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Nikki Sixx (Mötley Crüe) explica por qué siempre le despedían de todas las bandas en las que tocaba

Al margen de las filias y fobias de cada cual, es evidente que en una banda como Mötley Crüe cada componente posee una marcada personalidad y casi no podría entenderse su trayectoria sin esos escándalos que saltan de ciento en viento, caso de ese vídeo que mostraba la batería de Tommy Lee sonando sin que él haya empezado a tocar o esa polémica que hubo sobre el uso del teleprónter por parte del vocalista Vince Neil.

Tal vez el origen de todo esto haya que buscarlo en los inicios de sus miembros por separado y así entender un poco más la peculiar idiosincrasia de sus componentes. En una entrevista para Bass Player Magazine, el bajista Nikki Sixx recordó sus primeros pasos en el mundo de la música, pues allá por los setenta formó parte de grupos de glam como Sister o London, el último de ellos con gente que acabaría ingresando en las filas de Guns N’ Roses, W.A.S.P. o Cinderella.

En dicha conversación supimos el motivo por el que no cuajaron todos aquellos proyectos previos a Mötley Crüe. Esto era lo que nos contaba Sixx: “Me acuerdo de una audición en la que nos arrancábamos con “Cold As Ice” de Foreigner y el tipo decía: “No estás tocando exactamente como en el disco”. Ni siquiera me preocupaba por escuchar la parte de bajo antes de entrar. Mi mentalidad era que la canción era en La, cambia a Re y se abre en Fa. ¿Qué más necesito saber?”.

No obstante, había un detalle de Nikki que no convencía demasiado a sus posibles compañeros: “Siempre me despedían porque esos grupos tocaban las canciones exactamente igual que en el disco. No era muy bueno haciendo versiones. En Mötley Crüe hacíamos unas pocas de vez en cuando, pero en general no solíamos hacer eso. No quiero ir a un ensayo en el que me digan aprende esto o aquello. Eso nunca fue lo mío”.

Mötley Crüe sigue adelante con su esperado Stadium Tour que suma en una sola gira a Vince Neil y compañía junto a Def Leppard, Poison y Joan Jett, un periplo que podría trasladarse más allá de las fronteras estadounidenses.

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Frank Bello (Anthrax): “Para mí, Black Sabbath inventó el heavy metal”

El origen del heavy metal es un asunto que en realidad admite diferentes perspectivas, por lo que no resulta extraño que cada cual tenga una opinión particular al respecto. Por ejemplo, Zakk Wylde (Ozzy, Black Label Society) nos señalaba cuál era para él “el primer riff de heavy metal de siempre”, mientras que el bajista Geezer Butler (Black Sabbath) nos explicaba cómo nació el término.

Otro que posee su peculiar idea sobre ese tema es el bajista de Anthrax Frank Bello, que durante el último capítulo de “The Mistress Carrie Podcast” debatió acerca de si Black Sabbath en solitario y sin intención previa inventaron el género del heavy metal con su homónimo álbum de 1970. Esto era lo que respondía: “Mira, estás preguntando a un fan de Black Sabbath. Por supuesto que sí. Para mí, está muy claro. Escucha “Black Sabbath”. Yo crecí con eso, así que debo contestar que sí a la pregunta”.

Tales eran sus motivos: “Esas canciones todavía son relevantes, por lo que en mi caso la respuesta es afirmativa. Supongo que cualquiera puede decir muchas otras bandas, es algo muy personal. La primera guitarra de heavy metal que escuché fue la de Tony Iommi. La manera en la que toca Geezer con una especie de bajo distorsionado y esas enormes líneas de bajo jazzísticas, eso lo convertía también en algo genial. Era una gran mezcla de sonidos pesados. Salieron cosas grandes y pesadas. Por lo que sí, para mí Black Sabbath inventó el heavy metal”.

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Obsidious presenta ‘Iconic’

Obsidious presenta ‘Devotion’, adelanto de su debut de electrizante metal progresivo con ‘Iconic’.

Obsidious presenta ‘Devotion’, adelanto de su debut de electrizante metal progresivo con ‘Iconic’, que saldrá a la venta el 28 de octubre, con portada diseñada por Adrien Bousson.

«‘Devotion’ trata sobre las sectas, basándose en uno de los casos más controvertidos de finales de los años 70. En esta canción hay dos voces distintas que reflejan el carácter de cada uno de los protagonistas: la voz rasposa del líder, y la más melódica y desesperada del seguidor que intenta huir del lugar”.

Obsidious con ‘Iconic’ presenta un álbum maravillosamente intrincado y musicalmente logrado. El grupo esta formado por Linus Klausenitzer (bajo), Rafael Trujillo (guitarra), Sebastian Lanser (batería) y el vocalista Javi Perera (voz).

