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Cuando Judas Priest abrió para Kiss: “No nos gusta el grupo”

Judas Priest en 1979, justo antes de la salida de Les Binks (primero por la izquierda)

En 1978, durante el segundo trimestre, Judas Priest publicó su quinto álbum, ‘Killing Machine’, al que posteriormente tuvieron que cambiar su título en Estados Unidos  como ‘Hell Bent for Leather’  por ser considerado un título violento.

Por Fernando Martínez

En octubre de ese mismo año iniciaron la gira ‘Killing Machine Tour’ en el Reino Unido. También giraron por Estados Unidos, y en ocasiones abriendo para sus compatriotas UFO.  Pisaron Japón por segunda vez, donde se grabaron algunos de sus shows para un eventual álbum en vivo. En septiembre de 1979 fueron invitados por Kiss para participar como teloneros de sus conciertos por Estados Unidos, tocaron en 17 ciudades estadounidenses abriendo para la banda de Gene Simmons y Paul Stanley para luego presentar sus propios shows que culminaron en noviembre del mismo año, también ese mismo mes de noviembre y poco después, ya en diciembre, tocarían por primera vez en Bélgica, Alemania y Francia como artista invitado de los australianos AC/DC.

Como dato curioso, en julio de 1979 antes de viajar a Estados Unidos para girar con Kiss, el batería Les Binks se marcha del grupo, sin malos rollos y en buenos términos. Para reemplazarlo la banda escogió al batería Dave Holland, que dio su primer concierto con la banda el 1 de septiembre en Uniondale (Estados Unidos ), por lo tanto su primer concierto con Judas Priest fue abriendo para Kiss.

Entre los años 1977 y 1979 Kiss estaban en lo más alto de la industria musical. Podían ir a cualquier sitio que quisieran; eran imparables. Kiss eran uno de los artistas con más ganancias por conciertos ofrecidos. Estaban en la portada de prácticamente todas las revistas musicales de América. Kiss estaban preparando una gira mundial alrededor de un concepto llamado Super Kiss.

Paul Stanley ideó un nuevo diseño escénico para el escenario de la gira. El sistema de iluminación sería un soporte hexagonal con piezas móviles, una innovación en esa época. Y arrollaría a cualquier sistema de iluminación visto antes, irradiando 400.000 vatios de luminosidad. El sistema de iluminación fue construido por McManus Enterprises. El sistema de sonido sería monstruoso, capaz de alcanzar y superar el umbral del dolor, con incontables cajas y amplificadores amontonados hasta el techo en los extremos del escenario y suspendidos encima de él. Sería de poder y dimensiones sísmicas. El escenario se extendería de un extremo a otro del pabellón, de 25 metros de ancho.

Todo el equipo se cargó en ocho camiones Great Dane. Unos 528.000 dólares de material rodante de la época. Con un total de equipo de 207.295 kilos. El personal viajbaa en dos autobuses Silver Eagles de 40.000dólares, cada uno con capacidad para dormir 14 personas. Eso fueron 164 ruedas rodando a través de Norteamérica para llevar el show a todos los estados posibles. El personal consistía en 46 técnicos y montadores altamente cualificados.



 

La pirotecnia sería la más espectacular y moderna que se pudiese diseñar, eclipsando todo lo que Kiss habían hecho antes. Poderosas explosiones golpearían a los fans. Cada miembro de Kiss tendría su propio efecto especial. Ace Frehley convertiría su guitarra en un bombardero espacial y derribaría altavoces suspendidos; Peter Criss tendría un elevador de batería que giraría en todas direcciones y se movería hacia atrás y hacia delante mientras era impulsado hasta el techo; y Gene se convertiría en un monstruo volador, suspendido por un enorme aparejo.

Y los trajes serían el último grito. Serían asombrosos, encantadores, escandalosos y arrolladores, a la altura de Las Vegas, pero al estilo rock and roll. El color predominante en cada traje estaría basado en el “aura” especial de cada miembro. Para rematarlo todo, habría un show de láser, algo que nunca antes había sido intentado por ninguna banda a la escala en que Kiss tenían en mente. Kiss irrumpirían a través de una cortina de láser azul que llenaría la extensión del escenario con columnas de luz brillando desde el suelo hasta el techo. Sería imposible que alguien confundiese esta encarnación de Kiss con un simple grupo de rock. Sería un gran Kiss que alcanzaría la carretera en el verano del 79 para una gira apodada como ‘Return of Kiss’.

Tan solo tres años antes de embarcarse en la gira junto a Kiss por Estados Unidos el cantante de Judas Priest, Rob Halford, daba su opinión sobre la banda de Gene Simmons a Merlin W. Frank, de  la revista Fachblatt Music Magazine, en 1976. “No nos gusta el grupo Kiss. Ellos hacen un buen espectáculo, pero para nosotros la música está en primer lugar. Cuando estamos en el escenario, nos expresamos físicamente. Para grupos como Kiss la música está detrás, se encuentra en el fondo, para ellos es más importante mostrarse en sí, no me los creo, tengo una actitud diferente. Cuando tocamos en el escenario, lo hacemos todo con sinceridad, nada se repite, excepto la música de Judas Priest. El estrés físico de la búsqueda de la escena es tan grande que cuando expresamos los sentimientos al público, todo lo demás desaparece. Es difícil describir la locura y emoción que se siente en el escenario. Estando de pie en el escenario no importa cuántas personas hay allí, 50 o 10.000 personas, nos gastamos el dinero en dar energía incontrolable y tensión”.

El periódico Melody Maker  escribía entre sus líneas en 1979 que “Judas Priest están ahora ocupados conquistando los Estados Unidos. Ellos ya han celebrado el triunfo en su tierra natal, pero ahora, después de tres visitas anteriores a ese país, América les vuelve a llamar, sin duda Judas Priest buscan el reconocimiento de la audiencia estadounidense del rock. El complemento actual es una serie de conciertos abriendo para el grupo Kiss. El primer concierto abriendo para Kiss ha sido problemático, pero a pesar de los diversos problemas, Judas Priest están reclutando experiencias muy gratificantes. Ellos están esperando el gran reconocimiento en los conciertos”.

K.K. Downing (guitarrista de Judas Priest): “Muchos chicos están viniendo a los conciertos con regularidad para volver a vernos, estamos siendo reconocidos como artistas. Aquí está uno de los principales factores por qué está siendo exitosa la gira con el grupo Kiss. Cada noche tocamos delante de miles de personas que, en su mayor parte, no nos conocen. Pero entonces, la gente pide nuestras canciones en las emisoras de radio, por lo que nos cuentan a menudo en los programas de radio, y por lo tanto vamos ganando protagonismo en esta área en particular”.

Durante la larga estancia en está gira se hizo evidente que el grupo Kiss gira inestimablemente en términos de expandir su audiencia, para Judas Priest además de la importancia de capturar un mercado más amplio también tienen bastante claro que girar con el grupo Kiss estaba siendo algo muy exigente. Sólo cuando te conviertes en un testigo presencial de las megas estrellas estadounidenses, es realmente cuando comienzas a entender al grupo Kiss, este es el negocio: pueden tocar rock con violencia, pero su propósito principal es hacer dinero. En Louisville, las entradas para el concierto solo costaron  10 dólares, por lo general las entradas valen mucho más. El dinero se intercambia por otros bienes en la caja final, como si de un supermercado se tratase. Esta escena del gigante comercio de Kiss y su merchandising cuestan una fortuna, por lo que el grupo tiene para compensar el costo del dinero de la entrada y recuperándolo en efectivo en cada concierto con la venta del merchandising del grupo.

