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Floor Jansen celebra el décimo aniversario de su primer concierto con Nightwish

A la espera de que se materialice ese nuevo trabajo de Nightwish del que ya nos han dicho que estaba compuesto y maquetado, aparte de que será la tercera parte de una trilogía, nunca viene mal echar la vista atrás. Como por ejemplo a ese momento en el que la vocalista Floor Jansen dio su primer concierto con los finlandeses hace ya una década.

El debut en directo de la neerlandesa se produjo un 1 de octubre de 2012 en el Showbox Sodo de Seattle, Washington (EE UU). Jansen se unió al grupo tras la abrupta marcha de la cantante Anette Olzon, que había estado con Holopainen y compañía durante cinco años, pero no se anunció su incorporación hasta 2013.

El pasado sábado Floor compartía en Twitter algunas fotos de su etapa en Nightwish con el siguiente mensaje: “Hoy hace exactamente 10 años que me uní a @NightwishBand en el escenario. No puedo creer lo rápido que ha pasado el tiempo desde aquel primer concierto en EE UU. Estoy muy agradecida por todos estos años y quiero agradecer a la banda y a nuestro equipo por todo, y por supuesto a nuestros queridos fans”.

Nightwish, por su parte, también publicaba un tweet en reconocimiento al aniversario de la vocalista: “Diez años y contando. Un día como hoy de hace diez años, @FloorJansen tocó con nosotros por primera vez. Compartimos con vosotros para la ocasión un vídeo en directo tocando “Storytime” a lo largo de estos años, empezando con nuestro primer concierto juntos”.

Recientemente, los fineses también anunciaron de manera oficial a su nuevo bajista y alejó la posibilidad de un regreso de Marco Hietala, el encargado de las cuatro cuerdas que anunció su marcha en enero de 2021.

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Nergal (Behemoth), a los jóvenes: “Ni se os ocurra empezar una banda de black metal, hay millones de logos que jamás se pueden leer”

Siempre hay que tener en cuenta el consejo de los mayores, sobre todo si de lo que se trata es de iniciarse en el complicado mundo de la música. Muchos grandes astros como Jon Bon Jovi, Slash (Guns N’ Roses) o más recientemente el guitarrista Joe Satriani se han dirigido a las nuevas generaciones con indicaciones para desenvolverse en un ámbito tan competitivo.

El líder de Behemoth, Nergal, no dudado en sumarse a esta corriente educativa entre los músicos con una peculiar recomendación a los jóvenes que intenten poner en marcha su propia banda de black metal. Esto era lo que decía el polaco a Metal Injection: “Soy como uno de esos tipos de los que os podéis reír, pero no lo digo de broma, no lo hagáis. Ni se os ocurra empezar otra maldita banda de black metal. Mirad en Spotify. Hay millones de bandas con logos que jamás se pueden leer y con nombres que jamás se pueden recordar”.

Nergal además matiza su respuesta con un argumento inapelable: “Además, lo de Immortal ya se ha hecho. ¿Burzum? También está hecho. ¿Mayhem? Hecho. ¿Behemoth? Hecho. Y así podríamos seguir. No lo hagáis. Encuentro justificación a esta discutible idea en el hecho de que algunos de vosotros queráis empezar un grupo de black metal, entonces hacedlo de una vez. Aquí no estoy pontificando, simplemente expresando mi opinión”.

El guitarrista y cantante no duda en señalar de dónde le viene esa creencia: “Por aquel entonces estaba viendo algo en YouTube y entonces me topaba con una entrevista de Cliff Burton en el 84 o así y le preguntaban: “¿Cuál es tu consejo para las bandas de metal?”. Y él contesta: “No lo hagáis, dejadlo… Hay muchos viernes, sábados y domingos y Metallica quiere tocar solo en ese tipo de clubs. No lo hagáis”. Pienso: “Un espíritu iluminado, eso es”. Eso es exactamente lo que quiero decir”.

“Versvs Christvs” es el nuevo single y videoclip extraído del flamante álbum ‘Opvs Contra Natvram’, publicado el pasado 16 de septiembre por Nuclear Blast, un majestuoso álbum en el que continúa la evolución a la que Nergal nunca ha renunciado.

Behemoth unirá fuerzas con Arch Enemy, Carcass y Unto Others en la gira The European Siege, que pasará por Madrid y Barcelona el próximo mes de octubre, los días 8 y 9, respectivamente. Las entradas están a la venta en este enlace.

