Metalfeed ES

El mejor rock y el mejor metal en todas sus vertientes y subgéneros reluce cada semana en la playlist más completa de Spotify, la que actualiza el equipo de La Heavy y MariskalRock con la actualidad más sonada muy presente pero sin dejar atrás ni los grandes clásicos ni el talento aún por descubrir de todas las partes del mundo.

Recuerda que puedes añadir a tu biblioteca la lista en Spotify para no perder detalle cada semana y seguir nuestro perfil en esta plataforma. De este modo, estaréis al corriente de nuestra actividad en la misma y tendréis constante acceso a esta playlist, así como al resto de listas que pueblan nuestro perfil oficial.

¡Tenemos mucha música para descubrirte y otra tanta que te traerá gratos recuerdos! ¿No sabes que ponerte? Deja que te lancemos una buena ristra de recomendaciones.

JUAN DESTROYER

1. “Still Waiting” – Sum 41: “Contrariamente al título de la canción, sus fans no han tenido que esperar mucho para saber si la gira de despedida de los canadienses tendría más conciertos en España, puesto que aún no habían puesto un pie aquí cuando se anunció que vuelven en noviembre: día 19 en Madrid (WiZink Center) y el 20 en Barcelona (Palau Sant Jordi). Tus entradas, aquí”.

2. “Galileo” – Nurcry: “Lo estrenamos en exclusiva en el programa “Rock Star” de Mariano Muniesa en MariskalRock Radio y ahora ya está en todas las plataformas el primer single de ‘Renacer’, tercer LP de la cada vez más popular agrupación de heavy metal del foro, que busca ampliar horizontes tras su fichaje por Art Gates Records”.

3. “17 palos” – Brava: “El cuarteto capitalino se ha convertido desde Aluche en una de las revelaciones del año en el rock español. Su música y sus pintas te transportan a un mercadillo en los años del cine quinqui. Algunos de ellos ni habrían nacido cuando cesó su actividad la cárcel de Carabanchel y vagos recuerdos tendrán de su demolición, pero salta a la legua que han mamado barrio desde la cuna. Esta es la última entrevista que hemos realizado a la banda, obra de Borja Díaz”.

4. “El arquero” – La Broma Negra: “Estupendo el trabajo de orquestación y de coral en el segundo adelanto del undécimo disco de estudio de la ecléctica y muy a menudo siniestra banda madrileña de rock. ‘Señor, perdónanos por lo que vamos a hacer’ llegará en otoño, cuando los días son cortos y las noches largas, buena época para reflexionar con letras como la de esta canción, que viene acompañada de videoclip”.

5. “Bombo sicario” – Ciclonautas con Kutxi Romero: “Pocos días transcurrirán entre la salida el 6 de septiembre de ‘Ciclogénesis Magnitud X’, su primer álbum en directo, y Ribaforada Rock Fest, la cita del 20 y 21 de ese mismo mes en que Ciclonautas es uno de los atractivos principales. También en el cartel, El Drogas, Koma, Lendakaris Muertos, Cobardes, Bocanada, La Gripe y Tú, Las Sexpeares, Baja California o Linaje, el grupo de Aarón Romero, el hijo de Kutxi”.

MARIANO  MUNIESA

6. “Love Is Strong” – The Rolling Stones: “En estos días no solamente se cumple el 30º aniversario de la edición de ‘Voodoo Lounge’, uno de los álbumes más exitosos de los Stones en la década de los 90, que les encumbró en América latina, especialmente en Argentina al girar por allí por primera vez. En breve se pondrá en circulación una reedición especial 30º aniversario con varios temas inéditos y material sumamente interesante para coleccionistas. Para ir abriendo boca, el que fue el primer single extraído de aquel gran disco”.

7. “Mind Games”- John Lennon: “Otra interesantísima reedición. Con infinidad de material inédito, memorabilia, libros y objetos de coleccionismo preciadísimos, se reedita en diversos formatos este clásico de John Lennon de 1973. La canción que daba título al disco sigue siendo una de las mejores y siempre merece la pena escucharla y/o redescubrirla”.

8. “The Pennyman” – Bad Marriage: “Esta nueva banda, cuya formación actual incluye al exguitarrista de Tesla Tommy Skeoch, ha lanzado un nuevo sencillo y un lyric video titulado “The Pennyman”. Producido, grabado, mezclado y masterizado por Mike Fitz, “The Pennyman” también presenta a Fitz como voz principal. Es un tema de hard rock duro, potente y desgarrado que nos hace augurar un gran futuro a este proyecto. La banda ha anunciado que se embarcará en una gira a partir de octubre compartiendo escenario con el exguitarrista de Whitesnake Adrian Vandenberg. También harán una actuación en el festival Monsters On The Mountain de este año, el 23 de agosto”.

9. “Fast As A Shark” – Destruction: “Los veteranos alemanes del thrash metal han lanzado una versión del clásico de Accept “Fast As A Shark” junto con un nuevo videoclip. La canción aparece en el vinilo de 12 pulgadas de edición en limitada ‘No Kings – No Masters’. El bajista y vocalista de Destruction, Schmier, afirma sobre “Fast As A Shark”: “Cuando esta canción salió en 1982, cambió nuestro mundo. Ahí estaba: ¡El primer himno alemán de speed metal! Todavía amo esta canción como el primer día que la escuché, así que finalmente versionarla fue un sueño hecho realidad””.

JASON CENADOR

10. “Almas encadenadas” – Charly Fernández: “El apasionado y apasionante rockero madrileño tiene ya en el horno su nuevo disco, del que el 26 de julio lanzará su primer single, “Mentiras”, si bien se estrenará en exclusiva este mismo martes 16 de julio en La Hora Argonauta, el programa que tengo el honor de presentar en MariskalRock Radio. Su voz intensa y rasgada y su perspectiva de redondez y emotividad en canciones aguerridas como esta, que daba título a su primer álbum lanzado en 2016, hacen de Charly Fernández un músico auténtico y con muchísimo que aportar. Seguirle la pista es imperativo”.

11. “Verano del 95” – Rulo y la Contrabanda: “Si Bryan Adams cantaba al verano del 69, este genio cántabro hacedor de canciones, que en su día despuntó al frente de La Fuga, hace lo propio con toneladas de nostalgia al verano del 95 en este auténtico himno de rock ágil, accesible y sincero. La letra es tan personal como contagiosa para una canción irresistible que estoy convencido de que será una de las que suenen en el show que el admirado y admirable Rulo ofrecerá junto a los suyos en la próxima edición del Extremúsica, que se celebrará en Cáceres entre el 26 y el 28 de septiembre con un cartel ecléctico en el que los amantes de lo eléctrico tendremos una generosa ración de grandes nombres. ¡Todos al Recinto Hípico!”

12. “The Usual Suspects” – The New Roses: “Entraron al cartel del Zurbarán Rock en el tiempo de descuento y terminaron ofreciendo uno de los conciertos más memorables de un festival que permanece fiel a sus principios y que volvió a ser glorioso, inenarrablemente divertido y agradable. El hard rock de los alemanes deslumbró en la primera jornada del festival gratuito de Burgos, que, con una organización estupenda, precios populares en barras y un elenco de artistazos deslumbrante, nos llenó de motivos para repetir una y mil veces más. Tendremos crónica en breve en MariskalRock.com. ¡Por muchos años Zurbarán!”

13. “Wherever I May Roam” – Metallica: “Todavía me estoy pellizcando para creerme lo glorioso que fue el concierto que cerró el histórico doblete que Metallica se marcó el pasado fin de semana en el Estadio Metropolitano de Madrid. Este fue uno de los muchos himnos que atronaron con una ejecución sublime y una intensidad apabullante por parte de los auténticos campeones del metal. ¡No te pierdas la crónica más detallada de la actuación de Metallica el domingo, recién alumbrada para hacerte revivir – o imaginar – una noche que jamás olvidaremos”.