Steve Gett (periodista de Melody Maker): “Antes de salir en esta gira, me enteré de que en este tour y en algunos lugares Kiss se enfrentaban con el problema de llenar recintos. Louisville era uno de esos lugares. Patético, 7.000 personas llenaron una sala enorme, el Freedom Hall, la que podría dar cabida a tanta gente como nuestro estadio de Wembley y el Earls Court (10.000 – 17.000). Sin embargo, no importa si la sala estaba llena o no, ver a Kiss por sí mismo es toda una experiencia. Ace Frehley, Gene Simmons, Paul Stanley y Peter Criss llegaron a la sala, como si de una fiesta de disfraces se tratara. Niños de tres años, junto con sus padres. ¿Entenderían la gente del Reino Unido, lo que es el grupo Kiss? Ellos pensarán que es un grupo de glam rock. Pero Kiss no es una pandilla de adolescentes. Kiss tienen un gran público para el estilo de Judas Priest. Cuando se trata de grupos que abren para Kiss, inmediatamente se plantea la cuestión de la limitación, y claro, a Judas Priest se les indicó cuál era su lugar.

La falta de hielo seco, sin prueba de sonido y un espectáculo de luces al mínimo puede ser una pesadilla para muchos de sus contemporáneos, pero Judas Priest hacen frente a esto. Lo que más me impresionó en el grupo en la gira por América de Judas Priest en 1979, es que estos se han convertido en profesionales. Reconociendo las limitaciones que tienen en esta gira, parece que están haciendo todos sus esfuerzos para representar una fuerte demostración en el escenario. Judas Priest, comienza como de costumbre sus conciertos, duran 45 minutos y ni un minuto más. Fácilmente podrían salir para hacer un bis, pero cuando las luces se encienden tienen que abandonar el escenario, es imposible. A pesar de esto, durante su tiempo en el escenario se las arreglan para crear una atmósfera de espontaneidad. Casi sin aliento cuando interpretan clásicos como “Running Wild”, “Victim Of Changes” y “Green Manalishi”. La gente disfruta de Judas Priest, y sin duda les dan la bienvenida por su regreso definitivo, pero tan pronto como el escenario se queda vacío, y se muestra el de Kiss todo es reorientado a su atención. Mi decisión de ver el concierto de Kiss es inquebrantable, K.K. Downing y yo nos quedamos juntos cuando la luz se apagó en la sala, y todo se llenó de gritos. “Tápese los oídos cuando entren en escena”, me advirtió K.K. Downing. Después de cuatro explosiones potentes, entendí el significado de su consejo. Después una rotunda entrada, Kiss comenzó con el tema “King of the Night Time World” y el circo comenzó con una masa de efectos teatrales, acompañado por la música.

En Louisville, Gene Simmons no voló a lo alto del escenario, por lo general se sube a la cúpula y escupe fuego. Por supuesto, vomita sangre. Paul Stanley, con sus posturas vibrantes de rock and roll star. El guitarrista Ace Frehley es todo un héroe de la guitarra. Casi toda la esencia del rock and roll se pierde en la pantomima de Kiss, pero debo admitir que me gustó el espectáculo, sobre todo las canciones como “Move On” (con solo de Paul Stanley), “Black Diamond” y una versión en vivo del single de música disco “I Was Made For Loving You”. Después de hacer saltar al público de sus asientos con “Detroit Rock City” y “Rock and Roll All Nite”, el concierto terminó. Uno de los efectos visuales principal era un solo de guitarra de Ace Frehley, cuando su guitarra se elevó a lo más alto del escenario resoplando humo con furia. Probablemente desde fuera parecía increíble, aunque más de cerca se podía notar claramente los cables que lo elevaban. Era simplemente maravilloso, especialmente cuando el guitarrista está de vuelta con otra guitarra que disparar cohetes. Es simplemente imposible no admirar el espectáculo. Más tarde, entre bastidores todo fue muy tranquilo, debido principalmente al hecho de la gente de seguridad de Kiss no permite el paso a nadie.

Después de varios intentos de coger un taxi junto a K.K. Downing para volver al hotel al terminar el día, fuimos acompañados por la policía muy amigablemente. “Esta vez, ha estado todo muy tranquilo”, dijo el policía. “Cuando Kiss tocó aquí la última vez, había mucha más gente y también hubo muchas más detenciones. Hoy, hemos detenido a 18 chicos. Esta noche fue relativamente tranquila”.

Al día siguiente, sobre el mediodía, Judas Priest estaba de nuevo en la carretera. Destino: Fort Wayne. Distancia: 216 millas. Todo el mundo estaba charlando, excepto K.K. Downing, que decidió dormir durante todo el viaje. Al final, llegamos a Fort Wayne, donde Judas Priest se instalaría en el hotel Holiday Inn. Esa noche tenían un concierto junto a Kiss, por lo que todos pasaron el tiempo hasta la hora del concierto en la piscina o jugando en las máquinas de pinball, pero la mayor parte del día la pasaban en el bar. Glenn Tipton, K.K. Downing y yo visitamos un club local junto con la gente Kiss. Antes del show, Rob Halford y Glenn Tipton también dieron una entrevista para la mayor emisora de rock de la ciudad, es evidente la importancia de la radio en los Estados Unidos, en contraste con la situación en este país (Reino Unido). “En Reino Unido puedes actuar para un público de 3.000 personas, pero esto no se puede contar… Aunque en los Estados Unidos toquemos para 10.000 personas. A la mañana siguiente, vendrá la radio y manipulará los registros de asistencia para sus dos millones de oyentes. En Estados Unidos la gente está respondiendo cada vez más a Judas Priest, así que por ahora, esta es nuestra prioridad. Es un país muy grande,  incluso  tras venir en tres ocasiones nos están llamando para tocar en nuevos lugares”. Dijo Rob Halford.



Para Judas Priest es bastante exigente el salir a tocar frente al público de Kiss, pero según K.K. Downing: “Me gusta tocar donde hay algún problema. Esto da un incentivo para subir al escenario y presentarnos con totalidad”. Sin duda, el problema fue resuelto en Fort Wayne, todos los espectadores respondieron a la actuación de Judas Priest. Incluso me di cuenta que en la primera fila había unos fans de Kiss, maquillados como Ace Frehley, que cantaban las canciones de Judas Priest. Más tarde, Rob Halford estaba en éxtasis. “Había gente que gritaban los nombres de las canciones, lo cual es siempre una buena señal”, comentó. “Lo más importante para nosotros es poder responder. Kiss temen que abramos para ellos, porque saben que podemos llegar a su público, otros grupos simplemente han sido expulsados ​​de sus giras”. Paul Stanley y Gene Simmons se asomaban al borde del escenario para ver el directo de Judas Priest, claramente apreciaban lo bien que el grupo funcionaba. En el pasado, Gene Simmons ha ayudado a varios grupos, incluyendo a Van Halen en su camino al éxito, aplaudieron a Judas Priest, y tienen un gran deseo de que trabajen junto a ellos en la última parte de la gira de Kiss.

