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Crítica de Foo Fighters: Medicine At Midnight

La última piedra en el decálogo discográfico de Foo Fighters supone un trabajo inesperado. Súbito por muchos motivos. Se grabó hace un año. Es el trabajo que celebra sus 25 años en activo. Su segundo producto junto al producto Greg Kurstin. Un álbum de tan solo nueve canciones. La verdad es que ‘Medicine At Midnight’ me daba miedo después de aquel casi anecdótico ‘Concrete & Gold’ de 2017.

Quizás hace cuatro años, la bomba atómica que supuso intentar cambiar su sonido fue demasiado precipitada y la mezcla no cuajó lo suficiente peor ahora todo se ha dejado reposar, y los foos han rescatado temas de la época de Nirvana como “Cloudspotter”, uno de los hits del disco y una de las canciones más viejas del repertorio del señor Grohl. Es verdad que desde que salió “Shame, Shame” (número 2 de 9) y la tocaron en el Saturday Night Live, los seguidores acérrimos del sexteto están desconcertados.

Suerte que cuando leas esta reseña quizás ya hayan avanzado la mayoría de cortes del disco pero hasta ahora “No Son Of Mine’” (6 de 9) podría estar en cualquiera de los elepés que han editado desde aquel lejano debut de 1995. La verdad es que este trabajo supone su ‘a la mierda con todo’ particular. Han hecho lo que han querido y han tocado para divertirse, se han divertido en la composición y en el estudio y su única pretensión es que nos divirtamos desde su salida oficial hasta que se suban a un escenario el próximo verano.



Desde la inicial “Making A Fire” hasta la final “Love Dies Young” no encontramos ningún tema similar al otro. Más bien podría ser una compilación de descartes desde que el líder de The Bird & The Bee entrara en sus vidas. El tercer adelanto ha salido al cierre de este número y “Waiting On A War” (4 de 9) sí que marca un punto de inflexión perfecto entre los antiguos Foo Fighters y lo que nos traerán los años venideros. Si seguimos con los números pares, yo me quedo con la octava “Chasing Birds” que no creo que toquen nunca en directo pero podría ser una de las baladas y medios tiempos más románticos de su carrera.



Ahora nos toca hablar de los impares. Pero hagámoslo al revés. La última “Love Dies Young” podría ser la receta perfecta de Taylor Hawkins. Una batería muy a lo The Killers, unas guitarras distorsionadas a lo Van Halen, una canción divertida y un sencillo muy potente. “Holding Poison’” y el teclado de Rami Jafee (anteriormente en The Wallflowers) nos regalan una canción de AOR que espero que cuando cumpla los mismos años que tiene Pat Smear siga sonando en las radios. ‘”Medicine At Midnight” es el quinto peldaño del disco y da nombre a la nueva reencarnación de Foo Fighters. Una pieza barroca sustentada en un sutil riff de guitarra. Con juegos vocales y coros a doquier más la plasmación de toda la parafernalia de bagaje musical que arrastra ‘The Nicest Guy In Rock’. “Cloudspotter” (3 de 9) nació en el cuarto de la lavadora de Dave Grohl. Podría haber nacido de su encuentro con Prince. Sexy y rompedora. El estribillo destroza a cualquiera roquero que se precie.



Y acabamos por el principio. “Making A Fire” nos anuncia que vamos a encontrarnos durante todo el redondo. Tenemos solos de guitarra, enérgicos golpes de batería, voces coreando (‘na, na, na’), Dave en el centro de todo y una banda que tiene seis piezas imprescindibles. Los Foo Fighters como nunca los habías oído antes. Con cada escucha ‘Medicine At Midnight’ va ganando enteros. Es un álbum arriesgado pero diverso. Muy bien hecho y con mucha calidad. Lo más importante pero, es que, en cinco meses, los tendremos por Europa tocando y el 17 de junio los podremos disfrutar en la Ciudad de las Artes y Las Ciencias de Valencia. Os aseguro que nuestros vellos se volverán a erizar.


