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Wolf Hoffmann sobre “Too Mean to Die”, el nuevo disco de Accept: “Las partes vocales y las guitarras tienen un protagonismo especial”

Cada vez queda manos para que podamos hacernos con ‘Too Mean to Die’, el esperado nuevo trabajo de Accept que verá la luz este 15 de enero a través de Nuclear Blast. El inminente estreno de este LP ha llevado a Josep Fleitas a ponerse en contacto con el guitarrista del combo de heavy metal alemán, Wolf Hoffmann, dando como resultado una entrevista que podéis encontrar al completo en La Heavy 427.

Al ser preguntado sobre todos los matices que el cantante Mark Tornillo ha sido capaz de imprimir en los temas de este LP, Wolf realizaba la siguiente afirmación: “Esta vez hemos prestado una atención especial a las partes vocales y Mark ha hecho un trabajo extraordinario en ellas, ha sabido dar variedad y diferentes texturas a los amplios matices que las canciones contienen. En esta ocasión las partes vocales y las guitarras tienen un protagonismo especial, algo diferente que antes no habíamos propuesto de una manera tan cuidada y estudiada”.

MariskalRock fue uno de los medios que tuvo la oportunidad de asistir a la presentación online de ‘Too Mean to Die’, en la que el propio Hoffmann habló en detalle del siguiente disco de Accept y gracias a la que os trajimos un análisis de su tracklist. Por el momento, la banda ha compartido los singles “The Undertaker” y “Too Mean to Die”.

Aprovechamos para recordaros que en el número 427 de La Heavy podéis disfrutar tanto de esta conversación con el guitarrista como de otras muchas entrevistas que hemos realizado a grupos tales como Michael Schenker y Ronnie Romero, Dream Theater, Accept, Adventus o The Dead Daisies. ¡Consigue ya La Heavy en el quiosco por 4 euros o en nuestra tienda virtual por 6!

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¿Era “heavy metal” un término despectivo? Dee Snider (Twisted Sister) y Sebastian Bach (ex-Skid Row) no se ponen de acuerdo

Parece que los vocalistas Dee Snider y Sebastian Bach cuentan con opiniones distintas en cuanto a la naturaleza del término “heavy metal” durante el surgimiento de este género que nos apasiona.

Este encontronazo de posturas entre los frontmans de Twisted Sister y otrora de Skid Row respectivamente surgía después de que Snider comentara en Twitter lo siguiente: “Punk, grunge, metal, hair… Todos son términos despectivos surgidos para describir formas de música con desprecio. Y las bandas LO ODIABAN. Los grupos surgidos de estas bandas acogieron estas etiquetas”.

Ante esta afirmación, Sebastian respondía lo siguiente: “El metal no es un término despectivo. Hair es un término que nunca existió. Por favor, para, y así con suerte podremos tocar en festivales en Estados Unidos en vez de en ferias estatales. Si la palabra metal fuera despectiva, entonces no habría una banda llamada Metallica y tú no tendrías un disco llamado ‘For the Love of Metal’. Por favor, deja de tuitear sobre el hair, te lo suplicamos”.

“Te equivocas, Sebastian. Pero es entendible, eres mucho más joven que yo y no lo sabes (no es un ataque, amigo mío, tan solo un hecho). Y sólo es una conversación. La gente necesita ser educada”, replicaba Dee, a lo que Sebastian volvía a subrayar: “¿En qué me equivoco, Dee? ¿El metal es un término despectivo pero hay un álbum llamado ‘For the Love of Metal’? ¿Así que todos amamos a un término despectivo? ¿Cómo se explica una banda llamada Metallica? Te equivocas, Dee. El metal siempre ha sido guay. El hair metal nunca lo será”.

Snider apuntaba seguidamente lo siguiente: Black Sabbath trató de ser una banda de fusión de jazz y blues… Tan solo fue terriblemente mal”. Más tarde, cuando una seguidora de ambos artistas les pedía que no pelearan, el cantante de Twisted Sister quitaba hierro al asunto: “¡Amo a Sebastian!  Durante el período más oscuro de mi carrera, se mantuvo en pie como un fan de Dee Snider cuando pocos lo hubieran hecho. Siempre le estaré agradecido por no importarle lo que era “guay” en ese momento y hablar con orgullo de las cosas que amaba”.

“Amo a Dee. Siempre amaré la música que ha hecho. No importa cuánto Dee se vea a sí mismo como “hair metal”, siempre lo veré en un nivel mucho más alto de lo que eso implica. Es uno de los mejores líderes y vocalistas de todos los tiempos. Cualquier etiqueta cursi menor que esa es un insulto”, zanjaba Bach.