En sus orígenes encontramos las huellas de Obscura, Alkaloid, Eternity’s End y Juggernaut. Sin embargo, son una criatura totalmente diferente. ‘Iconic’ es técnico pero no riguroso. Respira intensidad y siempre hay un gancho al que aferrarse.

«El setenta y cinco por ciento de los miembros de la banda formaban parte de Obscura, así que sabíamos lo que le gusta a la mayoría de nuestros fans y lo que no» Linus Klausenitzer

«Nos consideramos la evolución moderna del metal progresivo y técnico», dice el bajista Linus Klausenitzer. «Por nombrar algunas bandas: Dream Theater, Devin Townsend, Meshuggah, Opeth, Between The Buried And Me, ProtestThe Hero, Periphery y Haken. Como tal, nuestra música pide muchos estados de ánimo y vibraciones diferentes. Las voces de Javi refuerzan esa idea, añadiendo significado y dramatismo. Aunque seguimos trabajando como músicos de sesión, Obsidious es ahora nuestra principal prioridad”.

‘Iconic’ es un álbum de múltiples extremos. ‘Sense of Lust’, ‘I Am’ y ‘Devotion’ pivotan sobre pesados ejes rítmicos, sus intensos surcos se unen sin problemas con amplias dosis de disonancia atmosférica. ‘Under Black Skies’, ‘Delusion’ y la canción titular, por el contrario, son ágiles y expeditivas, con el considerable talento vocal de Perera complementando a Trujillo, Klausenitzer y Lanser en sus canciones angulares y experimentales. En cuanto a ‘Iron Dust’, ‘Lake of Afterlife’ y el enorme estribillo de la feroz ‘Bound by Fire’, ofrecen una postura musical y estética más directa (aunque exuberante). A lo largo de ‘Iconic’, Obsidious impresiona con su inventiva artística y su expansión creativa.

«El setenta y cinco por ciento de los miembros de la banda formaban parte de Obscura, así que sabíamos lo que le gusta a la mayoría de nuestros fans y lo que no», dice Klausenitzer. «Cuando decidimos integrar las voces limpias, sabíamos que las reacciones serían controvertidas. Pero nos gusta superar los límites. No nos gusta quedarnos quietos musicalmente, queremos aportar algo nuevo al metal. Por eso esta banda es ya tan especial para algunos oyentes».

Desde el punto de vista lírico, Perera aborda temas relacionados con el ser humano. El desastre, en cualquiera de sus formas, es traumático, y esto es el núcleo de ‘Under Black Skies’, donde una calamidad tremenda pero evitable desciende sobre una población mezquina pero desesperada. El sadomasoquismo, un tema poco común en el metal, se extiende a lo largo de ‘Sense Of Lust’. Donde se explora el sexo y el poder y posterior gozo del sumiso. El tema que da título habla de la demencia. La profesión de Perera fuera de Obsidious es la asistencia sanitaria, y ha visto de primera mano cómo este trastorno mental atrapa y atormenta. ‘Iconic’ es una muestra de multiplicidad.

«Este álbum no tiene un concepto en sí mismo en términos de letras o un argumento subyacente», dice el vocalista Javi Perera. «Las canciones tocan temas de diversa índole, e incluso hay algunas que narran experiencias personales. Pero lo que puedo considerar como un denominador común es la ausencia de restricciones a nivel compositivo o estilístico, lo que nos permite la libertad de cambiar entre diferentes géneros musicales siempre que la canción lo requiera. Siempre considero que nosotros, como artistas y músicos, estamos al servicio de la música y no al revés».

“Lo que puedo considerar como un denominador común es la ausencia de restricciones a nivel compositivo o estilístico” Javi Perera

Una extensa preproducción ayudó a Obsidious a manejar un proceso de grabación de tipo pandémico. Para las sesiones oficiales, el grupo repartió las piezas en varios estudios diferentes. En primer lugar, Lanser puso en marcha ‘Iconic’ grabando la batería en los estudios Lanser de Salzburgo, Austria. El resto de Obsidious se refugió en los Woodshed Studios de Fürth (Alemania), donde el productor V. Santura (Triptykon, Obscura) grabó las guitarras, el bajo, las voces, los sintetizadores y los efectos de sonido. Las voces y los sonidos adicionales se grabaron en el estudio TheRedHouse de Cambridge, Inglaterra. Obsidious devolvió las piezas finalizadas a V. Santura para que las mezclara y masterizara. A pesar de que Iconic fue una empresa no lineal, suena absolutamente monumental.

