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Nueva encuesta: ¿Cuál fue el mejor disco de 1991?

Si viviste aquel año, seguro que te ha pasado como a nosotros y te cuesta creer que hayan transcurrido tres décadas desde 1991, pero así es.

Fue un año de estupendos lanzamientos, con el ansiado regreso de Guns N’ Roses, la banda de rock más importante del planeta por aquellos años, y Metallica publicando, sin saberlo, el disco de heavy metal más exitoso de todos los tiempos. Fue el año en el que Seattle se convertiría en el epicentro musical, pero en 1991 aún llegaron obras maestras de hard rock al estilo ochentero. En España, lo que reinaba era nuestro autóctono rock urbano.

¿Cuál fue tu disco favorito de aquella estupenda añada? Estas son las 20 opciones que te proponemos, ordenadas alfabéticamente:

  • Alice Cooper – Hey Stoopid
  • Barricada – Por Instinto
  • Bryan Adams – Waking Up the Neighbours
  • Guns N’ Roses – Use Your Illusion I
  • Guns N’ Roses – Use Your Illusion II
  • Los Suaves – Maldita sea mi suerte
  • Metallica – Metallica
  • Mr. Big – Lean into It
  • Nirvana – Nervermind
  • Ozzy Osbourne – No More Tears
  • Paradise Lost – Gothic
  • Pearl Jam – Ten
  • Queen – Innuendo
  • Red Hot Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magik
  • Sepultura – Arise
  • Skid Row – Slave to the Grind
  • Soundgarden – Badmotorfinger
  • Van Halen – For Unlawful Carnal Knowledge
  • Extremoduro – Somos unos animales
  • Dire Straits – On Every Street

Encontrarás la encuesta en la parte inferior de la página de portada de MariskalRock.

En nuestra anterior encuesta, preguntamos por el mejor disco de 1981, siendo estos los tres ganadores.

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¿Cuál fue el mejor disco de 1981? ¡Resultados de la encuesta!

Una alta participación recibió la encuesta en la que os preguntábamos cuál fue el mejor disco de 1981.

Casi 1600 votos que arrojaron a un claro ganador: ‘Killers’ de Iron Maiden, que se hizo con 353 de ellos, un 22% del total. El segundo y último LP de los británicos con el cantante Paul Di’Anno es todo un clásico del heavy metal de los años 80.

En segundo lugar, quedó ‘For Those About To Rock’, un disco que no figura entre lo más laureado de AC/DC, con lo que entendemos que aquí lo que ha primado es la entidad de la banda, con sus incondicionales eligiéndolo aunque muchos de ellos no lo tengan entre sus álbumes favoritos. Obtuvo 160 votos, un 10%.

Cerca, muy cerca, se quedó ‘Larga Vida al Rock and Roll’, el extraordinario debut de Barón Rojo que puntuó alto con 153 votos, otro 10%. Aunque tercero en el podio, se erige como el primero de cuantos discos españoles sugerimos.

En la nueva encuesta (puedes encontrarla en la parte inferior de la página de portada de MariskalRock) te animamos a elegir el mejor disco de 1991, un año trascendental para la música dura.

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Jake Kiszka (Greta Van Fleet) vuelve a alejarse de Led Zeppelin: “Clapton ha sido mucho más importante para mí que Jimmy Page” 

 El último gran fenómeno del rock, Greta Van Fleet, ya tiene un nuevo álbum en camino. El 16 de abril está marcado el lanzamiento de ‘The Battle at Garden’s Gate’, un disco que lleva a la banda de los hermanos Kiszka a la portada del nuevo número de La Heavy, el 430, que estará en los quioscos esta misma semana y ya te está esperando en la preventa que tenemos activa en nuestra tienda online.

El guitarrista Jake Kiszka es uno de los grandes protagonistas de este número. Durante la espectacular entrevista que mantuvimos con la banda no se pudo obviar un nombre como el de Led Zeppelin, cuyo sonido se ha asociado tanto al de Greta Van Fleet, o más concretamente el de Jimmy Page en el caso de Jake, que se podría pensar que es su mayor influencia, algo que él mismo se encarga de aclarar apuntando en otras direcciones.

