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5 bandas de rock que aparecen en Los Simpsons

Las tres décadas en las que “la familia más famosa de América”, la animada familia Simpson y sus vecinos de Springfield, nos lleva acompañando han servido también de escenario sobre el que se han transformado en personajes de piel amarilla a algunas de las más importantes bandas de rock de la historia. Porque, no cualquiera se gana un sitio en la serie de la Fox.

Una nueva selección de nuestra compañera Inés Chamil nos muestra un curioso Top 5 de bandas de rock que aparecen en Los Simpsons, comenzando por el destacado cameo de Metallica junto al personaje más rockero de la serie, Otto, responsable de muchas de las apariciones rockeras en el show (cómo olvidar a Poison tocando en su boda, bueno, más bien a “Cianuro, en sentido homenaje a Poison”).

El capítulo en el que Homer asiste al Rock Camp nos dejó entre otros a The Rolling Stones, mientras que en las primeras temporadas tuvimos el mítico “Cumpleaños feliz” interpretado por Los Ramones para Mr. Burns; a Red Hot Chili Peppers o a Kid Rock.

 

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Pero han sido muchos más las bandas que han aparecido en la serie, como Judas Priest, The Who, Aerosmith, The Smashing Pumpkins, U2, White Stripes, Lenny Kravitz o Green Day… ¿Cuál es tu cameo rockero preferido de todos los que han pasado por Springfield?

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Dave Grohl (Foo Fighters) se pasa al death metal para versionar un hit de Lisa Loeb

La carrera de Foo Fighters, desde sus inicios, está llena de ejemplos en los que podemos ver cómo la calidad musical de la banda se mezcla con un muy particular sentido del humor, lo que recientemente se volvía a mostrar en el videoclip de “Love Dies Young”, con el actor Jason Suideikis ejerciendo de entrenador de un singular equipo de natación sincronizada, o con la “comedia de terror” ‘Studio 666’. Pero siempre se puede ir un paso más lejos, y Dave Grohl tenía un proyecto que retomar coincidiendo con la celebración del Hanukkah, festividad a la que ha recibido con una versión del clásico “Stay (I Miss You)” de Lisa Loeb en clave death metal.

De esta manera encontramos a Dave Grohl caracterizado y replicando el videoclip original, al que suma brochazos guturales y metaleros. La ocasión ha reunido a Grohl y al productor Greg Kurstin para una nueva entrega de lo que llaman “Hanukkah Sessions”, que se describe con este mensaje en su publicación: “Bienvenidos de nuevo a la menorá. Empecemos las “Hanukkah Sessions” de este año con una de las hijas judías predilectas de Dallas, Texas. Así que, ponte las gafas de cafetería y el vestido de Betsey Johnson y escucha esto” (“HAVA listen”, bromean con el “hava nagila” tradicional hebreo).

El pasado 2020 comenzaron estas “Hanukkah Sessions” en las que Grohl y Kurstin realizan simpáticas versiones de reconocidos artistas judíos durante estas fechas en las que celebran su festividad anual. En palabras del líder de Foo Fighters al terminar la edición anterior: “Este proyecto, que empezó como una idea tonta, creció hasta representar algo mucho más importante para mí. Me demostró que el simple gesto de difundir alegría y felicidad es muy útil, todos debemos hacer un esfuerzo para mirar hacia delante, sin importar cuántas velas queden para encender en la menorá”.

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Crónica de Torque + Leather Boys en Madrid: Directos y brutales

Dos fantásticas bandas nos ofrecieron en la fría noche de Madrid descargas absolutamente demoledoras y brillantes, con dos estilos musicales diferentes, pero unidos por su pasión y amor por el rock. Por un lado, desde León, Torque nos dieron una lección magistral de cómo hacer hardrock melódico de manera perfecta, y por otro lado, los asturianos Leather Boys, con sonidos crudos y macarras de sleazy y actitud plenamente punk entroncada con nombres como Mötley Crüe o los Dead Boys.

Torque eran desconocidos para mí, y fueron una grata sorpresa con temas directos y llenos de fuerza como “Straight to Your Heart”, con el que abrieron fuego, “In These Arms” o la emotiva e intensa “Emma”. Canciones donde los teclados llevaban las riendas dando un sonido propio a los leoneses, que en algunos momentos me llevó a recordar a los dos primeros trabajos de Bon Jovi, especialmente el registro de Pedro, vocalista de la banda, que me trajo a la cabeza composiciones de los americanos como aquel “Runaway” o “In and Out of Love”, y evidentemente nombres sagrados dentro del hard y el AOR como Foreigner. Muchos matices en cada composición que te dejan con la boca abierta, aunque reconozco que en algunos momentos eché en falta un sonido más potente en las guitarras.