«La preproducción fue muy profesional», dice Klausenitzer. «Ya teníamos una idea de cómo queríamos que sonaran las canciones, teníamos un objetivo sonoro específico en mente. Ya habíamos trabajado con V. Santura antes, así que sabíamos qué esperar en ese sentido. Las sesiones de grabación fueron, en todo caso, sencillas. Cuando V. Santura completó el master final, supimos que habíamos creado algo único y especial: ¡el sonido Obsidious!».

Obisidious están listos para desplegar su marca única de metal técnico con gancho. Desde los riffs perversamente inteligentes de Trujillo y la ingeniosa percusión de Lanser hasta el magnífico contrapunto de Klausenitzer y los elevados coros y escupitajos venenosos de Perera, sus canciones rebosan de frío cálculo y agresiva espontaneidad. Asaltan la normalidad no sólo musicalmente sino también líricamente. La monolítica portada del artista gráfico francés Adrien Bousson (Rotting Christ, Khonsu) también trasciende las convenciones. Prepárense para la metamorfosis.

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Así suena la nueva banda de Kerry King (Slayer): “Es aplastante”

De un tiempo a esta parte hemos conocido diferentes novedades acerca del nuevo proyecto del guitarrista Kerry King tras la separación de Slayer. No hace mucho se lamentaba de que la histórica banda de thrash metal ya no siguiera en activo y definía su nueva aventura como algo “jodidamente bueno”.

Hace escasos días King confesaba que ya tenía a punto a su nueva banda y hasta desvelaba la identidad de uno de sus músicos. En concreto, estará a cargo de las baquetas Paul Bostaph, un nombre de marcada importancia para los seguidores de Slayer.

La DJ Nikki Blakk, que inició la emisora rockera de San Francisco Bay Area 107.7 The Bone, ha tenido la oportunidad de escuchar la mayoría de temas que aparecerán en el nuevo álbum de King durante una visita a la casa que poseen Kerry y su mujer Ayesha en Nueva York. El veredicto no deja lugar a dudas, a tenor del mensaje compartido en redes sociales junto a una foto de la pareja anfitriona: “He oído las nuevas canciones de #KerryKing la noche pasada y son aplastantes. El mundo no ha sido el mismo sin Slayer, pero ahora estoy esperando con ansia el 2023…Y sí, sé quiénes están en la banda, pero no os lo diré. Lo siento Blabbermouth.net #AboutLastNight #Slayer #NotSlayer #Metal”.

Cuando algunos fans le pedían más detalles al respecto, esto era lo que contestaba: “¡Es aplastante! Me encantaron todas las canciones. No había ni una de relleno. Creo que escuché como 8 o 9 canciones”. También algún seguidor afirmó que los mejores temas de Slayer estaban compuestos por el guitarrista Jeff Hanneman y que eso “nunca será superado por la nueva banda de Kerry”, así como el hecho de que Dave Lombardo es “el mejor batería de thrash metal que ha habido nunca”, implicando con ello que Paul Bostaph es un músico inferior en este aspecto.

Así devolvía los envites Nikki: “Jeff compuso muchas de las mejores canciones, pero no todas ni de lejos. Eso por no mencionar que muchas estaban compuestas por King y Hanneman a la vez”.

En cuanto al tema de los aporreadores, esta era su postura: “No voy a enredarme en una discusión de Lombardo contra Bostaph porque ambos son baterías alucinantes, pero no podían ser más diferentes en lo que respecta a su estilo, teniendo en cuenta que ambos tocaron las mismas canciones. Personalmente, soy del equipo Bostaph, pero es algo meramente subjetivo. Por último, Kerry fue uno de los principales responsables del sonido de Slayer y hacia el final se ocupaba de casi todo, por lo que cualquier cosa que haga estará a la altura de Slayer”.

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Rachel Bolan dice que Skid Row “no está en quiebra”: “No tocamos por las migajas”

Las dificultades de los músicos más humildes a la hora de buscarse la vida es un asunto que suele salir a la luz cada cierto tiempo. Ayer mismo nos hacíamos eco de las penurias que pasaron Guns N’ Roses en su accidentada primera gira y tampoco conviene olvidar aquellos tiempos en los que Vince Neil y Tommy Lee (Mötley Crüe) vivían entre cucarachas con avisos del departamento de salud.

No obstante, existe una gran diferencia entre no tener un sitio donde caerse muerto y mantener una mínima porción de dignidad. Así lo ha dejado claro el bajista de Skid Row Rachel Bolan en una entrevista para Fistful of Metal cuando le preguntaban acerca de si era posible vivir de la música en la época actual.