PAU PEÑALVER

14. “Take The Night Off”- Sick Of It All: “El próximo 25 de julio los neoyorquinos tenían que visitar Barcelona para reventar el Razzmatazz, pero Lou Koller anunciaba la cancelación de todo el tour europeo por culpa de un tumor en el esófago. Si quieres ayudar al grupo con el tratamiento de esta lacra entra en este enlace”.

15. “eXistenZ” – Candy: “El futuro del hardcore y el metal pasa por sus manos. El pasado 7 de junio lanzaron su disco ‘It’s Inside You’ con el sello Relapse Records. Desde esta inicial y violenta canción te destrozan el hocico. Los medios extranjeros los ponen por las nubes y nosotros estamos flipando con ellos. Ahora te toca a ti”.

16. “Mirage”- Gel: “Neoyorquinos como Sick Of It All, Gel lanzaron su debut en 2023 y no han parado de salir en revistas especializadas. Han creado una escena nueva con grupos como Scowl, que revientan audiencias y salas donde van. El futuro del género más hardcore. Los vimos en el Primavera Sound de este año en la Ciudad Condal y nos encantaron”.

ALFREDO VILLAESCUSA

17. “Tear It Up” – Soror Dolorosa: “Desde hace unos años, estos franceses comandados por el enigmático vocalista Andy Julia nos vienen ofreciendo gloriosos ejemplos de que el rock gótico con fuste sigue muy vivo en pleno siglo XXI. En un territorio intermedio entre Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim y Joy Division parece moverse este genial adelanto que abrirá su próximo álbum, ‘Mond’, previsto para el 4 de octubre. Todo un himno dark cuya letra versa sobre la aceptación de los traumas infantiles y lo que podemos ganar a partir de ellos. Debería sonar hasta reventar en las más oscuras pistas de baile”.

JOSEP FLEITAS

18. “Future World” – Pretty Maids: “Acabados de llegar del Zurbarán Rock, un festival que se consolida entre los más destacados de la escena veraniega, en el que, durante los dos días de su edición, las tierras del Cid se han vestido de hard rock, heavy metal, thrash metal, celtic metal y algunos rasgos de A.O.R. e incluso alternativos, en una propuesta en la que más de diez mil fans hemos disfrutado de grandes bandas y, además, ¡de manera gratuita!

“Si no cuesta no vale”, es una frase de las que se acuñaban en el refranero popular, y parece que es cierto, ya que cuanto más cara es la entrada más se suele meter la cabeza bajo el agua, pero aún hay aguerridos fans de la música que saben hacer las cosas de una forma en la que demuestran que es posible distribuir el peso de los costes para que, tanto la organización como el ámbito musical del evento, sean alternativos al negocio y sus resultados sean más que satisfactorios. Algo que la gente del Zurbarán Rock tiene muy claro.

Hay que agradecer a gente como ellos la pasión, el esfuerzo, las ganas y el saber solventar el bache de las dificultades que, sin duda, en cada edición se les presentan, para ofrecernos un festival que ya empieza a calar extrafornteras. A ellos y a vosotros, los que desde vuestra pasión e ilusión seguís apoyando la escena, y a nosotros, los medios que, con ilusión, pasión, esfuerzo y mucho corazón seguimos trabajando, hoy quiero proponer este tema que sonó tan potente como los latidos de un gran vocalista que también sigue luchando por él mismo y seguir haciendo lo que más le gusta. Fue un emotivo placer comprobar que Ronnie Atkins está en una de las mejores formas de su carrera, así que, para él, para la gente del Zurbarán y para vosotros, este mítico, enervante y extraordinario “Future World”. Enjoy!”

LUIS VIVIANT

19. “Nubes” – Caifanes: “La banda mexicana Caifanes es considerada por la prensa especializada como uno de los grupos de rock alternativo más innovadores e influyentes del rock latinoamericano del siglo XX a pesar de tener dos etapas: una que va desde 1986 hasta 1995 y desde 2011 hasta hoy.

Caifanes surgió con fuerza desde la escena underground del rock mexicano, recibiendo el apoyo del público por la difusión de sus canciones a través de la campaña “Rock en tu idioma” a finales de los años ochenta. Hay que mencionar que la historia de Caifanes tuvo su origen en un anterior grupo que se llamó Las insólitas imágenes de Aurora, pero esto duró poco antes de rebautizarse como los conocemos, iniciando como cuarteto antes de quedarse definitivamente en quinteto.

El éxito de Caifanes radicó en la fusión de elementos de la música popular mexicana con estilos totalmente diferentes en el sonido como son el post-punk, la cumbia, el new wave o el rock gótico. Esto permitió no solo marcar la diferencia entre las bandas de aquel momento y hasta la actualidad, sino que fue aceptado por el público y se disparó su popularidad.

Así se define Caifanes: “La evolución y los cambios han sido parte de nuestra historia, siempre con renovadas fuerzas, pasión y entrega dentro y fuera del escenario, canción a canción, concierto a concierto”. Caifanes, con apenas cuatro álbumes de estudio, es una banda que va más allá de los lugares comunes, de las etiquetas comerciales y los estereotipos. Es un grupo con identidad propia que no solo es rock, sino mestizaje del alto vuelo que conquistó primero México y después Latinoamérica.

Desde estas líneas virtuales de Américas Rock te invito a escuchar “Nubes”, uno de los grandes temas de Caifanes, grupo que influenció y revolucionó el concepto del mestizaje en el rock no solo mexicano sino fuera de sus fronteras.

HERNÁN OSUNA

20. “Libre” – Alterhyde: “La banda chilena nominada para ser parte del Helsinki Metal Festival como parte del proyecto “Come To Latin America” conjuga un sonido cañero con pizcas de nu metal, hardcore, death metal en plan sonido Gotemburgo y groove. Imagina un metalcore rico en influencias, con ingredientes de Bring Me The Horizon, Architects, The Plot In You y más, acompañado con una bebida de buen pisco sour chileno. Bueno, ese pisco agradable al paladar es la música de este grupo, que encuentra en la canción que aquí presentamos un resumen de su interesantísimo sonido. Ponte los cascos y vibra alto con este quinteto oriundo de Santiago de Chile”.

La entrada Los 20 duros del 15/07 al 21/07: Metallica, The Rolling Stones, John Lennon, Sum 41, Destruction, Sick Of It All, Pretty Maids, Caifanes o Nurcry en nuestra playlist de rock y metal en Spotify se publicó primero en MariskalRock.com.

Ya tenemos a la vuelta de la esquina la celebración de la primera edición de La Serena Rock Festival, el evento que llegará este sábado, 20 de julio, al Auditorio Municipal de la extremeña localidad de Campanario, en la provincia de Badajoz, con un cartel en el que destacan en cabeza los nombres de dos aciertos seguros para los amantes del hard rock como los míticos Shalom y el gran tributo a Sangre Azul por parte de Alejandría.

Las entradas siguen a la venta a través de este enlace para un festival que nace con la idea de reunir a los mejores grupos de rock de la comarca con artistas consagrados y muy esperados en la zona. Para cumplir este plan cuentan desde Algeciras con Shalom, la banda fundada en 1987 que cosechó himnos para nuestro hard rock como “Cógeme”, “Noches”, “Buscando rollo” o “Qué es mejor”, que vuelve a recorrer los escenarios con el vocalista Sebastián Guerrero al frente (puedes leer aquí la entrevista con la banda); y el aclamado tributo a los legendarios Sangre Azul de Alejandría. Fran Vázquez, voz de Cherokee, lidera esta expedición en la que encontramos a Filteau a los teclados, Miguel Araujo y Sebastián Mato a las guitarras, Luis Bolívar al bajo y Pepetony a la batería, como nos comentó el vocalista en esta entrevista, además de la participación de José Antonio Martín, que fue uno de los guitarristas de Sangre Azul.

Siguiendo el plan del festival, el cartel se completa con el sonido desgarrador del rock urbano de los madrileños Niño Muñeco, con los que hemos tenido ocasión de hablar recientemente sobre este evento en esta entrevista; el potente rock de los extremeños The Buzzos, el tributo a Triana de Los Chicos de la Barbería desde Badajoz y el heavy metal de los también extremeños Peccata Nostra.