Con “My Addiction” la banda nos muestra una cara más oscura y contundente, que en algunos pasajes me recordaron a los primigenios Judas Priest, que personalmente me gustó muchísimo, o la épica “We Are One”, que desprende mucha fuerza e intensidad, demostrando que son una de las mejores bandas de hardrock que uno puede encontrar en este país.

Y llegó el turno a los asturianos Leather Boys, que abrieron de manera contundente con “Rebirth”, perteneciente al último trabajo de la banda, ‘Born in the 70s’, y que dio paso al tema que da título al disco, donde nos meten de lleno en un hardrock setentero con un estribillo adictivo que uno no puede parar de cantar.

Actitud macarra con temas que cortan como un cuchillo y que no dan tregua, facturando una descarga intensa y brutal que continuaba con “Underground”  o “Aphrodisiac Grape”, que nos muestran a nivel musical sonidos muy potentes, con melodías trabajadas y ese punk con la marca del 77 que hace a la banda tener un sello y sonido muy propio, que marca distancias sobre otros nombres de aquí, ya que, aunque busquemos en nuestra escena, pocas bandas vamos a encontrar con una combinación de sonidos y matices como uno se encuentra en Leather Boys, salvo los veteranos The Buzzos o Jolly Joker.

Sigue la noche, y temas certeros como “Decade of Decadence” o “Sixes and Sevens” van cayendo como bombas sobre nuestras cabezas, mostrando una perfecta cohesión, dando como resultado una banda que sobre el escenario es demoledora, que nos va llevando al último tramo del concierto con “To the Curb”, el himno “Leather Gunner”, y ese “Rock & Roll Blowjob” heredado del mejor G.G. Allin, donde se desprende y se siente el alto voltaje. Directos y brutales.

 

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Pablo Mendoza y la mejor programación de rock y metal en nuestra radio

Seguimos caminando con paso firme en estos primeros días del mes de noviembre, con las pilas bien cargadas para ofrecerte otras 24 horas de la mejor música del planeta. El mejor rock y el más potente metal están preparados para seguir haciendo temblar tus parlantes en MariskalRock Radio.

¡Recuerda que tenemos nuevos horarios en este tramo final de año!

Hoy el tramo de directo comenzará a las 16:00 (hora peninsular española) con una nueva entrega de Rock Star, el programa que dirige y presenta Mariano Muniesa, que nos pone al día de todo lo que está pasando en la escena del rock y el metal de un extremo a otro del planeta.

Mariskal Romero llegará a las 17:00 para ofrecernos un nuevo episodio del Mariskal Romero Show – Musicolandia, el programa de referencia de la radio rock en nuestro idioma, en el que nunca falta la mejor selección musical, las mejores historias, anécdotas o el repaso a las efemérides más importantes y a la actualidad más candente.

En el programa de hoy, Mariskal contará con visita ilustre, la del gran guitarrista Pablo Mendoza, que vuelve a estar de actualidad con su álbum ‘The Return of the Migrant’, del que hace unas semanas se extraía un cuarto single, “Sentidos culpables”, al que sigue ahora el estreno de “Ponle fin”. Enero de 2022 contará con el lanzamiento físico del álbum. Hablamos de un músico con nueve discos de su carrera en solitario a sus espaldas, que también ha formado parte de los progresivos Backhand, con los que publicó el álbum ‘Through the Turbulence’, y cuenta con una Academia de Música Pablo Mendoza a cada lado del Atlántico, en Venezuela y en España.

La Hora Argonauta de Jason Cenador llegará a las 18:00 como cierre del tramo de directo con el programa más vertiginoso de la parrilla, en el que se repasa lo mejor que ha dado la jornada, nos presenta lo más destacado de la escena emergente, y no se pierde nada de los más consagrados artistas de nuestra música favorita.

Ya sabes, no quites la radio después, porque la música seguirá sonando las 24 horas del día. ¡Sintoniza MariskalRock Radio!

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Los 20 Duros de la semana 29/11 – 05/12: Nuestra playlist de Spotify se renueva con Tony Iommi, Jorge Salán, The Beatles, Black Label Society o Biffy Clyro

Elaborada con mucha ilusión y dedicación por el equipo de La Heavy y MariskalRock.com, Los 20 Duros de la semana es la playlist de Spotify que se renueva cada lunes con lo más candente del panorama mundial del rock y el metal, sin dejar atrás grandes clásicos, formidables descubrimientos y artistas que conquistarán el futuro.