“Mis influencias han sido los pioneros, los creadores del rock tal y como lo conocemos”, nos cuenta Jake. “Recuerdo de niño con seis o siete años escuchar los discos de Cream de mi padre, Clapton es una influencia muy importante para mí, le he estudiado mucho, he pasado muchísimo tiempo escuchándole y aprendiendo de él. También he pasado mucho tiempo escuchando a Jimmy Page, si, no lo voy a negar, pero también mucho tiempo escuchando a Jimi Hendrix, a Pete Townsend, Rory Gallgher, Jeff Beck, Paul Kossoff, los pioneros…”

Pero no solo se queda en los grandes clásicos: “Y Jack White. ¿Por qué no? Para mi Jack White es fantástico. Pero además de los pioneros, en este álbum he tratado de plasmar, como decíamos antes, en los arreglos, en las melodías, en la producción un sonido más novedoso, más actual, no solamente las influencias que me han marcado como guitarrista”.

Ya puedes hacerte antes que nadie con el nuevo número de La Heavy, el 430, con Greta Van Fleet en portada en la preventa que está activa en nuestra tienda online. Junto a Greta Van Fleet encontrarás espectaculares reportajes y entrevistas con Helloween, The Offspring, Papa Roach o Kink Lizzard and the Lizard Wizard, y muchos más. ¡Que no te lo cuenten!

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La canción de Metallica dedicada a la Pascua judía

A veces una canción nos cala hasta los huesos sin que en una primera escucha nos paremos a escuchar el mensaje que hay en su letra, especialmente la primera vez que escuchamos una canción que no nos habla en nuestro idioma, pero cuando nos paramos a saber de qué trata, incluso la atracción crece un poco más. Es lo que nos ha pasado en incontables ocasiones con Metallica, con ejemplos que van desde la relación con la Guerra Civil española de “For Whom The Bell Tolls” hasta otras de mensaje no tan conocido como podría ser “Creeping Death”.

La canción que Kirk Hammett había empezado a dar forma todavía en Exodus toma su letra directamente de la Biblia, o más concretamente de la versión cinematográfica que se realizó en “Los diez mandamientos”, un clásico del cine que impactó sobremanera en James Hetfield, especialmente en el momento de la llegada de las plagas a Egipto, con la muerte de los primogénitos como principal inspiración.

En estos días de pascua recordamos la conversación que mantenían en el documental de VH1 “Matzo and Metal: A Very Classic Passover” de 2005 Scott Ian, guitarrista de Anthrax, con Dee Snider y J.J. French, voz y guitarra de Twisted Sister respectivamente, y Leslie West de Mountain, en la que el thrasher desveló a sus compañeros de cena cómo Metallica había dedicado “Creeping Death” a la temática relacionada con la pascua judía.

“Estaban en Dinamarca grabando ‘Ride the Lightining’, y estaban viendo ‘Los diez mandamientos’, que James la había visto muchas veces en televisión. Ahí está la escena en la que Moisés envía las plagas sobre Egipto para que el Faraón libere a los judíos de la esclavitud”, recuerda Ian.

“”Creeping Death” se refiere a la niebla que se arrastra y mata a todos los primogénitos, pero los judíos se salvan porque pintan con sangre de cordero las entradas de sus casas para que el ángel exterminador pase de largo”, explica el de Anthrax.

La reacción de Dee Snider es concluyente: “Muerte que se arrastra, Metallica, sangre de cordero… ¡Eso es heavy metal!”

En la canción tenemos el punto de vista del propio ángel exterminador que lleva la muerte a los primogénitos: “Esclavos, hebreos, nacidos para servir al faraón. Presta atención a cada una de sus palabras, vive en el miedo. Así quede escrito, así se haga. Para matar al primogénito del faraón. Soy la muerte arrastrándose”.

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Amy Lee recuerda cuando su primer sello trató de convertir Evanescence en el “Linkin Park” femenino

El lanzamiento de ‘The Bitter Truth’, el nuevo disco de Evanescence, ha llevado a su líder y vocalista, Amy Lee, a la portada del número 429 de La Heavy con una extensa entrevista que no te puedes perder. Recientemente la vocalista recordaba cómo fueron los inicios de la banda y las primeras ideas sobre las que se quería dirigir su trayectoria.