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Crónica de Vhäldemar en Bilbao: ¡Abajo las reglas arbitrarias!

Deberían dejar ya de tomarnos por tontos. O por lo menos disimular mejor los progres postmodernos que abogan por prohibir conciertos de todo tipo durante la pandemia. Que den la cara y digan claramente a la peña su voluntad de condenar a muerte o a la miseria absoluta a los miles de curritos que dependen del sector de la música en directo.

O a esos hosteleros que impiden trabajar en condiciones dignas. Lo hemos visto estos días por la red en miles de quejas repugnantes cuando un artista ha tenido la osadía de celebrar un evento multitudinario siguiendo las normas sanitarias pertinentes. Ni por esas. ¿Se puede o no se puede? ¿O está reservado ese derecho únicamente a los afectos al régimen, como en épocas pasadas?

En los tiempos actuales, acatar las reglas para los espectáculos en vivo no constituye ni de lejos un salvoconducto, puesto que a escasos metros de la sala ya te ponen una patrulla por si acaso alguien se pasa de la raya, ni los delincuentes más peligrosos gozan de una vigilancia tan exclusiva. Y no hablemos ya de los transportes públicos u otros ámbitos con patente de corso en los aforos. Pero es en estas complicadas circunstancias donde sobresalen los auténticos cruzados de la cultura, esos que no se arrugan ante nada y con la devoción de templarios medievales mantienen la fe incluso aunque en el exterior no cesen los ataques por doquier.

El bolo de presentación de nuevo disco de los vizcaínos Vhäldemar fue un ejemplo palmario de esto último, un derroche de voluntad inquebrantable, y seguro que hasta de imaginación, para adaptarse a los requerimientos de las autoridades. La intención inicial de hacer dos sesiones hubo que desecharla tras decretarse un draconiano toque de queda de inspiración militar. Y la limitación previa de horarios para actividades comerciales y culturales tampoco ayudaría demasiado. Una yincana de obstáculos para ver un simple concierto, lo nunca visto.

A pesar de los palos en las ruedas, por fin pudo acontecer la puesta de largo en Bilbao de ‘Straight To Hell’ y ahí estuvimos para contarlo, un recital trepidante desde el principio al fin y más heavy que una lluvia de hachas, hacía tiempo que no escuchábamos un sonido tan contundente en la Santana 27. Una cita avalada además por el respaldo de un público muy enfervorizado, teniendo en cuenta la obligación de permanecer sentado como si se tratara de una fiesta infantil. ¿Alguien sabe si agitar las greñas también transmite el dichoso virus?

Sin mucho preámbulo adicional, “Death To The Wizard!” puso de inmediato las cosas claras desde el inicio, todo un pistoletazo de salida que pondría en pie a cualquiera, bueno, si se pudiera. El clásico grito “¡A muerte!”, seña de identidad del grupo, ya se escuchó en diversos rincones. No podría existir mejor aval por parte del respetable.

“1366 (Old King’s Visions, Pt V)” mantuvo el tirón en la estratosfera sin pisar en absoluto el freno. En este sentido, para quedarse ojiplático resultaron una vez más las subidas y bajadas por el mástil de Pedro J. Monge, un colosal virtuoso a la altura de Yngwie Malmsteen o cualquier otro astro internacional, si en este país no fuéramos tan aldeanos en ciertos aspectos, se reconocería este hecho de inmediato. Todo un show en sí mismo ver a este señor sacando fuego a las seis cuerdas. Y sin ponerse brasas como otros.

Eso de tener al personal sentadito y calladito con mascarilla da para muchas coñas y el vocalista no dejó pasar la oportunidad. “Os dan de beber y todo”, dijo en referencia a una fecha que hicieron en Guipúzcoa hace poco donde se podía observar a gente “con petaquilla”. Y la homónima “Straight To Hell” quizás no cambie el futuro del metal, pero reproduce con precisión la mayoría de los tópicos que uno esperaría encontrar en cualquier canción heavy, esto es, una base contundente, gritos de los de desgañitarse y punteos que en un máquina como Pedro se antojan una auténtica maravilla. El confort de los sabores de sobra conocidos.

