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Nuevo Álbum de Putrevore

Putrevore está de vuelta con un nuevo álbum ‘Miasmal Monstrosity’, a la venta en octubre de 2021 a través de Xtreem Music.

Putrevore comenzó en mayo de 2004 como un proyecto de Dave Rotten (Avulsed/ Holycide/ Christ Denied) y Rogga Johansson (Paganizer/ Ribspreader/ Grisly) con la intención de crear una banda de Death Metal muy pesada, oscura, pútrida y primitiva,inspirada en algunas de las formaciones más brutales de finales de los 80 y principios de los 90. Nada nuevo, nada original, ¡sólo mantener el espíritu vivo!

El nombre elegido fue Deadbreath, e iba a ser Riky, batería de Avulsed, quien se iba a encargar de las tareas de batería. Sin embargo, a finales del verano de 2007, el nombre de la banda se cambió por el de Putrevore después de ver que otra banda sueca surgió más tarde con un nombre similar, así que se eligió un nombre más brutal que se adapta mucho mejor al estilo de la banda.

De 2004 a 2007, Rogga fue escribiendo poco a poco un total de ocho canciones que encarnarían el álbum debut de la banda, pero debido a la falta de tiempo, Riky no pudo trabajar en las partes de batería y fue David Ekevarn (Davve), un amigo de Rogga quien aceptó grabar la batería como miembro de sesión. Esto fue en noviembre de 2007 y en diciembre, Dave Rotten añadió las voces en Madrid. El álbum debut ‘Morphed From Deadbreath’ fue finalmente mezclado y masterizado durante abril de 2008 y lanzado en septiembre de 2008 a través de Xtreem Music.

Pasaron cuatro años hasta que a principios de 2012 se empezó a grabar un segundo álbum, esta vez con Brynjar Helgetun en la batería de sesión. El álbum ‘Macabre Kingdom’ fue lanzado inicialmente en vinilo LP en julio del mismo año, seguido por una versión en cd a finales de octubre, ambos en Xtreem Music. En las mismas sesiones se grabó una canción extra que se utilizaría posteriormente para un EP 7″ compartido con los mexicanos Putrefact, que salió en enero de 2014 a través del sello alemán Unholy Prophecies Records.

A principios de 2015, se comenzó a grabar un nuevo álbum, de nuevo con Brynjar Helgetun a la batería, y esta vez fue mezclado y masterizado íntegramente por Dave Rotten en sus propios Sanctuary Studios para un lanzamiento en octubre del mismo año, de nuevo por Xtreem Music. El título de este álbum fue ‘Tentacles of Horror’, y de nuevo se grabó una canción extra que luego se utilizó en otro EP 7″ compartido con los holandeses Grim Fate que saldrá en marzo de 2019 a través de Dawnbreed Records.

Un nuevo álbum fue escrito y grabado durante 2020, una vez más con Brynjar Helgetun en la batería, y esta vez el álbum fue mezclado en sus propios estudios Brainjar, siendo terminado en abril de 2021.

‘Miasmal Monstrosity’, posiblemente su álbum más pesado y brutal hasta ahora, será lanzado en octubre de 2021 de nuevo a través de Xtreem Music en cd, LP, sassette y digital.

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Crónica de Metal Paradise 2021: “El castillo de Sohail se convierte en puro sonido”

Después de una eterna espera, el Metal Paradise nos dio la oportunidad de revivir la sensación de vivir un festival “como los de siempre”, cierto es que con una limitación de aforo para unas 1800 personas, con un recinto dividido en dos zonas separadas, tanto lateral como frontalmente, con el uso obligatorio de mascarillas, y tras realizar todos una prueba de antígenos para poder entrar (con un coste adicional, lo que sentó mal a muchos por no incluirse en el precio de la entrada o por no avisar antes de adquirir la entrada).

Lèpoka

Después de tantos aplazamientos y cancelaciones vividas en estos tiempos, estas medidas de prevención y adaptación a los requisitos sanitarios no empaño en absoluto el enorme esfuerzo realizado para que este festival se pudiese realizar con bandas nacionales, internacionales y una libertad controlada y respetada.

El recinto de Marenostrum es un sitio idílico, pegado a la playa y bajo la atenta mirada del castillo de Sohail, y la brisa que corría, a pesar de las altas temperaturas en ambos días, hizo que ambas jornadas fuesen bastante soportables.

Crisix

Lèpoka eran los encargados de abrir esta edición del Metal Paradise Mini 2021, y con su folkholic metal consiguieron que desde el primer tema todos los allí presentes se unieran a su fiesta. Con un sonido impecable, que fue la tónica durante todo el festival, y con una energía contagiosa, Lépoka fueron los primeros en hacer disfrutar al público en las primeras filas de pie y bailando conjuntamente, lo que fue un disfrute tanto para ellos como para todos los presentes. Saurom continuaron con la fiesta, tanto es así que los integrantes de Lépoka se unieron a tocar “La fiesta de la cerveza”. Los gaditanos demostraron sus tablas en directo con un show más que correcto.

Jinjer

Con Crisix ya se encontraba casi la totalidad de publico permitido, y sinceramente no sé quién disfruto más de la vuelta a un concierto “normal”, si la banda o el público. Desde el escenario no paraban de comentar lo ilusionante que era ver esos primero pogos, circlepit y esas primeras filas unidas. Musicalmente, Crisix puede ser fácilmente de las mejores bandas de nuestro panorama, y si unimos el show que se montan en el escenario, tenemos un concierto de autentico lujo. Sonaron temas como “ASFH”, “Xenomorph Blood”, o “Brutal Gadget”. Destacar la aparición de Juli entrando hasta la mitad del escenario en moto, cual repartidor de pizza, para promocionar su próximo ‘The Pizza EP’. ¡Geniales!