En la entrevista concedida a Alternative Press se ha recordado cómo el primer sello de Evanescence, Wind Up, con el que se publicó el exitoso y aclamado ‘Fallen’, estuvo a punto de echar abajo el proyecto si no se sumaba una voz masculina al hit “Bring Me to Life” para hacerlo más accesible para las radios comerciales.

Paul McCoy, vocalista de 12 Stones, fue quien acompañó a Amy Lee en la versión del tema que arrasó en todo el mundo sumándose además al estreno del taquillazo Daredevil, película del superhéroe protagonizada por Ben Affleck que impulsó aún más este single que llegó a hacerse con el Grammy a la Mejor Interpretación Rock.

En palabras de Amy Lee: “Yo era realmente muy, muy reacia a tener una voz masculina en nuestras canciones. Eso era muy duro. Fue una idea que vino de la discográfica. De repente todo se dirigía a “Bring Me To Life”, ellos decidieron que esa era la canción. Realmente yo no pensaba que tuviera que ser el primer single, yo quería que fuera “Going Under”. Ellos llegaron con esta idea de ponerle algo que sonara familiar a los oyentes para que nos metieran en las radios. Yo no entendía lo que significaba aquello”.

La vocalista sigue recordando: “Yo me inspiraba en artistas únicos, lo que hacía geniales a Nirvana, Soundgarden, Björk era que no había nada como ellos. Eso, para mí, era el ingrediente clave y lo que creía, y sigo creyendo, que tenemos. En mi mente, cuanto más familiar intentas hacerlo más lo alejas de nuestra verdadera fuerza”.

“La pelea original fue que el sello quería que hiciéramos audiciones y trajéramos a alguien a la banda a tiempo completo para cantar la mayoría de las canciones y hacer que fuéramos el Linkin Park femenino”, asegura Amy. “Fue como: “Vamos a pensarlo”. Una hora después llamamos para decir que no podíamos hacer eso. Eso no iba a pasar. Hubiera preferido empezar de nuevo. Eso no era lo que nosotros somos. Yo no quería eso”.

Las consecuencias no tardaron en llegar: “Luego nos retiraron los fondos y volví a vivir con mus padres. Fue complicado después de todo lo que habíamos hecho. Nos firmaron, dejé los estudios, me mudé a Los Ángeles, y de repente: “Vuelvo a casa”. Fue duro, me rompió el corazón, pero sabía que era la mejor opción. No estaba vendiendo mi alma. Unas semanas después recibimos una llamada, querían llegar a un acuerdo: “Tenemos un sitio en una película guay, ‘Daredevil’, y hemos planteado ese rollo masculino-femenino, porque hay una escena de una pelea para ponerle banda sonora”. Así que entonces había una razón. Solo iba a ser una canción, no era que tuviéramos que cambiar toda nuestra identidad. Eso hizo que lo aceptara. Lo intentaría una vez. Dije: “¿Podríamos simplemente sacar como primer single “Going Under” y luego hacer eso?””.

La intención de Amy Lee ya estaba clara en aquel momento: “Solo me preocupaba que la gente pudiera escuchar ese sonido. Esta es la banda, es lo que podréis esperar siempre. Detesto cuando escuchas el primer single de una banda y crees que son una cosa y luego escuchas el resto del disco y es como: “Eso no es lo que yo pensaba que era, solo hicisteis eso para pillarme, me timasteis”. Pero me encanta la canción y Paul fue muy amable. También fue un sacrificio para él estar en esa canción, no se dio cuenta, porque aquello se disparó de una manera que eclipsó lo que él estaba intentando hacer. Lo siento por él. No siempre quiero hablar de ello, como si no me gustara. Lo adoro. Simplemente éramos unos críos en un momento de locura”.

El pasado 26 de marzo veía la luz ‘The Bitter Truth’, el primer disco de Evanescence en una década, lo que llevó a Amy Lee a la portada del número 429 de La Heavy. Junto a ella también encontrarás entrevistas a Simone Simons, Adrian Smith, John Petrucci o Biff Byford. Corre a tu quiosco más cercano antes de que te quedes sin ella, o visita nuestra tienda online para que no se te escape nada.