Yo estaba más sorprendido por la falta de contacto entre los dos grupos. Miembros de la banda de Kiss rara vez aparecía en público, juntos o por separado, ya que se escondían a los extranjeros como si estuvieran en cuarentena. Rob Halford  estaba enojado con Kiss.

Rob Halford: “Lo sé, hablamos de dinero en este negocio, y ellos cuestan una fortuna, pero esto no significa que ni tan siquiera se acerquen a darnos la bienvenida. No hubo contacto mutuo, y para mí es una decepción completa, ya que si se excluyen todos los efectos especiales y el encanto de los trajes, tras eso y por lo general solo se obtiene a cuatro músicos tocando música””.

A las 21:40, el sonido de “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin, que estaba sonando por el sistema de megafonía del local, se cortaba. Las luces se apagaban, gritos y chillidos resonaban dentro del pabellón y un atronador ruido estallaba a través de los altavoces gigantes del escenario, sonando como un ascensor industrial con bombas hidráulicas siendo puesto en marcha. Luces brillaban como relámpagos a través del oscurecido escenario, mientras cuatro auras en forma de cono aparecían por detrás de las enormes cajas de amplificadores y de unas plataformas que se alineaban de un extremo al otro del escenario. Destacando por los rayos de unas brillantes lámparas de arco que giraban frenéticamente, se podía ver a Kiss ascendiendo por detrás del escenario, ya que eran elevados hasta un punto justo debajo de la masiva estructura de luces.

Kiss estaban iluminados con los colores de sus respectivas auras, rojo, azul, violeta y verde mientras los cuatro permanecían inmóviles en enérgicas poses con los instrumentos preparados. Nubes de humo se arremolinaban en la parte delantera del escenario. Mientras Kiss se revelaban, los fans empezaron una estruendosa ovación, lo suficientemente fuerte para casi ahogar el sonido hidráulico. El ruido del ascensor se paraba, la presentación de Kiss retumbaba a través de los amplificadores y la banda surgía de sus auras y tomaban vida, cogidos en un fuego cruzado de rayos de luz de alta intensidad que cortaban una cortina de niebla e hielo seco. Kiss empezaban con “King of the Night Time World” mientras la audiencia explotaba.

El escenario era espectacular. Nubes de humo, descargas explosivas y una lluvia de fuegos artificiales se dispararon desde todas partes. El público estaba ensordecedor, agitándose delante del escenario. Una valla de hierro rodeaba el escenario de una punta a otra creando un foso entre Kiss y los guardias de seguridad que habitaban la valla por delante. Los fans que intentaban escalar la valla eran arrancados por los guardias y vueltos a echar a la audiencia. La zona frente al escenario en los conciertos de Kiss fue siempre un manicomio.

La batería de Peter dominaba el escenario. La guitarra de Ace sonaba como si cortasen metal mientras arrojaba nubes de humo y chispas. Gene volaba a través del escenario y sobre la audiencia en su dispositivo de vuelo, y Paul hacía impresionantes carreras desde las hábilmente pulidas rampas en curva que rodeaban la parte delantera del escenario. Los trajes eran deslumbrantes con todos sus resplandecientes diamantes de imitación y lentejuelas. La elegante guitarra Ibanez de Paul, con la superficie cubierta con desiguales piezas de espejo, refractaba los rayos de luz de los focos en miles de rayos parpadeantes. El logotipo eléctrico de Kiss estaba brillando, iluminándose en una rápida secuencia.

El show tenía la fuerza de un maremoto, aplastándote contra el suelo mientras te inundaba. Esto es lo que los fans venían a ver y a sentir, el poder de Kiss. La batería de Peter Criss se elevaba a casi ocho metros de alto sobre el escenario, casi hasta la estructura de iluminación, y se disparaban cohetes tras él. Otras explosiones hacia vibrar el recinto. El escenario se oscurecía y el show había terminado.

Actualmente el cantante de Judas Priest se encuentra promocionando su autobiografía titulada ‘Confess’.  Durante una aparición en Three Sides of the Coin , Halford recordó cuando su banda abrió para Kiss en los años 70 y su relación actual con Simmons y Stanley. “Recuerdo todo. Fue uno de los recuerdos de metal más emocionantes que puedo recordar. En primer lugar, fue emocionante descubrir que Gene Simmons y Paul Stanley eran, y siguen siendo grandes fans de Judas Priest. Siempre es emocionante que tus compañeros en la música digan cuánto disfrutan de lo que haces. Y déjame decirte, nosotros como Judas Priest, siempre hemos sentido lo mismo hacia Kiss”.

Richie Faulkner es un gran admirador de Kiss, al igual que Glenn Tipton, Scott Travis e Ian Hill. Todos somos grandes fans de la banda. Así que nos quedamos absolutamente anonadados cuando recibimos la noticia de que Gene y Paul querían que abriéramos para Kiss en una gran gira por Estados Unidos. Me decían: “Hazme saber lo que necesitéis. Estamos juntos en esto, vivimos las mismas vidas, nos apoyamos, nos ayudamos”. Y eso es lo que Kiss siempre ha hecho fuera de la música, como personas, son gente hermosa. Y es genial que tengamos esta relación contínua con Kiss. Y se suponía que ahora íbamos a hacer un show juntos. Deberíamos de estar en Europa haciendo un show juntos, pero lo hemos reprogramado, y espero podamos hacer ese concierto juntos en 2021. Así que la amistad, el amor y el apoyo que Kiss tiene por Priest es recíproco, y tan fuerte como siempre”.

Judas Priest abrió 17 conciertos para Kiss durante el ‘Dynasty Tour’ en septiembre de 1979:

01/09 – Uniondale (Nassau Veterans Memorial Coliseum)
03/09 – New Haven (New Haven Coliseum)
05/09 – Springfield (Civic Center)
07/09 – Filadelfia (The Spectrum)
08/09 – Asbury Park (Paramount Theatre)
10/09 – Huntington (Civic Center)
11/09 – Los Ángeles (Forum Arena)
12/09 – Knoxville (Knoxville Civic Coliseum)
14/09 – Cincinnati (Riverfront Coliseum)
16/09 – Louisville (Freedom Hall)
18/09 – Fort Wayne (Allen County War Memorial Coliseum)
20/09 – Evansville (Roberts Memorial Coliseum)
22/09 – Chicago (International Amphitheatre)
24/09 – Milwaukee (MECCA Arena)
26/09 – Madison (Dane Conty Coliseum)
28/09 – Bloomington (Metropolitan Sports Center)
30/09 – Kansas City (Municipal Auditorium)

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Entrevista a Espiral: “La banda estaba girando hacia sus orígenes y el resultado era extraordinario”

Este verano Espiral ha editado ‘Cuando vuelve el Sol’, disco que compila ocho regrabaciones de anteriores éxitos de la banda ceutí esta vez con su nuevo vocalista, Alberto Mateos, más uno nuevo (el que le da nombre). Este lanzamiento es el motivo por el que Alejandro Rico contacta con el bajista Rogelio Mateo.