El brutal crecimiento de Jinjer ya no sorprende a casi nadie, y es que los ucranianos se lo ganan a pulso en cada concierto, unos músicos de enorme nivel, y una Tatiana Shmaylyuk pletórica, hicieron que su actuación fuese pura adrenalina. “On The Top”, “Pit Of Consciousness”, “Ape”, “Retrospection”, “Teacher Teacher” o los nuevos temas como “Wallflower” o “Vortex”, con la que finalizaron, hicieron que Jinjer volviesen a conquistarnos nuevamente a todos los presentes.

Y llegó la hora de los reyes de la noche, y del festival en mi opinión, Kreator. Los alemanes no defraudan nunca, empiezan y terminan en plan apisonadora, con un setlist imponente y con un Mille Petrozza en plena forma. Con un espectáculo de fuegos y humo empezaron a sonar temazo tras temazo: “Violent Revolution”, “Extreme Aggressions”, “Phobia”, “Horder of Chaos”, “Awakening of the Gods”, “Enemy of Gods”, “People of the Lie” “Flag of Hate” “Betrayer” o “Pleasure the Kill”, con la que finalizaron el concierto, hicieron que Kreator fuese lo más comentado entre el público, dejando una sensación increíble para este primer día.

Kreator

El domingo comenzó con la banda local Siddharta. Con su rock melódico de calidad, y jugando en casa, supieron aprovechar con creces su oportunidad. Temas como “M.U.A.”, “Todo o nada” o “Nadia” hicieron las delicias de los no pocos que se acercaron al recinto a las cinco de la tarde pese al calor. Poco tiempo, pero mucha calidad de unos enormes Siddharta.

Destruction

Llego el turno para los alemanes The Ocean. Impresionante directo el que se marcaron, clase a raudales, y una planta en el escenario simplemente genial. Con Loïc Rossetti bordándolo con la voz y con la actitud, haciendo malabarismo para cantar entre el público. “Calymmian”, “Permian” o “Holocene” consiguieron ser, para mi, una de las gratas sorpresas del festival.

Otros germanos entraban en escena, Destruction, y otro concierto para guardar en la memoria. Puro y clásico thrash, con una fuerza increíble, directos a la yugular con temas como “Curse the Gods”, “Total Desaster”, “Thrash Till Death” o “Bestial Invasion”. Y a pesar de no contar ya con Mike Sifringer en sus filas (quien fue sustituido por Martin Furia) Destruction es todo lo que te imaginas, pura energía que dura todo lo que dura su show.

Tarja

Eluveitie

Tarja es elegancia en estado puro, y cada vez que tengo la oportunidad de verla más me lo confirma. Una voz increíble, y siempre rodeada de enormes músicos. Muchos seguidores disfrutaron de los temas “Dead Promises”, Falling Awake” o “Undertaker”, aunque fue cuando sonaron los temas de su época en Nightwish, como “Nemo” o “Over the Hills and Far Away”, donde la gente más se exaltó. Concierto muy notable, dejando frases en un español muy andaluz, y siendo simplemente una artista de diez.

Y como broche final salieron a escena Eluveitie, que se marcaron un final perfecto para este Metal Paradise. La mezcla de voces que unen a la perfección Chrigel Glanzmann y Fabienne Erni, quien me sorprendió de grata manera, hacen de Eluveitie un autentico show tanto visual como sonoro. La inclusión de instrumentos como el arpa, flauta de tres agujeros, gaita o la zanfona, hacen que temas como “Ategnatos”, Deathwalker”, “Artio”, “Havok”  o “Inis Mona”, con la que finalizaron, suenen como si en una película medieval nos encontrásemos. Finalizaron los Suizos con “Rebirth” y la enorme “Inis Mona” poniendo el broche final ideal para convertir el castillo de Sohail en puro sonido.

Lo más positivo de esta edición es nuevamente el comportamiento del público, demostrado la total adaptación a las circunstancias, con un ambiente de hermandad como ya sucedió en el anterior evento realizado en Fuengirola del Rock The Coast en 2019.

Ahora solo queda contar los días para que se celebre la segunda edición, y ojala que sea sin necesidad de ninguna restricción, para mayor disfrute y comodidad de público, organizador y recinto.

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Void’s Legion inaugura una ambiciosa gira y desvela detalles de “Awakening the Collapse”, su primer LP

La banda madrileña de death metal Void’s Legion se embarcará en una potente gira que la llevará a visitar variadas zonas de España durante más de ocho meses a partir de septiembre para presentar ‘Awakening the Collapse’, el primer largo del conjunto, que estará editado por la discográfica Thornado Music.

El grupo ha indicado a MariskalRock que el disco será presentado el próximo 4 de septiembre en un concierto en la Sala Caracol (Madrid), además de que será lanzado durante otoño de 2021. En el evento tocarán “Enter the Void” y “Behold the Human Race”, las dos canciones que Void’s Legion ya ha publicado.  En el concierto debut en Madrid les acompañará la banda de metal extremo melódico Eternal Storm, además del conjunto de death metal Wormed, que será el cabeza de cartel del evento.

Las entradas para el concierto en la Sala Caracol ya están disponibles por 15€ + gastos en WEGOW o por 15€ en Potencial Hardcore, Metal Fenrir y Telón de Acero en formato físico. El concierto comenzará a las 20:00, mientras que la sala abrirá sus puertas a las 19:30.

Por otra parte, el combo ha otorgado más detalles sobre ‘Awakening the Collapse’, cuyo primer tema disponible será “DOGMA”, que saldrá a través de un lyric video hecho por RC VISUALS. Asimismo, junto al LP estarán disponibles al menos dos videoclips de los cuales uno será artístico y otro de directo, dos lyric videos y ‘visualizers’ para el resto de canciones y el streaming del disco. 

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Scorpions recibe el prestigioso Premio de la Cultura Europea

Mientras seguimos esperando que llegue ese esperado nuevo disco del que ya hemos tenido una pequeña muestra en forma de pincelada de un ensayo, los alemanes Scorpions han recibido un gran reconocimiento a la aportación de su carrera el pasado fin de semana durante la celebración del 250 aniversario del nacimiento de Beethoven con una nueva entrega de los Premios de la Cultura Europea.