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Muere Ángel Casas: Recordamos su entrevista a Ramones después de que el público dejara sin luz el escenario en su primer concierto en España

Hubo un tiempo en el que en televisión había entrevistas en las que se escuchaba con atención y no se gritaba ni se montaba esos pollos típicos de los programas de cotilleo. Gran parte de la culpa de dignificar la labor de ese sufrido entrevistador que lo mismo departía con tonadilleras que con Siniestro Total o cualquier otra figura contracultural la tuvo Ángel Casas, histórico comunicador que presentó espacios tan míticos como “Popgrama” o “Musical Express”.

La recordada voz de Casas se ha apagado para siempre este sábado a los 76 años de edad, según ha informado Catalunya Radio. El periodista y crítico musical arrastraba problemas de salud desde 2013 después de que le fuera trasplantado un riñón y le amputaran las dos piernas.

Casas se convirtió en una figura muy popular durante los ochenta y por sus programas llegaron a pasar infinidad de músicos, a menudo de géneros que nada tenían que ver con lo que se consideraba comercial por aquel entonces. Es el caso de Ramones, cuya primera visita a España se topó con su micrófono y con el espacio “Musical Express” haciéndose eco de tan magno acontecimiento.

Tal y como explicaba Casas en tan recordado reportaje, los servicios de seguridad se vieron desbordados durante el recital de los norteamericanos y por ese motivo el escenario se quedó sin luz y sonido durante un tiempo. Esta desmedida aglomeración de personal tampoco benefició a los teloneros Nacha Pop, por aquel entonces un grupo emergente de la nueva ola al que muchos no llegaron ni a vislumbrar entre tanto griterío.

No tienen desperdicio las declaraciones del guitarrista Johnny Ramone, que aseguraba que lo mejor del concierto comenzó cuando se cayeron las vallas de seguridad, ya que antes era “aburrido”. Sirva esta entrevista a modo de homenaje al desaparecido Ángel Casas. Descanse en paz, maestro.

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El impresionante registro de Mägo de Oz con “No me digas adiós”

Hay veces en las que la expectación en torno a un lanzamiento anda por las nubes. Solo de esa manera se puede explicar que se alcancen cifras de auténtico vértigo en escasas horas que demuestran que en el mundo virtual las noticias vuelan más que nunca.

Esto último es el caso del último single de Mägo de Oz “No me digas adiós”, de cuya publicación ayer mismo nos hacíamos eco y hoy podemos comunicar que en apenas veinticuatro horas ha superado la cifra de 140.000 visualizaciones en YouTube, un espectacular registro que no se recuerda que suceda con demasiados grupos patrios.

Dicha pieza es el primer adelanto del esperado álbum ‘Love and Oz II’ y ya sabemos que ocupará la segunda posición del disco que se publicará el próximo 21 de octubre.  Como nos reveló el propio Txus di Fellatio, este tema en realidad nunca lo grabó previamente Mägo de Oz, ya que se incluyó en el libro de poesía de Txus ‘El cementerio de los versos perdidos’ y fue compuesto junto a Juanmi Rodríguez (teclista de la banda Cuatro Gatos).

Para aquellos que no puedan esperar más, está ya disponible en este enlace el nuevo disco de Mägo de Oz. La banda continúa trabajando en el rodaje de “Nos han robado la primavera”, que será el segundo adelanto del disco y desde cuyo set de rodaje nos mandaban un saludo los guitarristas Víctor de Andrés y Manuel Seoane.

En ‘Love and Oz II’ nos esperan un total de 15 canciones, con sorpresas tan agradables como la de “El templo del adiós (versión piano 2022)”, todo un clásico del repertorio de Mägo de Oz, una versión del “Temple of the King” de Rainbow que se estrenó en ‘La Leyenda de La Mancha’, y que se recuperó ya con la voz de Zeta en el recopilatorio ’30 años, 30 canciones’. También disfrutaremos de una versión orquestal de la emocionante “Desde mi cielo” con Leo Jiménez, el inédito “Augas do rio” con unos grandes del folk como Luar Na Lubre, o nuevas grabaciones como “Todo lo que soy” entre otras cosas.