¡Foo Fighters se ha hecho con la portada del número 428 de La Heavy gracias a las entrevistas que hemos realizado a Dave Grohl y Taylor Hawkins! Angelus Apatrida, Steven Wilson, Transatlantic, The Pretty Reckless o Steve Hackett son otros de los grupos y artistas con los que hemos hablado para esta revista, ya disponible en los quioscos por 4 euros y en nuestra tienda online por seis.

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Bring Me The Horizon alcanza el número 1 en las listas de Reino Unido con una estrategia de marketing atípica

La banda de metal inglesa Bring Me The Horizon está de celebración esta semana al haber conseguido el número 1 en las listas de ventas oficiales de Reino Unido con su ep ‘Post Human: Survival Horror’.

Hasta aquí, podría parecer algo normal dada la popularidad masiva de Bring Me The Horizon, que ya consiguió su primer número 1 en enero de 2019 con su disco ‘Amo’.

Sin embargo, lo que ha sorprendido es que el ep ‘Post Human: Survival Horror’ ha conseguido el número 1 tres meses después de que se publicase en plataformas digitales. ‘Post Human: Survival Horror’, que cuenta con colaboraciones de Yungblud y Babymetal, entró entonces en el número 5 de listas de ventas.

SIGUE LEYENDO: La crítica de MR sobre ‘Post Human: Survival Horror’

La banda de Sheffield se guardó el as bajo la manga reservándose la edición en formato físico, que llegó a tiendas el pasado 22 de enero.

Con la publicación en formatos como vinilo, cd y casete, los fans se han echado esta semana a la calle a buscar ‘Post Human: Survival Horror’ en físico. Las ventas han representando más del 90% del total de discos despachados BMTH esta semana

Algo inusual en los tiempos actuales cuando el formato streaming es con diferencia el más popular, pero que sin embargo demuestra que los fans de muchos grupos todavía tienen ansias por coleccionar material físico de sus bandas.

‘Post Human: Survival Horror’ compitió y ganó a otros lanzamientos de artistas como Biceps o Talor Swift. 

Oli Sykes adelantó a Official Charts de Reino Unido que: “no nos esperábamos conseguir el número 1 después de que el disco saliera hace 3 meses. Le queremos dar las gracias a nuestros fans, parece que es un momento buenísimo para la banda y una manera genial de empezar el año”.

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Mikkey Dee (Scorpions) confiesa lo duro que fue estar en Motörhead al principio: “Vi muchos problemas cuando me uní a ellos porque era bastante caótico”

El actual hombre a las baquetas de Scorpions y durante muchos años batería de Motörhead, Mikkey Dee, ha hablado acerca de lo complicado que se le hizo sus primeros compases en el combo liderado por el legendario Lemmy Kilmister.

Para hablar de este periodo de su carrera el músico se ha remontado a 1992 (año en el que ingresó en Motörhead) en una charla con Cassius Morris Show: “Me di cuenta de que Motörhead no es solo una banda, es una institución. Estos tipos estaban tan jodidamente locos que nunca había visto algo así”.

“Me consideraba un novato muy joven en aquel momento, sentía que todavía no pertenecía a esa categoría. “Necesito ganarme mis galones, necesito estar de gira, hacer algo de rutina y tal vez pueda encajar en una banda como esta”. Porque si me unía a la banda, me gustaría marcar la diferencia. Vi muchos problemas en Motörhead cuando me uní a ellos porque era bastante caótico”, continuaba relatando Dee.

“Tenías a Wurzel (ndr: el guitarrista Michael Burston, que estuvo en la banda hasta y 1995), a Phil (ndr: el guitarrista Phil Campbell, ahora al frente de Phil Campbell & the Bastard Sons) y a Lemmy, tres miembros que no querían ocuparse del negocio en absoluto. Solo querían tocar rock ‘n’ roll y divertirse. Entré en la banda y asumí ese papel de inmediato junto con nuestro manager. Tuve el mismo papel con King Diamond, y prácticamente el mismo papel con Dokken; una especie de intermediario”, proseguía.

