Hall’ – y eso aparece en el folleto y en nuestra página de Spotify. Tener a Cody Pelchat (bajo) en la banda ha sido clave en el proceso, ya que es ingeniero de sonido de formación, supervisó la grabación de las guitarras, su edición, se encargó de hacer las premezclas… La mezcla final se ha hecho en Alemania, en los Spacelab Mixing Service de Christian ‘Moschus’ Moos, productor de bandas como Haken o Delain. Creo que nuestro álbum es un muy buen ejemplo de que, con la tecnología actual, una banda puede autoproducirse su música con resultados profesionales, haciendo uso de herramientas y servicios en varios países. En cuanto a la pandemia, nos retrasó la grabación de las voces, que tuvieron que esperar a que amainara la primera ola, pero conseguimos seguir progresando en el álbum a pesar de ella”.



¿Cómo están las cosas, por cierto, por allí por Boston y en Estados Unidos en general?

(J) “Convulsas, un poco como en todas partes. Todo recuerda demasiado a la película ‘Idiocracia’, de Mike Judge, en la que se representa un futuro distópico en la que el mundo está dominado por una propaganda y una estupidez galopantes. Mientras escribo estas líneas compruebo ansioso si ya ha acabado el recuento de votos en las elecciones americanas. Con un poco de suerte las cosas estarán mejor cuando se publique esta entrevista”.

(E) “Sí, a estas horas todos estamos pendientes de unos miles de votos que puedan poner fin al reino de este subnormal. Yo no comparto muchas de las ideas de Joe, pero al lado de Trump, es un santo. Aquí en Boston casi nadie apoya a Trump. Boston es una ciudad universitaria, y por tanto tiene muchísimo vigor intelectual, a todos los niveles, desde el académico más puro hasta el underground artístico y literario. Muchas de las corrientes intelectuales locales tienen vocación política de izquierdas. Nueva Inglaterra en general es una región muy educada, y tiene mucha tradición cultural. Al fin y al cabo aquí vivieron y escribieron H.D. Thoreau, E.A. Poe, H.P. Lovecraft entre muchos otros autores de nivel mundial. Tiene poco que ver con la América que pinta Mike Judge”.

El tema “Puppeteers Bane” rezuma Running Wild por los cuatro costados, ¿estáis de acuerdo con la afirmación o es mera casualidad?

(Je) “Aunque todos somos grandes fans de Running Wild y el riff inicial a semicorcheas puede claramente ser un riff de su estilo, ¡no lo tengo tan claro respecto al resto de la canción! El objetivo principal era intentar evocar la atmósfera de bandas con un sonido más “folk”, tipo Falconer, y eso es lo que se escucha en el puente antes del estribillo y, más marcadamente, en el propio estribillo. En todo caso, es un honor ser comparados con una banda tan grande e influyente”.

En vuestro sonido descubrimos la perfecta combinación entre el power metal europeo y el power metal norteamericano. ¿Qué diferencias existen entre ambos?

(Je) “La respuesta a esta pregunta tiene mucho debate, pero desde mi perspectiva, las bandas originales que llamamos ‘power metal norteamericano’, esas bandas como Riot, Jag Panzer, Liege Lord, Helstar, etc. tienen más en común con el heavy clásico pero han evolucionado con una versión más agresiva de ese sonido, mientras que en el power metal europeo, hay un énfasis cada vez mayor en estribillos pegadizos, una velocidad generalmente más alta y más presencia de elementos de teclado y orquestales”.

En el fantástico corte, “Oracles Prophecy”, colabora la gran Elisa C. Martin, ¿cómo se gestó tal colaboración? ¿En qué proyectos anda enfrascada?

(E) “Pues la colaboración surgió a raíz de una versión que ideamos yo junto con mi amigo Tino Hevia (Reveal, ex-Northwind, ex-DarkSun) justo al comienzo de la pandemia. La canción es “Mordred’s Song” (Blind Guardian). Elisa trabajo con nosotros en esta cover, y luego yo la invité a colaborar. Elisa se prestó encantada, y el resultado es fantástico. Yo creo que es el tema que más me gusta del álbum después de “Misbegotten Dream””.