Contadme un poco cual ha sido la evolución de la banda hasta el momento actual.

“Podemos decir que Espiral antes de su creación tuvo un embrión en de banda que practicaba un heavy rock con letras en inglés, y que se llamó La Taberna de Moe (denominación coincidente con otra banda nacional). En esta etapa pre-Espiral grabamos una maqueta con tres temas con una formación en la que ya nos encontrábamos Antonio Jurado, Luis Zapater y yo, miembros fundadores de Espiral. Ya en el 2006 con una formación consolidada grabamos nuestro primer trabajo en el cual ya se vislumbraba unas estructuras compositivas evolucionadas hacia un metal de corte más moderno abandonando la herencia clásica del heavy rock. En el 2009, con la grabación de ‘Contratiempos’, se asentaron las líneas maestras del sonido Espiral con melodías trabajadas sobre distorsiones edulcoradas con paisajes acústicos. Con ‘Cicatrices’, nuestro tercer trabajo, de 2014, se acentuaron los paisajes acústicos con espectros instrumentales que nos adentraban los temas con algo mas de duración de lo que hasta entonces acostumbrábamos. La incorporación de voces guturales supuso un plus de agresividad al sonido Espiral que tras la salida del vocalista y del segundo guitarra quedó truncada esa línea musical enfocada al metal de nuevo cuño.

Ya con la entrada a la guitarra de José Luis Corrales, y poco más tarde la incorporación del actual vocalista, Alberto Mateos en enero de 2018, Espiral da un giro hacia los orígenes. Esta nueva dirección musical fue instantánea, la aportación vocal de Alberto dio otra dimensión al repertorio de la banda que ante la premura de participar, primero en el I Park Music Festival de Ceuta y luego abriendo para la banda portuguesa Attick Demons en la Sala Ceuta, desencadenó una selección natural de aquellos temas más representativos de la banda y que innegablemente soportaron modificaciones y adaptaciones a esta nueva línea con temas más directos y más dinámicos, amparados en la búsqueda de temas de minutaje inferior y supresión de concretas partes instrumentales”.



Supongo que estar afincados fuera de la península hace que todo sea un poco más difícil… ¿Qué dificultades encontráis para daros a conocer siendo de Ceuta?

“En Ceuta siempre hemos tenido y tenemos grandes bandas, y atendiendo al éxito y resultados nos hace afirmarnos en esa dificultad de la que ya tú nos avanzas. Internet y las redes sociales han acortado el “estrecho”, podemos casi sonar en cualquier parte, pero lo dificultoso y costoso para una banda de Ceuta es salir “a tocar”. Los directos es una gran asignatura pendiente, movernos desde nuestra tierra conlleva unos gastos que otra banda de la península no soporta. Ferry, alojamiento, alquiler de furgoneta… Suma unos cuantos euros que para una banda que quiere darse a conocer en directo actúa como un impedimento no solo para el propio grupo, que, en nuestro caso, además de soportar toda la autoedición y promoción del disco, tendríamos que correr con los gastos del desplazamiento, ya que o vas de la mano de alguna agencia que apueste, o de lo contrario al montar un bolo en una sala el promotor difícilmente garantizara los gastos de tu banda. Ya nos gustaría que nuestra ciudad apoyara con subvenciones de desplazamientos para hacer más viable que podamos cerrar en una sala de la península un concierto o, en el mejor de los casos, poder planificar una gira de presentación de ‘Cuando vuelve el Sol’”.

¿Por qué regrabar ocho temas de trabajos anteriores y no lanzaros a componer uno desde cero? ¿No quedasteis contentos con el resultado anterior?

“Pues fue una fácil decisión, no hubo debate. Pronto nos dimos cuenta que la banda estaba girando hacia sus orígenes, y el resultado era extraordinario. No podíamos dejar esos temas que habíamos trabajado con Alberto sin registrar porque nos pareció sencillamente un nuevo aire fresco a la banda. Nos gustó tanto como quedaron los temas que apostamos por este remake, más un nuevo tema que da título al álbum y que se ha convertido en el buque insignia de esta nueva espiral. Tal fue la conexión que rápidamente cerramos los temas y añadimos ese guiño a nuestra historia de la música caballa con la versión de Tharna “Una noche más” impregnada de ese olor a heavy rock, olor a Espiral. Respecto a la segunda pregunta, indudablemente sí estamos satisfechos con las grabaciones anteriores en sus discos de referencia, pero como antes he mencionado, esta nueva grabación respondía al reflejo del momento actual de la banda y por ende al cierre de una etapa de la cual nos sentimos muy orgullosos, pero también la apertura de un nuevo horizonte”.

En estos tiempos en que la tecnología está a nuestro alcance en todos los sentidos… ¿Ha habido interés de algún sello o directamente preferís autogestionaros?

“Gracias a la tecnología podemos lograr que la banda llegue a muchísimos lugares, y ciertamente hemos recibido una propuesta de un sello independiente de Polonia, Vic Nocturna, para distribuir nuestro disco, pero que de momento lo dejamos en standby porque ya tenemos editada el lanzamiento de nuestro disco y quizás en un futuro cercano podríamos trabajar con ellos. El tema de la autogestión, en nuestro caso más que una preferencia es una necesidad, ya que decidimos autoeditar nuestro disco y después promocionarlo. Invertir el proceso, quizás nos llegaría a agotar ante la espera de una llamada que mostrara interés por nuestro disco”.

Me gusta el dinamismo entre riffs agresivos y melódicos como en “Matando sentimientos”. ¿Cómo es vuestra forma de componer?

“Sí, ciertamente nos gusta alternar momentos agresivos con otros más “dulces”, de hecho, en muchos temas tenemos partes acústicas que realzan de alguna manera los cambios con riff más pesados. Podríamos entenderlo también como una “estrategia” de liberación vocal donde el mensaje puede llegar más nítidamente a quienes buscan algo más en nuestras canciones. Con la entrada del Alberto Mateos en la banda la forma de componer ha variado, ahora los temas son más participativos, más colaborativos, y puedo decirte que desde su llegada las nuevas composiciones suenan realmente a Espiral”.

Creo que “Contratiempos” es el tema que mejor define vuestro sonido… ¿Estáis de acuerdo? ¿Con qué temas os sentís más cómodos?

“Es uno de nuestros temas favoritos, mezcla fuerza y melodía. Particularmente a mí me gusta mucho tocarlo en directo, me transmite mucha garra. “Contratiempos” forma parte de esa terna de temas que no suelen quedarse fuera de nuestro repertorio, como es el caso de “Alas del silencio” o “Alma en ruinas”. Son temas con los que nos sentimos muy cómodos interpretándolos, lo que no significa que el resto de nuestros temas nos resulten incomodos. Por ejemplo, “Cuando vuelve el Sol” es nuestro nuevo tema en el disco, y es super motivador e inspirador el poder tocarlo en directo, que, por cierto, solo se ha tocado en el festival streaming de Argentina, el Gran Rockea, y que también formó parte del setlist de nuestro concierto en streaming que preparamos para el Kriminal Fest también de argentina, organizado por Radio Krimen On Line”.



Con toda esta situación… ¿Cómo veis el futuro de la industria musical?