Que nadie olvide la inminente cita: 20 de julio en el Auditorio Municipal de Campanario (Badajoz) con Shalom, Alejandría, The Buzzos, Niño Muñeco, Los Chicos de la Barbería y Peccata Nostra. Las entradas se pueden conseguir en este enlace.

PARA LEER MÁS:

• Entrevista a Shalom antes de La Serena Rock Festival: “No me voy a bajar los pantalones ante el buenismo cultural”
• Entrevista a Niño Muñeco antes de La Serena Rock Festival: “Todos los conciertos nos los tomamos como si fuese el más importante”
• La Serena Rock Festival anuncia el cartel de su primera edición con el hard rock de Shalom y el tributo a Sangre Azul de Alejandría en cabeza

La entrada La Serena Rock Festival celebra esta semana su primera edición con el hard rock de Shalom y el tributo a Sangre Azul de Alejandría en cabeza se publicó primero en MariskalRock.com.

Stryper pone fecha de lanzamiento a ‘When We Were Kings’, su nuevo álbum

Todo un referente de la escena del heavy metal de los ochenta y del metal cristiano en particular, Stryper, ha puesto fecha al lanzamiento de su nuevo disco. ‘When We Were Kings’ verá la luz de manos de Frontiers Records el próximo 13 de septiembre.

“End of Days” fue su primer adelanto, que vio la luz a finales del pasado mes de junio, y su próximo single para seguir presentando el nuevo disco será “Loves Symphony”, quinto corte del álbum, que llegará el próximo 18 de julio.

Este será el tracklist del nuevo disco de los de Michael Sweet:

01. End Of Days
02. Unforgivable
03. When We Were Kings
04. Betrayed By Love
05. Loves Symphony
06. Trinity
07. Rhyme Of Time
08. Raptured
09. Grateful
10. Divided By Design
11. Imperfect World

Sobre el tema que abrirá la escucha y que fue primer adelanto, “End of Days”, la banda dejó este mensaje: “Es un tema heavy musical y líricamente. Tiene un sonido clásico con algunos giros modernos. Desde el punto de vista lírico, es probablemente el mensaje más adecuado para los tiempos que vivimos. En muchos sentidos, parece el fin de los tiempos. No sólo somos una nación dividida, somos un mundo dividido. Es hora de hacer las cosas bien”.

---

Wind Rose anuncia su nuevo disco, ‘Trollslayer’

El power metal de los italianos Wind Rose volverá a rugir con nuevos bríos el próximo 4 de octubre, fecha de lanzamiento que se ha fijado para ‘Trollslayer’, que verá la luz a través de Napalm Records.

“Rock and Stone” se ha presentado como adelanto del disco que tomará el testigo de ‘Warfront’, publicado en 2022, un corte de estilo medieval que se ha inspirado en el videojuego “Deep Rock Galactic”.

Sobre el primer adelanto, la banda deja este mensaje: “Enanos de todo el mundo, ¡Os hemos escuchado! Nos hemos asociado con ‘Deep Rock Galactic’ para lanzar nuestro nuevo single, “Rock and Stone”, ¡que será el himno definitivo del dwarf metal! Si no bailas “Rock and Stone”, ¡no volverás a casa!”

El nuevo disco lo definen como una combinación de lo mejor de sus anteriores trabajos: “Hemos pasado más de dos años trabajando en ‘Trollslayer’, una nueva ópera de dwarf metal que te entretendrá con rápidos riffs, cerveza y diversión. No sólo hemos mantenido todos los elementos clave del dwarf metal, sino que también hemos recuperado los ritmos rápidos típicos de nuestros álbumes anteriores .Tanto ‘Wintersaga’ como ‘Warfront’ han tenido un gran impacto entre nuestros fans, aunque tengan muchas diferencias de estilo. Con ‘Trollslayer’ unificamos todas las mejores características de ambos álbumes y estamos entregando lo que creemos que es la mejor experiencia de dwarf metal hasta el momento”.

Este será el tracklist del disco cuya reserva ya está disponible en este enlace:

01. Of Ice And Blood
02. Dance Of The Axes
03. The Great Feast Underground
04. Rock And Stone
05. To Be A Dwarf
06. Home Of The Twilight
07. Trollslayer
08. Legacy Of The Forge
09. No More Sorrow

---

Tregua presenta el single “Vivir”, adelanto de su nuevo disco

‘Lo urgente es vivir’, decían los gallegos Tregua en su disco de 2021, y ahora podemos tomar ese mismo título para recibir el nuevo single de la banda, “Vivir”, con el que siguen marcándonos el camino hacia el nuevo disco que tienen preparado.

Si el pasado mes de mayo se presentaba el single “Adicto”, ahora es “Vivir” el tema que se une a la promesa de que cada dos meses aproximadamente iremos conociendo más composiciones nuevas de las que nos tienen preparadas.

---

Adamantia anuncia la colaboración de Isra Ramos en su nuevo disco

El metal sinfónico de Adamantia contará con una colaboración especial en el nuevo álbum en el que ya están trabajando. Nada menos que Isra Ramos, el que fuera vocalista de Avalanch y del que hemos disfrutado también en proyectos como Gräce y Amadeüs estará en una de las nuevas canciones del grupo.

El que será cuarto trabajo de Adamantia, recogiendo el testigo de ‘Anhelos del alma’, sigue cobrando forma, y poco a poco nos irán llegando nuevos detalles de este proceso que será también protagonista en sus redes sociales.

---

Higgs anuncia concierto gratuito en Madrid

Solo unos días después de estrenar “Tipo duro”, el nuevo adelanto del disco ‘Tiempos duros’, los madrileños Higgs volverán a ofrecer una oportunidad de disfrutar de su música en directo.

Temas como este “Tipo duro” o el también nuevo “Solo palabras” se sumarán a los del álbum anterior, ‘Involución’, y algunas sorpresas más el próximo viernes, 19 de julio en el Kiosko Puente Viejo de la localidad madrileña de Talamanca del Jarama.

Junto a Higgs tendremos la actuación del tributo a AC/DC de Black Back Band en este concierto con entrada completamente gratuita, que comenzará a las 21:00.

---

Poire confirma su primer concierto en Madrid para celebrar su décimo aniversario

Recientemente, Poire reunía en el álbum ‘Under This Bridge of Clouds’ los cuatro EPs que este potente proyecto de metal progresivo fue publicando desde el pasado 2019. Este material, del que pudimos hablar con la banda en esta entrevista, será muy protagonista del concierto que se ha anunciado para el 2 de noviembre en la Sala La Caverna de Madrid.

Las entradas ya están a la venta en este enlace para el que será primer concierto en Madrid de la formación catalana, que llegará coincidiendo con la celebración de su décimo aniversario. Completando el cartel, tendremos acompañando a Poire a Bocangel.

 

La entrada Bolsa de noticias: Stryper – Wind Rose – Tregua – Adamantia – Higgs – Poire se publicó primero en MariskalRock.com.

La música tiene muchos ingredientes, especialmente cuando hablamos de rock y metal, unos géneros en los que se añade pasión y virtuosismo a los clásicos por definición de ritmo, melodía y armonía. Pero también tiene un importante peso matemático, y con tan solo unos pequeños ajustes un hábil guitarrista ha demostrado que solos de bandas tan diferentes entre sí como AC/DC y Dream Theater, Guns N’ Roses y Pantera, Black Sabbath y Weezer o Megadeth y Extreme encajan perfectamente sobre la progresión de acordes del clásico “Free Bird” de Lynyrd Skynyrd.

El responsable de este virtuoso divertimento ha sido el guitarrista y Youtuber Bradley Hall, que se ha dispuesto a llevar a la práctica lo que muchos guitarristas han pensado alguna vez, ya que el conocido tema es uno de los más habituales y agradecidos sobre los que lanzarse a improvisar. Un verdadero regalo rockero entre los muchos que nos hicieron los de Jacksonville.