¿Se están llevando a cabo conciertos y actuaciones en directo en Estados Unidos? Si es así, nos podéis hacer llegar alguna recomendación. Aquí toda la escena artística está prácticamente paralizada.

(E) “Ahora mismo la escena en Estados Unidos está prácticamente paralizada. Y visto cómo avanzan los números de infectados, no parece que se vaya a recuperar la normalidad en los próximos meses. Así que los músicos nos estamos centrando en utilizar las plataformas de internet para mantener el contacto con los fans. YouTube, conciertos en streaming, eso va a ser el principal medio por ahora. Pero hay que cuidar mucho la situación. Nosotros, por ejemplo, apenas quedamos para ensayar para evitar riesgos, trabajamos mucho desde casa. Las herramientas digitales e internet permiten que continuemos creando contenido a pesar de las barreras sociales. Pero por esto mismo, el apoyo del trabajo de los músicos a través de herramientas como Bandcamp es más crucial ahora que nunca. Los conciertos no son una opción para recuperar costes de producción, así que la venta de merch y producto físico es la única manera que nos queda para poder recuperar la inversión”.

Cuando la situación internacional vuelva a la normalidad, ¿tendremos la oportunidad de veros por nuestro país?

(E) “Estaríamos encantados de girar por Europa o visitar España en la temporada de festivales. Pero hoy por hoy es muy difícil planear ese tipo de eventos”.

Para ir terminando, ¿de quién es la vistosa, colorida y original portada del álbum? ¿Cómo podemos hacernos con una copia del mismo desde España?

(E) “Por ahora todos los discos los estamos vendiendo desde nuestra cuenta de Bandcamp. Estamos en conversaciones con varios sellos europeos para una posible reedición licenciada así como para un contrato discográfico que cubra nuestro siguiente trabajo, pero aún no os podemos dar más detalles. Aun así, lo mejor es que nos apoyéis directamente comprando el CD desde la página de Bandcamp. En cuanto a nuestra portada, es obra de Piotr ‘Kaeshin’ Bednarczuk, un tipo que trabaja para compañías de videojuegos y que tiene mucho talento”.

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Nuestro colega El Pirata, referente histórico de periodismo musical en nuestro país (especialmente en la materia del rock y el metal) ha sido galardonado con el Premio Antena de Oro, reconocimiento recibido por su labor al frente de ‘El Pirata y su banda’, uno de los espacios más destacados de la parrilla de Rock FM y que lleva desde 2012 al pie del cañón. Muchos más años lleva El Pirata llevando nuestra música preferida a las ondas, logrando haberse convertido en un icono inconfundible del género en nuestro país.

Juan Pablo Ordúñez (nombre real del locutor y productor musical natural de Talavera de la Reina) ha agradecido ser honrado con dicho premio: “Me enorgullece que un jurado tan plural se hayan puesto de acuerdo para concederme este reconocimiento, sólo espero que no tarden otros 50 años en dárselo a alguien que se dedique a la radio rock”. Algunos de los otros ganadores de esta edición han sido los periodistas Juan Ramón Lucas, Dieter Brandau, Ana Rosa Quintana o Vicente Vallés.

El Pirata nunca falta a su cita con La Heavy, y este mes se ha pasado por nuestras oficinas para hacerse con el número 426 y de paso, vía vídeo,  invitaros a todos los que no os hayáis hecho con él a que corráis a vuestro quiosco más cercano, donde la encontraréis por tan solo 4 euros.



Jinjer (protagonizando su portada Tatiana Shmaylyuk), Doro, Visions of Atlantis o Draconian son algunas de las protagonistas del especial mujeres del metal que encontrarás en esta revista, que también cuenta entre sus páginas con nombres como los de AC/DC, Eddie Van Halen, Motörhead, La Polla Records, Sodom o Alter Bridge. Puedes conseguir también La Heavy 426 en nuestra tienda online.