“Lo miramos con recelo, puede ser el peor año para un lanzamiento de un disco para una banda como la nuestra, que empieza su decidida apuesta en este mundo difícil de la música. Pero nosotros decidimos seguir y no hemos parado de seguir trabajando. No tenemos directos, pero seguimos trabajado en la promo del disco. De hecho, en junio lanzamos ‘Cuando vuelve el Sol’ y antes estrenamos un adelanto en forma de lyric video al que le siguió nuestro primer videoclip del tema que da titulo al disco, y a finales de noviembre hemos estrenado nuestro segundo videoclip. Entre tanto, en septiembre grabamos nuestro concierto en directo sin público para el festival Gran Rockea en streaming, y a finales de octubre grabamos otro concierto en directo, sin público también, para nuestra segunda participación en el Kriminal Fest. Con lo cual, un disco, un lyric video, dos videoclips y dos grabaciones en directo es para estar contento con la dinámica y actividad de la banda”.

¡Muchas gracias por vuestro tiempo! Como siempre, aquí tenéis unas líneas para dirigiros a nuestros lectores.

“Pues queremos mostrar nuestro agradecimiento a todos nuestros seguidores y mostrarles con nuestro trabajo diario que la banda, en cuanto las condiciones sanitarias sean favorables, programaremos una pequeña gira de conciertos para poder llevar nuestro directo. También queremos agradecer de forma especial a nuestro Club de Fans Oficial que tanto apoyo nos está dando, también a nuestra emisaria en tierras lusas, nuestra amiga Rosa Soares, que tanto y tan bien está haciendo por la banda. A todos, ¡gracias y cuídense!”.

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Steve “Lips” Kudlow se atribuye la invención del thrash y el speed metal: “Estaba el primero en la línea, alguien tenía que hacerlo”

Notable logro el que se ha apuntado al casillero el cantante y guitarrista de Anvil al asegurar que él es el inventor del thrash y el speed metal. Esta atrevida afirmación de Steve “Lips” Kudlow ha sido realizada en una entrevista que el artista canadiense ha concedido a The Metal Interview en la que se abordaba la labor que Anvil hizo en la música antes del boom de combos como Metallica, Anthrax o Slayer.

“Somos más viejos. ¿Qué más puedo decir? Soy dos o tres años más mayor que esos tíos. Fin de la historia. Yo estaba el primero en la línea”, comentaba entre risas Steve. “Alguien tuvo que hacerlo. Y vamos a afrontarlo: es un tipo de situación diferente. Nuestro batería, Robb Reiner, es un batería espectacular y especial, y muy inventivo e innovador. Así que cuando llegué con riffs que pensaba que sonaban como Deep Purple y él estaba tocando la batería a doble bombo para esta clase de riffs, esa fue la invención del speed metal. La gente nunca había escuchado eso”.

“Y esa es una innovación que se crea entre un guitarrista y un batería. Solo una combinación de eso podría hacer eso, no un guitarrista y un vocalista, sino un guitarrista y un batería. Eso es lo que va a crear ese tipo de música, porque cuanto más rápido tocas y más partes pones, menos importantes son las voces, y esa es básicamente la dirección que tomó el speed metal. Eso es por lo que prácticamente no hay melodía en el speed metal, porque no puedes, no hay tiempo para crear una melodía en los espacios que haces en las canciones. Y así todo va de la mano. Por lo que algunas nuestras cosas como “666”están casi vacías de melodía, pero ese es el estilo. Así es todo. Slayer escuchó eso y dijo: “Está bien, hagamos una banda alrededor de ese sonido”. La síncopa y las ideas que se expresaban en canciones como “Jackhammer” o incluso “March of the Crabs” se convirtieron en Metallica”, zanjaba Kudlow.

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Ozzy Osbourne: “Si cojo el coronavirus, estoy jodido”

La presente pandemia de coronavirus está trayendo de cabeza a Ozzy Osbourne, que en los últimos años no ha gozado de una salud precisamente fantástica. Y es que a sus casi 72 años y con un historial médico cuanto menos holgado, El príncipe de las tinieblas teme por su vida en caso de contraer la enfermedad que ha marcado 2020.

“Tengo enfisema, así que si cojo el coronavirus, estoy jodido. La cirugía me dejó completamente destrozado. Me rompí el cuello en un accidente de quad (ndr: suceso que data de 2003), y cuando eso curó me apretó la columna vertebral, así que me estaba sucediendo todo tipo de cosas raras. Estaba en el escenario, y de repente recibía una fuerte descarga en un lado de mi cuerpo. Entonces, una noche, hace 18 meses, fui al baño a oscuras y sencillamente me caí. Dije: “Sharon, estoy en el suelo”, y ella dijo: “¡Bueno, pues levántate!”. Pero no pude. Una vez tienes 70 años las compuertas se abren y todo va cuesta abajo. Eso sí, me he salido con la mía durante mucho tiempo”, ha reconocido sobre sus últimos años Ozzy ante GQ Magazine.

En esta misma charla el británico ha explicado que trata de mantenerse todo lo aislado posible por su bien: “Si salgo, uso mascarilla, pero no me gusta usar mascarilla, así que no salgo mucho. El productor de mi álbum (ndr: Andrew Watt, con quien Ozzy ya está trabajando en un nuevo álbum) contrajo el virus. Lo llamaba todos los días y me decía que no podía dormir, porque en cuanto se dormía dejaba de respirar. No es la misma persona ahora. Es como cualquier persona que haya tenido una experiencia cercana a la muerte: se ha vuelto un poco cuidadoso con la vida. Pero mis dos nietas lo cogieron, y no hubieras pensado que les pasaba nada malo. Simplemente les rebotó”.

PARA LEER MÁS:

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Entrevista a Adamantis: “Nuestro álbum es un muy buen ejemplo de que, con la tecnología actual, una banda puede autoproducirse con resultados profesionales”


‘Far Flung Realm’
, el segundo LP de los estadounidenses Adamantis, ya es una realidad. Este proyecto de epic power metal presenta un robusto trabajo del que puedes leer nuestra crítica y con el que sus miembros aspiran a presentar su candidatura para ser uno de los grandes grupos de metal internacionales. Por ello, David Esteban charla con el guitarrista Javier Estrada, el batería Evgeny Gromovoy y el cantante Jeff Stark.

Para quienes no os conozcan, Adamantis se conforma por Javier Estrada (guitarra) y Evgeny Gromovoy (batería), de origen ruso, pero ambos pertenecientes a la escena heavymetalera underground madrileña. Terminan la agrupación, Jeff Stark (voz), Jeff Taft (guitarra) y Cody Pelchat (bajo), estadounidenses y todos afincados en Boston. ¿Nos podéis aclarar esta divertida locura? (risas)

(Ja) “Evgeny y yo nos conocimos en una quedada de españoles afincados en Boston. Empezamos a charlar y nos dimos cuenta de que habíamos vivido en la misma escena underground en Madrid a finales de los 90 principios de 2000, teníamos muchos conocidos en común pero nunca habíamos coincidido. A partir de ahí empezamos a tocar juntos y decidimos montar una banda de power metal. En ese mismo momento, Jeff y Ashley Caval (antigua cantante) estaban buscando gente para montar una banda con la misma idea, internet hizo su magia,  los astros convergieron y aquí estamos ahora. Hay que tener en cuenta que este género no es tan común en EEUU, así que encontrarnos fue de verdad una gran suerte”.