“Simplemente no les interesaba. Pensaban que el negocio era una industria chupa sangre que solo quería aprovecharse de ellos. Y tenían razón, porque hasta ese momento era un caos. Se les trató duramente de muchas maneras. Los sellos y la administración… La gente se aprovechó de ellos. No digo que fueran estúpidos de ninguna forma, pero no estaban lo suficientemente involucrados en muchos de los detalles, diría yo”. Afortunadamente para Mikkey, una persona surgió para ayudarle a dirigir este timón.

“Cuando conseguimos a Todd Singerman como nuestro manager se quedó hasta el final, y sigue siendo el mejor tipo que he conocido en esta industria en lo que respecta a la honestidad y el trabajo duro. Él todavía se ocupa de la propiedad de Motörhead, todo tiene que pasar por Todd, y eso es genial. Todos amamos a Todd. Y Lemmy había confiado plenamente en él, así que Todd y yo nos hicimos cargo de esa parte. Fue genial, fue fantástico. Así es como quería que fuese, y vi a Lemmy muy aliviado: “No quiero hablar de esta mierda. Siempre se trata de dinero, siempre se trata de esto”. “Bueno, tenemos que hablar de eso”. “Ocúpate tú”. Y lo hice”, finalizaba.

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Nergal (Behemoth) carga contra el gobierno de Polonia por la prohibición del aborto: “¡Exterminad el cáncer religioso! ¡Que le jodan al sistema!”

La más que polémica prohibición del aborto en Polonia, llevada a cabo a manos del Tribunal Constitucional del país gobernado por Ley y Justicia, partido ultracatólico y de extrema derecha dirigido por Jaroslaw Kaczynski, ha derivado en jornadas de manifestaciones contra las medidas impuestas y en una enorme crispación popular.

Nergal, frontman de Behemoth, no se ha mostrado ajeno al momento tan delicado que su país y las libertades del mismo atraviesan actualmente, y a través de Instagram ha compartido una contundente reflexión posteriormente eliminada: “Hoy, el gobierno polaco ha impuesto una prohibición casi total de todos los abortos, incluida la interrupción de embarazos con defectos fetales. ¡Estoy apasionadamente enfurecido! A raíz de este discurso político, Polonia ha estado en una espiral descendente hacia el olvido social durante años. Estamos regresando al oscuro y aterrador pasado medieval”.

“De ahora en adelante, mis queridas mujeres, a los ojos de los líderes políticos polacos sois solo una herramienta de crianza en su rigurosa narración católica, NO tienen ningún control sobre vuestro cuerpo en absoluto. Las consecuencias de elegir a los fundamentalistas religiosos como autoridades de tu país: continúas limitaciones y censura de las principales libertades humanas. ¿Qué se puede hacer? Bueno, la batalla está perdida… Pero la guerra debe ser ganada por aquellos iluminados y progresistas”, continuaba.

“¡NO ceséis en vuestra lucha, corred la voz, hablad y apoyad a las mujeres polacas en su lucha implacable! ¡¡¡EXTERMINAD EL CÁNCER RELIGIOSO! ¡Que le jodan al sistema!”, sentenciaba Nergal.

¿Qué os parecen estas palabras del músico? ¿Estáis de acuerdo con su postura frente a esta prohibición?

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Chester Bennington (Linkin Park): Sus bandas preferidas y mayores influencias

Coincidiendo con la publicación del EP ‘Ameds… Striped’, Grey Daze ha recuperado parte de una entrevista ofrecida a la estación de radio Phoenix KEDG en la década de los noventa, cuando entre sus filas aún se encontraba Chester Bennington, quien más tarde saltaría a la fama internacional de la mano de Linkin Park.

Kerrang! ha sido el medio que ha publicado dicho extracto, en el que el vocalista hablaba de sus influencias y grupos preferidos: “Soy un tipo bastante sesentero. Me gusta toda la música que apareció en los sesenta. Jimi Hendrix, The Doors, The Mamas & The Papas… No me gustan tanto The Beatles.