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El cantante de AC/DC ha remarcado el deseo de su banda de poder defender en directo el recientemente publicado ‘Power Up’. Por motivos evidentes, los planes de futuro de la banda australiana (así como los de todo trabajador de la industria de los espectáculos en directo) son aún una incógnita, si bien Brian Johnson se niega a tener que renegar ya de no poder presentar en directo este nuevo disco del grupo.

Esta ha sido una de las reflexiones que el vocalista británico ha realizado en un vídeo dirigido expresamente a los fans de AC/DC y en el que precisamente arranca agradeciendo a los mismos haber hecho de ‘Power Up’ un disco de oro y nº1 en ventas tanto en España como en otros 15 países. “Queríamos hacer sentir orgulloso a Malcolm, y vosotros nos habéis hecho sentirnos orgullosos”, también confiesa Brian. En cuanto a los planes de AC/DC en directo, Johnson señala que “cuando toda esta mierda termine, queremos veros en vuestras ciudades. Lo intentaremos todo para tocar estas grandes canciones para vosotros. Hasta entonces, quiero que os mantengáis a salvo. Las cosas de alrededor están siendo duras, y esperamos haceros sonreír durante una o dos horas”.



En este mismo comunicado el vocalista desvelaba que AC/DC se va a animar a grabar un vídeo de una de las canciones de su nuevo plástico de forma virtual, es decir, contactando sus integrantes a través de una plataforma de videollamada (siguiendo el formato que numerosos grupos han empleado durante la presente pandemia). Estaremos muy atentos a los próximo movimientos de Brian y compañía.

No paséis por alto que que AC/DC forma parte de La Heavy 426 gracias al análisis en profundidad que realizamos en esta revista de ‘Power Up’. El número 426 de La Heavy incluye del mismo modo el especial mujeres del metal, del que forman parte Jinjer, Doro, Visions of Atlantis o Draconian entre otras bandas. También Eddie Van Halen, Motörhead, La Polla Records, Sodom, Alter Bridge, Dark Tranquillity o Tyler Bryant & the Shakedown forman parte de la revista. La Heavy 426 sigue en todos quioscos por 4 euros y en nuestra tienda virtual. ¡Hazte ya con ella si aún no la tienes!

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Brunhilde publica el vídeo de “Where Are You Going?”, su nuevo single

Brunhilde no ha querido cerrar este 2020 sin deleitarnos con una nueva canción una vez puesto en la calle el EP ‘Choir Boy’ hace unos meses. Ahora, la banda de rock alemana ha lazado el single “Where Are You Going?” acompañado de su respectivo videoclip. ¡Os lo dejamos aquí!

Os recordamos que este verano tuvimos la oportunidad de hablar con Carolin Loy, vocalista de Brunhilde. Haz click aquí para leer esta entrevista.

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Scarecrow Avenue versiona “Imagine” de Hamlet

La banda de metal natural de Cartagena ha presentado la cover que sus miembros han realizado del tema “Imagine”, original de Hamlet e incluido en el disco ‘Syberia’ de los madrileños y, en palabras de Scarecrow Avenue, “referentes musicales a todos los niveles para nosotros”. ¡Disfrutad de esta versión!

Este videoclip ha sido dirigido y producido por Willi Palazón, mientras que la mezcla del corte ha corrido a cuenta de Guiye Gods. Por otra parte, os invitamos a escuchar “Titán”, “Siglo XXI”, “Dragón” y “Soma”, adelantos del próximo disco de Scarecrow Avenue, ‘Ártico’.

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i-Land estrena “Just an Illusion”, adelanto de ‘Unplugged’

Nuevo single de ‘Unplugged’, el siguiente álbum de i-Land que verá la luz próximamente y del que ya hemos tenido la oportunidad de escuchar los cortes “Just Another Try” y “Voices”. Para esta ocasión, el combo que se mueve por el terreno del rock americano ha decidido lanzar “Just an Illusion”. ¡Escuchadlo a continuación!

Continuaremos pendientes de la actualidad del cantante Fasur Rodríguez, el guitarrista Leo Zanello, el bajista Juanka Trujillo y el batería Miguel Zigarán a la espera de más información de este próximo disco.