Esto era lo que contestaba: “La gente tiene la idea equivocada de que todos en la banda estamos en quiebra y no lo estamos. Tuvimos algunas canciones que fueron éxitos, algo que creo que se olvida, y vendimos casi 23 millones de discos, así que no estamos en quiebra de ninguna manera. Escuché a una mujer decir: “Oh, viven en tiendas de campaña”. Pensé: “Vale, tengo un par de tiendas de campaña, una en Jersey y otra en Atlantic City, pero son buenas, ¿eh?”.

Por lo que cuenta Bolan, hace tiempo que esta situación les permitió la suficiente holgura económica para poder vivir exclusivamente de la música: “Nunca tuvimos que retomar nuestros trabajos habituales, los discos se siguen vendiendo y sacamos bastante dinero durante las giras. Otra idea equivocada es que tocamos por las migajas. Hay muchas migajas (risas). No os durmáis en los laureles”.

Skid Row presentaron recientemente “Tear it Down”, nuevo adelanto del disco ‘The Gangs All Here’, cuya salida está prevista para el 14 de octubre. Será el primer álbum con el vocalista Erik Grönwall (ex-H.E.A.T.) tras su incorporación como nuevo cantante de la banda.

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Así disfrutan Corey Taylor y Shawn Crahan (Slipknot) de la banda de sus hijos a pie de escenario (vídeo)

Enorgullecerse de la labor de los propios descendientes debe ser uno de los sentimientos más gratificantes que puedan experimentarse. Sobre todo si uno tiene la suerte de compartir afición con ellos, como es el caso del vocalista Corey Taylor y el percusionista Shawn Crahan de Slipknot, cuyos vástagos hace un tiempo que rompen la pana en el grupo Vended.

Los acompañantes en el actual periplo europeo de Slipknot son precisamente Vended y los ucranianos Jinjer, por lo que no resulta complicado que se produzcan gestos de camaradería entre padre e hijo, como el que vimos hace escasas semanas cuando Corey y Griffin Taylor cantaron juntos “Custer”, el tercer single del disco ‘.5; The Gray Chapter’ de 2014.

Otro momento que sin duda permanecerá en la memoria es el de Corey Taylor y Shawn Crahan contemplando entre bambalinas con orgullo cómo se las gastan sus hijos sobre las tablas durante la actuación de Vended en una de las paradas de la gira europea que comenzó el pasado 20 de julio en Bucarest (Rumanía).

El grupo de Griffin Taylor debutó en 2020 en el icónico club Vaudeville Mews de Des Moines (Iowa) y también ha estado presente en el festival “Pulse of the Maggots” que forma parte de Knotfest.com. La formación de Vended se completa con Connor Grodzicki a la guitarra rítmica, Jeremiah Pugh al bajo y Cole Espeland a la guitarra solista.

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El actor de Eddie Munson (Stranger Things) conoce a Metallica y termina tocando con ellos: “Ahora somos una banda de cinco”

El auge de la canción “Master of Puppets” debido a la serie Stranger Things está provocando unas cuantas situaciones curiosas en torno al universo de Metallica. Si recientemente el batería Lars Ulrich confesaba que le resultaba “muy difícil de entender” este renovado furor en torno a la banda, una nueva aproximación entre ambos mundos se ha producido cuando el actor que encarna a Eddie Munson ha conocido a los mismísimos hombres de negro y ha acabado tocando con ellos.

Esta inolvidable escena entre Metallica y el intérprete Joseph Quinn sucedió durante un ensayo en el camerino de cara a la actuación de los de San Francisco en el festival Lollapalooza en Chicago. Como muchos recordarán, Quinn, en su papel de Eddie Munson, se marcó “Masters of Puppets” en uno de los momentos más celebrados de la serie en su última temporada.

Durante el encuentro Quinn tocó con Metallica y los componentes del grupo le obsequiaron con una guitarra B.C. Rich firmada por ellos, el mismo modelo que se puede ver en la serie. El frontman James Hetfield además confesó que ha sido fan del show de Netflix desde su primera temporada: “Ha sido una forma de unión para mis hijos y para mí”.

Quinn, por su parte, reveló que había estado escuchando repetidamente la canción durante los dos últimos años y que se sentía “muy unido” a la banda. “Muchas gracias por dejarnos utilizar el tema”, les dijo a los miembros de Metallica y Hetfield respondió lo siguiente: “Gracias por hacerle justicia”.

Después de la conversación, el bajista Robert Trujillo invitó a Quinn a una jam session y antes este confesó que quizás necesitaba algo de práctica: “Estoy un poco oxidado, así que igual necesito unas clases”. No obstante, la experiencia resultó al final plenamente satisfactoria y así lo expresó Quinn: “¡Fue increíble! No salen a menudo oportunidades de tocar “Master of Puppets” con la banda de metal más importante de todos los tiempos. Una historia para los nietos”. El batería Lars Ulrich también quedaba satisfecho con el invitado y resumía sus gratas sensaciones diciendo: “Ahora somos una banda de cinco”.