En una nueva demostración de la importancia del rock en la cultura, la banda de Klaus Meine ha sido honrada con el Premio de la Cultura Europea en la gala que se celebró el pasado 28 de agosto en la Casa de la Ópera de Bonn. Los encargados de recibir tal reconocimiento fueron el citado vocalista de la banda y el guitarrista Rudolf Schenker. Las redes sociales de  Scorpions reflejaron posteriormente esta noticia con el siguiente mensaje: “Qué honor recibir el precioso Premio de la Cultura Europea de 20212 en Bonn, Alemania. Muchas gracias, fue realmente una noche que recordar”.

Hay que tener en cuenta que este premio se entrega a destacadas personalidades del arte, la política o diferentes iniciativas e instituciones para reconocer la excelencia de su servicio y sus éxitos para Europa y sus gentes.

 

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Crónica del Foro AlmazaRock 2021: “La música nos hace vivir”

Fernando Madina (Reincidentes), Mariskal Romero y Julio Castejón (Asfalto)

“Sin técnicos no hay cultura”, así de contundente arranca Alex Giménez, presidente de Murcia Técnica de Espectáculos, en su intervención en la jornada convocada por la asociación AlmazaRock y el Ayuntamiento de Mazarrón el pasado 28 de agosto en dicha localidad. Mariskal Romero actuó de conductor y agitador de la conferencia, incidiendo con sus preguntas a cada ponente sobre los puntos más incisivos, poniendo de relieve la acción conjunta Alerta Roja del pasado 17 septiembre 2020, donde señaló la unión de diferentes estamentos pero acusó la escasa presencia de músicos.

El objetivo de la jornada era poner sobre el tapete la problemática de la cultura en general y del Rock en particular como consecuencia de la pandemia de la Covid19, que se ha llevado por delante el trabajo de infinitos trabajadores y el sustento de numerosas familias. Lo interesante es que, además de exponer problemas, se han expuesto soluciones que pasan por la voluntad política. “Hay que buscar sinergias”, continúa Giménez.

La conferencia fue inaugurada por el concejal de Cultura de Mazarrón, Ginés Campillo, comprometido con la causa y abierto a proposiciones: “Hay que poner en m

Foto final tras la conferencia con ponentes y organizadores

archa propuestas que perduren más allá de los cambios políticos, que la organización pública tire adelante de las iniciativas. Para ello, es fundamental el tejido asociativo”. A continuación destacó la intervención de José González en representación de la Unión de Empresas Productoras de Eventos de la Región de Murcia, en la que hizo una acertada disquisición de cómo las medidas de contención de la pandemia habían comprometido la continuidad empresarial pues, a pesar de las ayudas (ERTEs, etc…) y la dificultad de encontrar salidas creativas que retornaran a la actividad previa, siempre dentro de la seguridad necesaria que requiere el momento actual.

A continuación tomó la palabra Isaac Vivero, presidente de Murcia live!, más conocido por su actividad en la organización de macroconciertos, presente allí para reivindicar el papel y la necesidad de la Salas de Conciertos, más de 300 en toda la nación, marcando con tristeza el hecho de que muchas de ellas no podrán volver a abrir tras esta debacle al seguir cerradas por ley tras dieciocho meses de coronavirus. “Son los gérmenes de los grandes, tanto de músicos como de técnicos. A los nuevos grupos les costará más empezar si les falta este primer escalón. Hay que empezar con los conciertos ya”, señala contundente.

Le toca el turno a los músicos como eje sobre el que gira todo el entramado del Rock como cultura, como defiende Mariskal en todo momento. Abre Julio Castejón (Asfalto): “Vivimos circunstancias impensables, el planeta dando palos de ciego”. Resalta la importancia de la salas de conciertos para la gestación de las bandas, recordando cuando mendigaban un sitio para tocar y afirmando dicha necesidad: “No tengo años en barbecho, tengo años a tocar. Igual la música no nos da para comer, pero nos hace vivir. Es triste pero la música ahora no se escucha, se baila, es ocio, no cultura”.

Fernando Madina (Reincidentes) pasa a las propuestas directamente en su línea conocida de compromiso político: “Se necesita un nuevo régimen como “trabajador de la Cultura”, con cotización diferente para la enfermedad y para la jubilación. También sería necesaria una ley tipo la que desarrolló Miterrand en Francia (ley de excepcionalidad), nuestro país vecino, que marcó un fuerte impulso de la cultura francesa, favoreciendo subvenciones para la contratación de artistas franceses de todo ámbito, del producto local. Así serían convenientes subvenciones a las salas que contraten músicos locales”. Mariskal pone de relieve la publicación ad hoc de 13 números de La Heavy con el compromiso de la imprenta y apoya la idea de revalorizar el producto estatal, en este caso del Rock.

María Moes Band

María Moes, cantante con su banda de versiones y proyecto personal, destaca lo primero el desastre y caos en el que está sumergido el sector y la falta de unión en el mismo donde triunfan los egos además de señalar las dificultades reales de la falta de ERTEs para muchas personas no legalizadas por falta de regularización de la esfera cultural. Giménez suscribe estas palabras: “Los técnicos sobre son los hombres de negro de los que nadie se acuerda porque todo funciona”. Moes va más allá: “¿Alguien hoy en día puede cuestionar que la música sea cultura? Falta educación musical en este país”. Esta idea cala en el debate posterior sentando la idea de que niños y jóvenes están perdiendo una asignatura importante para su desarrollo y la necesaria educación en liberta para la elección de la música que quieren que sea la banda de su vida, más allá del reggaeton. Marisol Huertas, fotógrafa de rock, ahonda más en la idea indicando que la música es salud, es desfogue, es relax, es filosofía: “Y ahora está muerta. Mi apoyo a las bandas emergentes que son el futuro”. Afirma que no se valora el documento gráfico que va a inmortalizar un momento. Señala que la fotografía es una colaboración y que en la mayoría de los casos es gratuita y hecha desde la pasión, lo que profundiza en el tema expuesto antes de la falta de regularización de los recursos humanos del rock.