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Cives anuncia show en la Sala Vesta de Madrid

Tras la buena acogida que el tema “Dinamita” (adelanto del próximo disco de Cives de nombre ‘10000 veces mejor’) ha obtenido, la banda de rock alternativo natural de Madrid ha anunciado que el próximo días 12 de diciembre tocará en la Sala Vesta de la capital. Este es el vídeo con el que sus miembros han invitado a los fans de Cives a acudir.

Este show de presentación del mencionado ‘10000 veces mejor’ arrancará a las 18:30h. El único lote de seis entradas que queda aún a la venta puede adquirirse haciendo click aquí.

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4 de Copas pone en funcionamiento la preventa de ‘A fuego’, su nuevo disco

Este 5 de diciembre verá la luz ‘A fuego’, el nuevo esfuerzo de estudio de 4 de Copas, aunque los fans más acérrimos del combo de rock cántabro pueden reservar su copia a través de este enlace ya, donde no sólo se encuentra disponible la preventa, sino también merchandising del mencionado álbum.

El pasado mes de septiembre el grupo lanzaba el videoclip del adelanto “Prefiero Cantar”, en el que colaboran Kutxí y ‘Kolibrí’, cantante y guitarrista respectivamente de Marea.

Recordamos que ‘A fuego’, sexto disco de estudio de 4 de Copas,  verá la luz de la mano de Rock Estatal Records, y su productor musical será el propio ‘Kolibrí’.

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Ante una amenaza como a la que estamos haciendo frente, todos los efectivos en contra del coronavirus son determinantes. Desde material higiénico-sanitario hasta las ansiadas vacunas, pasando por líderes de opinión que conciencien a sus seguidores del correcto uso de las medidas de seguridad y seguimiento de los protocolos. Jon Bon Jovi y Bruce Springsteen, dos de las mayores estrellas del rock en Estados Unidos, han hecho eso precisamente.

Los dos artistas de Nueva Jersey han participado en una campaña de New Jersey Pandemic Relief Fund junto al cómico y actor Jon Stewart apareciendo en numerosos paneles publicitarios con el eslogan “¡Ponte la condenada mascarilla!”. “Acompañado de amigos de New Jersey para animar a todos esta época de fiestas a llevar la condenada mascarilla. Vamos a unir esfuerzos para volver a hacer lo que mejor hacemos: cantar solos y bailar juntos”, ha afirmado vía Twitter The Boss.

Esta no es la primera vez que Bon Jovi y Bruce Springsteen han arrimado el hombro para apoyar a su comunidad. El pasado mes de abril ambos participaban en Jersey 4 Jersey, evento online para recaudar fondos contra el coronavirus. Jon, por su parte, también colaboró en verano con el chef José Andrés con fines solidarios.

PARA LEER MÁS:

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• Jon Bon Jovi, Mick Jagger, Gene Simmons y Paul Stanley (Kiss), Brian May (Queen) y Ted Nugent reaccionan a la victoria de Joe Biden en las elecciones de Estados Unidos
• Richie Sambora, abierto a regresar a Bon Jovi: “No tengo malicia hacia la banda”

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Será el 29 de enero cuando vea la luz de la mano de Nuclear Blast ‘Immortal’, el nuevo disco de Michael Schenker Group con el que el legendario guitarrista celebrará, además, 50 años de trayectoria. Una vez hemos disfrutado del lyric video de “Drilled to Kill”, en el que, por cierto, participa Ralf Scheepers, cantante de Primal Fear), ahora Michael Schenker ha analizado cómo se llevó a cabo el proceso de grabación del mencionado álbum en el primer tráiler publicado del mismo. Os dejamos con sus declaraciones:

Cabe destacar que ‘Immortal’ se tratará del primer disco de MSG en el que la banda cuente con Ronnie Romero (vocalista de Rainbow y Lords of Black) como cantante principal. El propio artista chileno nos habló de su ingreso a la banda a su paso por la edición de Musicolandia, dirigida por Mariskal Romero, del pasado 20 de octubre. Os volvemos a dejar el podcast de aquel encuentro:

Tomad nota también del listado de canciones que incluirá el plástico en cuestión, cuya preventa ya se encuentra activa haciendo click aquí.

