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Flea (Red Hot Chili Peppers) explica por qué no le gusta hacerse fotos con los fans: “Pedirlo arruina la conversación”

Flea en Barcelona. Foto: Irene Serrano

Vivimos tiempos en los que todo tiene que ser inmortalizado con una captura en nuestros dispositivos móviles, desde cada paso que damos en la calle hasta cada plato que comemos, y si eso lo llevamos a la música, el encuentro de un fan con su estrella favorita no puede quedar solo en una anécdota que contar, se tiene que poder mostrar, y eso es algo que Flea, el bajista de Red Hot Chili Peppers, asegura que “arruina la conversación” que se puede tener con el seguidor o seguidora en cuestión.

Así ha quedado reflejado, tal como ha informado UCR, con los mensajes publicados en las redes recientemente entre el bajista y sus seguidores, siguiendo la publicación de un fan que daba las gracias al vocalista, Anthony Kiedis, y al propio Flea por haber sido tan amables con ellos: “Gracias Flea y Anthony Kiedis por ser tan amables  y auténticos durante el encuentro con nosotros, ambos sois rayos de sol, no teníais necesidad de haber parado y charlar con nosotros, pero lo hicisteis y espero que sepáis que realmente impactasteis en nuestras vidas. ¡Os queremos a ambos con todo nuestro corazón!”

La singularidad de que Kiedis formara parte de la historia, ya que este es menos dado a estos encuentros, recibió muchas respuestas al primer mensaje, destacándose después el hecho de que nadie del grupo de este seguidor pidiera una foto, un autógrafo o nada parecido, lo que terminó por llevar a Flea a publicar su propia respuesta: “Es porque todos vosotros generasteis una luz amable y gentil, y no pidieron una foto.  Siempre estamos dispuestos a hablar y charlar, pedir una foto lo arruina al instante”.

No se hicieron esperar las reacciones a ese comentario de Flea, con muchos seguidores preguntándose qué tiene de malo que un fan pida una foto, a lo que el bajista no dudó en responder: “No hay nada malo en ello. Pero arruina tener una conversación real. Es una transacción”.

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La banda de metal extremo con el nombre más largo, imposible y asqueroso del mundo: Tiene 50 palabras y su logo es una locura

Probablemente, cuando Rob Halford decía que “el nombre se convierte en algo más grande que tú mismo”, no tenía en mente algo tan literal como lo que nos hemos encontrado por parte de una banda sudafricana, de la ciudad de Durban, que ha roto la baraja en lo que a las conversaciones sobre el nombre más loco de una banda que hayas escuchado nunca.

Cincuenta palabras en total dan nombre a esta banda de metal extremo, gore grind para ser exactos, a la que seguro que al final todo el mundo termina llamando Acidic. Este es el largo, imposible y asqueroso nombre completo: Acidic Vaginal Liquid Explosion Generated By Mass Amounts Of Filthy Fecal Fisting And Sadistic Septic Syphilic Sodomy Inside The Infected Maggot Infested Womb Of A Molested Nun Dying Under The Roof Of A Burning Church While A Priest Watches And Ejaculates In Immense Perverse Pleasure Over His First Fresh Fetus. En su página de Facebook, actualmente no disponible, el asunto se reduce a Acidic Liquid Explosion.

En este caso, optar por las iniciales, como hacemos con BMTH o SOAD, no parecería de mucha ayuda, ya que habría que hablar de la banda XAVLEGBMAOFFFASSSSITIMIWOAMNDUTROABCWAPWAEIIPPOHFFFX, pero esta es la mejor opción para descubrirlos en la red. Y como no podía ser de otra forma con una banda de este género, no falta el logo que hace justicia a su nombre, como podemos ver en la parte superior de la portada de su primer EP, ‘Gore’.

Los miembros de la formación fundada en 2016 son el vocalista Duncan Bentley y los multiinstrumentistas Kris Xenopoulos y Lord Necrotic Gore Bong.