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Desentrañando “Parasiempre”, el testamento musical de Héroes del Silencio

Un 30 de septiembre de 1996 se ponía a la venta el álbum en directo ‘Parasiempre’ de Héroes del Silencio, un trabajo que con el paso del tiempo adquiriría una importancia capital, pues quedaría como testamento musical de un grupo que se separaría poco después. A pocas horas de tan emblemática fecha, Alfredo Villaescusa repasa las circunstancias que rodearon a tal lanzamiento.

Para entender el contexto en el que se grabó el histórico documento en vivo ‘Parasiempre’ hay que retroceder hasta la publicación de ‘Avalancha’ en 1995, una obra que marcaba un punto y aparte respecto a las anteriores, ya que Bunbury y compañía viraron hacia un sonido más rockero en líneas generales, pero tampoco exento de contundencia, no hay más que escuchar los riffs rotundos del tema homónimo “Avalancha”.

La gira de presentación de dicho álbum abarcó desde julio de 1985 a octubre de 1996, sumando un total de 152 conciertos entre Europa y América. Fue en este momento en el que se fraguaron las ascuas de lo que acabaría siendo la separación de Héroes del Silencio, con ciertos momentos difíciles y con el vocalista Bunbury componiendo cosas por su cuenta, hecho que indicaba sin lugar a dudas que su futuro estaba bastante lejos del grupo.

‘Parasiempre’ recoge en concreto cortes grabados en dos recitales de ese mastodóntico periplo, en concreto los del 7 de junio de 1996 en Madrid y los del 8 de junio de ese mismo año en Zaragoza. Un lanzamiento que fue muy bien acogido por parte del público, ya que llegó en España al número uno en la lista de ventas.

Respecto a su contenido, al tratarse de la gira de presentación de ‘Avalancha’, la mayoría de sus canciones proceden de ese disco, con un comienzo especialmente apabullante compuesto por “Deshacer el mundo” e “Iberia sumergida”. El trallazo que bordea el heavy metal de “Parasiempre” luce con espectacular fulgor, en una de las interpretaciones más enérgicas que se recuerdan de Bunbury.

No faltan clásicos del grupo de la envergadura de “Sirena varada” o “Maldito duende”, aparte de piezas tan singulares como “Oración”, que ya apareció en el directo ‘Senda ‘91’, o “Nuestros nombres”, otro glorioso ejemplo en el que los zaragozanos abrazan el hard rock sin fisuras entre los aullidos de un Bunbury desatado coronándose como uno de los mejores frontman del panorama patrio.

El segundo CD se abre con “Hechizo”, un corte procedente de su laureado ‘Senderos de traición’ de 1990 que siempre ocupó un lugar relevante en los conciertos del grupo. Como dato curioso, mencionar que quizás este sea el momento en el definitivamente se consolidaron todas aquellas piezas que luego no faltarían tampoco en su gira de reunión de 2007.

En este sentido, un capítulo aparte ocuparía “Decadencia”, un corte en el que Bunbury siempre aprovechaba para pronunciar frases enigmáticas y alegóricas, pero que en esta ocasión incluye una notable retahíla de composiciones propias y de otros artistas. En concreto, se cuelan por ahí “Bendecida 2” del álbum ‘El espíritu del vino’, así como “La mala hora” de Radio Futura, “Hound Dog” de Elvis Presley o “Canción mixteca” del compositor mexicano José López Alavez. Y es que sus once minutos y pico dan para mucho, sobre todo para un tipo con el considerable bagaje musical de Enrique Bunbury.

A modo de curiosidad, señalar que en la edición mexicana de ‘Parasiempre’ no aparece precisamente el tema homónimo en el primer disco ni “Hechizo” en el segundo respectivamente. Además, existe una portada diferente en la que se puede ver al guitarrista Alan Boguslavsky.

El último concierto de la histórica formación se celebraría en Los Ángeles el 6 de octubre de 1996, pero resultaría muy accidentado debido a que el público comenzó a lanzar objetos a los músicos en respuesta a unas polémicas declaraciones de Enrique Bunbury respecto a las mujeres mexicanas.

Antes de que concluyera tan trascendental periplo, Héroes del Silencio anunciaron en una rueda de prensa en Lima (Perú) su separación temporal. Mucho se especuló acerca de los motivos de la misma, como las diferencias musicales entre el vocalista Bunbury y el guitarrista Juan Valdivia o la muerte de dos personas muy cercanas al grupo como el road manager Martín Druille en 1993 o la del hermano de Enrique, Rafael, en 1994.