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M. Shadows (Avenged Sevenfold) identifica la causa de “la caída del rock y el metal”: “No debería tener producción de pop”

Están abundando en los últimos tiempos los mensajes apocalípticos en torno al futuro del rock y el metal. En este aspecto, muy sonadas fueron aquellas declaraciones de Alissa White-Gluz (Arch Enemy) en las que temía por el futuro del género y ponía de ejemplo a The Rolling Stones. Y todavía sigue levantando de vez en cuando polvareda la famosa afirmación de Gene Simmons (Kiss) de que el rock ha muerto.

El vocalista M. Shadows de Avenged Sevenfold, no obstante, ha identificado la causa de que dicho estilo siga sufriendo descensos bruscos de popularidad. Esto era lo que escribía en sus redes sociales: “Opinión en caliente: Las baterías sampleadas y la “guerra del volumen” han sido los principales responsables de la caída del rock y el metal. El oyente no necesita saber exactamente lo que es esto, sino sentirlo subconscientemente. El rock no debería tener producción de pop”.

Shadows al referirse a “la guerra del volumen” se hacía eco de una tendencia predominante en las producciones de los últimos años que consiste en incrementar el volumen del audio en la grabación para que así el oído lo perciba como más alto. Con este método, por desgracia, se disminuye la calidad del sonido.

Este debate en torno al volumen se remonta casi hasta los primeros días de música grabada. Esto era lo que decía el veterano ingeniero de sonido Bob Ludwig a NPR en 2009: “La guerra del volumen nos ha devuelto a la época de los vinilos 45 rpm. Cuando empecé en este negocio y editaba muchos vinilos, un productor tras otro quería que su 45 sonara más alto que el del siguiente tipo que grabara. Cuando el director del programa Top 40 de la emisora repasaba su pila de vinilos 45rpm para decidir cuáles dos o tres pondría esa semana, se buscaba que el disco hiciera saltar al director, por lo menos a nivel auditivo”.

Volviendo a M. Shadows, este no está en absoluto en contra de la producción pop. Esto añadía en un tweet posterior: “Un perfecto ejemplo de un disco pop brillantemente producido y mezclado es ‘Random Access Memories’ de Daft Punk. Todo a su alrededor es pura perfección”.

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Crónica de Iron Maiden en Barcelona: Como lo vivido ayer

Dos largos años y medio han transcurrido desde que el pasado 6 de noviembre de 2019 la conjunción entre Madness Live y el Primavera Sound realizasen la rueda de prensa que descubría la fecha en la que Iron Maiden, WithinTemptation y Airbourne debían realizar un concierto con una de las pretensiones de lo más ambiciosas, llenar de fans el Estadi Olímpic de Barcelona el 25 de julio de 2020.

Iron Maiden

Pero, como todos ya sabemos y hemos sufrido, la pandemia siguió haciendo de las suyas y el aplazamiento de esa fecha fue inevitable. Con el aplazamiento llegaron también las dudas de si finalmente el evento podría llegar a hacerse realidad. Finalmente, y gracias a la tenacidad de los promotores, el concierto se ha podido llevar a cabo, y, aunque se podrían haber mejorado algunas cosas, como los accesos al Estadio, evitando innecesarias y kilométricas colas que llegaron a las dos horas de espera para acceder al recinto, el concierto que se vivió ayer en el Olímpic de la ciudad condal se ha convertido en uno de los mejores recitales que se han vivido en el país.

Airbourne – Rock n’ roll voltaico

Mientras el Olímpic iba llenándose poco a poco y las nubes daban descanso a esa ola de calor que nos ha estado azotando en los últimos días, el cuarteto australiano Airbourne salió al escenario con su implacable intensidad con la que incrementar la temperatura y mostrar que, a pesar de las críticas de una parte de la parroquia que les ve como una réplica fácil de sus compatriotas AC/DC y Rose Tattoo, tienen un carisma y una personalidad muy propias, tanto que, tras 16 años de carrera siguen siendo una banda con una garantía y fiabilidad tan solidas como las que demuestran en sus explosivos directos.

Airbourne

Los cuatro de Victoria iniciaron arrolladores, utilizando ese clásico que en 2004 daba título a un EP que les dio a conocer y con el que rompieron el hielo a mazazos de puro, intenso y electrizante hard rock de cimientos boogie. “Ready to Rock” fue el primer fogonazo que nos dispusieron en un concierto en el que la energía de la banda iba a volver a demostrar que su elección como artistas invitados para abrir un concierto de alto octanaje como este era de lo más acertada.