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Así suena “Master of Puppets” de Metallica interpretado al estilo de Rammstein

La manera en la que “Master of Puppets” de Metallica ha vuelto a hacerse con los primeros puestos de las listas de éxitos de rock y metal gracias a su interpretación a manos de Eddie Munson en el ya icónico capítulo final de la cuarta temporada de la serie ‘Stranger Things’ en el que este clásico sirve para combatir a unos demonios (por no desvelar más a quien aún no lo haya visto) ha pillado a casi todo el mundo por sorpresa, pero ya es una realidad que ha ido más allá de quienes durante años hemos disfrutado la fuerza de esta inmortal canción.

El mundo de internet lleva tiempo sorprendiéndonos con proyectos musicales que se han dedicado a lo que se conoce como “what if?”, la idea de materializar el que fuera otra popular banda la que hubiera compuesto a su estilo alguna canción sobradamente conocida, y recientemente hemos tenido otro ejemplo de manos de todo un maestro en estas lides, Denis Pauna, que ha mostrado cómo habría sido “Master of Puppets” si hubiera salido de las manos de Rammstein.

El resultado no puede ser más convincente, y no es de extrañar, ya que en su larga trayectoria de publicaciones podemos encontrar otras adaptaciones del clásico de los jinetes negros interpretado al estilo de bandas como Alice In Chains o Type O Negative.

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Manowar: 40 años de “Battle Hymns”, el disco que hizo temblar los cimientos del mundo

El mes de agosto de 1982 vio el alumbramiento de un disco que llegaba para hacer temblar los cimientos de la escena de lo que se conocía como heavy metal hasta el momento, nada menos que el primer álbum de Manowar, ‘Battle Hymns’, que cumple ya cuatro décadas. F. J. Villasante nos lleva a recorrer el camino que llevó a aquel primer paso de los guerreros del true metal.

Hace aproximadamente 40 años, en uno de los primeros números de la revista Heavy Rock (creo que era el número 6, pero no estoy seguro), Joey DeMaio contaba cómo se gestó la formación de Manowar. En la entrevista, Joey contaba cómo, durante la gira de promoción de ‘Heaven and Hell’ de Black Sabbath, en la que él era el responsable de la pirotecnia, le llamó poderosamente la atención el guitarrista de la banda telonera, Shaking Street. Tanto le impresionó que, después de la actuación, se acercó a él y le vino a decir algo así como: “…tu banda es basura, apesta, pero tu eres increíble. Formemos una banda contigo a la guitarra y conmigo al bajo que haga temblar los cimientos del mundo”. El guitarrista no era otro que Ross Friedman, posteriormente conocido como Ross the Boss, que accedió a la petición de DeMaio es algo que no es necesario aseverar.

La formación se acabaría de conformar con Donnie Hamzik a la batería y un viejo compañero de clase de DeMaio a las cuerdas vocales, Eric Adams. La anécdota curiosa es que Eric Adams en realidad se llamaba Louis Marullo, y un día Ross le dijo que no podía llamarse así, “no funcionaría”, y como quiera que Louis tenía dos hijos llamados Eric y Adam, a Ross se le ocurrió que debería llamarse Eric Adams, y hasta hoy.

La banda recién formada llevó a cabo la grabación de una demo tan potente que les sirvió para conseguir su primer contrato discográfico con Liberty Records, en 1981, lo que les permitió editar su ópera prima ‘Battle Hymns’ el 15 de agosto de 1982. En lo referente al nombre del grupo, según Ross fue idea de John Stillwell, diseñador de instrumentos de Black Sabbath, más conocido como Dawn, quien hizo la sugerencia mientras Joey y Ross estaban planteando nombres en esa línea. Sin embargo, aunque Manowar era un tipo de buque de guerra de armamento pesado que se dejó de fabricar a mediados del siglo XIX, según mexicanosalgritodemanowar, para DeMaio tiene otro significado: “La palabra “Manowar” es la unión de “Man”, “of” y “War”; sólo que “of” se puede abreviar como “o”. “Man of War” (“¡Hombre de Guerra! ¡Hails!) es una forma de decir “Warrior” (¡Guerrero!).”

La portada del disco, obra del ilustrador norteamericano Gary Rudell, muestra un águila plateada con sombras doradas que está posada sobre la leyenda ‘Battle Hymn’, mientras que en la contraportada tenemos el brazo de un guerrero (que perfectamente podría ser Conan) que sujeta una espada, cuya guarda de la empuñadura está constituida por las alas de un águila.