La cantante con el nuevo número de La Heavy

Se cierra la jornada con un caluroso debate, donde se hace presente el interés del tema para ciertos partidos políticos y diferentes asociaciones implicadas del sector, y las palabras del concejal de cultura. Se resaltan la propuestas realizadas, la necesidad de crear un documento que pueda presentarse en el Ayuntamiento y a otros niveles políticos. Cierra Mariskal Romero reivindicando Mazarrón como foco de cultura para el pueblo desde 1982 y señalando el valor de lo público, que somos todos, para poder salir del a crisis apoyada en iniciativas como la subvención de pequeñas salas, intercalar talento emergente en grandes conciertos y leyes que apoyen la cultura del país.

Dünedain

El fin del día lo puso, como corresponde, un concierto al aire libre con todas las medidas de seguridad. Subrayar la apuesta cultural de Mazarrón y de la región, donde no falta la tradición musical partiendo desde las bandas de música donde desde niños toman contacto con la notas musicales y lo ritmos. Presentado triunfalmente por Mariskal Romero, abre María Moes Band, lamentando que solo interpretara un tema propio, sin faltar su homenaje a Charlie Watts. Cerraron triunfantes Dünedain.

Texto y fotos: María Gala

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Negura Bunget Presenta ‘Zău’

Negura Bunget cierra la trilogía transilvana con obra póstuma ‘Zău’, que se publicará a finales de noviembre, y rinde homenaje a su batería “Negru».

Negura Bunget desvelan el vídeo de ‘Brad’ (en su versión edit) como primer single extraído del próximo álbum de estos pioneros del black metal, disco que sirve de conclusión de su «trilogía transilvana», que lleva por título ‘Zău’ («Old God»). El lanzamiento de ‘Zău’ está previsto para el 26 de noviembre.

‘Zău’ es el legado del batería y mente maestra Gabriel «Negru» Mafa, que falleció trágicamente demasiado pronto a la edad de 42 años el 21 de marzo de 2017. Este álbum ha sido completado y creado respetuosamente sobre las grabaciones originales de la batería de Negru por la última formación de Negura Bunget.

«Tras el trágico fallecimiento de Gabriel ‘Negru’ Mafa todos nos sentimos obligados a cumplir su legado según sus ideas y deseos, lo que significaba que teníamos que completar la trilogía de Transilvania», escribe la banda de forma colectiva.

«Al trabajar en este álbum, todos sentimos la presencia de Gabriel como guía entre nosotros. Conocíamos los detalles directamente de él, porque como persona muy organizada que era, lo había escrito todo. La batería que se escucha en ‘Zău’ la toca Gabriel, pues ya había grabado el piloto del álbum antes de su fallecimiento. Los demás nos limitamos a aportar nuestras partes como siempre, aunque fue un momento y un proceso difícil para todos. Echamos de menos los debates musicales y filosóficos con Gabriel. Al final, conseguimos completar su obra.

«El título de la tercera parte de la Trilogía de Transilvania, ‘Zău’, significa «Dios Viejo», pero también designa una maravilla. Este álbum se centra en los paisajes de Transilvania, la mitología y la espiritualidad».

«‘Brad’, que se traduce como ‘abeto’, es el tema más cinematográfico de este álbum. El simbolismo del abeto en la cultura tradicional rumana es amplio y complejo. Por ejemplo, puede representar la inmortalidad y el círculo de la vida, ya que acompaña todas las etapas importantes: el nacimiento, el matrimonio y la muerte. Nuestro amigo, el artista Daniel Dorobantu, creó el impresionante vídeo para esta canción».

Martin Koller, fundador del sello Prophecy Productions, añade: «En muchos sentidos, ‘Zău’ no se parece a la mayoría de los álbumes. Nos pareció importante que este disco se publicara en el año del 25º aniversario de Prophecy Productions, ya que de alguna manera sentimos que esto se sumaría al homenaje especial que pretendíamos que fuera para el difunto Gabriel ‘Negru’ Mafa. Habló tantas veces de la trilogía de Transilvania y de lo mucho que significaba para él que sabíamos que teníamos que hacerlo bien”

“Era tan importante para Gabriel, que se había convertido en algo muy importante para nosotros, su familia discográfica. Queremos honrar todos esos años de amistad y fructífera colaboración con este lanzamiento póstumo. Un testimonio impresionante del poder innovador y la creatividad musical de Negură Bunget”.

“También queremos expresar nuestra profunda gratitud hacia todos los demás, sin olvidar a Alina, la esposa de Gabriel, que ayudó en la realización de este increíble disco y su material gráfico. Nos alegramos de que lo hagamos realidad antes de que acabe este año y esperamos sinceramente que os llegue a encantar ‘Zău’ tanto como a nosotros»

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Entrevista a Leprous: “Los géneros describen un poco el sonido de la música, pero no la emoción”

Leprous | Foto: Troll Toftenes

Son pura magia, edificadores de emociones desbordantes que trascienden con mucho la maestría técnica de sus composiciones. Los noruegos Leprous están de vuelta con ‘Aphelion’, su nuevo disco y el primero tras el punto de inflexión que marcó ‘Pitfalls’, su predecesor, que inauguró una nueva era musical en el grupo. Coincidiendo con la celebración del vigésimo aniversario de la banda, el vocalista, teclista y compositor Einar Solberg se abre de par en par y comparte todas sus impresiones en una amena charla con Jason Cenador

En cierto sentido, diría que habéis seguido en este nuevo álbum el camino trazado por su predecesor, ‘Pitfalls’, pues siguen predominando en él los medios tiempos, hay mucha melancolía, el peso del cello es importante… ¿Estás de acuerdo?