Recuerda que puedes suscribirte a la lista en Spotify para no perder detalle cada semana y seguir nuestro perfil en esta plataforma. De este modo, estarás al corriente de nuestras renovaciones y tendréis constante acceso a esta playlist, así como al resto de listas de nuestro perfil oficial.

JUAN DESTROYER

1. “La presa” – Fausto Taranto: “La banda granadina pudo por fin empezar a presentar en directo ‘La reina de las fatigas’, un portentoso disco de metal andaluz que se publicó solo unos días antes de que nos confinaran. Cita importante la del 4 de diciembre en Madrid (Moby Dick) –hazte con tus entradas aquí– , y sentimos mucha curiosidad por ver cómo ha encajado en la banda el virtuoso guitarrista Mario Gutiérrez”.

2. “Scent of Dark” – Tony Iommi: “Mira que ha colaborado con gente variopinta el guitarrista de Black Sabbath a lo largo de su longeva carrera, pero sin duda volvió a lograr el factor sorpresa con el idilio comercial que le ha unido al perfumista –y resulta que también guitarrista- Sergio Momo. Qué fue primero, ¿la fragancia o la canción?”.

3. “Pierced from Within” – Suffocation: “El heterogéneo cartel del festival Leyendas del Rock sigue sumando atractivos para su ansiada decimoquinta edición. El último, uno de los grandes nombres del death metal estadounidense”.

JASON CENADOR         

4. “Has matado el rock” – Jorge Salán: “Por fin está disponible en plataformas digitales ‘El cielo es lodo’, el nuevo disco de Jorge Salán, que emerge tan solo un año después de su predecesor, el aplaudido ‘Tempus’. No hay ni un solo tema de este disco que dé puntada sin hilo, y esta letra, obra del virtuoso hacha madrileño con más de veinte años de trayectoria, está repleta de intención. A buen entendedor…”

5. “Rock Is a Drug” – Toifelthal: “La banda pamplonesa debutó con mucha fuerza en 2019 con ‘Viperine’, un álbum que miraba hacia influencias del hard rock setentero y ochentero sin desmarcarse de un carácter propio. Este es uno de sus principales temazos y su lema lo suscribimos casi todos los y las que hacemos este medio y los y las que lo leéis. Por cierto, en enero sacan segundo disco y en febrero lo presentan en Iruña, así que habrá que estar ojo avizor”.

6. “Redención” – Ikarie: “Los amantes del doom más denso, apesadumbrado y recubierto de melancolía, desgarro y emoción tienen una gran noticia con este conjunto que, a orillas del Mediterráneo, ha elaborado un rotundo álbum debut con sonoridades más comunes en latitudes más septentrionales”.

7. “Old Rockers Never Die” – Marshall: “Los viejos rockeros nunca mueren no es solo una frase hecha, sino una realidad como una catedral de grande que se constata en la vigencia sempiterna de las grandes obras de nuestra música. Veterano y curtido, el venezolano Freddy Marshall, otrora miembro fundador de Arkangel y Power Age, se ha liado la manda a la cabeza para, desde Bilbao, donde reside desde hace ya unos cuantos años, ofrecernos un disco titulado, precisamente, ‘Old Rockers Never Die’, junto a su actual banda”.

YORGOS GOUMAS

8. “Story of my Dream” – Riverside: “Para celebrar su vigésimo aniversario, los polacos progresivos han sacado este tema, el primero grabado con su guitarrista Maciej Meller, que además aparece en el doble recopilatorio digital ‘Riverside 20’, que acaba de ser editado. Según la banda, el tema no aparecerá en su próximo disco, que saldrá en 2022, pero sí que da una pista de por dónde van los tiros acerca de la dirección musical del grupo”.

9. “More Than Just Myself” – Sion: “Se trata del nuevo proyecto que ha montado Howard Jones (ex vocalista de Killswitch Engage y actualmente en Light The Torch) junto al guitarrista Jared Dines. Acaban de editar su homónimo debut, donde se notan las influencias de la New Wave of American Heavy Metal (ya sabéis: As I Lay Dying, Devil Driver, Atreyu, etc.) y la verdad es que los temas contienen la perfecta dosis de melodía y tralla para enganchar al oyente desde el inicio. Dicho sea de paso, os recomiendo que busquéis en YouTube los videos humorísticos de Dines, los cuales acumulan millones de visitas, donde el guitarrista nos da una visión divertida y satírica del heavy metal”.