En lo que a la música respecta, la cara A empezaba con “Death Tone”. Un rugido de motor de moto de gran cilindrada da pie a que la guitarra de Ross entre y, con ella, el bajo y la batería. El principio es así como a trompicones, hasta que de repente se aclara, coincidiendo con la entrada de la voz de Eric Adams. El riff, contundente y guitarrero, marcaba el comienzo de algo que no  habíamos visto ni oído nunca, y que afortunadamente venía para quedarse. Heavy metal sin paliativos en una época en que el término todavía no tenía la aceptación global que tiene 40 años después, y del que no pocas bandas, nacionales e internacionales, renegaban. Los agudos de Adams no son todavía lo que llegarían a ser, pero ya nos da una idea de lo que estaría por venir, al igual que el bajo de DeMaio. Buen comienzo.

Riff guitarrero para abrir “Metal Daze”, como no podía ser de otra forma, y gran entrada vocal de Eric Adams, que fuerza un punto más que en el tema inicial. Y es que Eric no entró por el aro a la primera, como recordaba Ross en 2021 en el portal italiano Truemetal: “Sin embargo, al principio tuvimos un pequeño problema con él, porque Joey le dijo que tenía que gritar, pero Eric temía que eso arruinara su voz. Joey le dijo: “Si no gritas, no tendrás una carrera, solo escúchalo”. Joey era más o menos su entrenador vocal en el estudio, tengo que admitirlo, realmente logró sacar lo mejor de Eric”.

Compuesta por un riff pesado, que no lento, tiene todos los requisitos de un temazo de heavy: riff potente adornado por guitarreos sin fin de Ross, un lujazo de sección rítmica contundente donde las haya, una voz que parece haber sido diseñada para todo eso, unos buenos coros y un estribillo para corear hasta quedarte afónico. Vamos, todos los elementos necesarios para tener la categoría de himno.

Le seguía “Fast Taker”, que empieza con una poderosa entrada que combina todos los instrumentos, adornada al principio por unos maravillosos platillos de Donnie Hamzik, y que va ganando intensidad de guitarra, bajo y batería, hasta que entra el poderoso riff de guitarra que la gobierna. A partir de ahí caña sin control, Adams se desata, DeMaio empieza a hacer vaciladas impensables con el bajo, Ross frasea, riffea y puntea sin control, y Donnie aporrea como si los parches le hubiesen hecho algo. Todo un temazo en el que hasta el estribillo es original por un tubo, amén de complicadísimo.

Cerraba la cara A “Shell Shock”, con otro comienzo demoledor de esos del tándem “The Boss-Hamzik”, que culmina Adams con un “I don’t know” marca de la casa que nos deja en pleno riff. Un riff curioso y eléctrico donde los haya, en el que Eric puede cantar suave, desgañitarse, hablar, lo que haga falta. Un buen estribillo, en la línea de originalidad que gobierna todas las canciones del disco, y un buen solo de guitarra, algo más largo de lo habitual completan un tema, que si no fue pensado para el lucimiento de Eric Adams, pues les salió sin querer.

“Manowar” abría la cara B. En aquella época no era nada raro que los grupos tuviesen una canción homónima con el nombre de la banda: Black Sabbath, Iron Maiden, Mötorhead, etc. Sin embargo, en esta ocasión, a diferencia de las anteriores, el tema sí habla de la banda, contando entre líneas cómo y dónde se conocieron, y sus intenciones a tiempo cero. Musicalmente, el tema no tiene desperdicio, entra ya directo a la yugular con todos los instrumentos desatados. Luego entra Eric, más suave pero no demasiado, y en esa línea seguimos hasta el estribillo, cantarín pero sin excesos y de gran calidad. En la segunda mitad del tema encontramos un mayor protagonismo de la sección rítmica, hasta el punto de que el solo queda un poco diluido entre tamaña contundencia, pareciendo a veces una concatenación de guitarreos. Ya terminando el tema recuperamos el estribillo y el protagonismo de Adams, quien se curra un gran final.