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Iron Maiden tiene cosas “muy emocionantes” en proceso: “Los fans estarán encantados”

A mediados de este mes de marzo que ya vemos llegar a su fin os contábamos cómo el guitarrista Adrian Smith aseguraba en la entrevista que realizamos para el número 429 de La Heavy que la gira que Iron Maiden tiene programada sigue adelante. Ahora, el guitarrista añade a su discurso que nos esperan sorpresas relacionadas con La Doncella.

Las entrevistas con las que Smith está presentando a todo el mundo el álbum que ha materializado su proyecto junto a Richie Kotzen, ‘Smith/Kotzen’, son el escenario también para conocer más detalles de los planes de Iron Maiden. Esta vez ha sido en SiriusXM donde el guitarrista ha comentado: “Creo que va a merecer la pena la espera, Maiden sigue adelante. Hay cosas muy emocionantes en proceso. Es todo lo que puedo decir. Creo que los fans estarán encantados”.

A la espera de los avances que las vacunas puedan realizar en la paulatina reducción de la pandemia, recordamos que las fechas europeas de la gira de Iron Maiden quedaron marcadas tras su aplazamiento entre el próximo 5 de junio en Basilea (Suiza) y el 11 de julio en París, con el esperado concierto del 19 de junio en Estadi Olimpic de Barcelona, por lo que mantenemos los dedos cruzados para que esas emocionantes “cosas en proceso” las podamos vivir y contar de primera mano en este 2021 como hicimos con el espectacular paso del Legacy of the Beast Tour por Madrid.

La entrevista con Adrian Smith es uno de los grandes contenidos que te esperan todavía en tu quiosco en el número 429 de La Heavy, donde también encontrarás las palabras de Amy Lee de Evanescence, Simone Simons de Epica, The Black Crowes, Biff Byford o John Petrucci. Corre a tu quiosco más cercano o visita nuestra tienda online para que no se te escape nada.

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Crónica de Endernity en Madrid

“El metal es seguro”, bajo esa seña de identidad se inicia un ciclo de conciertos en el emblemático Palacio de la Prensa que alberga la Sala 0, en la céntrica Plaza de Callao de Madrid, un lugar privilegiado e idóneo para mostrar que el heavy metal es una pieza fundamental en la cultura de nuestro país.

El cartel lo abrieron los madrileños Endernity, que lleva muy poco tiempo de vida, y dicho evento fue su presentación en sociedad con su nuevo trabajo, ‘Disrupted Innocence’. A pesar de acabar de irrumpir en escena sus músicos cuentan con bagaje musical, como es el caso del guitarrista Rodri Arias (Skunk D.F.) o su batería, Eric Dominguez (Pardaos, Red Moon). Llama la atención que el sonido y temática de esta banda es totalmente diferente a lo que estamos acostumbrados a verles en sus proyectos paralelos.

Endernity nace con un sonido contemporáneo, actual y como una propuesta internacional que sale a comerse la escena con composiciones con grandes contrapuntos donde la crudeza y la melodía convergen.

Nos acomodaron en la Sala 0 como si de una zona VIP se tratara, bastante diferente a lo que estamos acostumbrados, con una mesa por núcleo familiar, sillas bajas y mucho espacio entre los asistentes. Sentimientos encontrados: Por un lado la comodidad fue absoluta, como si la banda estuviera tocando en el salón de tu casa; en contrapunto, la distancia dificultó el calor entre el público, con lo que se echaba en falta el acercamiento habitual de los conciertos.

El concierto comenzó con la potencia de su single de apertura, “Ashes and Dust”. Su frontman, Manuel Hernández, con su potente voz ejerce todo tipo de registros y su puesta en escena fue primordial para el desarrollo del show.

Más melódico sonaba “You Won´t Bring Me Down”, y tras estos dos temas aprovecharon para darnos la bienvenida con el recibimiento de los amigos allí presentes. Inicios de thrash combinaban a su vez el contrapunto melódico en “Infinity Hell” , y es que este grupo está lleno de contradicciones, como el mismo nombre de “Endernity” lo es.