‘Parasiempre’ se trató en definitiva de un canto de cisne, similar al de los Sex Pistols en el Winterland Ballroom de San Francisco en 1978, que incluyó también incluso algunas palabras proféticas. Como las que pronuncia Bunbury en un momento dado de ‘Decadencia’: “Nos vemos en la gira del próximo milenio”. Nadie puede decir que no cumplió su palabra.

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La diseñadora Ágatha Ruiz de la Prada sorprende con una buena selección de metal nacional en su último desfile: Estas son las bandas que sonaron

A veces alguna personalidad relevante nos sorprende con un variado gusto musical en el que por supuesto también hay cosas de rock o metal. Allá por marzo el popular periodista televisivo Jordi Évole se lamentaba por no haber podido entrevistar nunca a Robe (Extremoduro) y ya conocíamos la afición por la música de otro clásico de la pequeña pantalla como el presentador Christian Gálvez.

Otra figura que ha marcado la diferencia recientemente es la diseñadora de moda, empresaria y aristócrata Ágatha Ruiz de la Prada, que en su último desfile en la pasarela Mercedes Benz Fashion Week de Madrid ha optado por incluir una notable selección de metal nacional, entre otras cosas.

De esta forma, durante la presentación de las últimas tendencias en cortes, tejidos y escotes para la moda de mujer en 2023 sonaron en concreto la banda madrileña de stoner y metal alternativo Grim Comet con “Dead or Alive”, Somas Cure con “Bailar en la cuerda”, Jeanno Rodríguez con “El vuelo del fénix”, True Enemy con “All of Them”, Juan Saurín con “Trust No More”, los glam metaleros Jolly Joker con “Sky is so High” o los valencianos Killus con “Vortex”.

Otros de los artistas escogidos por Ágatha para componer su desfile han sido Heleven con “Broken”, a pesar de que en el instagram de la artista ponga que sonó “Into the Oceans”, Sôber con “El día de la liberación” de su álbum ‘Elegía’, Whisky Caravan con “Enemigos” o The Space Octopus con “Go On!”.

Todo un compendio de bandas nacionales que seguro ha provocado que más de uno se lance a contemplar por primera vez un desfile de moda. Esperemos que no sea la última vez y nos vuelvan a sorprender en breve con otra muestra de variado gusto musical.

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The Beatles lanzan una toma inédita grabada en 1966: “No teníamos ni idea de la trascendencia de lo que estábamos haciendo”

En los últimos tiempos hemos visto reediciones de discos tan fundamentales de The Beatles como ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’, ‘The Beatles (White Album)’, ‘Abbey Road’ o ‘Let It Be’. A estas obras fundamentales en la historia de la música se añadirá el próximo 28 de octubre el álbum ‘Revolver’, que incluía piedras angulares como “Eleanor Rigby” o la popular “Yellow Submarine”, entre otras.

Al igual que sucedió en las anteriores ocasiones, el productor Giles Martin y el ingeniero Sam Okell se han encargado de las nuevas mezclas de los 14 temas de ‘Revolver’, extrayendo la mezcla de audio mono de las cuatro pistas originales de 1966.

Una de las sorpresas que podemos ya catar de tan esperada reedición es la primera toma inédita de “Tomorrow Never Knows”, que fue grabada el 6 de abril de 1966 en el Studio Three de EMI Studios, el mismo lugar que después se convertiría en los legendarios Abbey Road Studios.

Ahí los de Liverpool comenzaron la primera sesión de grabación de ‘Revolver’. Así recordaba aquel periodo el ingeniero de sonido Geoff Emerick: “No teníamos ni idea de la trascendencia de lo que estábamos haciendo. Todo parecía por aquel entonces un poco como estar pasándoselo bien por una buena causa, pero lo que creamos aquella tarde fue de hecho el precursor de la música de hoy en día dominada por beats y loops”.

En junio de 1966, un mes antes de que se editara ‘Revolver’, Paul McCartney explicó ese proceso a NME: “Lo hicimos porque estaba harto de crear sonidos que la gente pudiera asegurar haber oído antes”.

La preventa de estas nuevas ediciones de ‘Revolver’ ya está activa en este enlace. Tendremos una edición Super Deluxe con un total de 63 temas divididos en cinco CDs o cuatro vinilos más el EP en vinilo de 7”, los 29 temas de la edición Deluxe en un doble CD acompañado por un libreto de 40 páginas; y los 14 temas de la Special Edition Standard, disponible en CD, vinilo, formato digital y edición limitada en vinilo ilustrado.