Manowar con Orson Welles

A continuación tenemos “Dark Avenger”. Un curioso comienzo de bajo da pie al riff probablemente más lento y pesado del disco. Tan lento que si no fuera por la musicalidad de la voz de Eric, parecería que está hablando. Pero “Dark Avenger” guarda un tesoro escondido, y es que mediado el tema la maravillosa voz del llorado Orson Wells se hace con las riendas del tema, contándonos la historia como un abuelo lo haría con su nieto. Una vez que termina el speech de Orson, Eric dice “ya está bien” y aquello se despendola, y de qué manera: el bajo y la batería parece que están echando una carrera, mientras Eric canta de forma increíble y a Ross no le queda más remedio que unirse a la fiesta y marcarse el solo en mitad de semejante descontrol. Y en esto estamos cuando un abrupto final nos deja con ganas de más.

Y llegamos a “William’s Tale”. Seguro que más de uno estará pensando: “Este tío no habla apenas de Joey DeMaio”, y la verdad es que en este primer disco su huella no es tan, tan grande, como lo será en los siguientes. Sin embargo, sí que tiene su momento glorioso que es precisamente “William’s Tale”, una modificación de la obra del compositor italiano Gioachino Rossini, ‘Guillermo Tell’, adaptada por DeMaio con juego de palabras incluido. Se trata de un solo de bajo sobre la famosa melodía del compositor italiano en la que Joey nos demuestra por las claras su técnica y su calidad.

“Battle Hymn” cerraba el disco. Otra obra maestra en un tiempo en el que necesitábamos con desesperación la frescura que trajeron todas las bandas que nacían a nivel discográfico en 1982. Es un tema con tintes épicos, tan bueno que me extraña no haberlo visto utilizado en ninguna película. A ver quién es el guapo que me encuentra uno mejor para una carga de caballería pesada en la edad media, por ejemplo. Eric narra más que canta, un privilegio que le permite su enorme calidad, mediado el tema, en la parte lenta previa a los redobles de Hamzik, el nivel que se marca es enorme. Como el de Ross The Boss un poco después, en el solo, justo antes de la carga final. Luego llega la parte final con los chirridos (“kill”, “kill”) adornados por los coros, la contundencia de bajo y guitarra, y el recital de tamborileo, pura épica, una gozada total.

‘Battle Hymns’ no es un disco que haya pasado a la historia por sus ventas espectaculares, ni por que haya recibido premios, menciones o reconocimientos. Sin embargo, lo que ha significado para el género, y sus subgéneros, particularmente el power metal, no es poca cosa. Un buen ejemplo son las palabras de Vince Neilstein de Metalsucks, hace poco más de un año: “Para empezar, Manowar es obviamente una gran influencia en los power metaleros de guerra con base en Suecia; mierda, Manowar es una gran influencia en casi todas las bandas de power metal que surgieron en los últimos 25 años”. De hecho, no son pocos los periodistas del género que defienden que ‘Battle Hymns’ es el primer disco de power metal de la historia. Yo no estoy de acuerdo, pero las opiniones hay que respetarlas.

El 26 de noviembre de 2010 Manowar lanzó ‘Battle Hymns MMXI’, una regrabación completa del disco. Como quiera que el gran Orson Wells había fallecido 25 años antes, la regrabación de “Dark Avenger” corrió a cargo del gran Cristopher Lee. El disco supuso también el retorno de Donnie Hamzik a la banda. Hamzik había dejado el grupo durante la gira de ‘Battle Hymns’ por motivos de estrés, siendo sustituido por Scott Columbus.

En definitiva, cuadragésimo aniversario para un gran disco, sin un solo tema de relleno, que supuso el debut discográfico de una banda que en estas cuatro décadas no ha dejado indiferente a nadie, por las razones que sean. Un disco compacto, quizás algo corto para los estándares que manejamos hoy en día, pero que aportó frescura, contundencia e ideas nuevas, en un momento que el género lo necesitaba. Si todavía no lo has oído, te va a dar un ataque de mal rollo cuando descubras el tiempo que has dejado pasar.