“Desde luego, así ha sido en algunas canciones, eso seguro. Temas como “Out of Here” podrían haber estado perfectamente en ‘Pitfalls’. Hay otras canciones como “All the Moments” las percibo realmente diferentes a ‘Pitfalls’, así que depende de qué canciones hablemos. De hecho, eso es lo que siento, que es un disco canción a canción. Hay incluso dos canciones ahí que compusimos y grabamos para ‘Pitfalls’. Una de ellas es “Silhouette”, que sentimos 

que no encajaba en la onda de ‘Pitfalls’; no la sentíamos lo suficientemente profunda emocionalmente para el disco anterior, pero encaja perfectamente en el contexto de ‘Aphelion’, ya que, en mi opinión, que es un poquito m

ás luminoso. También está “On Hold”, que no la metimos en ‘Pitfalls’ básicamente porque no vimos la manera de que coexistieran dos canciones tan lentas como son “On Hold” y “Distant Bells” en el mismo álbum. Sabíamos que la emplearíamos más tarde, porque estamos supercontentos con esa canción. Tener una buena canción no significa que vaya a tener encaje en un disco”.

Creo que ‘Aphelion’ es menos accesible y más extraño y progresivo que ‘Pitfalls’, que pese a su profundidad y su lugubridad poseía cierta redondez en sus canciones. ¿Qué opinas tú?

“Sí, sin duda es así, y eso se debe a la manera en que se ha compuesto, de una manera más colectiva. Se trató más de tocar juntos, pasándonoslo bien con nuestra música. ‘Pitfalls’ tenía sus propias vibraciones, con esa melancolía. ‘Aphelion’ es más tocable, y estoy de acuerdo de que es de alguna manera más progresivo a pesar de que casi todas las canciones estén en cuatro por cuatro. Lo más importante en este disco ha sido el proceso, que ha mantenido ese sentimiento vivo. En cierto modo, no tiene la mima dirección fuerte de ‘Pitfalls’, pero, por otro lado, pienso que la gente que no conectó tanto con ‘Pitfalls’ sí conectará más fácilmente con este disco, porque ‘Pitfalls’ es un álbum de esos que o lo amas o lo odias, esa es nuestra experiencia con los fans. Fue un disco muy diferente”. 

Y muy personal. De hecho, he leído algunos comentarios que apuntaban a que parece más un disco tuyo en solitario a un álbum de Leprous. Es un trabajo muy introspectivo. 

“Puedo entender que haya gente que tenga esta opinión, pero pienso que en el fondo fue el álbum en el que más libres fueron el resto de los miembros del grupo. Toco con músicos muy experimentados, y en cuanto más experimentados son los músicos, menos necesidad tienen de exhibirse y demostrar todo lo que pueden hacer y lo bien que pueden tocar. A veces, eso provoca aburrimiento. Nosotros tenemos un batería alucinante, pero no necesita demostrarlo constantemente. Todo va de estar al servicio de la canción, y eso es lo que todo el mundo hizo en ‘Pitfalls’. De hecho, diría que ‘The Congregation’ está más cerca de ser un disco en solitario por mi parte de lo que lo fue ‘Pitfalls’. En él, los miembros adoptan unos roles mucho más restringidos por mis composiciones. En ‘The Congregation’, compuse todos los riffs de guitarra exactamente igual que como acabaron estando en el álbum, y buena parte de los bajos y baterías. Ahora nunca ya compongo partes de batería ni tampoco muchos de los riffs de guitarra, sino que más bien hago una composición que puede ir con guitarras o sin guitarras, y después la gente tiene que encontrar su propio papel en la canción”. 

En este disco sigue habiendo mucho peso de sintetizadores. ¿Crees que irán adquiriendo cada vez más importancia en los álbumes sucesivos de Leprous? También es verdad que en este trabajo, las canciones están plagadas detalles y no son de esas que se comprenden por completo a la primera escucha. 

“Así es. Y estoy de acuerdo con lo que decías antes de que ‘Pitfalls’ es un disco más accesible. He escuchado a gente que me ha entrevistado diciendo justo lo contrario, lo cual no entiendo. Supongo que todo depende del gusto, pero yo, como tú, pienso que ‘Pitfalls’ es un disco más accesible. En lo que respecta al uso de sintetizadores, siento que los he empleado incluso más en ‘Pitfalls’, pues en ‘Aphelion’ hay temas en los que no hay ningún sintetizador, como “All the Moments”, en la cual sí que juego con percusiones tocadas desde el teclado, pero no hay sintetizadores. Hemos empezado ya a ensayar los temas y siento que estoy tocando menos teclado que nunca en la vida (risas)”. 

¿En serio? Y aun así, no es, para nada, el disco más eléctrico de Leprous. Parece claro que estáis en otro punto de vuestra carrera y ya no sonáis tan duros e incluso extremos como en trabajos pretéritos. Ahora sonáis más acompasados, densos y melancólicos… 

“Desde luego. Muchas veces, la mayoría de los sonidos de instrumentos de cuerda parten desde el teclado, y en este disco hay mucho teclado, pero lo que también hay son instrumentos de cuerda reales, instrumentos de orquesta que están tocándose de verdad. Muchas bandas emplean samples y teclados para tocar este tipo de cosas, pero no es lo nuestro; nosotros tenemos instrumentos de cuerda reales. Siempre hay algún instrumento más, aparte de las guitarras, el bajo y la batería, que ocupa mucho espacio en la canción. Quizá es eso a lo que te refieres”. 

Es habitual sorprenderse con vuestra lúcida técnica y vuestros cambios de ritmo tan inusuales, pero parece claro que vuestra prioridad sobre todo ello es transmitir emociones. Antes decías que ponéis vuestra técnica al servicio de la canción, pero yo iría más allá y diría que lo hacéis al servicio de la emoción. ¿Qué emociones han inspirado los temas de este disco? 