La acústica del recinto no fue del todo apropiada, pero se contrarrestó con el espectáculo que ofrecieron, en el que vimos a un combo compacto que nos demostró su valía con el mencionado Manu a la voz y guitarra con pura adrenalina transmitiendo energía, así como las potentes guitarras cargadas de Rodri, y la sección rítmica con Israel Santas al bajo y Eric a la batería.

Seguían transcurriendo los temas en el mismo orden del álbum con el bélico “Genocide” y en ese momento lo rompieron alternando con “Victim Of Society”, tema de puro heavy metal.

Tocaba el turno de coger la guitarra acústica e invitar a Sam Gómez ( Sonicspoon ) en “I Dream That I Can Fly”, emotivo tema del cual todos los beneficios obtenidos por las descargas o reproducciones irán destinados a la Federación Española de Párkinson.

Hubo un pequeño fallo al inicio de “Stranger” que se subsanó rápidamente, en un tema que nos recuerda en cierto modo a los Metallica actuales.

Nos adelantaron un tema que no se incluyó en el álbum, “It´s Rainning Again”, un medio tiempo al que siguió una grata sorpresa, la interpretación del “The Evil That Men Do” de Iron Maiden adaptado a su propio estilo. En este tema además se incorporan como invitados Eduardo Brenes a la batería y David Ramos a la guitarra, ambos de Skunk D.F.. Brenes grabó las partes de batería en el estudio y a su vez ayudó en la composición, siendo actualmente el manager de la banda.

El sonido volvió a ser un problema, sobretodo en la recta final del concierto, en las voces, pero esto no impidió que la sala se fuera animando cada vez más en medida que inevitablemente se iba poniendo el cierre, ya que en los bises pocos temas del álbum quedaban por presentar, tan solo “The Dream Is Over”, que fue de los temas más poderosos, recordando a Pantera en sus riffs, y por último “Endernity” como colofón a una gran noche con un emotivo final.

El público compartió su energía (dentro de las posibilidades de las que disponíamos) con una banda a la que vimos muy ilusionada en este proyecto. Sin duda los allí presentes nos sentimos orgullosos de ser partícipes del nacimiento de Endernity con su primer directo.

Una noche intensa, un set breve que fue suficiente para ser la carta de presentación de una exitosa trayectoria que seguro les va a llevar muy alto, partiendo por el talento de sus músicos, la magia de sus composiciones y la profesionalidad avalada por referentes de la escena.

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José Carlos Molina (Ñu) y la mejor programación de rock y metal en nuestra radio

Seguimos adelante en esta semana tan especial para unos, de vacaciones para otros y cargada del mejor rock y el más potente metal para todos durante las 24 horas del día en nuestra radio. La mejor programación que puedes encontrar en la red te está esperando en MariskalRock Radio.

Mariskal Romero y José Carlos Molina

A las 15:00 (hora peninsular española) tendremos a Javier Peral presentándonos una entrega más de Metal Manía, el programa que se llena de anécdotas increíbles alrededor de la mejor música del mundo.

Mariano Muniesa nos ofrecerá a las 16:00 un nuevo episodio de Rock Star, las dos horas de radio en las que la más ferviente actualidad es la principal protagonista, sin dejar nunca de lado a los más grandes clásicos de un extremo a otro de nuestros sonidos favoritos.

Mariskal Romero contará hoy con un invitado muy especial en su Mariskal Romero Show – Musicolandia. El programa de referencia de la radio rock comenzará a las 18:00 y contará con la presencia de José Carlos Molina, toda una leyenda viva de nuestro rock liderando una banda como Ñu. Los dos protagonistas se volvieron a encontrar antes de la actuación de Ramoncín & Los Eléctricos del Diablo y el coloquio que dirigió Mariskal, y el legendario flautista adelantó que tiene nuevo disco entre manos, por lo que hay mucho de lo que hablar del presente, del pasado y del futuro.

Cerrará el tramo de programación en directo el programa más vertiginoso de la parrilla, La Hora Argonauta de Jason Cenador. A las 19:00 comenzará la descarga en la que nos sumergimos en lo mejor de la escena más emergente y repasamos lo mejor que nos haya dejado la jornada en el mundo del rock y el metal.

Ya sabes, no quites la radio después, porque la música seguirá sonando las 24 horas del día.

¡Sintoniza MariskalRock Radio!