Continuaron los chistecitos sobre la nueva normalidad mientras el cantante nos aseguraba que por levantar un poco el culo de la silla no pasaba nada, antes de que subieran otro escalón en autenticidad con una pieza tan aguerrida como “Metalizer”. Los puños en alto no se bajarían de ningún modo con “Howling At The Moon”, con brazos moviéndose de un lado a otro con la melodía del comienzo. De los puntos álgidos del show, sin duda.

Lo de hablar entre tema y tema solo tiene pase si eres un tipo de ingenio desbordante como Jorge Ilegal, Julián Hernández de Siniestro Total o el vocalista Carlos Escudero, que tampoco anda mal servido en ese asunto. Una chica que teníamos detrás, por ejemplo, no cesó de reírse casi con cada comentario que soltaba, igual que si aquello fuera más El Club de la Comedia que un concierto de metal al uso. Y un servidor también se partió de lo lindo cuando tras pedir montar bulla, el voceras criticó la tibia respuesta diciendo: “Eso lo hacen en ‘Pirritx eta Porrotx’”, en relación a un popular espectáculo infantil de payasos.

Durante la velada hubo asimismo algún invitado como Dann Hoyos, virtuoso local que dejó su impronta en “Fear”, de los cortes más hard rockeros de ‘Straight To Hell’. Y se acordaron del jugador de baloncesto recientemente fallecido Kobe Bryant en “Black Mamba”, que desde luego no perdió rebote alguno en cuestión de ritmo.

El viejo truco de adentrarse entre el respetable también lo ejecutó el inquieto frontman con la precaución debida. “¡No me toquéis, no quiero virus!”, decía mientras chocaba algún que otro codo de espontáneos. Y no desaprovechó el encargado de las cuerdas vocales para cargar contra los grupos que afirman que su nuevo disco es el mejor y luego apenas lo tocan en directo. Ellos para nada son de esos impresentables, anda que no le dieron cancha a su plástico más reciente esa noche.

El único instante en el que aminoraron la marcha fue para presentar a la banda, algo siempre tedioso para un servidor, pero necesario, por lo menos echamos unas risas con el oscuro deseo del cantante de haber nacido con el nombre de “Leónidas”. Con el toque de queda acechando, el consabido parón para los bises quedó reducido a la mínima expresión, por lo que no tardaron en enfilar la recta final con el trallazo “Breaking All The Rules” o la ya histórica en su trayectoria “Lost World”.

Y en esa senda no erraron al confiar en “Energy”, otro de sus grandes himnos, para despedir una cita en la que no hubo baladas ni demasiadas muestras de flaqueza en el apartado estilístico. El versátil Dann Hoyos volvió a salir para marcarse un punteo vertiginoso y hasta Pedro aparcó el mástil por unos minutos para cantar un último estribillo a pulmón. Sin mácula.

En unos momentos en los que la música en directo está siendo atacada por fascistas sin escrúpulos, urge más que nunca reivindicar los conciertos rockeros, del metal al punk y sin olvidarse de ningún estilo intermedio. Rememos todos en la misma dirección hasta acabar con normas absurdas que no se aplican en otros lugares con mayor afluencia de gente como cualquier metro, bus o avión. ¡Abajo las reglas arbitrarias!

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Foo Fighters lanza “No Son of Mine”, nuevo single de “Medicine at Midnight”

Nuevo adelanto por parte de Foo Fighters del que será el décimo álbum de su trayectoria, ‘Medicine at Midnight’, el cual hará su debut el próximo 5 de febrero de la mano de Roswell Records/RCA Records.

Tras inaugurar la lista de singles con “Shame Shame” (estreno al que sucedería su correspondiente videoclip unos días más tarde), ahora Dave Grohl y compañía nos deleitan con el lanzamiento de “No Son of Mine”, otra de las nueve canciones que compondrán este disco. ¡Os lo dejamos a continuación!

Coincidiendo con la publicación de “No Son of Mine”, Foo Fighters ha compartido el siguiente mensaje en redes sociales: “Hola a todos. Hace casi un año exactamente que acabamos de grabar nuestro “nuevo” disco, ‘Medicine at Midnight’, con un enorme tour mundial planeado que nos hubiera llevado alrededor del globo celebrando nuestro 25º aniversario como banda. Pero bueno… Ya sabéis…”.