(E) “Crecí en los alrededores de Madrid (mi familia llegó a España cuando yo tenía 8 años), y aprendí de mi padre todo sobre AC/DC, Led Zepellin, el pelo largo como símbolo… Mi padre me compró mi primera batería cuando yo tenía como 14 o 15 años, me apunto a clases… Mi pasión musical se la debo a él. En los finales de los 90 y primeros 2000 yo solía ir mucho por los bajos de Argüelles, tocaba en unos cuantos grupos (uno de los primeros fue Wariag – en este grupo conocí al que sería luego el teclista de Javi en Thy Tempest), conservo un gran grupo de amigos metaleros de aquella época… Luego la vida me llevó a Boston, donde resido desde el 2011 por motivos de trabajo.  Pero el lobo, por mucho que le des de comer, siempre mira al bosque. Así que al llegar empecé a buscar garitos de metal, gente con la que juntarse para ir a conciertos, etc. Poco a poco fui conociendo la escena local, quién es quién, dónde están los locales de ensayo, dónde se hacen bolos…  piensa que ese tipo de cosas no vienen en las guías turísticas (risas). Cuando ahorré un poco me pille una batería, primero eléctrica, luego una acústica super cutre, tocaba por mi cuenta en el local de un colega… Justo entonces (hace ya como cerca de cinco años) conocí a Javi, y de ahí tiramos para adelante”.

¿Enriquece al sonido de la banda el que todos vosotros provengáis de lugares tan dispares?

(Ja) “Sin duda, aunque de forma más complicada de lo que podría parecer. El caso de Jeff Stark es bastante paradigmático, él se ha curtido en la escena de Seattle, su mentora es Pamela Moore (Sister Mary en el ‘Operation Mindcrime’ de Queensrÿche) y sus líneas de voz y su estilo tienen un sabor a Seattle muy claro. Jeff Taft, en cambio, tiene un estilo muy europeo, mientras diría que el mío es más americano, así que estamos un poco cambiados. Pero sin duda, la combinación de estilos y preferencias musicales de cada miembro de la banda es lo que crea el sonido de Adamantis. El sonido de este ‘Far Flung Realm’ no es intencional, la composición ha sido un proceso muy orgánico en el que cada uno ha aportado su granito de arena sin demasiadas restricciones, pero con esa base de heavy metal clásico compartida por todos”.

(E) “Mi influencia principal es Thomen ‘The Omen’ Stauch (quien también es mi actual instructor), y creo que eso contribuye a que sonemos bastante europeos. Trato de darle muy duro pero con mucho cuidado de apoyar las melodías y meter tanto fill de timbales como sea posible (risas). La combinación de todas nuestras dispares influencias es clave, creo que nos complementamos muy bien. Y quiero destacar en particular que el sonido de la batería en este disco es fenomenal  – en gran medida gracias los consejos expertos de Thomen (por ejemplo, él ha insistido en que me usara dos bombos para la grabación porque la resonancia de cada golpe de pedal dura el doble), y de nuestro productor, Christian “Moschus” Moos, amigo de Thomen y él mismo un baterista fenomenal. La batería suena grande, orgánica y con pegada natural. Mención especial merece Steve Aliperta, de Kennedy Studios, el ingeniero que grabó la batería. Él ha conseguido que sacáramos de un sonido de profesional con un presupuesto limitado”.

Este se puede decir que es vuestro primer trabajo, ya que anteriormente editasteis un Ep, además, con otra formación. ¿Dónde y con quién lo habéis grabado? ¿Os ha limitado a la hora de componer o grabar la maldita pandemia que azota el planeta?

(Ja) “Como dice Evgeny, las baterías y las voces las grabamos en los Kennedy Studios de Steve Aliperta, en Burlington, cerca de Boston. Las guitarras y el bajo están todas grabadas en línea, esto compromete un poco el sonido (aunque cada vez sea menos la diferencia entre ampli analógico o reamplificación digital) pero nos ha permitido grabar en casa tranquilamente, sin la presión de estar pagando horas de estudio, lo que nos ha dado mucho más margen a la hora de hacer arreglos, solos y demás. Dato de Trivial: las guitarras rítmicas las grabamos en el sótano de Evgeny en el invierno-primavera de 2020. Evgeny se solía poner una piel de oveja islandesa cuando hacía frío en el sótano, y de ahí que llamáramos su sótano ‘The Jarl’s Hall’ – y eso aparece en el folleto y en nuestra página de Spotify. Tener a Cody Pelchat (bajo) en la banda ha sido clave en el proceso, ya que es ingeniero de sonido de formación, supervisó la grabación de las guitarras, su edición, se encargó de hacer las premezclas… La mezcla final se ha hecho en Alemania, en los Spacelab Mixing Service de Christian ‘Moschus’ Moos, productor de bandas como Haken o Delain. Creo que nuestro álbum es un muy buen ejemplo de que, con la tecnología actual, una banda puede autoproducirse su música con resultados profesionales, haciendo uso de herramientas y servicios en varios países. En cuanto a la pandemia, nos retrasó la grabación de las voces, que tuvieron que esperar a que amainara la primera ola, pero conseguimos seguir progresando en el álbum a pesar de ella”.



¿Cómo están las cosas, por cierto, por allí por Boston y en Estados Unidos en general?

(J) “Convulsas, un poco como en todas partes. Todo recuerda demasiado a la película ‘Idiocracia’, de Mike Judge, en la que se representa un futuro distópico en la que el mundo está dominado por una propaganda y una estupidez galopantes. Mientras escribo estas líneas compruebo ansioso si ya ha acabado el recuento de votos en las elecciones americanas. Con un poco de suerte las cosas estarán mejor cuando se publique esta entrevista”.

(E) “Sí, a estas horas todos estamos pendientes de unos miles de votos que puedan poner fin al reino de este subnormal. Yo no comparto muchas de las ideas de Joe, pero al lado de Trump, es un santo. Aquí en Boston casi nadie apoya a Trump. Boston es una ciudad universitaria, y por tanto tiene muchísimo vigor intelectual, a todos los niveles, desde el académico más puro hasta el underground artístico y literario. Muchas de las corrientes intelectuales locales tienen vocación política de izquierdas. Nueva Inglaterra en general es una región muy educada, y tiene mucha tradición cultural. Al fin y al cabo aquí vivieron y escribieron H.D. Thoreau, E.A. Poe, H.P. Lovecraft entre muchos otros autores de nivel mundial. Tiene poco que ver con la América que pinta Mike Judge”.

El tema “Puppeteers Bane” rezuma Running Wild por los cuatro costados, ¿estáis de acuerdo con la afirmación o es mera casualidad?

(Je) “Aunque todos somos grandes fans de Running Wild y el riff inicial a semicorcheas puede claramente ser un riff de su estilo, ¡no lo tengo tan claro respecto al resto de la canción! El objetivo principal era intentar evocar la atmósfera de bandas con un sonido más “folk”, tipo Falconer, y eso es lo que se escucha en el puente antes del estribillo y, más marcadamente, en el propio estribillo. En todo caso, es un honor ser comparados con una banda tan grande e influyente”.