10. “Stereotomy” – The Alan Parsons Project: “El dos de diciembre se cumplen doce años de la muerte del escocés Eric Woolfson a sus 64 años, la otra mitad de aquel proyecto de estudio que  había sido concebido para destacar las habilidades de Alan Parsons como ingeniero de sonido y productor. Básicamente, Alan se ponía detrás de la consola mientras que Eric ponía la música y los conceptos de los discos. Aparte de APP, Woolfson fue compositor para artistas como Marriane Faithfull, mánager, y creador de musicales como ‘Freudiana’ o ‘Gaudi’ (inspirado en la vida del arquitecto catalán)”.

ÑAKO MARTÍNEZ

11. “Born To Boogie (A Tribute To Marc Bolan)” – Rod Stewart: “Rod Stewart regresa con un nuevo disco absolutamente terrible. Solo hay que ver lo malo que es el vídeo del single “One More Time” para darse cuenta de que su música y letras desfasadas moja bragas ya solo encuentra audiencia en un puñado de divorciadas/viudas que malgastan su herencia. Sin embargo, entre todo este puñado de sensacionalismo y mensajes macho-pasados de pelo en pecho, encontramos en este ‘The Tears of Hercules’ esta canción. Un genial boogie rockero en homenaje a Marc Bolan de T.Rex, “un chico del este de Londres que se convirtió en una sensación del rock ´n´roll”. Y no lo neguemos, Rod sigue con ese tono vocal tan absolutamente personal y genial”.

12. “Scavengers” – Thrice: “Cada vez más profundos y místicos, si Thrice empezó su movida en la onda del post hardcore, con el tiempo han ido desarrollando una capacidad técnica y compositiva que les ha llevado a un campo neo-progresivo donde también pueden arrastrar a su terreno a seguidores de Tool, por ejemplo. Este nuevo disco ‘Horizons/East’ es una tormenta de arena densa en medio de una noche estrellada en el desierto. El oasis lo encontrarás en la calidez vocal de Dustin Kensrue. Thrice comienzan una nueva etapa”.

PAU PEÑALVER

13. “Security” – Amyl And The Sniffers: “Este miércoles empieza el mes de diciembre, y en la sala Razzmatazz la gente del Primavera Sound traerá a Amyl en la sala principal. Todavía quedan entradas así que… ¿Qué coño haces sentado todavía en el sofá de casa? Si Dave Grohl está enamorado y se llevan de gira a los australianos que presentarán ‘Comfort to Me’, su nuevo álbum, ¿por qué no deberías darles una oportunidad?”

14. “Mosaic” – Of Mice And Men: “Este próximo viernes 3 de diciembre saldrá ‘Echo’, el séptimo disco de Of Mice And Men, bajo el sello Sharp Tone Records. Es un gusto poder tener de regreso estos dioses del hard rock. Una alegría recuperar la calidad del vocalista Aaron Pauley, la batería de Valentino Arteaga y las guitarras necesarias de Alan Ashby y Phil Manansala. ¿Quién se acuerda de Austin Carlile?”

15. “Get Back” – The Beatles: “Los Beatles se reúnen en el documental ‘Get Back’, de tres partes y casi ocho horas de duración, estrenado este jueves 25 en la plataforma de streaming Disney+. Para el proyecto, Peter Jackson restauró más de 50 horas de tomas descartadas del documental de 1970, ‘Let It Be’, y las juntó para contar una versión más positiva de lo sucedido en el estudio en enero de 1969. El último corte del disco es uno de los clásicos de McCartney y Lennon”.

16. “Booooom, Blast & Ruin – Live At Wembley” – Biffy Clyro: “Ahora que Simon Neil promociona su pedal con el mismo título que esta joya, es momento idóneo para recuperar este directo, uno de los mejores lanzamientos del trío de Kilmarnock. Un pelotazo que seguro que tocaran cuando vengan a España dentro de cuatro meses. La cuenta atrás empieza hoy. Quedan 15 semanas”.

INÉS CHAMIL

17. Hitchin’ a Ride (BBC Live Session) – Green Day: “La icónica banda de punk rock acaba de compartir una versión en directo de su hit “Hitchin’ a Ride” del año 1998 para la BBC. El famoso trío justifica el lanzamiento de esta canción con motivo de conmemorar Acción de Gracias. ¡Y nosotros que nos alegramos por ello!”

MARIANO MUNIESA

18. “Construction Of Souls” – Avatar: “Los suecos lo han descrito en un reciente comunicado como “la versión de Avatar de una canción navideña”. Un historia distópica sobre robots que empiezan a dominar las almas de los seres humanos, construyendo un nuevo tipo de seres teledirigidos. La canción se publica junto con un libro para niños que retrata la “vida cotidiana poco amigable para los niños” en el taller de Santa en el universo paralelo de Avatar, disponible desde este domingo 28 de noviembre”.