“Sí, definitivamente sí. Tu pregunta tiene una difícil respuesta, porque las canciones siempre atraviesan muchos procesos diferentes. Cada una de estas canciones cuenta una historia completamente diferente, y cada una cuenta con una historia diferente detrás en el sentido de cómo se ha escrito. Habitualmente, en los álbumes anteriores, el disco era el resultado de un único proceso masivo, pero este álbum es el resultado de diez procesos más pequeños y separados entre sí. Es, sobre todo, un disco tema a tema. Nos concentrábamos en componer y grabar una canción, y después pasábamos a la siguiente. Íbamos haciendo un tema cada vez, y nunca habíamos hecho eso antes”. 

Para ti, ‘Pitfalls’ fue como la escapatoria de una depresión, y así lo comentaste en la última entrevista que publico nuestra revista, La Heavy. ¿Están ahora mejor las cosas en tu vida, pese a la pandemia, de manera que pudiste escribir letras desde una perspectiva más luminosa?

“Me siento, en general, mucho mejor que cuando empecé a escribir ‘Pitfalls’, eso seguro, pero la cosa con la depresión es que, una vez la has tenido, de algún modo sigue formando parte de tu vida y es algo que nunca se va verdaderamente, porque tu cerebro ya ha aprendido esos patrones. La ansiedad ha sido, tal vez, lo más importante, dado que a menudo está asociada a la depresión, y la cuestión es que una vez la has tendido como parte dominante de tu vida en algún punto, siempre va a estar de alguna manera ahí, en el segundo plano, pero lo que hace que las cosas vayan a mejor es que aprendes de alguna manera a lidiar con ello y a que no sea una parte dominante de tu vida. No tengo intención de ser una persona a la que la ansiedad le controle, al fin y al cabo es parte del instinto humano; la cuestión es llegar a ese punto en el que la ansiedad no te condicione la vida. Puedes tener problemas aquí y allá, pero ya no es parte de tu día a día. Ese era mi objetivo y siento que lo he alcanzado”. 

Me alegra mucho saberlo. Habrá mucha gente que pensará que siempre eres una persona tan melancólica como podría deducirse de tus canciones. ¿Eres, a día de hoy, un tipo más sonriente y desenfadado?

“Siempre he sido un tío relativamente positivo y sonriente, de corazón, pero diferentes eventos de mi vida me provocaron algunos problemas, especialmente en mis primeros años. Eran cosas que se escapaban de mi control. Cuando la gente piensa que soy una persona supermelancólica, están completamente equivocados en general, pero intento escribir sobre ese tipo de cosas por algunas razones. La primera es que no encuentro interesante escribir sobre las cosas de la vida cotidiana, sino de la parte de la vida con más enjundia y contar una historia. También prefiero la música melancólica”. 

¿Quiénes son los “Castaway Angels” (“Ángeles náufragos”, título de uno de los singles del disco)?

“Todos los que tienen conflictos mentales, básicamente”. 

¿Y el arte, especialmente la música, es una de las mejores maneras de limpiarse de esos conflictos y verterlos fuera para quedarse más vacíos de ellos?

“Sí, bueno, no es tan simple para mí, pero cuando la gente me pregunta si la música me está ayudando a lidiar con ello, yo les digo que sí, pero de la manera en que la gente tal vez lo piensa. Me ayuda en el sentido de que me proporciona un sentimiento de realización, y eso siempre me hace sentir mejor y más valioso, por así decirlo. También, para mí es muy importante crear en general, para sentirme lleno y creativo”. 

¿Cuál dirías que es, para ti, el disco más importante de tu vida y de tu carrera?

“Me decantaría por ‘Pitfalls’, porque con él empezamos a ser más transparentes y a ser más nosotros mismos y no tener que responder a las expectativas. Pero también porque en él pude escribir sobre aspectos de mi propia vida. A su manera, todos los discos son importantes para nosotros, pero diría que ‘Pitfalls’ es, quizá, nuestro disco más honesto. Por supuesto, ‘Aphelion’ está siguiendo la misma línea, hablando de un modo relativamente transparente sobre mi propia vida, pero ‘Pitfalls’ fue el primero”. 

Entonces, ¿la gente no debería esperar que vayáis a regresar algún día a vuestra vertiente más metalera?

“Para nosotros es realmente difícil decir qué nos va a deparar el futuro, porque vamos cambiando gradualmente como seres humanos y nuestras preferencias van cambiando gradualmente y tal vez queremos experimentar cosas nuevas. Para mí, es importante que cada disco tenga su propio carácter, aunque claro, en cuanto más cercanos en el tiempo estén unos discos, más parecidos van a ser entre sí. Nunca vamos con una intención determinada, porque todo tiene que ocurrir con naturalidad y despacio”. 

Mira Ulver, que empezaron haciendo black metal y terminaron haciendo post-rock y electrónica. ¿Os sentís tan abiertos de mente como ellos en el sentido de que podríais tocar cualquier cosa que os apeteciera?

“Por supuesto, pero no por el hecho de tener que cambiar sí o sí. El cambio tiene que llegar naturalmente. Podríamos fácilmente tocar muchas cosas diferentes, y pienso los géneros no son, en general, una gran manera de describir la música. Nos pueden preguntar qué tocamos y podríamos responder que tocamos metal, pero eso no describe nada, básicamente. Podría ser cualquier cosa entre Lepropus y Alestorm (risas). Así que realmente no proporciona ninguna información. Incluso el término metal progresivo no ofrece ninguna información. Yo pienso que la música va de transmitir emociones y los géneros describen un poco el sonido, pero no la emoción. Yo tengo problemas a la hora de definir a las bandas por géneros. Y la mayoría de las bandas que crearon los géneros, nunca pensaron en géneros en un primer momento”. 

El diciembre tenéis programados conciertos en Madrid y Barcelona en el marco de una gira en la que conmemoraréis vuestro vigésimo aniversario. ¿Qué podemos esperar de ellos?