En vuestro sonido descubrimos la perfecta combinación entre el power metal europeo y el power metal norteamericano. ¿Qué diferencias existen entre ambos?

(Je) “La respuesta a esta pregunta tiene mucho debate, pero desde mi perspectiva, las bandas originales que llamamos ‘power metal norteamericano’, esas bandas como Riot, Jag Panzer, Liege Lord, Helstar, etc. tienen más en común con el heavy clásico pero han evolucionado con una versión más agresiva de ese sonido, mientras que en el power metal europeo, hay un énfasis cada vez mayor en estribillos pegadizos, una velocidad generalmente más alta y más presencia de elementos de teclado y orquestales”.

En el fantástico corte, “Oracles Prophecy”, colabora la gran Elisa C. Martin, ¿cómo se gestó tal colaboración? ¿En qué proyectos anda enfrascada?

(E) “Pues la colaboración surgió a raíz de una versión que ideamos yo junto con mi amigo Tino Hevia (Reveal, ex-Northwind, ex-DarkSun) justo al comienzo de la pandemia. La canción es “Mordred’s Song” (Blind Guardian). Elisa trabajo con nosotros en esta cover, y luego yo la invité a colaborar. Elisa se prestó encantada, y el resultado es fantástico. Yo creo que es el tema que más me gusta del álbum después de “Misbegotten Dream””.

¿Se están llevando a cabo conciertos y actuaciones en directo en Estados Unidos? Si es así, nos podéis hacer llegar alguna recomendación. Aquí toda la escena artística está prácticamente paralizada.

(E) “Ahora mismo la escena en Estados Unidos está prácticamente paralizada. Y visto cómo avanzan los números de infectados, no parece que se vaya a recuperar la normalidad en los próximos meses. Así que los músicos nos estamos centrando en utilizar las plataformas de internet para mantener el contacto con los fans. YouTube, conciertos en streaming, eso va a ser el principal medio por ahora. Pero hay que cuidar mucho la situación. Nosotros, por ejemplo, apenas quedamos para ensayar para evitar riesgos, trabajamos mucho desde casa. Las herramientas digitales e internet permiten que continuemos creando contenido a pesar de las barreras sociales. Pero por esto mismo, el apoyo del trabajo de los músicos a través de herramientas como Bandcamp es más crucial ahora que nunca. Los conciertos no son una opción para recuperar costes de producción, así que la venta de merch y producto físico es la única manera que nos queda para poder recuperar la inversión”.

Cuando la situación internacional vuelva a la normalidad, ¿tendremos la oportunidad de veros por nuestro país?

(E) “Estaríamos encantados de girar por Europa o visitar España en la temporada de festivales. Pero hoy por hoy es muy difícil planear ese tipo de eventos”.

Para ir terminando, ¿de quién es la vistosa, colorida y original portada del álbum? ¿Cómo podemos hacernos con una copia del mismo desde España?

(E) “Por ahora todos los discos los estamos vendiendo desde nuestra cuenta de Bandcamp. Estamos en conversaciones con varios sellos europeos para una posible reedición licenciada así como para un contrato discográfico que cubra nuestro siguiente trabajo, pero aún no os podemos dar más detalles. Aun así, lo mejor es que nos apoyéis directamente comprando el CD desde la página de Bandcamp. En cuanto a nuestra portada, es obra de Piotr ‘Kaeshin’ Bednarczuk, un tipo que trabaja para compañías de videojuegos y que tiene mucho talento”.

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El Pirata recibe la Antena de Oro por su labor en la radio rockera

Nuestro colega El Pirata, referente histórico de periodismo musical en nuestro país (especialmente en la materia del rock y el metal) ha sido galardonado con el Premio Antena de Oro, reconocimiento recibido por su labor al frente de ‘El Pirata y su banda’, uno de los espacios más destacados de la parrilla de Rock FM y que lleva desde 2012 al pie del cañón. Muchos más años lleva El Pirata llevando nuestra música preferida a las ondas, logrando haberse convertido en un icono inconfundible del género en nuestro país.

Juan Pablo Ordúñez (nombre real del locutor y productor musical natural de Talavera de la Reina) ha agradecido ser honrado con dicho premio: “Me enorgullece que un jurado tan plural se hayan puesto de acuerdo para concederme este reconocimiento, sólo espero que no tarden otros 50 años en dárselo a alguien que se dedique a la radio rock”. Algunos de los otros ganadores de esta edición han sido los periodistas Juan Ramón Lucas, Dieter Brandau, Ana Rosa Quintana o Vicente Vallés.

El Pirata nunca falta a su cita con La Heavy, y este mes se ha pasado por nuestras oficinas para hacerse con el número 426 y de paso, vía vídeo,  invitaros a todos los que no os hayáis hecho con él a que corráis a vuestro quiosco más cercano, donde la encontraréis por tan solo 4 euros.



Jinjer (protagonizando su portada Tatiana Shmaylyuk), Doro, Visions of Atlantis o Draconian son algunas de las protagonistas del especial mujeres del metal que encontrarás en esta revista, que también cuenta entre sus páginas con nombres como los de AC/DC, Eddie Van Halen, Motörhead, La Polla Records, Sodom o Alter Bridge. Puedes conseguir también La Heavy 426 en nuestra tienda online.

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Brian Johnson confirma la intención de AC/DC de ofrecer conciertos para presentar “Power Up” en directo

El cantante de AC/DC ha remarcado el deseo de su banda de poder defender en directo el recientemente publicado ‘Power Up’. Por motivos evidentes, los planes de futuro de la banda australiana (así como los de todo trabajador de la industria de los espectáculos en directo) son aún una incógnita, si bien Brian Johnson se niega a tener que renegar ya de no poder presentar en directo este nuevo disco del grupo.

Esta ha sido una de las reflexiones que el vocalista británico ha realizado en un vídeo dirigido expresamente a los fans de AC/DC y en el que precisamente arranca agradeciendo a los mismos haber hecho de ‘Power Up’ un disco de oro y nº1 en ventas tanto en España como en otros 15 países. “Queríamos hacer sentir orgulloso a Malcolm, y vosotros nos habéis hecho sentirnos orgullosos”, también confiesa Brian. En cuanto a los planes de AC/DC en directo, Johnson señala que cuando toda esta mierda termine, queremos veros en vuestras ciudades. Lo intentaremos todo para tocar estas grandes canciones para vosotros. Hasta entonces, quiero que os mantengáis a salvo. Las cosas de alrededor están siendo duras, y esperamos haceros sonreír durante una o dos horas”.



En este mismo comunicado el vocalista desvelaba que AC/DC se va a animar a grabar un vídeo de una de las canciones de su nuevo plástico de forma virtual, es decir, contactando sus integrantes a través de una plataforma de videollamada (siguiendo el formato que numerosos grupos han empleado durante la presente pandemia). Estaremos muy atentos a los próximo movimientos de Brian y compañía.