19. “Gather All My Sins” – Black Label Society: “Todo el nuevo trabajo de la BLS es una auténtica gozada, pero esta canción, con el eco de los Sabbath más heavymetaleros, los sensacionales solos de guitarra que han incluido y la fuerza que transmite la convierte en la mejor del álbum a mi juicio. Una verdadera gozada”

20. “Ride The Wind” – James Gang: “El sábado 4 de diciembre se cumplirán 45 años de la muerte de un excelente guitarrista, que además de su breve carrera en solitario, dejó su huella y su calidad musical en grupos como los Deep Purple de la etapa final de su primera época de los años 70 y sobre todo, en los americanos James Gang. De su magnífico álbum ‘Bang!’ de 1973, en memoria y tributo a Tommy Bolin, os recomiendo este magnífico “Ride The Wind””.

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Ian Gillan dice que Deep Purple “es principalmente una banda instrumental” y admite que la gira de despedida fue precipitada

Mientras la carrera de Deep Purple sigue dilatándose con el reciente lanzamiento de un nuevo disco, ‘Turning to Crime’, no se desaprovecha la ocasión para indagar junto a los miembros de la banda en todos los aspectos de una de las formaciones más legendarias de la historia del rock.

Si hace unos días, por ejemplo, descubríamos de boca de Ian Gillan, vocalista de la banda, que “Smoke on the Water” era “simplemente una canción desechable”, ahora es el propio cantante el que asegura que Deep Purple “es principalmente una banda instrumental”, además de señalar lo precipitado de una gira de despedida que, a la vista está, no fue tal.

Las declaraciones realizadas a UCR llegan como parte del relato de la creación del nuevo disco, en el que un montón de versiones de grandes clásicos se dan cita, lo que fue idea del productor Bob Ezrin: “Hubo una llamada un día, y Bob dijo que tenía una idea. Nos dijo: “Si no podéis juntaros para componer, ¿por qué no juntaros para tocar? Refiriéndose a virtualmente. Y todos nos quedamos pensando. Gradualmente unas cuantas cintas se fueron enviando y empezamos a añadir nuestras partes, y todo se unió muy rápido. Sin ningún esfuerzo”.

“Tuvimos una larga discusión sobre esto”, sigue contando Gillan sobre las versiones. “Porque no puedes mejorar un original, así que es un desafío. Pero Deep Purple es principalmente una banda instrumental, siempre lo ha sido, la música es lo primero para nosotros. Así que las canciones que seleccionamos eran las que podíamos “purpleizar”. Yo no lo veía de esa manera, pero los chicos sí, y estoy muy contento de que lo hayan hecho. Realmente fue una buena oportunidad para que los chicos se estiraran un poco después de todos esos meses encerrados”.

Al plantear que pueda haber una segunda entrega de este álbum con más versiones “purpelizadas”, Gillan no lo descarta, pero lo ve como algo que hacer entre discos de material propio, lo que descarta que la banda tenga en mente una despedida: “Ese fue un momento un poco arriesgado. Estábamos terminando la relación con nuestro mánager de aquel entonces, y dos o tres de nosotros no estábamos muy bien, teníamos enfermedades y operaciones y esas cosas. Se sugirieron todo tipo de locuras sobre ganchos para promover una gira. Alguien dijo: “Si hacemos la gira de despedida, todos pensarán que es la última gira”. A ninguno de nosotros nos gustó la idea, pero había presión de la oficina. Así que dijimos: “Llamémoslo el largo adiós, y eso lo deja abierto”. Pero no se acabó después de todo. No vamos a ir a ninguna parte, todavía”.

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Mikkey Dee desvela que hizo su primer concierto con Motörhead sin ensayar: “Estaba convencido de que me iban a echar del grupo”

La banda que lideró hasta su muerte el siempre recordado Lemmy Kilmister, Motörhead, sigue teniendo capacidad más que de sobra para acaparar la atención del mundo del rock, más si cabe con lanzamientos como la recopilación ‘Everything Loudet Forever’, con la que la banda ha vuelto a contar como uno de los contenidos destacados de La Heavy número 436 con la entrevista que Mariano Muniesa mantuvo con el que fue batería de la formación, Mikkey Dee.

Durante la conversación, Dee recordó que entró en la banda en el momento justo para no ser “devorado vivo”, destacando más adelante cómo después de dar su primer concierto con Motörhead sin ensayar creyó que sería despedido.