“También me gusta mucho el hard rock que apareció en los setenta. Muchas de mis influencias son de ahí. Led Zeppelin, Iron Butterfly… Cosas así, básicamente. Muchas de mis influencias vinieron de los ochenta también. No sé, ¡básicamente todo el mundo en la música”, desvelaba un joven Chester por aquel entonces.

Durante esta charla Bennington también hablaba del surgimiento de Grey Daze y de su ingreso al grupo: “Básicamente, Jon (ndr: Jonathan Krause, bajista) y Sean (ndr: Sean Dowell, batería) se juntaron, querían comenzar un proyecto y hacer las cosas de la manera correcta. Hallaron un guitarrista, pusieron un anuncio en The New Times para encontrar otro guitarrista y sugirieron por una de nuestras viejas cintas (viejas cintas de Sean de nuestra antigua banda) que yo volviera y cantar. Así que bajé, hice una audición y conseguí el trabajo”.

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“El rock no ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos”

Que desde hace unos cuantos años hasta esta parte el rock se ha puesto en tela de juicio en numerosas ocasiones a la vista de la expansión de otros géneros musicales y la aparente a priori escasez de nuevas generaciones que tomen el relevo (tanto sobre el escenario como en la pista) no debería de pillar por sorpresa a mucha gente.

Sobre la actualidad del rock ha hablado Steven Wilson, que acaba de publicar ‘The Future Bites’, nuevo disco del prolífico artista británico (el cual hemos reseñado) en la charla que encontraréis entre las páginas de La Heavy 428.

Durante esta entrevista Víctor Vallespir preguntaba al que fuera líder de Porcupine Tree (y que desde el final de la banda se ha decantado por un particular estilo progresivo) por si es preocupante para el rock que músicos como él puedan encontrarse faltos de inspiración al coger una guitarra. Esto comentaba Steven: Amo la música rock, sigue teniendo un espacio muy especial en mi corazón, pero para mí es difícil identificarme con algo de este siglo relacionado con el rock que haya sido realmente innovador. Durante el siglo pasado el rock iba reinventándose, con el progresivo, el punk, el grunge, el new wave… pero desde esos tiempos nada, al menos en el mainstream, ha sonado fresco y ha sabido conectar con las nuevas generaciones”.

“Es una pena, porque ahora parece que el rock es algo meramente underground, que no aparece ni en la radio ni en los grandes festivales. Pienso que esto está sucediendo porque el rock no ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos. ¡Aunque espero poder equivocarme y que alguien me diga lo contrario! Recuerda Nirvana, que consiguió cambiar el panorama con tan solo un disco, ojalá aparezca algo similar en el futuro”, sentenciaba Steven, que presentará este nuevo LP en nuestro país. ¿Estáis de acuerdo con esta opinión o en contra? ¡Hacednos saber vuestra opinión a través de los comentarios!

Por otra parte, si no queréis perderos la entrevista al completo, no dudéis en haceros con el número 428 de La Heavy, donde encontraréis tanto este encuentro con Wilson como las conversaciones que hemos mantenido con Foo Fighters, Angelus Apatrida, Transatlancic, The Pretty Reckless o Steve Hackett entre otros muchos. Haceros ya con ella en el quiosco po 4 euros o en nuestra tienda online por 6.

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Crítica de Somosuno: Loco

Frente a proyectos artificiales sin alma ninguna que suenan igual unos a otros, siempre quedará espacio para esas propuestas que destacan por su toque personal, una importante cualidad que a veces se alcanza desde el debut y otras no aparece en lo que resta de trayectoria. Ya se sabe que el cielo no solo está plagado de buenas intenciones, sino también de copias baratas. Busquemos sin cesar entonces esa peculiar suma de factores cercana a la magia.

Pero en ocasiones esa conjunción de los astros no resulta tan complicada de lograr. Así se desprende al escuchar a esta coalición de talentos en la que confluyen un argentino, un portugués, un vocalista catalán y un producto ibicenco en bruto como el guitarrista Xavi Cardona, que sobresale por la calidad de sus solos. Un proyecto “de vida” que nació en 2015 con la voluntad de abarcar un amplio espectro, según podemos inferir de este versátil primer EP en el que se mueven en un territorio que va desde el rock urbano hasta el blues añejo.