01. Drilled To Kill
02. Don’t Die On Me Now
03. Knight Of The Dead
04. After The Rain
05. Devil’s Daughter
06. Sail The Darkness
07. The Queen Of Thorns And Roses
08. Come On Over
09. Sangria Morte
10. In Search Of The Peace Of Mind

Os recordamos al mismo tiempo que MariskalRock fue uno de los medios que tuvo la oportunidad de estar en la preescucha vía streaming de ‘Inmortal’ en la que el propio Michael nos recibió. Si quieres saber qué comentó entonces el alemán de este inminente trabajo, entonces haz click aquí.

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¿Qué supone para la banda la edición del nuevo EP, ‘Un nuevo mundo’? ¿Puede ser la confirmación del cambio de rumbo con respecto a los inicios musicales de Rabia Pérez?

(G) “Desde luego que se puede decir que hemos dado un giro de 180 grados en comparación con el primer disco. Cuando hicimos ‘Rabia Pérez’ en 2014 estábamos en pañales prácticamente… y la forma que teníamos de ver la música era diferente, pero yo tengo la filosofía de que siempre hay que hacer las cosas mejor. No digo que este EP sea el mejor, ni mucho menos, pero siempre me gusta fijarme metas, y creo que superar ‘Un nuevo mundo’ es una tarea difícil de hacer, pero necesaria. No creo que variemos mucho de estilo, seguiremos haciendo metal alternativo y metalcore, nos gusta y creo que es un camino acertado para la banda y la filosofía que tenemos”.

(M) “Definitivamente. Es una declaración de intenciones, en la que el resto de la banda hemos metido más mano con respecto a discos anteriores”.

(X) “Es una evolución, somos perfeccionistas en lo que queremos, y en este EP nos hemos encontrado. Cada trabajo es diferente, y en este caso estamos muy de cerca tanto en estilo como en sonido”.

(F) “Es el rumbo que queríamos, y piensan mejor cuatro cabezas (y qué cabezas) que dos”.

¿Por qué publicar un EP y no un álbum completo? ¿Terminasteis de conformarlo y darle forma en pleno confinamiento, verdad? ¿Cómo fue la experiencia?

(F) “Queríamos otra vez algo concentrado e inciso. Siempre vemos cómo de un disco entero en su mayoría se escuchan solo cuatro o cinco temas sobre todo. Nos gustó hacer hincapié en solo seis temas y centrarnos en ellos totalmente. No descartamos hacerlo diferente en un futuro, pero nos tira mucho esta forma de trabajar. Solamente en la endemia le dimos forma al orden de cómo iban a ir las canciones en el EP, y claro, Gaby la portada, que se hizo un currazo. Ni te cuento el trabajazo de Alex Cappa con la masterización, y cómo no, Lolo Outeda, de Promio Films, en el video lyric. El EP se grabó a finales de diciembre  y primeros de enero”.



El título del plástico, “Un nuevo mundo”, ¿fue ideado durante la pandemia o fue honestamente premonitorio? Del mismo modo, ¿de qué trata el corte, “Nada será igual”?

(F) “No, qué va, no fue premonitorio. Los temas estaban con forma prácticamente desde el verano de 2019. De hecho, “Un nuevo mundo” estaba compuesta en 2008 (pero es nuestra realidad). Con respecto a “Nada será igual” es un tema muy especial en el que se plasma cómo te cambia la vida de un minuto a otro. Sus consecuencias están en “Los pájaros”, que depende de si superas o no esa situación. Con “Inmortal” es la crítica de cuando los que nos rodean interpretan a su manera, desde su punto de vista, claro está, los momentos anteriormente mencionados. “Sueño virtual” plasma ese engaño, esa vida paralela y contraria que también genera una tremenda adicción, en la que no queremos ni ver,ni mostrar nuestra realidad, y por último “Rabia”, que es la que arranca el EP, es eso, la rabia de todas estas situaciones, de echarle espaldas, aguantarte, callarte y controlarte. Todos los temas de este EP sí están enlazados, tal vez por eso da la sensación de que es premonitorio, y lo único que se cambió es que no teníamos intención de haberlo lanzado en abril. Teníamos otras intenciones, pero la vida nos ha cambiado a todos y la situación de la pandemia nos ha hecho improvisar”.