“Así que esperamos. Y esperamos. Y esperamos. Hasta que nos dimos cuenta de que nuestra música está hecha para ser escuchada, ya sea en la pista de un festival  con 50.000 de nuestros amigos más cercanos o estando solos en vuestra sala de estar un sábado por la noche con un cóctel fuerte. Así que la espera ha terminado. Mientras decimos “adiós (que te jodan), 2020”, y giramos la página del calendario a 2021, vamos a hacer sonar el Año Nuevo con la nueva y rockera “No Son of Mine”. Servíos una bebida, reproducidla, cerrad los ojos e imaginad que estáis en la pista de un festival escuchándola. Porque pasará, joder. Feliz año nuevo”.

La reserva de ‘Medicine at Midnight’, del que podéis echar un vistazo a su tracklist, ya se encuentra disponible a través de este enlace.

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¿Qué es el heavy metal? Rob Halford (Judas Priest) responde

Durante una aparición reciente en el show radiofónico ‘In The Light’ de SiriusXM, se le preguntó al frontman de Judas Priest, Rob Halford, qué significa el heavy metal para él. Su respuesta no pudo ser más elocuente: “Oh, son muchas cosas, pero creo que para sintetizarlo y hacerlo entender, para mí, siempre se ha tratado de la expresión dinámica de la música. Es la forma en que los elementos básicos de cualquier banda – el bajo, la batería, las guitarras y la voz – están todos en un lugar realmente fuerte y potente, poderoso y en su mayor parte, con tanto volumen que casi se define a sí mismo”.

“Es muy difícil decir qué es el metal, porque realmente tienes que ser capaz de interiorizarlo y experimentarlo sin cortarlo y cortarlo en cubitos, sin analizar en exceso los componentes de una canción, una banda o un show de heavy metal”, continuó. “Por definición, puedes decir lo mismo sobre qué es la música country. ¿Qué es la música country? Bueno, la música country son muchas cosas, y en el mundo actual del metal, también lo es el metal. Vengo de las raíces del heavy metal, de ese momento y esa circunstancia en la que todo se puso más fuerte. Como digo a menudo, fue el momento “Spinal Tap”: todo fue a las 11, ¿no? ya sabes . Todo fue a las 11”.

‘Confess’, la autobiografía de Rob Halford se puso a la venta a finales de septiembre a través de Hachette Books. Casi al mismo tiempo, Judas Priest y Rufus Publications anunciaron la publicación del primer libro oficial sobre la historia del grupo a los largo de sus 50 años de trayectoria, elaborado por David Silver, Ross Halfin y Jayne Andrews.

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David Hasselhoff cuenta su experiencia de encabezar un cartel por encima de Iron Maiden

El famoso cantante y actor de televisión David Hasselhoff, conocido en nuestro país por su papel protagonista en series de la popularidad de ‘El coche fantástico’ o ‘Los vigilantes de la playa’, apareció en el podcast ‘Side Jams With Bryan Reesman’ para hablar sobre su debut musical en el mundo del heavy metal con la canción “Through The Night”, que fue grabada con Martin Kames y Bernth Brodträger, del dúo austriaco Cuestack.

En Europa, Hasselhoff toca a menudo en escenarios de aforo pequeño y mediano, así como en festivales de verano fundamentalmente en Austria y Alemania. Recordó cómo le pidieron que actuase después del show de Iron Maiden en el festival Nova Rock en Austria en 2014 y de cómo le sorprendió la positiva reacción de la gente. “Me dijeron que mi horario en el Nova Rock era de 23:30 a 00:15 y que iba después de Iron Maiden”, dijo Hasselhoff a Side Jams. ““¿Después de Iron Maiden? ¡Se va a marchar todo el mundo!”, pensé. Pero no se marcharon, de hecho vinieron de diversos lugares del festival. Es una lección de humildad. Y es increíble cuando vas a Noruega, y comienzan a cantar: “¡Hoff, Hoff, Hoff!”. A veces, lo más largo que he tenido han sido ocho minutos de ovación. Y eso es mucho tiempo”.

Hablando sobre la canción, Hoff asegura: “Espero que mis seguidores respondan bien a esta incursión que voy a hacer en el heavy metal. Martin Kames, que ha trabajado conmigo en la producción escénica de mis conciertos, me dijo que debería hacer una canción de heavy metal porque en realidad, es lo que estábamos haciendo en nuestros shows. Y me gustó. Me gustó la canción. Me gustó Bernth, el guitarrista, al que llamo coloquialmente ‘Sr. B’. Terminamos haciendo eso básicamente como un tributo, un reconocimiento al público del heavy metal ¡y descubrí que tenía un público heavymetalero! Sí, muchos chicos heavys habían escuchado “True Survivor” una canción que hice para la banda sonora de la película ‘Kung Fury’, que es un tema con una parte bastante heavy. No soy un gran aficionado al heavy metal, pero me considero fan de Iron Maiden y de Metallica. Me gusta el rock and roll. Me gusta la música dura”.