Queda claro cómo es su recuerdo de aquel concierto: “¡Horrible! (risas), de hecho, yo no ensayé con el grupo antes del primer concierto que hice con ellos, créeme. Bueno, primero debo aclarar, aunque imagino que ya lo sabes, que, aunque aparecía en las fotos de promoción del disco, yo prácticamente no grabé ninguno de los temas de ‘March or Die’, quien hizo el trabajo fue Tommy Aldridge. Cuando entré en el grupo, yo practiqué por mi cuenta los temas del set más o menos standard que Motörhead hacían, pero no quedamos para ensayar juntos. Un día antes de empezar la gira que estábamos haciendo con Ozzy Osbourne, Lemmy me llamó y me dijo: “Mikkey, pasado mañana arrancamos el tour en Saratoga Springs. ¿Todo OK con tus billetes de avión?”; y claro, me quedé de piedra. “¡Pero si no hemos ensayado!”, le dije, a lo que me contestó: “Bah, tú conoces el set ¿no? Si eres capaz de hacer con nosotros lo que hacías con King Diamond, todo irá bien”. Cuando hice mi primer concierto con ellos, estaba muy nervioso, me equivoqué muchísimas veces, y al terminar estaba convencido de que me iban a echar del grupo. Pero afortunadamente no fue así, les gustó cómo lo hice y la gira fue un éxito, aunque Lemmy después llegó a obsesionarse con la idea de que ensayásemos con mucha más frecuencia”.

La entrevista con Mikkey Dee ha sido uno de los contenidos destacados desde la portada del número 436 de La Heavy. Junto a Motörhead también encontrarás a Judas Priest, Mastodon Bullet For My Valentine, Kiss, AC/DC y muchos más. Todavía puedes hacerte con la revista en los mejores kioscos o visitando nuestra tienda online para no perderte nada.

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Crónica de Nocturnia + Knightsune en Madrid: Guerreros de la noche

Una vez más “la tempestad ” de Nocturnia cubría la noche madrileña, esta vez desde la sala Hysteria de Madrid, el pasado 27 de noviembre, noche en la que estuvieron acompañados de los zaragozanos Knightsune.

Víctor Alcalá (Knightsune)

Knightsune son puro heavy metal. Aunque por muchos son catalogados como thrash por la velocidad de sus guitarras en algunos temas, yo más bien los definirá  como power metal, pero cada cual tiene su opinión. La banda compuesta por el vocalista Víctor Alcalá, los guitarristas Diego Alastruey y Víctor Gairhald, el bajista Carlos Vicente, en la batería Rubén Castrillo, y Laura Esteban a los coros, nos dio todo un festival de metal que calentó a los asistentes.

Los aragoneses nos presentaron en su totalidad su primer álbum, que también lleva como nombre ‘Knightsune’ con el primer tema, “Fill the Void”, que ya nos dejó claro que las guitarras tendrían un gran protagonismo con un solo magistral y una potentísima batería a la que con tanta fuerza daba Rubén que tuvieron que parar unos minutos a cambiar el segundo pedal, (cosas del directo) lo que se compaginaba a la perfección con el bajo. “The Curse of London” nos traslada al más puro metal de los 80, con potentes riffs.

Con “The Hollow Act” las guitarras seguían tomando protagonismo, mientras que “Burn the Witch” llegaba en forma de preciosa balada en la que de nuevo echo en falta los mecheros en el aire, con Víctor cantando junto a Laura Esteban.

Sonaban “Yesterday Again” , “Tidal Waves”, “Of Fire and Faith” (qué fue su primer tema, presentado hace cuatro años), la recientemente estrenada “I See Fire”, versión muy propia del tema de Ed Sheeran, y “The Flying Dutchman”, que fue su tema final, de nuevo acompañado por Laura (la cual tiene una magnífica voz, aunque en esta ocasión no se la oía apenas), tema que de nuevo me hace reiterarme en  situar la banda en el power metal.

Pese a escuchar comentarios sobre la pronunciación del frotman con el inglés, sinceramente ,no me considero la más apta para juzgar si su inglés es o no bueno, lo que sé es que no desentonó en ningún momento, y que su voz encajó perfectamente en cada tema, sin perder aliento, y te hace vibrar, y si una voz te hace vibrar es que tiene magia. En resumen, una gran banda que espero seguir disfrutando muchos años, y que os invito a conocer, que va siendo hora de salir del “sota, caballo y rey”.

César Arroyo (Nocturnia)

Turno para Nocturnia. Tras varios cambios en la banda, la formación actual es ya conocida por todos: José Roldán en la batería, César Arroyo en el bajo y la voz gutural, Javier Villanueva y Manu Acilu con las guitarras, Jose Gómez-Sellés a los teclados y Kike Fuentes, el ultimo en unirse a la banda, como cantante. He de reconocer que he tenido la oportunidad de ver a Kike con esta cuatro veces, y da gusto ver con la rapidez que se ha adaptado al grupo y cómo se le ve cada vez más cómodo en el escenario, eso con su voz torrencial hace que quieras oírle una y otra vez.