Tras la primera inyección de energía, Airbourne siguieron con esa condensación hímnica que “Back in the Game” y “Girls in Black” contienen y que hacen que el líder, rítmica y cantante Joel O’Keeffe se pasee a hombros entre el público mientras sigue soltando riffs a toda pastilla su Gibson Explorer y ya sobre las tablas rompa una lata de cerveza en su cabeza.

Airbourne

Poco a poco el frontspace iba tapando huecos y los brazos en alto formaban ya parte del show cuando “Burnout the Nitro” y “Breakin’ Outta Hell” sacaron a relucir su potencial en forma de rabiosas descargas que se sobreponían al sonido poco nítido y espeso que desde la mesa se les dispensaba y a la leve lluvia que refrescaba aún más el ambiente.

Tras ellas, la banda tuvo un breve descanso, aunque no todos, porque el otro hermano O’Keeffe, Ryan, dejó su puesto en la batería para romperse los brazos haciendo sonar la sirena de manivela en ese habitual show que precede al hímnico y hardroquero “Live it Up”, ese tema cuyos coros aportan la esencia Kiss que hace un mes repercutió a pocos kilómetros del estadio olímpico.

El single del ampuloso ‘Black Dog Barking’ (2013) dio electrizante fuerza a un final que se dio con el siempre rabioso y efectivo “Running Wild”, salvaje despedida que Joel aprovechó para agradecer la buena acogida que la banda había recibido y recordar que en diciembre iba a volver a estar entre nosotros para agasajarnos con más y buenas dosis de electrizante rock n roll (2/12 junto a Blues Pills y Crobot en el cercano Sant Jordi Club). Allí nos volveremos a ver…

Within Tempation – Pasión melódica

A priori la propuesta del sexteto neerlandés en el cartel no parecía la mejor opción para acompañar a unos Iron Maiden, que, como veremos, están en uno de los momentos más dulces de su historia. Los parámetros más melódicos de la música de Within Temptation distan bastante del heavy metal clásico de los Maiden y las dosis de boogie rock n’ roll de Airbourne, pero la banda era sabedora de ello, por lo que, sin dejar la marca de la casa, el combo holandés planteó el concierto más intenso que de ellos he podido disfrutar.

Within Temptation

Con una Sharon den Adel muy apasionada, dinámica, entregada y exultante de voz, y una formación que dio buen uso de las bases rítmicas potenciándolas más de lo normal, mientras las guitarras punteaban generosamente y se sobreponían a los efectos de esos teclados de ambiente modernista, la banda propuso un concierto que gozó de bastante mejor sonido que el que Airbourne desgraciadamente habían tenido.

Personalmente, entiendo que las bandas principales deban sonar mejor que sus escuderos, pero de ahí a apagar parte del disfrute con demasiadas limitaciones, creo que a estas alturas de la película es un punto que ya debería estar más que superado.

Todo ello apoyó a que el cada vez más numeroso público fuera entrando en el calor que desde el escenario se estaba proponiendo gracias a las ejecuciones de temas como los iniciales “Our Solemn Hour”, “Paradise (What About Us)”, “Faster” e “In the Middle of the Night” , himnos vertebrados por una Sharon que, ataviada con un corpiño que emulaba una armadura valkiria, no paró de motivar a base de empujes vocales dispuestos por unos harmónicos elevados muy bien invertidos.

La banda revolucionó los ritmos para que sus composiciones tuvieran mayor fuerza que la que usualmente adquieren en sus directos, lo que iba calando cada vez más entre los acérrimos e interesando a parte de los menos adeptos. Tras esa incipiente parte inicial, el set se injertó de detalles más comerciales gracias a “The Reckoning”, “Entertain You” y el hit “Stand My Ground”.

El efecto de este trío de hits, éxito motivado en los más adeptos y salpicado en parte de los asistentes cuando Sharon enarboló una bandera ucraniana ondeándola mientras “Raise Your Banner” ejercía de himno solidario y pacifista, lo que recibió el casi unánime beneplácito de un público que agradeció el detalle.

Tras ello, la banda cerró con un nuevo trío de éxitos inexcusables en su set, “Ice Queen”, “Supernova” y “Mother Earth” significaron el cierre de una actuación a priori difícil de encajar, pero bien ajustada por un sexteto que cumplió a la hora de crear entretenimiento y motivación.