Añadió sobre trabajar con Cuestack: “Esta canción, “Through The Night” se hizo en unos cuatro o cinco días de estar con Martin, su hijo, su familia y Bernth. Esto fue antes del estallido de la pandemia COVID, antes del desastre en el que se encuentra Estados Unidos, y las palabras parecían adecuadas para lo que hemos vivido”.



Hasselhoff también habló en la entrevista sobre sus otras dos grandes pasiones: el buceo y las charlas motivacionales.

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Floor Jansen (Nightwish) canta “Ave Maria”

La famosa composición de Franz Schubert, “Ave Maria”, creada originalmente en 1825, ha sido versionada por la vocalista de Nightwish, Floor Jansen, con instrumentación y arreglos de Tommy Johansson, como puedes ver en el siguiente vÍdeo.



Muy activa se está mostrando la cantante en los últimos tiempos. El pasado mes de noviembre lanzó otra versión, en este caso su adaptación del tema “Let It Go”, perteneciente a la BSO de la producción de la factoría Disney ‘Frozen’. Según sus propias palabras, se inspiró para grabar la canción a través de su hija Freja, de tres años y medio, quien la había estado escuchando y cantándola durante meses.

Floor Jansen hizo su debut en vivo como frontwoman de Nightwish el 1 de octubre de 2012 en Showbox Sodo en Seattle, Washington, reemplazando a la cantante que ocupó este puesto durante los cinco años anteriores, Anette Olzon. Oficialmente pasó a ser miembro del grupo en 2013 y su debut discográfico llegó en el álbum ‘Endless Forms Most Beautiful’ de 2015.

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Gamma2 de Ronnie Montrose

Como una cuenta hacia una explosión de hard rock, Gamma fueron tremendamente ignorados e infravalorados. This Is Rock te lleva este mes a los adentros de ‘2’ un referencia básica de su discografía y en la de Ronnie Montrose, pero ahora recordemos su continuación: ‘3’.

Gamma. Tremendamente ignorados, infravalorados de mala manera, pero con la gran vitola de pertenecer al mercado negro: algo que los aficionados al heavy rock difícilmente dejan pasar por alto. ‘Gamma 3’ sería más poppie y new wave, con Ronnie Montrose sellando una alianza con su viejo colega Mitchell Froom, quien repartía sintes por todo el disco, en gran medida para espanto de aquellos que se habían refocilado a gusto en la magia hard rock de ‘Gamma 1’ y ‘Gamma 2’ (también habría un ‘Gamma 4’ en 2000, pero ahí la conexión ya se pierde demasiado).

«Al final, cada fan quiere que repitas lo que más le gusta, que hagas una réplica. Y la cosa no va de eso. Uno ha de seguir a la música» Ronnie Montrose

Luego llegó el polémico ‘Gamma 3’, disco con mucha más modernez de sintes, que coqueteaba con el pop y la new wave. Ronnie recordó este periodo: “En ‘Gamma 3’ trabajé mucho solo, y donde metí más tecnología con Mitchell Froom tocando teclados y Jerry Stahl escribiendo más letras. Davey nunca sintió verdadera afinidad con aquello. Pero es adonde quería llegar en ese momento. Y lo curioso sobre esos tres primeros álbumes de Gamma es que dividieron a la gente una barbaridad. ¡A pocos les gustaban los tres! Al final, cada fan quiere que repitas lo que más le gusta, que hagas una réplica. Y la cosa no va de eso. Uno ha de seguir a la música, tío”.

“Sí, creo que le gusta hacer eso”, comenta Glenn de Ronnie. “Mi impresión es que siempre estaba en una travesía creativa. Por eso sus álbumes van en direcciones diferentes de uno a otro. Y yo respeto eso”.
¿Crees que puede hablarse de una relación de amor/odio con el hard rock en su caso? “Esto ya parece más una pregunta sobre la psicología de Ronnie. No creo que fuera eso exactamente, aunque él si que quería un reconocimiento de otro tipo, más allá de eso. A mí me pasa lo mismo. Se me encasilla como bajista de hard rock, y me encanta tocar cosas de jazz, de rhythm and blues. Cuando volví con Ronnie, tras Gamma, como un par de años más tarde, fue con ocasión de una nueva gira de Montrose. Él me hizo la oferta, y toqué el disco ‘Mean’. En esa gira, me daban cinco minutos para un solo, y la gente venía y me decía: ‘Hombre, ¡cómo has mejorado!’. Y yo, como que no sabía de qué hablaban. No hacía nada que no hubiera podido haber hecho años antes. Solo que antes no contaba con la oportunidad. A la mínima ya te han colocado un sambenito. Yo pienso que a Ronnie eso no le gustaba un pelo, probablemente él tampoco quería ser solo un guitarrista hard rock”.