De esta forma, “Sopa de mentiras” apela por su tono suburbial más a formaciones tipo Sínkope que a una recurrente y perezosa comparación con Extremoduro. En este aspecto, destaca una voz personal que algunos ya han comparado con Loquillo, así como esos colosales punteos que se convierten casi desde el principio en una de las señas de identidad del grupo y que en ciertos momentos destilan cierto aire al Fito &Fitipaldis de los inicios.



“Mensaje en clave” posee asimismo una presencia importante de las seis cuerdas, pese a que la base rítmica juegue un papel capital, mientras que en “Quizás no soy tan fuerte” se escoran hacia su lado más poético con una inspirada letra sobre algo tan crucial como aceptarse a uno mismo. Y en esa misma senda sosegada podría encuadrarse “Corazón de piedra”, una balada en la que vuelven a cobrar relevancia las palabras empleadas, así como la guitarra de Cardona, que sazona la pieza con la precisión de un cocinero experimentado. Muy interesante el tono eléctrico que acaba adoptando al final.

“Bowie” no incitará tampoco a desmelenarse, pero dispone de un inicio bluesero sensacional y un estribillo bastante decente para entonar a pulmón. Imposible del mismo modo obviar ese rotundo mensaje a favor de la libertad artística en el que los más avezados se acordarán del inmenso legado del Duque Blanco al que alude el título. “Loco, pero real”, no se puede definir mejor.

Y dejan un duradero sabor de boca agradable con “Perdóname”, cima absoluta del conjunto con un empiece con cabalgadas a lo Iron Maiden que bordea el heavy metal antes de fundirse en la atmósfera de garito de combos tipo Platero y Tú. Para quitarse el sombrero una vez más con la labor guitarrística de Cardona. Ojalá reincidieran con mayor frecuencia en esta faceta desbocada y netamente eléctrica.

Lo único malo de este lanzamiento es lo rápido que se te pasa, casi sin tiempo para paladear los múltiples detalles escondidos que atesora en su interior, por lo que esperamos desde ya con ganas futuro material. Calidad a borbotones que no entiende de géneros trillados ni de música con estrofas que parecen más bien campañas de publicidad. Recomendable para antisistemas puros de espíritu.

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AC/DC: El consejo de Malcolm Young a Angus cuando murió Bon Scott

Pocas bandas han sabido recomponerse de un golpe como es la muerte de uno de sus integrantes, especialmente de alguien tan carismático como fue Bon Scott. AC/DC supo continuar haciendo girar la rueda con la llegada de Brian Johnson a los micrófonos y el lanzamiento de ‘Back in Black’, LP dedicado a Bon y uno de los más exitosos del conjunto.

En aquel 1980 que arrancó con la pérdida de Scott, Angus Young recibió un consejo de su hermano que el guitarrista ha recordado durante una entrevista concedida a Rolling Stone. Así fue la llamada que Angus recibió de Malcolm Young cuando se supo de la pérdida de su vocalista: “Me llamó y me dijo: “Vamos, volvamos a ello”, porque en ese momento habíamos estado escribiendo canciones que más tarde se convertirían en temas de ‘Back in Black’”.

“Dijo: “Mira, en lugar de estar los dos deprimidos, simplemente entremos al estudio y hagamos lo que estábamos haciendo antes. Simplemente tocaremos y, con suerte, nos ayudaremos a pasar por esto”. Y eso es lo que hicimos. Fue una buena terapia, y probablemente fue su forma y la mía de lidiar con las cosas. Esa fue probablemente la fuerza de Malcolm. Él decía: “Está bien, veamos qué podemos hacer. Saquemos lo mejor de la situación””. Para fortuna del grupo, la llegada de Johnson vino acompañada de un éxito sin precedentes para los australianos.

Recordamos que hace cuestión de días salían a la luz canciones cantadas y compuestas por Bon Scott nunca antes publicadas.