Dieron comienzo a la actuación con “Siempre hay un lugar”, donde ya la banda demostró su veteranía, su complicidad, y su pasión por el rock. Desde ahí, tema tras tema, se iban ganando a los asistentes: “Sin olvidar quién eres”, “Baraka”, “Mi voluntad”, “Tempestad”, “En busca del tiempo”, “Hijos de la derrota”, tema con el que Kike se paseó por la sala cantando con los asistentes; “Alza los puños”, con el que todos saltamos puño arriba; “Hermanos”, y para terminar “Cenizas”.

Pocas cosas quedan por decir de esta banda, la fuerza de César, la experiencia de Villanueva (pese a que tuvo algún problema técnico que pasó casi desapercibido),  José y su dominio en la batería, la vitalidad de Manu, José y su teclado… Solo un deseo, que Kike se quede por siempre en esta banda, porque la química que se nota entre todos los componentes es palpable, y esa forma de lograr que el público se sienta parte de la banda pocas lo consiguen.

Toda una velada de rock y metal para todos los gustos, con un público entregado, de todas las edades, me sorprendió gratamente que el público seguidor de Knightsune fuera tan joven, perdonadme el resto, pero la mayoría hicimos la EGB. Buenas noticias: el rock sigue vivo y en alza, y que siga así. ya lo decía Mercury: “Mientras la música siga estando allí, y mientras la gente la compre, y sigan acudiendo a conciertos, todo ira bien. Cuando dejen de comprar nuestros discos, entonces diré adiós y haré otra cosa, tal vez me vuelva estríper”. Por suerte seguimos teniendo más salas de conciertos que de estriptis.

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Paul McCartney habla sobre el final de The Beatles: “John Lennon tenía que despejar el camino para prestarle a Yoko Ono toda la atención”

Las turbulencias que afectaron el vuelo de The Beatles en sus últimos días desembocando en la disolución de una de las más importantes formaciones de la historia de la música, han contado con relatos que nos han dejado varios pasajes contados por protagonistas como el propio Paul McCartney, quien ha vuelto a echar la vista atrás para dejarnos ver cómo la relación entre John Lennon y Yoko Ono, y el tener que “despejar el camino” para dedicarle a esta “atención a tiempo completo”, afectó a la banda.

Durante la entrevista que recientemente Paul concedía a NPR, el bajista y vocalista nos devuelve a 1970 y, de alguna manera, echa más madera al fuego de quienes culpan a Yoko de la separación: “En ese momento, por alguna loca razón, se me culpó a mí. Sé por qué fue, fue porque, cuando publiqué mi primer álbum después de The Beatles, me enviaron un cuestionario que hacía varias preguntas sobre los Beatles, algo como: “¿Los Beatles volverán a estar juntos?” O “¿Cuándo volverán a estar juntos?” Y yo dije: “No, no lo creo”. No puedo recordar la reacción exacta, pero algo así, y eso terminó explotado como: “Paul dice que los Beatles han terminado”, y lo que sea. Así que eso se convirtió en: “Paul debe haberlos terminado””.

Paul nos aclara cómo fue el momento de la decisión: “No tuve la oportunidad de decir: “No, hubo una reunión y John (Lennon) llegó y los otros Beatles y yo estábamos en esa sala y John entró y dijo: “Dejo The Beatles” Eso nunca salió a la luz. Me quedé atónito. Nos sorprendió mucho, y la primera pregunta en nuestras mentes fue: ” “Bueno, ¿cuánto va a durar?” O es simplemente algo muy propio de John, que suelta una gran declaración dramática y luego te vas y un par de semanas después y te dice: “Oh, tal vez deberíamos volver a estar juntos”. Pero fue bastante impactante. Te puedes imaginar cuando alguien entra y dice: “La fábrica está cerrando”. Era algo grande e impactante”.

La pareja de John aparece en la reflexión: “Creo que nos preguntamos si volvería a unirse, y cuando no fue así, nos dejó a todos, de alguna manera, sin trabajo. Porque ese había sido nuestro trabajo. Pero más tarde me di cuenta de que John tenía esa nueva relación con Yoko, y tenía que despejar el camino para poder prestarle toda la atención a tiempo completo… En ese momento fue muy difícil, porque sabíamos que John estaba enamorado de Yoko. Y habiendo conocido a John personalmente durante tanto tiempo, sabía lo que le gustaba de una mujer. Le gustaban las mujeres fuertes. Su tía Mimi, quien lo crió principalmente, era una mujer bastante fuerte y creo que eso le gustaba. En su familia había bastantes mujeres fuertes. Algunas de sus tías eran fuertes y muy obstinadas”.