 

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Poobah «Tesoros del Underground 70s»

Poobah vuelve a estar de actualidad, además de la nueva reedición de su clásico de culto ‘Let Me In’ en vinilo, el próximo ‘Burning In The Rain: A Poobah Anthology’, tenemos la versión realizada por Monster Magnet en su nuevo disco de versiones de ‘Mr. Destroyer’.

Poobah construyeron su sonido con una fusión personal entre la psicodelia de los primeros días de Cream y la pesadez de Black Sabbath. El debut del trío estadounidense originó un sonido tan fresco como intenso. Sus incendiarios espectáculos en directo les llevaron a telonear a grandes grupos como Canned Heat, Alice Cooper, ZZ Top, Foghat y muchos otros a lo largo de los años

Éste es un buen momento para extraer del archivo las reseñas de la reedición de ‘Let Me In’ y de su otro gran clásico ‘Steamroller’ aparecidas en su día en This Is ROCK.

Poobah ‘Let Me In’

Poobah fue un trío de Ohio que practicó un hard rock muy cercano a la frontera del heavy metal, con un sonido de guitarra tremendo, afilado y fiero, siguiendo en cierto modo la línea estilística de Black Sabbath, aunque con melodías menos siniestras y más psicodélicas en ciertos momentos. En cualquier caso, hablamos de rock visceral, descarnado y en ocasiones incluso angustioso. En 1972 publicaron el primero de sus discos e, indudablemente, el mejor. Ahora se reedita en formato de cd y doble LP, conteniendo respectivamente doce y diez temas adicionales.

El comienzo del disco, con la increíble ‘Mr. Destroyer’, ya es del todo apocalíptico, dejándote prácticamente sin respiración con unas guitarras atronadoras e incisivas. El resto del álbum sigue una tónica similar, con la excepción de la psicodélica ‘Enjoy What You Have’, que es como un remanso de paz entre tanta vorágine. Echando la vista hacia atrás y tomando una perspectiva real de lo que se hacía en 1972, resulta evidente que Poobah fue un grupo que practicaba un rock adelantado a su época en lo que a sonido de guitarras se refiere y, muy probablemente, precursores de lo que mucho tiempo después se conocería como stoner rock. Era difícil encontrar un respiro entre los redobles vertiginosos de la batería de Glenn Wiseman, las líneas pesadas y profundas del bajo de Phil Jones y los riffs incendiarios de la guitarra de Jim Gustafson. Este power trío alcanzó la excelencia musical en su primer intento y no volvería a superar el listón nunca más.

Ahora, de la mano de Tony Reed, nos llega esta reedición en la que podemos disfrutar de hasta doce temas extra, en muchos de los cuales ya no aparece Glenn Wiseman, sino que en su lugar tenemos a Nick Gligor en dos de ellos y a Steve Schwelling en otros cinco. Entre ese material adicional tenemos la versión en directo del mayor éxito de la banda, ‘Mr. Destroyer’, y la versión reducida de ‘Bowleen’. Ninguno de los cortes desentona con el disco original, si bien la calidad de sonido de estos nuevos temas es algo inferior, pero esto no empaña para nada el resultado final, que sólo se puede calificar de excelente. Sin duda estamos ante una reedición acertadísima y de gran interés y valor. Un momento de prodigiosa lucidez musical, de rabia e intensidad infinitas, pero también de elevada creatividad y profundo vanguardismo.
Fran García

Poobah ‘Steamroller’

Leyendas del hard rock americano, Poobah son otra de esas existencias fermentadas al calor de la reliquia que solo algunos conocen, aman y reivindican. Liderados en todo momento por la histriónica guitarra de Jim Gustafson, la atómica pegada del grupo merece división propia en las enciclopedias del rugido metálico universal.