F. J. Villasante

Escucha ‘Battle Hymns’ en Spotify:

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La canción de Queens of the Stone Age en la que participó Rob Halford (Judas Priest) y que es una apología de la droga

Aunque actualmente Rob Halford, la voz de Judas Priest, se encuentra alejado de los vicios que lo atormentaron en otras etapas de su carrera, como nos contaba en la entrevista sobre su biografía, alentando a pedir ayuda a quienes se tengan que enfrentar a las adicciones como tuvo que hacer él, hubo un tiempo en el que no hacía ascos a, por ejemplo, participar en una canción que es una gran apología de la droga como “Feel Good Hit of the Summer”, del álbum que catapultó a Queens of the Stone Age.

‘Rated R’, publicado en el verano del año 2000, se abría con esta canción cuya letra no permitió que fuera todavía un mayor éxito de lo que ya lo fue, dado su imposibilidad de sonar en la radio norteamericana, y es en este tema en el que Halford tuvo ocasión de grabar su voz, aunque finalmente hay que agudizar mucho el oído para encontrar al de Judas Priest, que se hace más presente en el tramo final del tema.

El que fuera bajista de QOTSA, Nick Oliveri, ha sido el encargado de recordar esta historia durante su conversación con SongFacts, asegurando que, aunque hay versiones en las que la voz de Halford predominaba más en la mezcla, estas se descartaron, quedando en CDs que él todavía tiene guardados: “Las bandas iban y venían mientras estábamos en el estudio. No estuvimos allí tanto tiempo, pero diría que la banda Fight o Halford estuvo allí durante todo el tiempo que estuvimos. Recuerdo que Rob Halford se portó muy bien con nosotros. Soy un viejo fan de Judas Priest, me encanta ese material. Es buen rock and roll. Su primer material es muy, muy bueno”.

El productor de aquel álbum sería el responsable de tener a Halford en la canción: “Uno de mis recuerdos favoritos fue cuando el productor, Chris Goss, le preguntó a Rob si quería cantar en “Feel Good Hit of the Summer”. En realidad no figura ahí, pero tengo mezclas de CDs de todos los días. Grabamos todas esas sesiones de ‘Songs for the Deaf’ y ‘Rated R’. Me llevaba un CD a casa cada día para ver en qué punto estábamos, porque aparecían letras totalmente diferentes para una canción, partes de guitarra, piano, lo que sea. Así que tengo todas estas versiones diferentes de estas canciones en CDs en mi casa en una caja en algún sitio”.

A Oliveri le gustaba especialmente una parte de la interpretación de Halford, pero Josh Homme prefería otra: “Una de las partes era la que Rob Halford aparece más en el “Cocaine!” cantando al estilo de Rob Halford. Josh no quería poner eso ahí. Quería lo que él llamaba “el Rob más siniestro” para las partes de “‘Nicotine, valium, Vicodin, marijuana, ecstasy and alcohol”. Pero a mí me gustaban las partes de “Cocaine!” con la voz aguda”.

Pese a la escasa presencia final de Halford en la canción, su participación está acreditada de una forma muy especial: “Le preguntamos cómo quería que le acreditaran, y dijo: “Simplemente que pongan “voces por el Metal God“. ¡Y se fue!”

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Bryan Mantia (ex-Guns N’ Roses) explica por qué tardó tanto en lanzarse “Chinese Democracy” y recuerda “el caos” de sus comienzos en la banda

La historia detrás de la creación de un disco que llegó a convertirse en leyenda antes incluso de ser publicado, ‘Chinese Democracy’ de Guns N’ Roses, siempre tendrá páginas que descubrir por parte de quienes ayudaron a darle forma, y puntos de vista diferentes según el papel que jugara cada uno. Ese es el caso de Bryan “Brain” Mantia, batería que entró en la formación liderada por Axl Rose en el puesto que antes había ocupado Josh Freese, y antes Matt Sorum

Durante la entrevista concedida a Rolling Stone, que nos ha dejado ver aspectos como lo intimidante que podía ser Axl, o cómo a este le importaba poco cómo pudiera afectar no presentarse a los conciertos de la gira, también se ha tratado el tema de la década que hubo que esperar para que este disco viera la luz: “Bueno, creo que fue porque empezó con la banda original. Hubo dos o tres años de caos y luego Slash, Duff y Matt Sorum se fueron. Entonces entró Josh. Eso llevó un par de años más, y pasaron por algunos productores”.