McCartney zanja el tema: “Cuando conoció a Yoko, creo que se sintió muy atraído por ella y creo que fue algo grandioso para él. Creo que lo necesitaba. Era hora de soltarse y de algunas cosas nuevas, y sabía que era emocionante para él. Pero al principio era… no estábamos muy interesados ​​en eso. Era como: “¿Quién es esta y por qué está sentada en mi amplificador?” Para mí, habiendo sido mi empleo y mi mundo artístico durante bastantes años, y habiendo conocido a John desde que éramos adolescentes, habiendo estado juntos hasta este punto, hasta que finalmente llegó a su fin, fue muy desafiante. La primera pregunta fue: ¿Qué hago ahora?”

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Bolsa: Guadaña – J. Teixi Band – Enbor Arnasa – El Reto de Amaya – Wild Freedom

Guadaña estrena el single “Sangre de mi sangre”, J. Teixi Band anuncia concierto en Madrid, Enbor Arnasa publica el vídeo de “Minez negar”, se presenta el festival solidario El Reto de Amaya, y Wild Freedom anuncia concierto en Barcelona

Guadaña estrena el single “Sangre de mi sangre”

Hace solo unos días que hablábamos con Salva Sánchez, vocalista de Guadaña, sobre el lanzamiento de su nuevo trabajo ‘Erytheia’, del que ahora se presenta el que será su tercer single.

Hablamos de “Sangre de mi sangre”, que será el encargado de servir como base para la llegada del primer videoclip extraído del álbum, lo que ocurrirá en el canal oficial de la banda el próximo miércoles 1 de diciembre a las 21:00 con este homenaje a nuestros progenitores, “ejemplo de valores y superación constante”.

Beltrán Luque, cineasta y fotógrafo jerezano afincado en Madrid, ha sido el responsable del rodaje que se desarrolló entre Madrid y San Fernando (Cádiz), contando con el actor Ernesto García Marín como protagonista.


J. Teixi Band anuncia concierto en Madrid

Entre las muchas cosas que dejó pendientes la pandemia en marzo de 2020 estuvo la presentación que la J. Teixi Band tenía programada en Madrid de la grabación de su actuación en el Chesterfield Café. El próximo 17 de diciembre llegará el momento de solucionarlo con el concierto “pre-navideño, muy especial” en el que se presentará el disco y se hará un recorrido por toda la historia de la banda formada por antiguos miembros de grupos como Mermelada o Los Elegantes.

Las entradas están a la venta en este enlace para la cita que se celebrará el próximo 17 de diciembre en la madrileña sala Clamores a las 21:30.


Enbor Arnasa publica el vídeo de “Minez negar”

El proyecto encabezado por Iñaki Espartza, Enbor Arnasa, nos hace llegar su más reciente vídeo, “Minez negar”, extraído del disco ‘Ilunari arga’, segundo de los lanzamientos que hemos recibido de la banda, mostrándonos en este caso su lado más oscuro y extremo.


Se presenta el festival solidario El Reto de Amaya

El rock vuelve a mostrar su lado más solidario con la celebración del festival “El reto de Amaya”, que se celebrará los días 8 y 15 de enero de 2022 en la sala Peter Rock de Valencia con motivo de recaudar fondos para ayudar a la pequeña Amaya Gil, de 12 años, que padece el síndrome de wolf-hirschhorn, una enfermedad genética, de las denominadas “raras”, que consiste en una microdeleción del cromosoma 4 que se manifiesta con crisis epilépticas, retraso madurativo y psicomotor.

La Asociación Cultural Musical Rock Machine junto con Cuerdas de Acero y Papa Rocket on Tour han decidido retomar el evento que se tuvo que aplazar en septiembre de 2020 con la presencia de siete bandas que se han dividido en actuaciones en las citadas jornadas:

Sábado 8 de Enero: Night Hearth, Astral Experience y Encrucijada.
Sábado 15 de Enero: Sin Propina (Nueva banda de Aris – Transfer), Total Death , Esbarzer y Don Nadie+.

Las entradas están a la venta en este enlace a un precio de 10€ por jornada y 15 por el abono. También se ha habilitado una Fila 0 para quienes quieran participar pero no puedan asistir al evento.


Wild Freedom anuncia concierto en Barcelona

La sala La Nau de Barcelona será el escenario de la próxima presentación de Wild Freedom, que llegarán con su flamante ‘Polarize’ bajo el brazo uniéndose a Høbo en una descarga que tendrá lugar el 4 de diciembre.

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