Nativos de Ohio, emprendieron recorrido a principios de los setenta con un álbum debut que fornicaba con las inflexiones del heavy blues ácido de aquellos años: ‘Let Me In’, envenenados meteoritos de guitarra como munición depredadora de un hombre bala aquejado de licantropía. Desde ese primer momento quedó claro que el proyecto Poobah sobretodo, era Gustafson, y que sus acordes blindados disparaban grasientas frustraciones adolescentes que gemían y gritaban al mundo, rock & roll duro y sodomítico, aleación de adrenalina y volumen implacable. Algo que su siguiente obra ‘US Rock’ no hacía sino confirmar, nutrido el disco de una ferocidad aún más heavy y reconvertido el trío a cuarteto (dos guitarras ahora arremetiendo contra los tímpanos), pero con un atisbo compositivo que superaba en eficacia lo anteriormente ofrecido. Canciones más directas y melódicas igualmente desbocadas y con genética turbonuclear, cruce entre Ted Nugent, Derringer y Cactus. Una potencia animal de primera categoría.

Cuando se menciona a Poobah se habla de su primer LP, nunca se hace referencia a ‘US Rock’, existe un profundo desconocimiento hacia este álbum, dentro incluso de los ambientes especializados, algo que no desentona realmente con los prejuicios vitales que arrastran algunos de los más eruditos descalificadores de la especie metálica. Pero con ‘Steamroller’, ya en 1979 y de nuevo reducidos a trío, Poobah se superan a sí mismos y graban el mejor de sus discos de los setenta. Y con diferencia, una suerte de pirotecnia psicoenérgica que la guitarra demente de Jim convierte por momentos en infierno y apocalipsis sónico. Los solos de este menda te desgarran la columna vertebral, rock duro, durísimo, totalmente americano, plagado de riffs demoledores y baterías neuróticas, voces infecciosas e hiper velocidad de overdrive y Marshall de 100w. Temas como ‘She’s Kind Of Lover’ o ‘You Don’t Love Me’ se convierten en una catapulta de sonido homicida gracias a la cual, las cuerdas destripanervios del bueno de Jim te laceran el cerebro mientras el tipo grita, aúlla y convierte a los primeros Grand Funk en hermanos de sangre eléctrica. Una catarsis de decibelios por la que todos los grupos de hoy que copian a los grandes gigantes de los setenta matarían.

Es curioso, una vez más, comprobar cómo un grupo de semejantes características nunca va más allá del puro reconocimiento local, mientras otras formaciones de menor cualidad y talento alcanzan status casi sin proponérselo. Pese a todo, el monstruoso trío se hace grande en su discurso, e hiperboliza la lectura del vocablo rock con una disposición visceral que asusta, siendo constante en sus premisas la trasgresión de los sentidos, aunque si se atiende, nunca puedan ser catalogados como ácidos ni progresivos. Probablemente la culpable sea la guitarra, que detona con técnica esquizoide de pentatónica mutante y se masturba más cercana a Detroit que a Pennsylvania. James Williamson, Wayne Kramer, Ron Asheton o el propio abuelo Ted (que no se entere, ¿vale?) lloran y se lamentan domesticados y complacientes al lado de los orgasmos guitarreros de este tipo. El único punto débil del engendro (es un decir, claro) es una flácida versión del ‘Rock & Roll’ zeppeliano que, sin ser triste, palidece como una bajada de tensión tras empacho de THC.

Obviamente el disco es vinilo en edición privada de la época que de nuevo gracias a Monster se recupera con la típica aportación de librillo, letras, entrevista al psicópata Gustafson, un tema nunca editado que data de la misma época, 1979, y cuatro canciones más registradas en directo, lecturas del álbum, con el grupo a tope de electro-saturación alucinada. Radiactivo, así que lleva cuidado. Avisado estás.
El Ojo De Agamoto

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Mike Oldfield «Los Conciertos en España»

Las dos primeras ciudades donde actuó en solitario Mike Oldfield fueron Barcelona y Madrid, en 1979, una gira contada al detalle en las páginas de This Is ROCK por parte de Héctor Campos. Aquello fue el comienzo de un amor recíproco que aún dura.