“Brain”, que tuvo que regrabar lo hecho por Freese, guarda un recuerdo positivo de lo que para otros hubiera sido frustrante: “Cuando yo entré, hubo un montón de prueba y error con respecto a lo que íbamos a hacer, qué estilo de música. Era una banda nueva. Además, Axl se toma su tiempo. Y como todo esto era nuevo, llevaría el doble de tiempo. Entonces se convirtió casi en algo de tipo folclórico. Era como: “Ahora que ha llegado tan lejos, podría suponer sólo 12 millones de dólares o 13. Van diez años. Vamos a por el récord”. No sé”.

El batería llega a admitir que disfrutaba de aquel caos: “De repente recibías una llamada como: “Oye, Axl te necesita”. Yo pensaba: “Esto es lo más cerca que voy a estar de algo como Zeppelin. ¿A quién le importa? Haz que sea eterno. Eso es lo más guay, que tardara 10 años”.

Mantia remata su recuerdo asegurando que aquellos conciertos en los que Axl se retrasaba tanto, al final tenían al vocalista dándolo todo: “Al final, si empezábamos a la una de la mañana, el show terminaba a las cuatro de la mañana. Y Axl lo daba todo en ese show. Nunca he visto a ese puto tío flaquear jamás. Si empieza a la una, ese show va a terminar a las cuatro y media, y aunque estés dormido, él sigue gritando”.

Recientemente se celebraba el 35º aniversario del impresionante ‘Appetite For Destruction’ de Guns N’ Roses, al que se ha dedicado también un espacio destacado en el número 443 de La Heavy, el especial de verano en el que Arch Enemy se ha hecho con la portada. Iron Maiden, Judas Priest o Five Finger Death Punch son algunos protagonistas más que esperan en este número. Corre a tu kiosco o visita nuestra tienda online para no perderte nada.

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La voracidad lectora de Ronnie James Dio incluso cuando estaba de gira: “Se leía un libro al día prácticamente”

Cuando recordamos al siempre añorado Ronnie James Dio, las conversaciones suelen centrarse en su prodigiosa voz, en el carácter que aportó a Black Sabbath o en su brillante carrera en solitario y su influencia sobre generaciones de músicos, pero hay otros aspectos que solo los que compartieron tiempo con él pueden detallarnos, como ha ocurrido recientemente con la pasión por la lectura del vocalista.

El pasado fin de semana, Vinny Appice, el que fuera batería de Dio, Black Sabbath o Heaven & Hell, concedió una entrevista al espacio Talkin’ Rock de 101WRIF’s en la que nos descubrió esta gran afición lectora: “Era un tipo increíble. Muy, muy inteligente. Solía leerse como un libro al día, prácticamente. Me solía pedir prestados mis libros cuando estábamos de gira, y me decía: “¿Tienes algún libro sobre eso?” Y mi libro estaba como… yo doblaba las páginas donde me detenía, y dos páginas más tarde, tenía una página doblada de nuevo. Todo el libro tenía páginas dobladas cada dos o tres páginas. Y se lo di, y se reía. Él podía leer todo el libro en un día y medio”.

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Tommy Thayer explica por qué Kiss ya no graba nuevos discos de estudio

Aunque hace poco más de un año encontrábamos a Paul Stanley dispuesto a abrir las puertas a nuevas canciones de Kiss, recientemente hemos recibido las declaraciones de Tommy Thayer, guitarrista de la banda, argumentando el motivo por el que Kiss ya no graba discos de estudio.

La entrevista conducida por Noise11.com llega al momento en el que se pregunta al guitarrista por la posibilidad de tener un disco suyo en solitario, lo que lleva a Tommy a reflexionar sobre el interés actual del público en los discos: “No lo sé. Estos días no sé si la gente está realmente interesada en comprar música, para serte sincero. Me refiero a que Kiss tampoco está haciendo discos, nadie está realmente haciendo discos, porque el negocio ha cambiado mucho. Ahora todo se trata de streaming. Es difícil vender discos en estos días, y la gente no está comprando música. Por desgracia, eso no está sucediendo. Así que te desanima a pasar mucho tiempo componiendo o grabando álbumes y haciendo eso, aunque sea divertido y esté bien pasar por ese proceso creativo. Pero no sé si realmente tiene sentido”.