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Edición especial 40º aniversario de “Iron Fist” de Motörhead: El último disco de un trío legendario

Aprovechando que estos días se ha lanzado la edición especial del 40º aniversario del ‘Iron Fist’ de Motörhead, hemos llevado a cabo la correspondiente reseña del aniversario del disco, aunque este realmente tuvo lugar hace unos meses. Y es que tanto la ocasión como el material lo merecen, ya que pese a toda la controversia que rodeó todo lo relacionado con el disco (producción, recepción de la prensa, etc.), estamos ante un pedazo de disco, el quinto y último de estudio que grabó el trío calavera, esto es, Lemmy Kilmister al bajo, “Fast” Eddie Clarke en la guitarra, y Phil “Philthy Animal” Taylor a la batería.

Como os decía, el ambiente que rodeó a la gestación y nacimiento del disco no fue el mejor. La grabación había empezado con Vic Maile, que había producido el exitoso ‘Ace of Spades’ en los estudios de grabación Jackson en Rickmansworth en 1981.

Sin embargo, la cosa se torció. En plena cresta de la ola de la fama, tras el anterior álbum en estudio, y con el número 1 alcanzado en las listas británicas por el directo ‘No Sleep ‘till Hammersmith’, la banda ya no grababa discos en una semana, sino que se tomaban su tiempo, e incluso a veces sus descansos. Como el que se tomaron en mitad de la grabación entre noviembre y diciembre para dar unos cuantos conciertos con Tank, una banda emergente a la que Clarke acabó produciendo su álbum. Poco después de esto, Vic Maile abandona el proyecto y las explicaciones al respecto son contradictorias.

No es el objetivo de este artículo entrar en ese debate, entre otras cosas porque acabaría siendo demasiado extenso, pero lo que sí que es indudable es que aquello tuvo en mayor o menor medida su impacto sobre la producción del trabajo, que acabó asumiendo “Fast” Eddie Clarke. Sin embargo, aun en el supuesto de que la producción no fuese la mejor, eso no quita para que estemos ante un gran disco.

De modo que nos limitaremos a reproducir las palabras de los protagonistas que podéis encontrar en el documental ‘The Guts and the Glöry’. Según Eddie: “Y Phil tenía una batería nueva. Así que estábamos en el estudio, había configurado su kit de batería, y Phil odia el nuevo sonido de batería que Vic Maille le dio con este nuevo kit. Así que Phil, porque está un poco raro en este momento, no volverá a trabajar con Vic Maile. Así que no tenemos ningún maldito productor. Hablamos con Chris Tsangarides, quería 10 mil libras por adelantado. Este otro tipo, John Anthony, quería 20 mil dólares. Ahí es donde Dougs Smith se pegó un tiro en el pie. Solo nos paga 200 libras a la semana. Cuando un idiota dice que quiere 10 mil dólares para trabajar en nuestro álbum, eso es un rescate de reyes…. Esto siguió y siguió y no pudimos estar de acuerdo con nadie. Un día Phil me dijo, escucha Eddie, ¿por qué no lo haces tú?”. Hasta donde yo llego, Phil no lo desmintió.

Sin embargo, Lemmy no quedó muy satisfecho con el resultado: “Estaba cabreado porque dejamos que Eddie lo produjera. Aunque yo no estaba en ese momento. Juego limpio. Pero se hizo evidente después de su lanzamiento. Cuando volví a estar sobrio me di cuenta de que lo habíamos tirado a la basura, en su mayor parte. Había al menos tres canciones allí, que ni siquiera estaban terminadas. Las terminamos en el estudio y únicamente las improvisamos. Simplemente era un álbum por debajo del estándar”. Mi opinión particular es que la producción de Clarke dio prioridad a las guitarras frente al bajo, y ese es el verdadero problema.

Foto: Allan Ballard.

La portada del disco, obra del fotógrafo Allan Ballard y del diseñador Martin Poole, nos muestra el legendario puño de hierro con calaveras en los nudillos, sobre un fondo negro y enmarcado entre el logo de la banda y el título del disco en letras góticas de color rojo. El puño de hierro fue adquirido recientemente por un coleccionista privado, que se lo compró a las hermanas de “Philty Animal”, que había sido el dueño.