No paséis por alto que que AC/DC forma parte de La Heavy 426 gracias al análisis en profundidad que realizamos en esta revista de ‘Power Up’. El número 426 de La Heavy incluye del mismo modo el especial mujeres del metal, del que forman parte Jinjer, Doro, Visions of Atlantis o Draconian entre otras bandas. También Eddie Van Halen, Motörhead, La Polla Records, Sodom, Alter Bridge, Dark Tranquillity o Tyler Bryant & the Shakedown forman parte de la revista. La Heavy 426 sigue en todos quioscos por 4 euros y en nuestra tienda virtual. ¡Hazte ya con ella si aún no la tienes!

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Bolsa de noticias: Brunnhilde – Scarecrow Avenue – i-Land – Cives – 4 de Copas

Brunnhilde lanza single, Scarecrow Avenue versiona a Hamlet, i-Land presenta nuevo adelanto de su siguiente álbum, Cives anuncia show en Madrid y 4 de Copas pone en preventa su nuevo álbum.

Brunhilde publica el vídeo de “Where Are You Going?”, su nuevo single

Brunhilde no ha querido cerrar este 2020 sin deleitarnos con una nueva canción una vez puesto en la calle el EP ‘Choir Boy’ hace unos meses. Ahora, la banda de rock alemana ha lazado el single “Where Are You Going?” acompañado de su respectivo videoclip. ¡Os lo dejamos aquí!

Os recordamos que este verano tuvimos la oportunidad de hablar con Carolin Loy, vocalista de Brunhilde. Haz click aquí para leer esta entrevista.


Scarecrow Avenue versiona “Imagine” de Hamlet

La banda de metal natural de Cartagena ha presentado la cover que sus miembros han realizado del tema “Imagine”, original de Hamlet e incluido en el disco ‘Syberia’ de los madrileños y, en palabras de Scarecrow Avenue, “referentes musicales a todos los niveles para nosotros”. ¡Disfrutad de esta versión!

Este videoclip ha sido dirigido y producido por Willi Palazón, mientras que la mezcla del corte ha corrido a cuenta de Guiye Gods. Por otra parte, os invitamos a escuchar “Titán”, “Siglo XXI”, “Dragón” y “Soma”, adelantos del próximo disco de Scarecrow Avenue, ‘Ártico’.


i-Land estrena “Just an Illusion”, adelanto de ‘Unplugged’

Nuevo single de ‘Unplugged’, el siguiente álbum de i-Land que verá la luz próximamente y del que ya hemos tenido la oportunidad de escuchar los cortes “Just Another Try” y “Voices”. Para esta ocasión, el combo que se mueve por el terreno del rock americano ha decidido lanzar “Just an Illusion”. ¡Escuchadlo a continuación!

Continuaremos pendientes de la actualidad del cantante Fasur Rodríguez, el guitarrista Leo Zanello, el bajista Juanka Trujillo y el batería Miguel Zigarán a la espera de más información de este próximo disco.


Cives anuncia show en la Sala Vesta de Madrid

Tras la buena acogida que el tema “Dinamita” (adelanto del próximo disco de Cives de nombre ‘10000 veces mejor’) ha obtenido, la banda de rock alternativo natural de Madrid ha anunciado que el próximo días 12 de diciembre tocará en la Sala Vesta de la capital. Este es el vídeo con el que sus miembros han invitado a los fans de Cives a acudir.

Este show de presentación del mencionado ‘10000 veces mejor’ arrancará a las 18:30h. El único lote de seis entradas que queda aún a la venta puede adquirirse haciendo click aquí.


4 de Copas pone en funcionamiento la preventa de ‘A fuego’, su nuevo disco

Este 5 de diciembre verá la luz ‘A fuego’, el nuevo esfuerzo de estudio de 4 de Copas, aunque los fans más acérrimos del combo de rock cántabro pueden reservar su copia a través de este enlace ya, donde no sólo se encuentra disponible la preventa, sino también merchandising del mencionado álbum.

El pasado mes de septiembre el grupo lanzaba el videoclip del adelanto “Prefiero Cantar”, en el que colaboran Kutxí y ‘Kolibrí’, cantante y guitarrista respectivamente de Marea.

Recordamos que ‘A fuego’, sexto disco de estudio de 4 de Copas,  verá la luz de la mano de Rock Estatal Records, y su productor musical será el propio ‘Kolibrí’.

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Bon Jovi y Bruce Springsteen protagonizan paneles publicitarios para concienciar del uso de la mascarilla

Ante una amenaza como a la que estamos haciendo frente, todos los efectivos en contra del coronavirus son determinantes. Desde material higiénico-sanitario hasta las ansiadas vacunas, pasando por líderes de opinión que conciencien a sus seguidores del correcto uso de las medidas de seguridad y seguimiento de los protocolos. Jon Bon Jovi y Bruce Springsteen, dos de las mayores estrellas del rock en Estados Unidos, han hecho eso precisamente.

Los dos artistas de Nueva Jersey han participado en una campaña de New Jersey Pandemic Relief Fund junto al cómico y actor Jon Stewart apareciendo en numerosos paneles publicitarios con el eslogan “¡Ponte la condenada mascarilla!”. “Acompañado de amigos de New Jersey para animar a todos esta época de fiestas a llevar la condenada mascarilla. Vamos a unir esfuerzos para volver a hacer lo que mejor hacemos: cantar solos y bailar juntos”, ha afirmado vía Twitter The Boss.

Esta no es la primera vez que Bon Jovi y Bruce Springsteen han arrimado el hombro para apoyar a su comunidad. El pasado mes de abril ambos participaban en Jersey 4 Jersey, evento online para recaudar fondos contra el coronavirus. Jon, por su parte, también colaboró en verano con el chef José Andrés con fines solidarios.

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Michael Schenker desvela los entresijos de “Immortal”, su nuevo disco con Ronnie Romero a la voz

Será el 29 de enero cuando vea la luz de la mano de Nuclear Blast ‘Immortal’, el nuevo disco de Michael Schenker Group con el que el legendario guitarrista celebrará, además, 50 años de trayectoria. Una vez hemos disfrutado del lyric video de “Drilled to Kill”, en el que, por cierto, participa Ralf Scheepers, cantante de Primal Fear), ahora Michael Schenker ha analizado cómo se llevó a cabo el proceso de grabación del mencionado álbum en el primer tráiler publicado del mismo. Os dejamos con sus declaraciones:

Cabe destacar que ‘Immortal’ se tratará del primer disco de MSG en el que la banda cuente con Ronnie Romero (vocalista de Rainbow y Lords of Black) como cantante principal. El propio artista chileno nos habló de su ingreso a la banda a su paso por la edición de Musicolandia, dirigida por Mariskal Romero, del pasado 20 de octubre. Os volvemos a dejar el podcast de aquel encuentro:

Tomad nota también del listado de canciones que incluirá el plástico en cuestión, cuya preventa ya se encuentra activa haciendo click aquí.

01. Drilled To Kill
02. Don’t Die On Me Now
03. Knight Of The Dead
04. After The Rain
05. Devil’s Daughter
06. Sail The Darkness
07. The Queen Of Thorns And Roses
08. Come On Over
09. Sangria Morte
10. In Search Of The Peace Of Mind

Os recordamos al mismo tiempo que MariskalRock fue uno de los medios que tuvo la oportunidad de estar en la preescucha vía streaming de ‘Inmortal’ en la que el propio Michael nos recibió. Si quieres saber qué comentó entonces el alemán de este inminente trabajo, entonces haz click aquí.

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