Este verano hemos tenido las que podrían haber sido las últimas ocasiones en las que poder disfrutar de Kiss en directo en nuestro país, con los conciertos ofrecidos en el Barcelona Rock Fest y en el Wizink Center madrileño, aunque también nos han sorprendido las declaraciones de Gene Simmons sobre el centenar de actuaciones más que se suman a la despedida de la banda, por lo que las esperanzas de sus seguidores en volver a ver a Kiss una vez más en carne y hueso siguen alerta.

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Dave Mustaine señala la canción más rápida de la historia de Megadeth

Dave Mustaine y Kiko Loureiro (Megadeth) en Barcelona Rock Fest. Foto: Iñigo Malvido

Hace solo unos días descubríamos las palabras que hicieron que el sonido de Megadeth fuera tan agresivo y veloz, tal como relataba el que fuera su bajista durante largos años, David Ellefson, que recordaba cómo una carta en la que le decían a Dave Mustaine “espero que tu nueva banda sea más veloz que Metallica” lo cambió todo. No han tardado en saltar a la memoria estas palabras a la hora de descubrir cuál es la canción más rápida de la historia de Megadeth.

Aunque a todos nos vienen a la cabeza un par de ejemplos que podrían pelear duramente por esa posición del tema más rápido de la banda thrasher, el encargado de elegir la canción más rápida de Megadeth no podía ser otro que Dave Mustaine, el líder de la banda, que durante una reciente entrevista con Guitar World ha revelado que no tenemos que irnos muy atrás en el tiempo para encontrar la vencedora.

De hecho, solo hay que retroceder unas semanas para encontrarnos con “Night Stalkers”, uno de los primeros adelantos del esperado álbum ‘The Sick, The Dying … and the Dead!’, que verá la luz el próximo 2 de septiembre, aunque la preventa ya está activa.

“Creo que es la canción más rápida que hemos hecho nunca, 190 bpm, y llevó un tiempo poder trabajar a esa velocidad”, comenta Mustaine sobre el tema que ha contado con la colaboración del rapero vocalista de Body Count, Ice-T.

Mustaine sigue comentando este flamante tema: “La canción necesitaba ese ritmo frenético porque “Night Stalker” es una división secreta de helicópteros del ejército. Vuelan en misiones nocturnas y nadie sabe lo que van a hacer hasta que ocurre. Ice-T hace una interpretación estupenda en sus partes de la canción”.

El líder de Megadeth también comentó cómo llegó esta colaboración: “Soy amigo de Ice-T desde hace mucho tiempo. Cuando nos conocimos, en Los Ángeles, me dijo que era un Ranger del Ejército, así que era natural que le pidiera que hiciera esto, porque quería conseguir un gran músico que tuviera crédito como militar. Le pregunté si haría una parte hablada y me dio tantas buenas tomas que fue difícil elegir cuál usar”.

Megadeth ha sido una de las bandas protagonistas que te están esperando en las páginas de La Heavy 443, el especial de veranoArch Enemy se ha hecho con la portada de este número en el que, además de todos los secretos de ‘Countdown to Extinction’ también encontrarás las páginas dedicadas al ‘Images and Words’ de Dream Theater, al ‘Appetite for Destruction’ de Guns N’ Roses y mucho más contenidos exclusivos. Corre a tu kiosco más cercano o visita nuestra tienda online para no perderte nada.

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Una influencer fan de Stranger Things arremete contra Metallica acusándolos de nazis, racistas y antisemitas

La joven legión de seguidores que se sumaron al fanatismo por Metallica tras descubrir a la banda más exitosa de la historia del metal bien rebasadas ya las cuatro décadas de carrera se han encontrado con una publicación en Tik Tok que ha provocado que estos mismos, que volvían a encumbrar “Master of Puppets” tras su importante papel en la serie ‘Stranger Things’, clamen ahora en contra de sus creadores, a los que una influencer ha señalado como nazis, racistas, antisemitas e irrespetuosos con los problemas de adicción de otros artistas.