“De esos shows podéis esperar un tipo de repertorio muy diferente al que veníamos haciendo, porque será un setlist cronológico, histórico, que empezará incluso desde canciones de las primeras maquetas que ni siquiera han sido grabadas y progresará a lo largo de toda la discografía hasta el día de hoy. Será un concierto relativamente largo , creo, pero no en exceso, porque no soy un gran seguidor de los conciertos demasiado largos. Vamos a construir un setlist que tenga sentido desde un punto de vista histórico. De algunos álbumes tal vez hagamos más canciones y de otros discos, menos”.

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Queen: “Under Pressure”, la canción con David Bowie, pudo no haber existido nunca

Aunque formó parte del listado de canciones que dieron forma a ‘Hot Space’, el disco que publicó Queen en 1982, el éxito de “Under Pressure” comenzó a llegar en octubre de 1981, fecha en la que veía la luz una de las más celebradas colaboraciones de la historia de la música, la que llevó a David Bowie a unir fuerzas con la banda de Freddie Mercury.

En un nuevo episodio de la historia de la banda publicado en su canal de Youtube nos hemos encontrado esta anécdota del que también es uno de los más conocidos riffs de bajo del rock, y precisamente su creador, John Deacon, pudo también haber sido responsable de que esta canción nunca hubiera visto la luz.

La historia comienza con la adquisición por parte de la banda de los Mountain Studios de Montreux, en Suiza, donde la banda se reunía para dar rienda suelta a su creatividad. El ingeniero Dave Richards se convierte en protagonista de este relato al ser quien tuvo la idea de llamar a Bowie para invitarle a participar en una de las sesiones.

En el vídeo vemos al propio David Bowie recordando cómo el ingeniero supo que estaba en la ciudad y le llamó para que se pasara por el estudio y “ver qué pasaba”: “Fue totalmente espontáneo, no había nada planeado”, comenta el artista sobre lo que estaba a punto de suceder.

El batería de la banda, Roger Taylor, cuenta cómo el proceso comenzaba por emborracharse en el estudio y empezar a tocar para divertirse viejas canciones entre las que recuerda que estaba alguna de Cream, hasta que Bowie propuso crear algo nuevo. Vemos al productor Reinhold Mack señalar que la presencia de Bowie era también presión para sacar lo mejor de aquella reunión.

Brian May, guitarrista de Queen, es el encargado de contar cómo Deacon llegó con la idea del popular riff, pero es Taylor el que recuerda cómo, después de tocarlo un montón de veces, salieron a por pizza y el bajista lo olvidó: “Se le fue completamente de la cabeza, pero al volver yo lo recordaba”.

May insiste en que tener a Bowie allí fue un elemento que les hizo sacar lo mejor de sí mismos, mientras que Taylor directamente señala al camaleónico artista como artífice de las palmas y chasquidos de dedos que también caracterizan la canción: “Así es como creció la canción”. Aquella fue una noche realmente intensa y fructífera que dio a luz una de las más populares canciones del repertorio de Queen, que llegaría a alcanzar el número uno en listas británicas por segunda vez para la banda.

Tras la muerte del vocalista en noviembre de 1991, el propio Bowie se uniría a Annie Lennox en el concierto de homenaje a la memoria de Mercury para dejar uno de los momentos más destacados de la actuación con la interpretación de este tema.

 

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Muere Ron Bushy

Seguimos recibiendo noticias que lamentamos tener que ofrecer. Grandes protagonistas de las páginas doradas del rock nos están dejando en este año, con unas semanas realmente duras que estamos viviendo recientemente en las que nos han dejado Charlie Watts, Dusty Hill o Joey Jordison entre otros grandes de la gran familia del rock y el metal.

Ahora hemos conocido la noticia del fallecimiento a los 79 años del que fuera batería de todos los discos publicados por los legendarios Iron Butterfly, Ron Bushy. Las redes sociales de la banda publicaban el siguiente mensaje la tarde del pasado 29 de agosto: “Ron Bushy, nuestro amado y legendario batería de Iron Butterfly, falleció en paz, con su esposa Nancy a su lado, a las 12:05 del 29 de agosto en el Hospital UCLA de Santa Monica. Sus tres hijas también estaban con él. Era un verdadero luchador. Nació el 23 de diciembre de 1941. ¡Lo extrañaremos profundamente!”

El batería mantuvo dura batalla contra un cáncer de esófago que finalmente se ha llevado la vida de uno de los creadores de clásicos como “In-A-Gadda-Da-Vida”, el popular single que dio nombre en 1968 al segundo álbum de una de las bandas imprescindibles del rock.

Descansa en paz, Ron Bushy.

PARA LEER MÁS:

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Efemérides de la semana 30/08 – 05/09: Iron Maiden, Judas Priest, Queen, Aerosmith, Mötley Crüe…

Una semana más os traemos este recopilatorio con todas las fechas destacadas (cumpleaños, muertes, reediciones…) del mundo del rock y del metal.

Algunos de los discos que cumplen años esta semana

30 de agosto

  • Lars Frederiksen (Rancid), cantante y guitarrista de la banda punk rock norteamericana, cumple 50 años.
  • Jens Ludwig, guitarra y miembro imprescindible de Edguy, y artífice de sus solos de guitarra, celebra su 44º cumpleaños.
  • The Byrds puso a la venta ‘Sweetheart of the Rodeo’ un día como hoy de 1968.
  • The Breeders lanzó ‘Last Splash’ un día como hoy de 1993.
  • Dark Tranquillity publicó ‘Skydancer’ un día como hoy de 1993.
  • Pennywise puso a la venta ‘Amorphous Androgynous’ un día como hoy de 1993.
  • Tarja Turunen lanzó ‘Colours in the Dark’ un día como hoy de 2013.

31 de agosto

  • El Drogas.

    Van Morrison, una de las leyendas vivas del rock y el folk irlandés, y miembro del Rock and Roll Hall of Fame, cumple 76 años.