Iron Maiden – La bestia más feroz

Iron Maiden

Debo reconocerlo, mi primera impresión al ver el escenario cuando entré en el estadio fue de sorpresa, sinceramente me esperaba un espacio más amplio para recoger el show y los efectos de los Maiden, sobre todo pensando en la amplitud que el Olímpic, detalle que al final quedó totalmente diluido por la gran y espectacular actuación con la que Iron Maiden nos agasajaron, el buen show visual que dispusieron, el buen trabajo luminotécnico y la excelencia de un sonido que rozó la perfección.

Las ganas que había por volver a disfrutar de la propuesta de Iron Maiden en este ‘Legacy of the Beast Tour’ eran tantas que cuando el mítico “Doctor Doctor” empezó a sonar, éste se coreó con mucho más énfasis que cuando UFO o MSG lo interpretan en sus shows, y es que cuando unas 47.000 gargantas entonan un clásico la adrenalina se pone a su máximo nivel.

Iron Maiden

Con esa carga adrenalínica en nuestro torrente sanguíneo, la visión de pagodas gigantes sobre el escenario y las primeras sombras del sexteto perfilándose en la oscuridad hicieron que los primeros envites de “Senjutsu” tuvieran tanta repercusión como si el concierto se hubiera iniciado con “TheTrooper”, “Aces High” o “Run to the Hills”, todo fue una explosión de locura, entrega y descarga de emociones.

Desde un primer momento el sonido fue excelente, la banda muy motivada y enfática y de ella sobresalía la voz de un Dickinson que durante todo el concierto estuvo más que espectacular. La aparición de un Eddie gigante en su faceta samurái empuñando una catana ensalzó más los ánimos y el disfrute visual. Pasada la primera descarga del set, el tema que bautizó la última entrega discográfica de la banda se fundió con otro de los singles de esta, en este caso fue el también progresivo y eficiente “Stratego”.

Iron Maiden

Un escueto “Hola, Cataluña”, el sonido de motores, las imágenes animadas de  las pantallas y la intro acústica de Adrian Smith dieron paso a un nuevo single, en este caso a un coreado “TheWriting on the Wall” que animó en mucho la ya de por sí expeditiva expresión de Janick Gers. Este primer trío, que sincrónicamente son los que abren ‘Senjutsu’, fueron los encargados de representar una obra en la que extrañamente Dave Murray no participó en su creación.

Unos momentos de parón, usados para deshinchar las enormes pagodas (Buttö en japonés) y cambiar los elementos que aportaban ese efecto de templo nipón y cambiarlo por unos con efecto de templo gótico, gracias a dioramas de vitrales laterales y el rosetón central que presidía el escenario. Con esa representación en las tablas, Bruce se dio unos momentos para comentar la locura que para todos habían sido estos tres últimos años, pero que pese a todo volvíamos a estar aquí para disfrutar del concierto y considerar que Barcelona forma parte importante de la familia Maiden, para acto seguido descerrajar un “Blood Brothers” cuyo medio y adictivo tempo hizo su efecto en el coreo de un tema que dio paso a la apasionada oscuridad, tétrica esencia y pétrea solidez de ese clásico que surgió de la garganta de Blaze Bayley y que Dickinson, disfrazado de mago nigromante, se encarga de maximizar: “Sign of the Cross” nos trasladó al averno gracias a su ritmo pesado y a los efectos de los candelabros candentes, llamaradas y pirotecnia con la que, además de una lumínica cruz, vistieron el escenario.

Iron Maiden

Nuevo y breve interludio y un Ícaro gigante en cruz eran los inequívocos símbolos de que ese hit del grandioso ‘Piece of Mind’ iba a descarnar nuestras gargantas y a menguar nuestras fuerzas mientras Dickinson se dedicaba a lanzar llamaradas por doquier gracias al lanzallamas incorporado en sus dos manos. En el corazón del tema, un primer solo de Murray, un segundo de Gers y uno breve de Harris acabó con el trío de guitarras ampliando el ingente efecto que de por sí tiene un himno que solo hizo iniciar el paroxismo, ya que Bruce cambió el lanzallamas por el faro verde que nos dirigió hacia el extremo más efectivo, largo y coreado del set, un inmenso “Fear of the Dark” hizo temblar hasta los cimientos del centenario estadio. Durante él, aún con esa máscara que en el medievo lucían los encargados de atender a los afectados por el azote de la peste bubónica, Bruce siguía insistiendo en su halago a Cataluña y Barcelona por la entrega y pasión que estaba sintiendo por parte de todos los que allí estábamos.

Todo estaba concebido para el disfrute, el sonido era espectacular, Dickinson, aunque menos expeditivo en sus típicas carreras por todo el escenario, tenía una de las mejores voces de su etapa como cantante. Murray, Smith y Gers cumplían con creces enfatizando con riffs y solos todos y cada uno de los rincones de los temas, Nicko hacía que pareciera fácil tocar su interminable batería y Harris atronaba con su bajo mientras no dejaba de sonreír y apuntar a un público rendido ante tal generosidad de exhibición. ¡Qué grandes!