En el vídeo que acompaña estas imágenes, encontramos a Bradley Hall interpretando sobre la base de “Free Bird” los solos, debidamente adaptados al tono requerido, del “Get the Funk Out” de Extreme, “Holy Wars” de Megadeth, “Shook Me All Night Long” de AC/DC, “Cowboys From Hell” de Pantera, “Paranoid” de Black Sabbath, “As I Am” de Dream Theater, “Nightrain” de Guns N’ Roses y “Buddy Holly” de Weezer

PARA LEER MÁS:

• La camaradería entre AC/DC y Lynyrd Skynyrd que nació a partir de una boda: “Cada noche terminaba con dolor de cuello”
• El célebre guitarrista americano de metal que agradece a Slash (Guns N’ Roses) haber dejado el alcohol: “Hizo que la sobriedad me pareciese guay”
• Lynyrd Skynyrd seguirá en activo pese a la muerte de Gary Rossington: vídeo del homenaje con Slash (Guns N’ Roses), Billy Gibbons (ZZ Top) o Paul Rodgers (Free, Bad Company)

La entrada Un guitarrista demuestra que solos de AC/DC, Guns N’ Roses, Pantera, Black Sabbath o Megadeth encajan perfectamente sobre “Free Bird” de Lynyrd Skynyrd se publicó primero en MariskalRock.com.

Tras un duro fin de semana de cuatro días sacudiendo las melenas un año más en otro demoledor Rock Fest, apetecía un cambio de onda con esta ecléctica formación fundada en 1993 por tres reputados productores musicales: Butch Vig, Steve Marker y Duke Erikson, a los que se unió la escocesa Shirley Manson en 1994, a pesar de unas desastrosas sesiones iniciales.

A mi llegada a la sala del Poble Nou, Lucia & the Best Boys ya estaban desgranando su álbum, ‘Burning Castles’ (2023), con la pieza de corte pop “Angels Cry Too”. Lucia Fairfull mostró su admiración y agradecimiento hacia unos auténticos iconos como son Garbage por la oportunidad de girar junto a ellos.

La vocalista presentó nuevo material que saldrá en septiembre, inspirado en las islas del norte de Escocia, donde han estado grabándolo. Primero mostró su excelente voz alcanzando notas bien altas en una atribulada “Picking Petals” acompañada por una pandereta. Finalizaron sus treinta minutos asignados con dos novedades más, “Forever Forget” y “Perfectly Untrue”, siendo ampliamente aplaudidos por el público presente, que cubría aproximadamente la mitad del aforo de la que fuera fábrica de los motores Huracán.

Con la Razzmatazz llena hasta arriba, se apagan las luces y las primeras palmas comenzaban de forma acompasada con las notas de “Happy Home” como intro, pero el rugido vocal se vuelve ensordecedor ante la proyección de una esfera naranja parpadeante que da paso a los gemidos que nos imbuyen al ritmo pausado de la obsesiva “#1 Crush”, desde el disco homónimo de Garbage en 1995, con un mar de móviles inundando la pista, haciendo harto difícil ver mínimamente el escenario.

Continuaron con un corte industrial, con sonido entre Nine Inch Nails y Depeche Mode, “Godhead”, de su último álbum. Curiosamente, hay una banda industrial con este mismo nombre afincada en Washington DC. Una especie de lector o escáner se proyecta en “I Think I’m Paranoid”, y de nuevo surgen un montón de móviles, y un notable seguimiento en los coros, llegando Shirley Manson a dirigir su micrófono hacia una audiencia entregada.

Era el turno ahora del pop más comercial con “Cherry Lips (Go Baby Go!)”, única pieza extraída de su ‘Beautiful Garbage’ (2001), con toda la pista saltando, convirtiéndose la sala de nuevo en aquella discoteca que fue a principios de este siglo XXI, la mítica A Saco. Shirley luce una especie de falda escocesa, no es un kilt auténtico, ya que tiene una abertura entre las piernas por donde circula el aire de los ventiladores.

Aunque el lleno es absoluto, con todo vendido, el ambiente es fresco y agradable. La de Edimburgo confiesa sentirse sobrepasada ante la respuesta y que no se esperaba tanta efusividad, a pesar de haber visitado en distintas ocasiones esta sala, recibiendo una estruendosa respuesta a cada uno de sus comentarios y declaraciones de amor hacia la ciudad y los presentes.

Redoble a cargo de Butch Vig antes de coros generales para cantar “Special” junto a Shirley, que se desplazó hasta uno de los extremos, fuera de escena, a estrechar manos de fans. Luces cegadoras para “The Men Who Rule the World”, un alegato contra la codicia por el dinero y el poder, apoyando al movimiento Me Too, y levantando el puño cuando el estribillo insta a odiar y destruir a los violadores.

Una canción contra las guerras y cualquier tipo de violencia es la mecánica “Metal Heart” acompañada por palmadas y unas chirriantes guitarras. Vuelta al pop rock con la correosa “Run Baby Run”, para pasar a la electrónica con la persistente “Hammering in My Head”, con Duke a los teclados, entre figuras vibratorias y oscilantes como fondo.

Shirley se remonta a los inicios, a 1995, para darse cuenta de lo vieja que es, al lado de la bajista Ginger Pooley, apellido de casada, porque en realidad es Reyes debido a sus ancestros peruanos, que estuvo durante tres años acompañando a The Smashing Pumpkins. Cantarán juntas el inicio de “The Creeps”, en la que compartirá también micrófono con Mark. Tras un nuevo discurso de la ahora rubia vocalista para presentar la relajada y reflexiva de ritmo sincopado “The Trick is to Keep Breathing”, inspirada en un libro de la también escocesa Janice Galloway.

Shirley vuelve a hablar largo y tendido sobre el siguiente corte, una canción que nos representa a todos, resumiendo, la que da título a su disco de 2005, la ambiental “Bleed Like Me” bañada en rojo tanto en las luces como en la pantalla. Retorno a la pista de baile con “Stupid Girl”, uno de los grandes hits de su primer disco, y que contiene trazas del “Train in Vain” de The Clash, durante la cual los móviles volvieron a ocupar el espacio visual, llegando a visionarlo a través del celular del vecino del frente, entre otros.

Nos atacan de nuevo con luces cegadoras para la siniestra “Wolves”, seguida por la que da título a su séptimo trabajo, editado en 2021, “Gods and Masters”, una canción fruto del paso de la cantante por la capital chilena durante la ola de protestas que se produjeron allá hace unos años, y con numerosas muertes entre la población civil.

Shirley nos presenta tras otro largo comentario la versión que vienen haciendo durante esta gira de Siouxie and The Banshies, y su “Cities in Dust”, enlazada con la vengativa “Vow”, acompañada por unas más que sincronizadas palmadas durante buena parte de ella.

Vamos con otro de los temas más comerciales y exitosos, que no es otro que “When I Grow Up”, con ese pegadizo y festivo interludio del “Ba bababa”, con tremenda ovación. Tras un nuevo discurso, ahora sobre la industria discográfica y las presiones para hacer música pop, la escocesa nos presenta al resto de la banda haciendo mención a sus diferentes personalidades, y dedicada especialmente a los chicos, cae “Why Do You Love Me”.

Con “Push It” los móviles vuelven a invadir el espacio común, mientras Shirley se arrodilla en diferentes ocasiones para cantar junto a una audiencia entregada, que finaliza con otra ovación cerrada. La banda desaparece de escena antes de volver al cabo de un par de minutos, durante los cuales se coreó con fuerza el clásico “oe oe oe oe”, con unas palabras de Butch, emocionado ante tal entusiasmo, para informar que ya están elaborando el octavo álbum, que estará para octubre, y que volverán a Barcelona seguro.

Dos últimas interpretaciones para finiquitar este fantástico concierto: la lúgubre y cadenciosa “Milk” y fin de fiesta con “Only Happy When It Rains”, no sin que previamente la vocalista eche otros tantos halagos hacia los fans, bajo la proyección de un cristal por el que se deslizan gotas de lluvia, y que fue cantada a pulmón, de principio a fin, mayormente por el amplio sector femenino presente en la sala, convirtiéndose en un gran karaoke.