“Nunca me llegó a gustar demasiado ‘Gamma 3’”, comenta al respecto Pattison. “Era desviarse de lo que estábamos haciendo. Con los dos primeros álbumes de Gamma disfruté mucho, y también escribí mis cosas, como ya sabrás. Pero pasó lo que pasó: trajo al teclista Mitchell Froom, un tío que estaba imbuido por los sonidos ochenteros futuristas de teclados. No lo disfruté. Mi modo de pensar va mucho más en línea recta. Me gusta también que la música sea directa, y los fans con los que he hablado a lo largo de los años, ‘Gamma 3’ es el disco que les gusta menos. Y yo no puedo decir que saliera muy satisfecho de la experiencia”.

Y ya se ha dicho, Gamma lograron embarcarse en otra gira de aúpa, en este caso con Foreigner, que estaban girando con un disquito de nada titulado ‘4’. Comenta Glenn: “Fuimos directamente a Europa. De hecho, antes del lanzamiento en Estados Unidos, marchamos a Europa, y ahí es cuando Ronnie hizo uno de esos virajes en una nueva dirección. Con Mitchell Froom y Ronnie Montrose con los sintetizadores, la caja de ritmos Linn, y salió ese álbum de guitarras. Él es lo que quería, estaba por la novedad. Creo que pensó que estaba en la vanguardia. No duró mucho”.“Mick Jones y yo seguimos siendo amigos hasta el día de hoy”, elabora Pattison. “Sí, gente muy guay. Me comparaban todo el tiempo con Lou Gramm, al venir aquí, y a mí eso me molestaba. Pero creo que Gamma habían dado todo de sí en ese momento. Bueno, Denny dejó el grupo y se marchó a Heart, y los motivos son obvios. Creo que eso nos desalentó a todos. Y también en ese punto ya estábamos cansados”.

Muchos fans y mucha gente próxima creían que Gamma estaban destinados a ser superestrellas. ¿Crees que fue el sello el que la pifió? “Oh, para mí está más que claro. Odio a la gente de las discográficas. No saben nada de música, solo entienden de dinero y encima no quieren invertir lo necesario. En mi opinión, lo de Gamma podría haber crecido mucho de verdad. Con los dos primeros discos, no tengo dudas. Pero ellos Bill Graham nos ponía a girar por el mundo, pero la gente del sello no nos apoyó para lograr esa visibilidad necesaria”.

Adelantemos veinte años, y llegamos nada menos que a un ‘Gamma 4’. “Sí, disfruté con ése”, comenta Pattison. “Nos divertimos haciéndolo. Aunque no es tan roquero. A ver, supongo que vas cumpliendo años y te sosiegas un poco, y es algo que se trasluce. Me gustan esas canciones. Están más cerca del material de mis discos en solitario que las cosas del inicio de Gamma”.

“Lo que es bonito sobre ese disco es que nos metimos en el estudio, y la sensación fue como si no hubiéramos estado separados ni nada”, decía ahogando la risa Ronnie, en declaraciones previas al lanzamiento del álbum. “Sobre todo Davey, Denny, Glenn y yo. Luego tenemos teclista nuevo, Ed, que trabaja conmigo en mis proyectos, y que es un músico muy talentoso. Pero para los cuatro veteranos, fue como volver a donde lo habíamos dejado. No sé si has seguido la trayectoria de Denny, pero ha estado tocando con Heart y Coverdale/Page… , y él es como yo, un tío que con los años nunca pierde un compás. Ha mejorado, en realidad. Increíble. El disco es muy potente. La canción que lo abre se titula ‘Darkness Into Light’. Hay otras canciones que son más brutales que nada que hayamos grabado Gamma antes, con más guitarras eléctricas, bajo, batería, teclados, temas brutales, de guitarras intensas, y también hay cosas que son lo opuesto: canciones de amor, que también las hay. Estoy orgulloso con este disco”.
Puedes seguir leyendo el artículo escrito por Martin Popoff en el nuevo número de This Is Rock