Fátima, ¿cómo te sientes al incluir en alguna de las canciones voces guturales? Al inicio de tu carrera no era habitual, ¿a qué se debió la incursión de dichas voces extremas?

(F) “Es el estilo que más me gusta de escuchar, y en lo melódico también me tira más las voces graves que las agudas (que no significa que sea mi estilo a la hora de interpretar y exponerme), en este caso Mau Madalig me echa un gran cable en estudio y en directo, y creo que entre los dos llegará a empastar bastante bien el aire que le queremos dar. Con respecto al comentario de que no era lo habitual al inicio es cierto, pero sí fui incluyendo algunas voces así en algún directo con los primeros temas, pero me recalco, solo lo hice en directo y con temas que si eran propensos a ello”.

La labor de composición recae sobre la figura de Fátima, ¿el resto de la banda aporta algo en el proceso de creación o son meros ejecutores?

(G) “Esta vez no tiene nada que ver con nuestro primer disco, en el que sí fue Fátima la que compuso casi todas las canciones. Esta vez aparte de que Faty ha compuesto las letras de todo el disco y los sintetizadores, por mi parte “Un nuevo mundo” que ya la tenía compuesta desde el 2008 “Sueño Virtual” e “Inmortal” son las canciones que he presentado a la banda para incluir en este EP, y por otro lado “Rabia”, “Nada será igual” y “Los pájaros”, que las ha compuesto Mau Nadalig. Tengo que decir que el tema “Inmortal” prácticamente está compuesto musicalmente por los dos, y eso me encanta, hasta la fecha, todos los temas los había compuesto o arreglado yo en su totalidad y la incursión de Mau en este tema ha sido simplemente asombrosa. Por parte de Xavi, los bajos de este disco no tienen nada que ver con los anteriores trabajos, él ha aportado personalidad y mucha fuerza al disco con su composición en las líneas de bajos. En resumidas cuentas, creo que al haber aportado todos nuestra percepción del sonido este disco ha quedado más enriquecido que los anteriores”.

(M) “Nos alegra que nos preguntéis esto. En este EP Fátima ha tenido un papel protagonista en su campo, el vocal, y en los teclados y atmósferas, yo tuve el placer de grabar los guturales y algún coro. En lo que respecta al ámbito instrumental, Gabi y yo nos hemos encargado de ello, teniendo evidentemente en cuenta a Xavi, que ha sido el encargado de componer las líneas de bajo de todos los temas”.

(X) “En mi caso traté de unificarme e integrarme con la banda desde el minuto cero, ser uno más en todos los sentidos. No es solo seguir la línea de bajos simplemente con las guitarras, sino de dar mi propia personalidad y añadirla a los temas.  Como ya digo, no es seguir la línea y ya está, creo que es algo más, y esta vez la banda quería dar mucha importancia al bajo. Puse mucho énfasis para darle pegada junto al bombo con la batería, son temas muy melódicos y quería que tuvieran mucha fuerza”.

(F) “Esta es la mía, me encantan este tipo de preguntas y que se vaya apreciando la importancia de todos en la banda. Cada uno tenemos nuestra función y cada vez la definimos más. Gabi en este caso también compuso las baterías con la ayuda de Xavi, que como ya os habéis dado cuenta le damos mucha importancia a la personalidad que tiene el bajo en este EP. Qué decir de las melodías y técnica de Mau y Gabi en las guitarras,  y eso es lo que me permite a mí tener mucho juego con las letras,  melodías vocales y los sintes”.

¿Quién fue el diseñador y creador de la portada del EP? Es realmente vistosa. ¿Qué pretendéis transmitir con ella?