  • Rudolf Schenker (Scorpions), guitarrista fundador de la banda alemana, celebra su 73º cumpleaños.
  • Enrique Villarreal “El Drogas”, histórico de Barricada, cumple 62 años.
  • Jimi Jamison, intermitente vocalista de Survivor desde 1984, falleció un día como hoy de 2014 al sufrir un ataque al corazón tras actuar con su conjunto.
  • Aerosmith lanzó ‘Permanent Vacation’ un día como hoy de 1987.
  • Javier Domínguez Gregorio, conocido artísticamente como Zeta y que alcanzó la fama como cantante de Mägo de Oz, nació un 31 de agosto de 1973. ¡Feliz 48º cumpleaños!
  • The Rolling Stones publicó Goats Head Soup’ un día como hoy de 1973.
  • Mike Oldfield lanzó Tubular Bells III’ un día como hoy de 1998.

1 de septiembre

  • En 1989 Mötley Crüe publicó ‘Dr. Feelgood’, el más famoso de sus discos y el único con el que alcanzaron un nº1 en Estados Unidos.
  • John Mayall lanzó ‘Crusade’ un día como hoy de 1967.
  • Roger Waters puso a la venta ‘Amused to Death’ un día como hoy de 1992.
  • Ramones nos introdujeron a su particular ‘Mondo Bizarro’ un día como hoy de 1992.
  • R.E.M. lanzó a mercado ‘Document’ un día como hoy de 1987.
  • Rush mostró al mundo su notable ‘A Farewell to Kings’ un día como hoy de 1977.
  • James Gang publicó Bang’ un día como hoy de 1973.
  • 10cc lanzó Bloody Tourist’ un día como hoy de 1978.
  • Styx puso a la venta Pieces of Eight’ un día como hoy de 1978.
  • Molly Hatchet publicó Molly Hatchet’ un día como hoy de 1978.
  • Powderfinger lanzó Internationalist’ un día como hoy de 1998.
  • Mansun puso a la venta Six’ un día como hoy de 1998.
  • The Libertines publicó I Get Along’ un día como hoy de 2003.

Alberto Rionda.

2 de septiembre

  • Billy Preston, teclista legendario en el desarrollo de la música popular estadounidense al colaborar con The Beatles, The Rolling Stones, Ray Charles, Eric Clapton, Bob Dylan, Richie Sambora o Red Hot Chili Peppers, nació tal día como hoy en 1946. Falleció el 6 de junio en 2006 tras pasar siete meses en coma por un fallo respiratorio y pericarditis.
  • Dino Cazares, guitarrista de Fear Factory y miembro fundador de Brujería, entre otros proyectos, cumple 55 años.
  • Gabriel Manelli “Gabo” (Babasónicos), bajista y compositor de una de las mayores agrupaciones de rock argentino de todos los tiempos, nació un día como hoy en 1969. Falleció el 12 de enero de 2008 por complicaciones derivadas de un cáncer linfático.
  • Thin Lizzy puso a la venta ‘Bad Reputation’ este día de 1977.
  • Alberto Rionda, guitarrista de Avalanch y Alquimia, cumple 49 años. ¡Felicidades!
  • Celtas Cortos puso a la venta 40 de abril’ un 2 de septiembre de 2008.
  • Black Rebel Motorcycle Club lanzó Take Them On, On Your Own’ en Estados Unidos un día como hoy de 2003.
  • Hollywood Undead publicó Swan Songs’ en 2008.
  • The Safety Fire puso a la venta Mouth of Swords’ este día de 2013.

3 de septiembre

  • Steve Jones, guitarrista de Sex Pistols, cumple 66 años.
  • Alan “Blind Owl” Wilson (Canned Heat), cantante y guitarrista, falleció un día como hoy en 1970, el mismo año que nos dejaron leyendas como Jimi Hendrix o Janis Joplin. Pertenece al club de los 27. Se lo llevó una sobredosis de barbitúricos.
  • Iron Maiden lanzó ‘Powerslave’ un día como hoy de 1984.
  • In Flames mostró al mundo ‘Reroute To Remain: Fourteen Songs of Conscious Insanity’ este día de 2002.
  • Héroes del Silencio ofreció una rueda de prensa en Lima (Perú) en la que comunicó su separación temporal un 3 de septiembre de 1993.
  • Judas Priest puso a la venta su inmortal ‘Painkiller’ este día de 1990, un disco con el que le daban una vuelta de tuerca a la dureza del heavy metal clásico.

4 de septiembre

  • Kim Thayil, guitarrista de Soundgarden, cumple 61 años.
  • Igor Cavalera (Cavalera Conspiracy, ex-Sepultura), imprescindible batería que también es amante de la música hip hop, cumple 51 años.
  • John García, voz de Kyuss Vista Chino, cumple 51 años.
  • Gustavo Cerati (Soda Stereo), uno de los autores más importantes del rock iberoamericano de toda la historia, falleció un día como hoy de 2014 a los 55 años tras pasar más de cuatro años en coma por un ictus.
  • Blackie Lawless (W.A.S.P). Foto: Alfonso Dávila

    Iron Maiden lanzó ‘The Book of Souls’ este día de 2015.

  • Blackie Lawless, vocalista y guitarrista de W.A.S.P., cumple 65 años. ¡Felicidades!

5 de septiembre

  • Freddie Mercury (Queen), posiblemente la mejor voz de toda la historia del rock, hubiese cumplido hoy 74 años de no ser por su prematura muerte en 1991 por complicaciones derivadas del SIDA.
  • Arnel Pineda, vocalista de Journey, cumple 54 años. Aparenta menos, ¿verdad?
  • Warlock puso a la venta su cuarto y último disco ‘Triumph and Agony’ un 5 de septiembre de 1987.
  • A pesar de tener una carrera jalonada de éxitos, 25 años tardó Aerosmith en que un single suyo fuera nº1 en las listas de Estados Unidos. Ocurrió en 1998 y curiosamente lo consiguió con una canción que no es de la autoría del grupo: “I Don’t Want to Miss a Thing”. La balada la compuso para ellos Diane Warren y fue el tema principal de la banda sonora de la película ‘Armageddon’, en la que Liv Tyler, hija de Steven, era la protagonista femenina.

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