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Black Sabbath: Sale a la luz una grabación inédita de “Heaven and Hell” de 1979

Más de 40 años después de que viera la luz ‘Heaven and Hell’, el laureado primer álbum de Black Sabbath con Ronnie James Dio (excantante de Rainbow) a la voz, se ha recuperado una grabación nunca antes publicada de una sesión de grabación de este trabajo.

La pista en concreto, inmortalizada en 1979, cuenta con el aliciente de que en ella toca el bajo Geoff Tate, quien fuera teclista en directo de la banda de Birmingham durante 20 años, además de en 10 discos de la banda. El motivo de este trabajo de Tate a las cuatro cuerdas fue la negativa de Geezer Butler a participar en las sesiones de grabación de ‘Heaven and Hell’, habiendo amenazando con abandonar la banda (si bien finalmente no lo hizo en aquel momento).

¡Os dejamos con este genial descubrimiento a continuación!

Como se comenta en la propia descripción del vídeo, esta grabación ve la luz cuatro años después del fallecimiento de Geoff, que perdía la vida víctima de un cáncer de pulmón: “Geoff Nicholls falleció hace cuatro años, el 28 de enero de 2017. Esta pista es un homenaje a él. Recientemente encontré este casete de cinta SONY C-90 entre los miles de archivos de Geoff Nicholls. En la tarjeta de está escrito: “ON & ON HEAVEN & HELL VERSIÓN ORIGINAL GEOFF TOCANDO EL BAJO”. Dentro de la caja del casete había un Maxell UD 90. En el lado B está escrito “ON + ON HEAVEN HELL ORIGINAL GEOFF AL BAJO”. En ninguna parte dice que esto sea Black Sabbath en el casete. “On And On Heaven And Hell” pudo haber sido el título provisional original”.

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La selección finlandesa de hockey sobre hielo homenajea a Alexi Laiho (Children of Bodom)

Children of Bodom ha protagonizado un importante capítulo en la historia de la selección de hockey finlandesa, poniendo la banda sonora al logro más reciente del equipo sub-20 de esta disciplina.

Tal y como la banda del fallecido Alexi Laiho, quien nos dejaba a principios de mes, recoge en su página web, a principios del mes de enero los hombres dirigidos por Antti Pennamen eran derrotados en las semifinales del campeonato mundial juvenil ante Estados Unidos. El entrenador, sabedor de que su conjunto aún podía llevarse la medalla de bronce de este torneo en el partido por el tercer puesto contra Rusia, y con el objetivo de levantar los ánimos entre sus filas, recurrió al tema “Are You Dead Yet?” para arengar a los jóvenes. Este partido se jugaría el 5 de enero en Edmonton, Alberta (Canadá), un día después de que se diera a conocer la muerte del prodigioso músico.

“Pennanen había puesto música metal antes de los partidos para amplificar el espíritu de lucha del equipo. En ese momento, decidió intentar encontrar un rayo de luz a pesar de lo sucedido, y le pidió a sus ayudantes que editara una pequeña película con los momentos destacados del torneo hasta ese momento. Como banda sonora de este clip motivador, Pennanen eligió “Are You Dead Yet?”, de Children of Bodom”, se explica en el comunicado.

La maniobra del míster no pudo tener mayor efecto en el equipo: “En la reunión del equipo antes de enfrentarse a los rusos, Antti puso esta película y habló sobre lo talentoso y único que era Alexi como músico. Alexi siempre será uno de los mejores guitarristas de la historia de la música. Antti enfatizó la importancia del partido que había por delante: los jugadores aún podían hacer historia. Los momentos en la vida en los que uno puede participar en partidos por medallas también son únicos. Con las palabras de Antti, las imágenes de la música de Alexi y COB en el fondo de sus mentes, los jugadores pisaron el hielo y vencieron a Rusia por 4-1”.

“Al día siguiente, Jaska Raatikainen (ndr: batería de Children of Bodom) leyó en las noticias de la mañana que los finlandeses habían ganado su último partido. Los titulares eran claros: “Ganar el partido del bronce fue nuestra forma de honrar la memoria de Alexi Laiho””, reza este mensaje.

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