Creo que no los veía desde su visita inicial en 1999, y quedé gratamente sorprendido del gran nivel que siguen destilando en todos los aspectos, aunque sí han perdido algo de fuerza en vivo sin la presencia de Eric Avery al bajo, de nuevo con Jane’s Addiction, un tipo bastante más activo en directo que Ginger Pooley, que permaneció anclada a la izquierda de Butch Vig, tal cual Ian Hill junto a sus Judas Priest.

Ante el sold out registrado, cabe esperar que en su próxima visita pasen a un local de mayor capacidad, aunque sea complicado, ya que sigue sin haber locales para dos o tres mil personas en el área barcelonesa, saltando ya, a los cinco mil del Sant Jordi Club. Complicado está.

La entrada Crónica de Garbage + Lucia & the Best Boys en Barcelona: Multitudinario y refrescante regreso se publicó primero en MariskalRock.com.

La importante labor de un productor no está solo en saber dar con la tecla que hará que un disco o una canción destaque sobre las miles de propuestas que salen cada día de los estudios, sino en saber dirigir todo el proceso para esa magia termine llegando. Eso es algo que ha demostrado tener un nuevo Rey Midas de la producción en el mundo del rock, que en cuestión de unos pocos años ha llegado a ponerse a las riendas de los nuevos discos de Ozzy Osbourne, The Rolling Stones, Pearl Jam o Iggy Pop entre otros. Un productor que ha señalado lo que no hay que hacer con las grandes estrellas del rock, porque si no, “los espantarás”.

Hablamos de Andrew Watt, cuyo golpe en la mesa del rock definitivo fue ‘Ordinary Man’ de Ozzy Osbourne, desde el que ha firmado obras como ‘Hackney Diamonds’, ‘Dark Matter’ o ‘Every Loser’. En una reciente entrevista con Los Angeles Times, Watt ha revelado su secreto sobre cómo tratar con las más grandes estrellas: “Estás ahí para producir. ¿De qué sirvo si sólo les digo que sí hasta la saciedad? Me quito de la cabeza con quién estoy trabajando. Si no, ¿cómo podrías hacer algo más que ser un fan en primera fila gritando? Si te pones en plan: “Oh, Dios mío”, los espantarás. No conseguirás lo mejor. Sólo serás un espectador”.

El productor continúa: “No estoy ahí para ser un mero espectador. Me tienen ahí porque les gusta mi oído y mi gusto. Si oigo algo que creo que podría ser mejor, o puede ser diferente, mi trabajo es sugerirlo. Y también saber que puede que se vuelvan hacia mí y me manden a la mierda”.

Watt asegura que no sabe qué es exactamente lo que le gusta a estos grandes nombres de su trabajo, pero pone sus resultados como carta de presentación: “No tengo ni puñetera idea. Tendrías que preguntárselo a ellos (risas). Creo que esta industria se basa en los resultados, especialmente mi trabajo. Lo que sale de los altavoces no miente. Así que me gustaría pensar que la respuesta más sencilla es que les gusta lo que oyen. Nosotros partimos de ahí”.

Como ejemplo de lo que busca en estas grandes bandas, Watt tenemos su respuesta a si prefiere lo espontáneo o lo muy pulido en el estudio: “Si hablamos de un grupo como Pearl Jam o los Rolling Stones, ¿quién quiere escuchar a esos grupos pulidos? Nadie. Son dos de las mejores bandas en directo de todos los tiempos. Grabémoslas en directo. Tengamos esa ventaja. Hay otros artistas con los que trabajo que no suenan tan crudos, que llevan más tiempo, que no se graban en directo. Va artista por artista”.

PARA LEER MÁS:

• El productor de los grandes discos de Metallica en los ochenta se sincera sobre su relación de amor-odio con “St. Anger”: “Suena como la peor maqueta que haya escuchado”
• El productor de Pearl Jam revela la influencia de Led Zeppelin en uno de los mayores clásicos de la banda
• Mötley Crüe entra en el estudio con su productor habitual para grabar nuevas canciones

La entrada El productor de Ozzy Osbourne o The Rolling Stones señala lo que nunca hay que hacer si trabajas con estrellas del rock: “Los espantarás” se publicó primero en MariskalRock.com.

Podría ser interesante tratar de establecer conexiones entre dos géneros aparentemente tan distanciados como el grunge y el metal industrial, pero un célebre representante de este potente sector metalero aparece en escena para confesarse gran admirador de Nirvana, hasta el límite de aparecer en la contraportada de un single de los de Kurt Cobain y en el icónico videoclip de “Smells Like Teen Spirit”.

Hablamos del que fuera vocalista de Fear Factory, banda imprescindible del sonido industrial, Burton C. Bell, que recientemente ha revelado uno de esos secretos que están a la vista de cualquiera pero que se han mantenido hasta ahora desapercibidos para el gran público. Una publicación en las redes del vocalista ha mostrado en detalle cómo este aparece en la portada del single de 7″ de “Sliver” y “Dive” junto a un relato de los hechos que le llevaron a estar presente en el concierto en el que se captó la imagen publicada en negativo en ese lanzamiento de unos Nirvana que ya destacaban en la escena underground.

“Me mudé a Los Ángeles en julio de 1989. Empecé a trabajar en Tower Video, en Sunset Blvd, en septiembre. Tenía 20 años”, comienza el relato de Bell. “Un compañero de trabajo, Scott, y yo nos hicimos buenos amigos porque hablábamos de la nueva música que se estaba creando en aquella época, incluido todo lo relacionado con Subpop, y a mí me encantaba. Al final me descubrió el álbum ‘Bleach’ de Nirvana. Ese álbum me cautivó de inmediato”.

La historia llega al punto clave: “El 15 de febrero de 1990, cuatro días antes de mi 21º cumpleaños, Nirvana tocaba en Raji’s, un antro en Hollywood Blvd.. Scott y yo nos colocamos muchísimo antes de entrar. Nos perdimos a la banda telonera, Distorted Pony, pero cuando terminaron, nos dirigimos a la parte delantera del pequeño escenario, que me llegaba a las rodillas. No había barrera y había unas cien personas. Por lo que recuerdo, fue un espectáculo increíble”.

Burton recuerda la sorpresa al verse en aquel artwork del grupo que le encantaba: “Subpop lanzó el single de “Sliver”, con la cara B “Dive” poco después de aquello. Lo sé porque, cuando estaba echando un vistazo al arte de la portada del single, la fotografía de la imagen en negativo de la parte posterior era de ese espectáculo de Raji, y allí estaba yo, justo delante, colocado alucinando con Nirvana y Kurt Cobain”.

La historia de cómo terminó formando parte del público que acompañaba a Nirvana en su mítica interpretación de “Smells Like Teen Spirit” en el vídeo que dio la vuelta al mundo entero nos lleva a la charla que el exvocalista de Fear Factory tuvo con MusicFrenzy: “Fui un gran fan de Nirvana durante mucho tiempo, y los vi un montón de veces en la gira de ‘Bleach’. Un amigo mío tocó en el disco ‘Nevermind’, tocaba el violonchelo en “Something In The Way”. Así que teníamos una copia de ese disco casi cinco meses antes de que saliera. Lo que pasó fue que, antes de que saliera el disco, dieron un concierto en Los Ángeles, en el Roxy, y después del concierto repartieron folletos que decían: ”Eh, ven a la grabación de nuestro vídeo”. Así que mi compañero de piso y yo cogimos el folleto con las indicaciones y fuimos al día siguiente. Lo que pasó en el vídeo ni siquiera tenía que haber pasado. El público se volvió loco”.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de Burton C. Bell (@burtoncbell_official)

PARA LEER MÁS:

• El complicado juicio a cuenta del logo de la cara sonriente de Nirvana llega a su fin con estas consecuencias
• Nuno Bettencourt (Extreme) sobre Dave Grohl: “Qué gran historia, el batería de una banda mainstream como Nirvana convertido en una auténtica estrella del rock”
• Una foto apunta a la reunión de Hole, la banda de Courtney Love, viuda de Kurt Cobain (Nirvana)

La entrada El célebre músico de metal industrial que aparece en la contraportada de un single de Nirvana y en el videoclip de “Smells Like Teen Spirit” se publicó primero en MariskalRock.com.