Puestos en materia, la cara A abría con “Iron Fist”, un clásico. Empieza a todo trapo con un riff rápido y marcadísimo de bajo. Lemmy canta sin problemas el ritmo que le marca Phil, y Eddie puntea el riff después del cada estribillo, aunque después del segundo lo alarga para hacer el solo, en su línea, vertiginoso.

“Heart of Stone” mantiene la punta de velocidad y la estructura: Philty aprieta y Lemmy aprieta más. Mediado el tema otro solo rapidísimo, no es casualidad lo de que su apodo sea “Fast”. Otra pasada por riff y estribillo, y Eddie se casca otro solo, sobre ese pedazo de muro de sonido que le levantan los colegas para que haga lo que quiera, para cerrar el tema.

Foto: Allan Ballard.

Bajamos un puntito la dureza y la velocidad con “I’m the Doctor”, un tema vacilón con una letra bastante irónica en la que los médicos no salen muy bien parados, que digamos. La batería de Phil destaca incluso por encima del bajo de Lemmy y marca el tempo durante toda la canción, hasta el punto de ser fundamental durante el solo de guitarra y en los fraseos con los que acaba el tema.

Mantenemos la velocidad pero volvemos a subir un punto la dureza para irnos al infierno con “Go to Hell”. Potente riff de guitarra excelsamente secundado por el bajo. Mediado el tema, detrás del segundo estribillo, breve solo de guitarra para enlazar con la última pasada por el riff y el estribillo para acabar el tema, esta vez con un aporreamiento de platillos de Phil nada desdeñable.

Foto: Allan Ballard.

Seguimos con “Loser”, un puntito más lenta, seguimos bajando revoluciones. Tema guitarrero con una letra agresiva, un estribillo pegadizo y un solo de guitarra digno. Terminando el tema tenemos un momento de despendole en el que los tres instrumentos se olvidan del riff y tiran un poco de libre albedrío, buen final. “Sex & Outrage” cerraba la cara A. Un tema cortito en el que vuelve la velocidad. Predominio de la guitarra, que además nos obsequia con un buen solo y grandes fraseos, y que cuando parece que van a derivar en otro solo, termina la canción.

La cara B empieza con “America”, un tema distinto. Y digo distinto porque se sale de los estándares de velocidad y contundencia que se suele gastar la banda. Pero no os creáis que es una balada, para nada. Gobierna el tema un gran riff de guitarra de Eddie “Fast” Clarke, pero la letra le disputa la hegemonía durante una buena parte de la canción. Y no me refiero al significado de esta, en plan sueño americano, sino al peso que tiene la voz de Lemmy en contrapunto a la guitarra. El solo, en mi opinión, es de los mejores del disco, así como el muro de sonido que levantan Phil y Lemmy para que Eddie pueda hacer sus cositas.

Volvemos a la velocidad con “Shut It Down”, otro tema peleón. Pese a ser otro riff guitarrero, el bajo y la batería recuperan algo de protagonismo frente a esta. De hecho, las seis cuerdas se sacuden el marcaje en el solo y poco más. Por cierto, en opinión del que suscribe, de los mejores trabajos vocales de Lemmy en el disco.

“Speedfreak” tiene una curiosa entrada de bajo que culminan las baquetas de “Philty Animal”. Luego entra el riff, y poco después la voz de Lemmy. El tema transcurre vertiginoso y los estribillos se enlazan con el riff por medio de veloces punteos de Eddie, uno de los cuales se alarga para convertirse en el solo y otro acaba sirviendo para cerrar el tema con una bajada de volumen. Seguidamente, los timbales de Phil nos introducen a “(Don’t Let ‘Em) Grind Ya Down”, otro tema poderoso. No solo en la introducción, sino que durante todo el tema el trabajo de la batería es dinamita, puesto que no es nada fácil sobresalir con los dos compañeros de viaje que lleva y, sin embargo, lo logra contra un riff brutal de bajo y guitarra.

“(Don’t Need) Religion” entra con el bajo de Lemmy. El tema baja un punto la velocidad pero sin ceder un ápice de fuerza, de eso se encarga Phil. Mientras, Lemmy nos va contando que no necesita creer, ni orar, ni exorcismos, ni Santa Claus, ni por supuesto religión. Por poner un pero, el solo de Eddie, un poco más flojo de lo que acostumbra. El disco terminaba con “Bang to Rights”, otro tema rápido. Lemmy y Eddie crean un riff pegajoso sobre el que Lemmy canta a las mil maravillas. Continuos fraseos de guitarra, batería con muchísima pegada y hasta dos solos de Clarke completan los ingredientes de este más que digno final.