(G) “Me alegra que nos hagáis esta pregunta. Desde pequeño siempre me han llamado mucho la atención las portadas de los discos de Maiden, podía pasarme horas buscando detallitos y disfrutando de esos dibujos que “algo tienen”. En lo personal he buscado darle un aire parecido al ‘Powerslave’ de Iron Maiden, aunque intentando reflejar más o menos la temática de las canciones. Creo que la que más se nota es la de “Los pájaros” (risas). ¡Ojo! Solo tengo echa la portada, todavía me falta terminar el arte del disco completo, disco, contraportada…etc. Desde los inicios de la banda el encargado de hacer esta labor siempre ha recaído sobre mí, supongo que por el dominio de los programas de edición y por la facilidad que en cierto modo tengo para estas cosas. Nos encantaría poder contar con grandes profesionales para realizar el arte de nuestros discos, pero lamentablemente no hemos podido. Eso sí, tarde o temprano lo haremos. Además, al dar el paso en la transición de nuestro sonido también hemos decidido darle un toque más serio a las letras de la banda, más firmes y más legibles para el público”.

Por otro lado, con esta portada lo que intentamos ofrecerle al público es una imagen los más clara posible de lo que pueden llegar a escuchar con nuestro último EP, fuerza, personalidad y sobre todo la realidad de lo que nos rodea. El miedo, la destrucción de nuestro medio ambiente, el legado que estamos dejando a los que vendrán, la rabia de no poder hacer mucho más de lo que deberíamos y el cómo estamos atados a las nuevas tecnologías hasta tal punto de no poder separamos ni un minuto de ellas”.

¿Cómo se gestó la incorporación de Korpa (Fuck Divison) a la banda y qué aportará a su sonido?

(F) “Ha sido algo inesperado para tod@s, para nosotr@s mism@s e incluso Korpa, fue algo recíproco, mutuo por ambas partes. Nos va a llevar a esa brutalidad que siempre hemos querido interpretar, abarcaremos más, y sobre todo a nivel vocal creo que en este caso los dos vamos a aprender mucho el uno del otro, nos gusta eso, sorprendernos a nosotros mismos y crecer cada día más”.

¿Cómo se presenta el futuro de la banda a corto y medio plazo? ¿Posibilidades de algún concierto acorde con la “nueva normalidad”?

(M) “El futuro se presenta incierto para todo y para todos, y evidentemente esto incluye a Rabia Pérez. En el momento que vivimos hay que aprovechar para hacer una pequeña introspección, también, musicalmente hablando, porqué no. En la cuarentena pudimos comprobar que tenemos mucho que ofrecer si cosas habituales como trabajos y horarios nos dejan ‘respirar’, y pudisteis ver un buen despliegue de covers y actividad en redes en general, por lo que se puede sacar como conclusión que la nueva normalidad no nos sienta del todo mal, y por supuesto que hacer conciertos es viable, ya sea por streaming o, quizás en un futuro a medio o largo plazo (esperemos que a medio), hacer algún ‘conciertillo’ con público reducido, quién sabe”.

(X) “Pienso que esta vez puede ser una oportunidad (diferente claro) para nosotros, estar en movimiento es lo importante, de una forma u otra. Pienso como Mau, tenemos mucho que ofrecer, y aunque no sea de la forma que más nos gusta (que son los directos, por supuesto), nos tendremos que adaptar. Y cómo ofreceremos nuestra música está por ver, como haremos directos, como se nos permita con la situación que hay”.

(F) “El futuro no sé cómo va a ser, y eso me pone de los nervios, el cómo poder demostrar lo que sentimos, lo que queremos dar a nuestro público. Lo que si sé es que no vamos a parar, y, de una forma u otra, seguiremos con nuestra música y nuestros mensajes. El cómo, ni idea, pero pienso que no sobrevive el más fuerte, si no, el que mejor se adapta”.

Recordad que Rabia Pérez forma parte del reportaje que te trae La Heavy 426 sobre 10 bandas jóvenes con frontwoman y mucho talento. Jinjer, Doro,Visions of Atlantis, Draconian, AC/DC, EddieVanHalen, La Polla Records, Motörhead, Alter Bridge, Dark Tranquillity o Sodom son algunas de las demás bandas de las que podrás disfrutar en este número, disponible en el quiosco por 4 euros y en nuestra tienda virtual.

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