El colosal recinto lucía más bien semivacío cuando, procedentes de Boston, Ice Nine Kills presentaban ante nosotros sus credenciales para campeonar a futuro en la escena del metal internacional. Lo hacían sobre el escenario circular de Metallica, en el que no es difícil verse obligado a hacer un barrido visual exhaustivo para localizar la ubicación de cada músico. Creo que ganarían sobre un tablado más compacto, pero, no obstante, lograron sacar partido a la enorme superficie diáfana exprimiéndola para las diferentes performances basadas en películas de terror que aliñaban cada una de sus canciones en vivo.

La archiconocida sintonía de ‘Peaky Blinders’, ese temazo de Nick Cave & The Bad Seeds titulado “Red Right Hand”, resonó en el estadio mientras subían a escena para acometer una rotunda y eficaz “Savages” con la que pusieron sin dilaciones los puntos sobre las íes, dejando bien claro que no estaban ahí por casualidad.  Ya entonces, unos tipos con pintas no muy amigables portando motosierras completaban un espectáculo que, en lo estrictamente musical y pese a un sonido embarullado y con más eco de la cuenta, fue inapelable. En “Hip to Be Scared”, temazo inspirado en American Psycho y con cambios de ritmo que hacen de ella una auténtica montaña rusa de subidas agresivas y bajadas melódicas y candentes, el sólido vocalista Spencer Charnas la emprendió a hachazos con un pobre hombre cuya cabeza después expuso de trofeo y jugó al fútbol con ella. Aún quedaba para el partido, pero había que ir calentando.

Un pasaje circense dio paso a la muy coreable “Ex-Mortis”, basada en Posesión Infernal, en la que una habilidosa bailarina aparentemente poseída o con pintas de haber ingerido gambas en mal estado esquivaba con pericia los hachazos del cantante. Más extrema y groove resultó “Wurst Vacation”, en la que demostraron lo bien que se desenvuelven en terrenos de brutalidad desaforada, con especial hincapié en la eficacia con que Charnas alterna guturales y voces melódicas. Basada en Hostel, todo tipo de acontecimientos grotescos y sanguinarios fueron representados en escena. No era tiempo de cantar a los pajaritos.

Si en registros abrasivos desempeñan un papel indiscutible, no es menos cuanto toca levantar el pie del acelerador, y “A Grave Mistake” sonó impecable, emocionante y profunda, en contraste con la poderosa “Rainy Day”, en una onda de groove metal melódico contemporáneo americano perfectamente ejecutado. Sustentada en Resident Evil, en ella merece mención especial el tipo que corrió con velocidad por todo el escenario escapando de unos zombis con malas intenciones.

Tremendamente empastados siguieron sonando en “The Shower Scene” (creo que no hace falta señalar a qué célebre escena de la ducha se refiere) y “The American Nightmare”, en la que el cantante portaba una mano con cuchillas al más puro estilo Freddy Krueger. Con ella culminaron un concierto excelente de una banda a la que, sin duda, merece mucho la pena ver. Yo estoy deseando pillarlos en sala, donde, estoy convencido, se lucirá todavía más.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por MariskalRock (@mariskalrock)

El intermedio entre Ice Nine Kills y Five Finger Death Punch sirvió para refrigerarse mientras las pantallas proyectaban el divertidísimo y muy gore anuncio de animación de Liquid Death (sí, la bebida que Ozzy Osbourne recomendó no esnifar), un loable vídeo protagonizado por James Hetfield y Robert Trujillo en pos de la prevención del suicidio o un reportaje sobre los hitos de All Within My Hands, la fundación benéfica de Metallica. Sí, son campeones, pero con valores e implicación por los desfavorecidos a lo largo y ancho del mundo. Y eso les hace más grandes.

La afluencia seguía creciendo cada vez a mayor ritmo cuando Five Finger Death Punch, banda sobradamente conocida y celebrada por una porción nada desdeñable de los asistentes, emergió en escena como un auténtico huracán al son de la avasalladora “Lift Me Up”, demostrando por qué es uno de los nombres más aplaudidos del groove metal del siglo XXI, cada vez más cerca de conquistar la vitola de clásicos del género. “Trouble” tomó el testigo con firmeza, rocosidad y un Ivan Moody imbuido en su habitual atuendo rojo en inmejorables condiciones. También se luce y de qué manera en directo el guitarrista y fundador de la banda Zoltan Bathory que, en perfecta comunión con el más recientemente incorporado Andy James, exprime con garra y maña a partes iguales las posibilidades de sus seis cuerdas.

El desahogo a la americana de “Wash It Away” dio paso al himno que es “Jekyll and Hyde”, con un estribillo muy acompañado por los presentes. No se sustrajo Moody de hacer alusión a la final de la Eurocopa, preguntando al público qué pensaba de Inglaterra y recibiendo unos abucheos que él extrapoló a terrenos ajenos a lo deportivo con un controvertido “¡exacto, que os jodan!” en alusión al país. Después hizo la misma pregunta con España, recibiendo la reacción opuesta de los presentes y coronándolo con un “olé, olé”. Alguien tiene que explicar alguna vez a los músicos de fuera que el cántico que todos hacemos es “oé, oé”, no “olé, olé”. Y que no desayunamos sangría.

En un perfecto equilibrio entre abrumadora densidad groovemetalera y melodía digerible y envolvente desplegaron su propia versión de “The House of the Rising Sun”, a la que, a decir verdad, le sacan un excelente partido y que fue inaugurada por Ivan Moody cantando a capela, e “IOU”, antes de que Moody confesase con cierta congoja que a veces se sentía atrapado en el lado equivocado del cielo para dar paso a la homónima “Wrong Side of Heaven”. Otrora fiero y más polémico, y actualmente limpio de sus adicciones, el cantante ahora se muestra tremendamente cercano y afable con el público, hasta el punto de que recorrió todo el foso compartiendo afectuosamente la canción con las primeras filas.

La química entre banda y audiencia siguió en cotas álgidas mientras atronaban las corrosivas y al mismo tiempo contagiosas “Never Enough” y “Welcome to the Circus”, en la que fue el pintoresco bajista Chris Kael quien bajó del escenario para acercarse al respetable. Con uno de los asistentes del Snake Pit (la zona interior del escenario a la que tantos querrían poder acceder) tuvo un bonito gesto Moody en “Under and Over It”, al coger su teléfono móvil y filmarse unos instantes en escena, todo antes de que “The Bleeding” pusiera la guinda a un show difícil de discutir que fue, tal y como Ivan Moody aseveró, el último del año en Europa. Un buen rato después de su conclusión, los músicos seguían saludando a la gente frente a las vallas demostrando una encomiable cercanía y terrenalidad. Eso sí, todavía estoy esperando el concierto en el que toquen entera “Far From Home”. ¿Alguien puede recoger firmas?

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por MariskalRock (@mariskalrock)

Mientras millones de personas contaban los minutos para que el árbitro pitase el inicio del partido en la final de la Eurocopa contra Inglaterra, varias decenas de miles hacíamos lo propio para que “The Ecstasy of Gold” del siempre recordado Ennio Morricone sonase en el Metropolitano mientras se proyectaban imágenes de Silent Hill en las múltiples pantallas que coronaban las torretas de sonido. Fue, tras “It’s a Long Way to the Top (If You Wanna Rock and Roll)” de AC/DC, la llama que prendió la mecha de una gala de Metallica que fue apoteósica de principio a fin y que arrancó como un auténtico vendaval y de manera casi insuperable gracias al salvaje torrente de alto voltaje que es “Whiplash”. Ahí estaban los cuatro jinetes de San Francisco, los cuatro animales que siguen en un estado físico y musical tan pletórico que solo los inevitables cambios de aspecto nos indican que los años han pasado por ellos. De verdad, conozco a mucha gente de veinticinco años menos que no tienen ni la mitad de la cuarta parte de energía. ¿Qué clase de Colacao desayunarán?