Serena Trueblood es el nombre por el que se conoce a la joven responsable del vídeo en el que se han recopilado diferentes momentos de la historia de Metallica en los que asegura encontrar claros indicios que respaldan sus acusaciones. Serena tiene una sección de vídeos titulados “Is your fav problematic?” en los que indaga en el pasado de algunos de los más populares artistas de la actualidad, y el repunte de Metallica gracias a Stranger Things ha llevado a los de San Francisco a pasar por este inquisidor examen de su carrera.

El vídeo cuenta ya con casi seiscientas mil visualizaciones, siendo el segundo más visto del canal de la tiktoker, y en él se viaja a los inicios de Metallica, mostrando la imagen de Lars Ulrich y James Hetfield en Berlín haciendo el saludo nazi, con el vocalista imitando el pequeño bigote hitleriano, por si hacían falta más indicios del carácter de broma con el que se captó esta imagen en unos años ochenta, con los protagonistas contando con veintipocos años, en los que la ausencia de internet y redes sociales no hacía tener el cuidado que se tiene hoy en día sobre las fotos que te haces siendo alguien relativamente conocido.

El mismo saludo, forzando además la marcha marcial, lo vemos posteriormente en Jason Newsted en uno de los multitudinarios directos de la banda, lo que era una evidente crítica, que ahora se ha tomado como prueba de antisemitismo. Del mismo modo, dedicar una canción a los acontecimientos relacionados con la pascua judía podría ser una demostración de todo lo contrario.

Por otro lado se señala que Hetfield lucía una cruz de hierro en su guitarra, símbolo que se utilizó por la Alemania nazi para condecorar a sus héroes de guerra… tomado de los tiempos del Reino de Prusia, donde se creó en 1813 para reconocer el valor de los combatientes contra Napoleón… Dejando a un lado las sutiles diferencias entre las distintas cruces que sirven como símbolos por todo el mundo, no se puede olvidar que la imaginería nazi fue muy utilizada desde la escena punk británica de los 70 como provocación muy alejada de ideologías políticas o religiosas.

También destaca Trueblood la amistad del cantante y guitarrista de Metallica con Kerry King, destacando una foto en la que el guitarrista de Slayer (qué pasará cuando Serena descubra a Slayer) luce una camiseta con la bandera confederada, cuyo uso, que también vimos repetidamente a Dimebag Darrell en su guitarra por ejemplo, daría para un largo debate. La supuesta negativa de James a que Ice T se uniera a la gira con Guns N’ Roses también se muestra como otro indicio de su racismo, cuando precisamente un tema de Ice T fue inspiración para la creación del solo del tema más conocido de Metallica, “Enter Sandman”.

A esta acusación de racismo se unen en el vídeo unas imágenes del vocalista bromeando sobre los rasgados ojos asiáticos frente a un Kirk Hammett de origen filipino. Cabría destacar también aquí que el actual bajista de Metallica, Rob Trujillo, es de origen mexicano e indio americano.

La tiktoker también se sorprende por declaraciones en las que la banda asegura no preocuparse por quién voten sus seguidores, algo que cree que debería ser una preocupación, ya que hay políticos que apoyan decisiones racistas.

Queda al final el momento en el que se acusa a Metallica de faltar al respeto a personas con  problemas con las drogas y problemas de salud mental, centrándose en el suicidio de Kurt Cobain, por lo que es de suponer que el siguiente vídeo, en el que Lars Ulrich relata cómo al principio le costó asimilar el éxito de ‘Nevermind’, pero terminó respetando y apreciando a Cobain y a Nirvana por la autenticidad de lo que representaban, habrá pasado desapercibido para Serena, que se centra en pensar en lo rápido que se burlaba Metallica de esos problemas y lo serio que se tomaron los problemas con el alcohol  de Hetfield.

@serenatrueblood I find it intersting that they only cared about gatekeeping in their fandom when they started getting big agaib from Stranger Things. Thy only care about what lines theor pockets #metallica #metal #isyourfavproblematic #stanculture #cancelculture #fyp p.s. sorry dad #greenscreen #greenscreenvideo ♬ original sound – Serena Trueblood

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