El show continuaba, encerrado tras barrotes en un principio y con pose afligida durante el interludio, “Hallowed be thy Name” provocó el primer “Scream for me, Barcelona” de la noche antes de que la intro de otro grande de entre grandes, ese que da nombre a esa obra cumbre de la doncella de hierro y cuya intro es capaz de enloquecer al mundo del heavy metal al completo. “The Number of the Beast” tuvo lo que se merecía, la máxima entrega de las 47.000 gargantas que casi llenaban el aforo de un estadio que, además, disfrutamos de unos efectos pirotécnicos que multiplicaban aún más el efecto infernal que ya de por sí esta joya contiene.

Pebeteros apagados, la cabeza cornuda de Eddie reinando tras Nicko, dos “Scream for me, Barcelona” y “Iron Maiden” volvió a encenderlo todo para que en su final la banda se mostrase más que agradecida por cómo desde el público se les estaba espoleando.

Un breve receso y el primer bis hizo su aparición con otra dosis de explosión y energía. “The Trooper” no tuvo compasión ni consideración, nos vació, nos vaciamos en su seguimiento y disfrute. La aparición de Eddie con la misma casaca roja que vestía un Dickinson que no paró de enarbolar la bandera británica y ondearla tan fuerte como nosotros seguíamos uno de los mejores estribillos del heavy metal.

Tras el nuevo agradecimiento de la banda y las palabras de dedicación de la siguiente canción a Cataluña, el segundo y último tema de la época Bayley en el set se entonó de forma muy especial en ese “Freedom” cuyo estribillo que hacía sinergia con las palabras que precedieron a la presentación.

En “The Clansman” nuevamente todo por las nubes y “Run to the Hills” sacó fuerzas de nuestra garganta para seguir ensalzando esta obra maestra en la que se convirtió un concierto que seguro nadie de los allí presentes olvidaremos.

Un nuevo receso, y cómo no, la cosa debía acabar de manera épica, el show debía acabar de la manera más apoteósica posible, y aunque los candidatos al cierre podían ser varios, “Aces High” firmó con letras de oro una noche que a todos nos hubiera gustado alargar mucho más, e incluso perpetuar, pero lo hará en nuestra memoria cada vez que escuchemos uno de los temas de la banda de heavy metal más en forma de la actualidad.

Prometieron volver, y seguro que lo harán, ellos saben que aquí han dejado un recuerdo imborrable, y seguro que ellos se llevan otro de nosotros.

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Mägo de Oz suspende su concierto en el Leyendas del Rock por motivos de salud

Mägo de Oz a su paso por Madrid. Foto: Sandro Santos.

La gira “Al Abordaje!” de Mägo de Oz se ha encontrado en las últimas semanas con algunos contratiempos como la baja por enfermedad de Zeta y Patricia Tapia, los dos vocalistas de la formación que se vieron obligados a pasar por los servicios de urgencias escasas semanas atrás.

Ya en la crónica que publicamos acerca del concierto de Txus y compañía en Granada dimos cuenta del hecho de que el vocalista Zeta sufría de ciática y por ese motivo no pudo estar todo el recital de pie, pese a su voluntad de intentar sacar el bolo adelante. Patricia Tapia, por su parte, en dicha cita tampoco pudo estar presente, por lo que el testigo lo tomaron Xana Lavey, vocalista de Celtian, y Alba, discípula de propia Patricia.

Por dichos problemas de salud, Mägo de Oz se han visto obligados a suspender su actuación en el festival Leyendas del Rock. Así lo comunicaba el grupo a través de sus redes sociales: “Como bien sabéis tanto Zeta como Patri han sido baja en los últimos conciertos por motivos de salud, fibromialgia en el caso de Patricia y una protrusión en las vertebras con ciática en el de Zeta. En estas condiciones creemos que no vamos a estar a la altura de un festival tan importante como el Leyendas. Nos hacía mucha ilusión participar en uno de los más prestigiosos festivales de España.

Desde aquí dar las gracias al festival Leyendas del Rock [Oficial] por su trato exquisito para con nosotros y deseamos de todo corazón volver el año que viene a esta importante cita”.

Desde MariskalRock deseamos a ambos cantantes la más pronta y total recuperación y esperamos que puedan retomar su actividad sobre los escenarios lo antes posible, así como la preparación de ese álbum llamado ‘Love and Oz II’ del que comenzamos a conocer detalles hace pocas semanas.

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