El concierto de Metallica no iba a ser de modo alguno un in crescendo hasta el éxtasis, sino que se asemejó más bien a la aceleración de un Fórmula 1. De cero a cien en segundos y a velocidad de crucero. Así pues, “For Whom the Bell Tolls” perpetuó una catarsis colectiva de buenas a primeras instaurada, con una pegada inmensa y un Kirk Hammett excelso en la guitarra, cuyo solo construyó un indestructible puente hacia “Ride the Lightning”, otro trallazo histórico en el que los rayos azules de las pantallas nos traían a colación la portada de aquel disco inolvidable.

Metallica parece jugar en casa en cada concierto independientemente de sus coordenadas, y en Madrid no fue menos. Tienen como factor campo ese escenario al que ellos sacan un partido absoluto, con la batería de Lars Ulrich emergiendo a lo largo del concierto en cuatro puntos diferentes y el resto de los integrantes recorriéndolo con ecuanimidad, sin por ello dejar de juntarse entre ellos exhibiendo, de paso, la perfecta sintonía que reina en la formación.

James Hetfield sigue preservando su arrolladora personalidad vocal y su garganta parece no haberse erosionado con los años. Su forma de rasgar, su visceralidad cuando toca, su estupenda afinación y, sobre todo, la energía y convicción con la que se enfrenta al micrófono le dotan de una fiabilidad absoluta, como absoluta también es la de su labor a la guitarra y la pericia con la que un Kirk Hammett pletórico durante todo el show encara sus afilados hachazos eléctricos y sus trepidantes solos impecablemente ejecutados. Nada que objetar tampoco a la robustez de Robert Trujillo al bajo y a la pegada de Lars Ulrich a la batería. Sonaron excelentemente empastados y convincentemente orgánicos. Son una máquina perfectamente engrasada sin necesidad de artificio alguno. Una máquina muy, muy ruidosa. Benditos decibelios.

Comentó el frontman que habían pasado un tiempo excelente en Madrid y que echarían de menos la ciudad antes de echarle más y más leña al fuego con una “The Memory Remains” que funcionó sorprendentemente bien en directo, con un público entregadísimo que coreó masivamente a viva voz hasta el final su melodía hasta que solo el charles de Lars fuera su único acompañamiento bajo los focos.

El amarillo característico de su último disco, ’72 Seasons’, lo inundó todo para que “Lux Æterna” resplandeciese con inusitada energía, poniendo de relieve que también himnos de nuevo cuño los mantienen vivos y en la picota. Siguieron reivindicando su más reciente material acto seguido con “Too Far Gone?”, antes de uno de los momentos más especiales e inesperados de la velada, en el que James Hetfield presentó a sus “dos amigos” Kirk Hammett y Robert Trujillo anticipándonos una sorpresa en clave local. Tomó entonces la palabra el bajista explicando que les encanta conocer artistas y bandas locales de los lugares en los que tocan y reivindicando la figura de Miguel Ríos antes de lanzarse ambos a tocar el mítico “Bienvenidos” del veterano rockero granadino, con Trujillo cantándola en un esforzado y meritorio castellano. Los ojos de los presentes, como platos ante lo que acontecía. ¡Qué bueno!

Si aquello era un auténtico hervidero, el ambiente alcanzó las cualidades físicas del plasma al calentarse todavía más al son de “Welcome Home (Sanitarium)” y “Wherever I May Roam”, dos cañonazos absolutos defendidos con matrícula de honor. En la segunda, además, Robert Trujillo tocó sobre una plataforma que se desplazó sobre el público de lado a lado del círculo interior del escenario.

Con menos efusividad fue recibida “The Call of Ktulu”, aunque su efervescencia instrumental fue de fábula, configurando el pretexto perfecto para que Hamett y Hetfield, que tocaba una llamativa guitarra con una figura del propio Cthulhu dibujada, se luciesen de lo lindo. “The Unforgiven” nos transportó luego a la vertiente más penetrante y expresiva de unos Metallica que seguían sonando exquisitos en la ejecución.

James Hetfield presentó como una canción que han tocado pocas veces y que es más bien larga, “pero a quién le importa”, el tema que cierra ’72 Seasons’, “Inamorata”. Pocas demostraciones más de seguridad en su momento actual que tocar el último corte del último disco, con más de once minutos de duración. Tal vez no fue el más aclamado, pero esto también es Metallica, una banda de presente y, todavía, de futuro. El pasado es glorioso, pero para que el mañana también lo sea hay que seguir trabajándolo día a día, y ellos llevan esa máxima hasta las últimas consecuencias. Bravo.

En un throw back repentino y más que bienvenido, nos plantamos nuevamente en 1984 para que, tempestuosa y afilada, la cuarta canción de la noche extraída de ‘Ride the Lightning’, en este caso “Fight Fire With Fire”, nos trajese a colación la faceta más thrasher y destructiva de los californianos, que sirvió además de desahogo para quienes se enteraban en ese momento de que Inglaterra había empatado el gol inicial de Nico Williams en la Eurocopa. Había partido y también quedaba concierto. Y nosotros, a lo que estábamos.

No habíamos visto pirotecnia en todo el concierto hasta que hicieron sonar con una eficacia a prueba de bombas “Moth into Flame”, convertida ya casi en un clásico de la banda y gloriosa en directo. Durante ella, parte de los presentes cantaron el gol definitivo de Oyarzabal que daría el título continental a la Selección Española, aunque a un servidor le emocionó sustancialmente más el arranque, con más pirotecnia en escena, de “One”, una delicia absoluta en la que nuestras cervicales pasaron la prueba de fuego. Qué himno, y qué bien siguen funcionando sus dinámicas y sus cambios de intensidad en directo. Obra maestra.

El júbilo era generalizado al pitar el árbitro el final del partido (fue difícil no enterarse con la celebración de parte de la grada), pero la conclusión de la apoteosis que estaban propiciando los campeones del metal todavía estaba a una canción de distancia, y no era una canción cualquiera. “Enter Sandman” fue la banda sonora para uno de esos momentos por los que merece la pena estar vivos, para un éxtasis colectivo que resonó grueso y elocuente mientras multitud de balones hinchables enormes recorrían el público. De portero, un miembro del staff de la banda que, dadas las particularidades del escenario, estaba parando las pelotas que se dirigían a la batería de Hetfield, no se fuera a liar.

Cuando la fiesta culminó por todo lo alto, el estadio coreaba “¡campeones, campeones!” con entusiasmo. Sí, es verdad: acabamos de vivir otra noche de gloria absoluta a cargo de los auténticos campeones del metal internacional. Y ahora, a celebrar lo vivido.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por MariskalRock (@mariskalrock)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por MariskalRock (@mariskalrock)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por MariskalRock (@mariskalrock)

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida por MariskalRock (@mariskalrock)

La entrada Crónica de Metallica + Five Finger Death Punch + Ice Nine Kills en Madrid (domingo): Campeones del metal se publicó primero en MariskalRock.com.

Una de las conocidas debilidades musicales de Ozzy Osbourne son The Beatles, a los que no duda en declarar su fanatismo a la menor oportunidad, como ocurrió cuando se le pidió que eligiera a los miembros de su banda soñada o al recordar el momento en que conoció a Paul McCartney, pero parece que esta pasión por los de Liverpool no era exclusiva del Madman en las filas de Black Sabbath, ya que Geezer Butler ha declarado que su influencia fue “masiva” para él al no tener en el pasado “bandas inglesas de verdadero rock” en las que fijarse.

La entrevista concedida por el mítico bajista de Black Sabbath al programa “The Rocker Morning Show” de la emisora 107.7 RKR ha sido la que nos ha ofrecido estas declaraciones de Butler sobre la gran influencia que tuvo en él The Beatles: “Fueron una influencia masiva, porque no había nadie como ellos en ese momento. Hasta entonces, a mis hermanos les gustaban Elvis, Eddie Cochran y Buddy Holly, ese tipo de cosas. Y no había bandas de rock inglesas de verdad.