1980, In Concert

El año siguiente organizó su gira “In Concert”. A España llegaría a finales de verano: Barcelona, San Sebastián (Velódromo de Anoeta), Alicante (en el festival organizado por el PCE), Madrid (Pabellón Deportivo del Real Madrid, ante unos cuatro mil espectadores) y Pontevedra (en el Pabellón Polideportivo). El concierto de Barcelona, el 19 de septiembre de 1980, formó parte de la Festa de Treball (Fiesta del Trabajo), organizada por el Partido Socialista Unificado de Catalunya (PSUC), un multitudinario acto (unas doscientas mil personas) celebrado en Montjuic donde, entre sardanas, teatro, cine y demás, The Ramones tocó por primera vez en España. La gente se subía a los árboles, a las estatuas, a las farolas y a las señales para ver a los artistas. Mike Oldfield vivió esa jornada con pasión, y se quedó prendado de la actuación de Diego Cortés, con quien interpretaría un curioso dúo. Aunque en 1981 no nos visitó, al año siguiente, en 1982, repitió en San Sebastián, Madrid y Barcelona.

Diego Cortés y Mike Oldfield en la Festa de Treball:

Dúo de Mike Oldfield y Diego Cortés:

1983, Crises Tour

En 1983 organizó la «Crises Tour 83». En España tocó el 4 de junio en el estadio Narcís Sala de Barcelona, y el 5 en La Casilla de Bilbao. El espectáculo era considerable, con aforos en algunas plazas de hasta cuarenta mil espectadores. El despliegue técnico para toda la gira fue apabullante: cinco remolques y ciento cincuenta personas para levantar un escenario de trescientos veinte metros cuadrados. Su diseño corrió a cargo del propio Mike Oldfield. Desde aquella gira existe un dicho bilbaíno que asegura que en La Casilla nunca nada sonó bien hasta que llegó él.

Wembley Arena 1983

1984, Discovery Tour

En 1984 arrasó con la «Discovery Tour 84», una de sus giras más multitudinarias, con trescientos cincuenta mil espectadores por todo el continente. En España actuó en sus ciudades clásicas: San Sebastián, Barcelona y Madrid. En 1984 tocó el 23 de agosto en el Velódromo de Anoeta (San Sebastián), donde once mil personas pagaron gustosos mil quinientas pesetas. Dos días más tarde, el 25 de agosto, actuó en el estadio municipal Narcís Sala (Barcelona). Y el 27, en el estadio Román Valero (Madrid), otro recinto mítico, pues fue punto de reunión en los años ochenta para melómanos que disfrutaron de músicos como Dire Straits, Meat Loaf o The Police. Y entonces Mike Oldfield detuvo su parafernalia en directo.

Concierto Velódromo De Anoeta, San Sebastián

Los Últimos Conciertos

Guardó silencio hasta 1993, cuando su ‘Tubular Bells II’ le llevó de nuevo a la carretera. En España amplió sus citas tradicionales y le vimos actuar principalmente en plazas de toros: Barcelona (La Monumental), Madrid (Las Ventas), Oviedo, Vigo (en el auditorio al aire libre de Castrelos), Málaga, Burgos (Estadio El Plantío) y Bilbao (Vista Alegre). Su última gira, «Then & Now», data de 1999, y España fue como un inmenso escenario por el que se paseó soportando el sofocante calor veraniego: nueve conciertos que reunieron a ciento treinta y tres mil espectadores. Además de esa abrumadora cifra, cien mil melómanos más se concentraron en un grandioso concierto gratuito ofrecido en plena playa coruñesa, donde también tocó The Corrs. Una vez más, España demostraba que se le tiene un cariño especial a la música de Mike Oldfield, y que acudimos en masa para poder disfrutar de él en pleno directo. Hicimos bien, pues fue la última gira en solitario de este músico tan extraño, ya retirado en las Bahamas.
Héctor Campos

Valencia 1999

Héctor Campos es autor de «Mike Oldfield, La Música De Los Sueños”, el que es quizás uno de los mejores libros sobre el músico británico. Héctor Campos Castillo (Aranjuez, 1981), ganador del primer premio de relato breve “Jóvenes Creadores de Aranjuez”, ha colaborado habitualmente en periódicos, revistas y medios locales y nacionales, donde ha realizado entrevistas, artículos, reportajes y columnas de opinión. Enamorado de la fotografía y la literatura, la música de Mike Oldfield le cautivó a los 12 años. Desde entonces ha seguido su trayectoria, lo que le llevó a organizar, con solo 22 años, “Tubular Project”, un homenaje con una orquesta completa y la colaboración de David Bedford, orquestador de ‘Tubular Bells’, que reunió, en seis conciertos, a casi cinco mil espectadores.