Todos los rockeros ingleses intentaban sonar americanos y copiar a alguna banda americana, y nunca lo consiguieron. Y cuando llegaron The Beatles, tenían un sonido completamente original y todos eran literalmente de Liverpool, que está a cien kilómetros de donde nacimos. Y eso nos dio la esperanza de que los músicos británicos podían tener éxito. Y en cuanto triunfaron The Beatles, llegaron The Rolling Stones, The Kinks, The Who, Herman’s Hermits, toda una explosión de música británica”.

PARA LEER MÁS:

• Cuando Tony Iommi (Black Sabbath) golpeó tan fuerte a un miembro de esta histórica banda americana “que atravesó la pared”
• El shock de Black Sabbath cuando vieron a Kiss por primera vez: “Nos aseguramos de no volver a tenerlos como teloneros”
• Cuando Ozzy Osbourne, Tony Iommi y Geezer Butler (Black Sabbath) se enfrentaron a unos skinheads dándoles una paliza con guitarras y pies de micro

La entrada La masiva influencia de The Beatles en Black Sabbath: “No había bandas inglesas de verdadero rock” se publicó primero en MariskalRock.com.

En vuestro anterior EP, ‘Tales From The Earth’, explorasteis vuestros límites. ¿Cómo ha influido en la composición de ‘Oblivion’s Legacy’?

“‘Tales From The Earth’ es un EP muy dinámico y atrevido, donde la banda se traza nuevos horizontes, ya que decidimos darle valor añadido a la frontera acústica, algo que a veces es difícil encajar en una banda de death metal, y donde queríamos además destacar nuestra concepción de la naturaleza apoyados en un ambiente melódico, con la intención de expresar una serie de reflexiones sobre nuestra cultura e idiosincrasia. Algo que nos ayudó mucho a la hora retomar el trabajo compositivo con ‘Oblivion’s Legacy’”.

En este trabajo hay toques más thrash, más melódicos o más death metal. ¿Qué criterio seguís a la hora de ordenarlos en el disco?

“No tenemos un criterio implícito a la hora de componer un disco. Tratamos de buscar que en todo aquello que componemos exista una línea conceptual que vaya desde el principio al fin, intentando contar una historia dividida en múltiples movimientos, donde vas a tener pequeños elementos que servirán de hilo conductor. A veces nos pide el tema algo más agresivo, a veces algo más oscuro, a veces algo más melódico. Probablemente, es una forma de disfrutar la manera en la que llevamos adelante nuestra creación musical”.

Se trata de un álbum conceptual. ¿Qué podéis contarnos de la temática que rodea las canciones?

“Somos una banda obsesionada con la distopía postapocalíptica a la que nos dirigimos. Hasta ahora, el enfoque de la saga había estado dirigido a aquello que ocurría en el futuro de los protagonistas de la historia. ‘Oblivion’s Legacy’ intenta volver a nuestro presente para contar todos aquellos hechos que consideramos que nos están conduciendo en esa dirección y narrar las anécdotas de ese viaje fuera del planeta.

La guerra, la desigualdad, la necesidad de explorar el universo, la necesidad de revisar todo aquello que estamos haciendo, son temas de los que vamos a hablar en este disco, siendo un ejemplo más puntual el de “Coven Garden”, que critica toda la realidad religiosa global (sin dejar a ninguna secta o religión fuera). Un tema que se enfoca en los antiguos aquelarres que se realizaban en el territorio vasco”.

Se trata del primer disco que editáis con Scarlet Records. ¿Cómo ha influido y qué diferencia habéis encontrado?

“Es un sello discográfico europeo (Italia), con más de 25 años de historia y una amplia lista de bandas reconocidas en su roster donde igual podría destacar la relación tan estrecha que se ha generado con nosotros tanto desde el punto de vista de la comunicación como en la manera de gestionar las decisiones que conlleva el lanzamiento de un disco.

Quizás estos serían los aspectos más destacados al comparar nuestra experiencia anterior con el lanzamiento de ‘Our Last Eclipse’, el cual estuvo a cargo de un sello australiano, Crusander Record, y a pesar de su gran apoyo desde todos los puntos, la comunicación era más limitada por temas de horario y su capacidad de posicionar a la banda era menor. Pero estamos muy satisfechos por ambos trabajos”.

Habéis sacado este ‘Oblivion’s Legacy’ en una edición física muy cuidada. A pesar de que es un formato cada vez menos utilizado, ¿notáis que vuestros seguidores os lo piden?

“Otra cosa que es culpa de Scarlet. Desde el principio decidieron apostar por ediciones en formato CD y vinilo del disco y nosotros por supuesto que estuvimos de acuerdo. Respecto al formato físico, creo que es muy importante y sigue teniendo un lugar si el sello o la banda se apoya en una buena campaña de promoción y distribución. Y si la banda puede organizar un número importante de conciertos, ya que la gente suele acercarse a intentar apoyar mediante la compra de merchandising.

Algunos compran porque desean seguir escuchando en el formato físico de alta calidad, otros porque son coleccionistas. Por poner ejemplos reales, podría decirte que las ediciones en vinilo de “Diamond Eyes”, nuestro primer single, y ‘Transition’ se agotaron. La edición en CD de ‘Autumnus’ también se agotó y nos quedan 10 o 12 copias del ‘Transition’ en CD. Eso quiere decir que el formato físico aún tiene un lugar en el universo musical del metal”.

La combinación de voces es un elemento muy destacado, a veces sonando a la vez guturales y limpias. ¿Cómo lo vais a llevar al directo?

“Las combinaciones de voces juegan un rol destacado en las canciones de Ancient Settlers, Argen ha hecho un trabajo impecable encajando a la perfección su registro vocal con lo que queríamos en ‘Oblivion´s Legacy’. Sus voces limpias le han dado ese toque melodioso a cada tema, algo que a priori consideramos era un reto para la banda y para ella misma. En directo la voz limpia la realiza Argen con armonías en algunos temas por parte de Herman y las guturales sí que están todas a cargo de ella”.

“The Last Battle In The Earth” es un tema oscuro, pero a la vez con un estribillo futurista. ¿Qué podéis contarnos de este tema?

“Fue el penúltimo tema que compusimos. Queríamos darle matices más modernos a un disco en el que habíamos decidido plasmar las influencias de nuestras raíces, que el juego de voces y el coro limpio marcaran. Sobre todo porque coincide con nuestra forma de ver el metal hoy en día, mucho más libre, menos atado a etiquetas o limitado por barreras. Resume muy bien lo que puedes escuchar en el disco, pesimismo, oscuridad, deriva social, con un ápice de entusiasmo por lo que podrá venir después de todo esto”.

“Redemption” me parece un cañonazo en el que condensáis lo que es Ancient Settlers. ¿Podría ser la mejor carta de presentación de la banda?

“¡Estoy de acuerdo! Puede resumir perfectamente la evolución de la banda. Es una amalgama de ritmos y sonidos que trata de incluir todas aquellas variantes musicales que enriquecen el sonido de la banda. Juegos de voces, velocidad y tiempos medios, solos cortantes y sintetizadores. No sé si podría ser la mejor carta de presentación, pero viniendo de ti el comentario, vamos a tener que utilizarlo a partir de ahora”.

Ya habéis anunciado una amplia gira que os llevará por Europa. ¿Cómo afrontáis esos conciertos?

“Hoy en día es un reto para todas las bandas por el tema logístico. Sin embargo, existe un gran entusiasmo por poder llevar al directo los temas nuevos y presentarlos a nivel estatal y en Europa, por lo que hemos diseñado un setlist que podrán disfrutar aquellos que alguna vez nos han escuchado y servirá de introducción a los nuevos que se acerquen a cada concierto”.

Escucha en Spotify:

La entrada Entrevista a Ancient Settlers: “Hoy vemos el metal mucho más libre, menos atado a etiquetas o limitado por barreras” se publicó primero en MariskalRock.com.