En estos días ha tenido lugar el lanzamiento de la edición 40 aniversario, que es una de las razones de este artículo, y que nos trae una serie de extras que merece la pena comentar. En el CD1, a continuación de la remasterización del disco original viene “Remember Me, I’m Gone”, la que fuera cara B del sencillo “Iron Fist”. Un buen tema, rápido y cañero, si acaso algo cortito, que hubiera tenido perfecta cabida en el disco. Pero como ya sabemos, incluir un tema que no venía en el álbum era un recurso frecuente de las compañías discográficas para incentivar la venta de sencillos.

A continuación, tenemos una serie de demos y versiones alternativas. Estas últimas, con excepción de la de “(Don’t Let ‘Em) Grind You Down”, tienen también título alternativo: “Young & Crazy” (“Sex and Outrage”), “Lemmy Goes to the Pub” (“Heart of Stone”), y “Same Old Song” (“Remember Me, I’mGone”). A mí particularmente me molan “Lemmy Goes to the Pub” y la demo de “Iron Fist”. No obstante, el tesoro más grande que encierra el CD1, en mi modesta opinión, son las tres instrumentales con las que termina: “Sponge Cake”, “Ripsaw Teardown” y sobre todo “Peter Gunn”. Caña de la buena.

Por su parte, el CD2 contiene otra joyita, un concierto íntegro de la gira de promoción del disco, en concreto el que Motörhead dio el 18 de marzo de 1982 en el Apollo de Glasgow, y que en su día fue emitido por Radio Clyde. Habrá quien diga, y con razón, que el sonido podría ser algo mejor, pero lo cierto es que sin sonar como ‘No Sleep ‘till Hammersmith’, tiene otras virtudes.

Y es que estos conciertos de gira, en los que tenemos la oportunidad de oír el concierto completo, muestran de una manera más cruda y veraz la realidad del directo, ya que no han pasado por el estudio, no han sido retocados, etc., vamos, que son bastante más reales. Además, en ellos se aprecia mucho mejor la relación banda-público, ya que en los directos que pasan por el estudio los diálogos entre el grupo y los asistentes suelen ser eliminados en su mayor parte.

Por si fuera poco, en este concierto tenemos la oportunidad de escuchar hasta siete temas de ‘Iron Fist’ que, obviamente, no están en el directo oficial.

En lo que a la recepción se refiere, por parte de la prensa especializada no fue buena, al menos en su día, porque el paso de los años le ha acabado trayendo buenas críticas, como por ejemplo la de J.D. Considine para Rolling Stone en 2001: “El rock & roll como metralla sónica es una perspectiva bastante limitada, pero Motörhead compensa la implacabilidad de la música con letras sorprendentemente astutas y ráfagas estimulantes de guitarra maníaca”, además de darle una puntuación de 4 estrellas sobre 5.

Por su parte, Jason Birchmeier de All Music le da la misma puntuación y dice lo siguiente: “‘Iron Fist’ se distingue principalmente de sus predecesores en términos de producción, y no favorablemente. Clarke produjo él mismo este álbum, mientras que los veteranos de la industria Jimmy Miller y Vic Maile habían manejado respectivamente los últimos cuatro álbumes de Motörhead. La producción de Clarke es un poco estéril en comparación, con su guitarra al frente, sonando un poco más pulida de lo habitual. Estos son puntos menores, sin embargo. ‘Iron Fist’ es un buen álbum de Motörhead, y no hay mucho de qué quejarse aquí. Como de costumbre, la actuación es feroz y hay varias canciones destacadas en medio de una sólida selección en general”.

Respecto a las ventas, el disco consiguió la certificación de disco de plata en el Reino Unido por vender más de 60 mil copias. Mientras que en lo tocante a las listas, alcanzó un meritorio número 6 en las listas británicas, llegó a entrar en el Billboard 200, aunque en la posición 174, y tuvo muy buenos resultados en Noruega (4) y Finlandia (5), por citar dos. Del disco se extrajo un único sencillo a nivel mundial “Iron Fist”, aunque en Alemania se lanzó también “Go to Hell”.

En definitiva, un disco que, por lo que se ve, para bien o para mal no deja indiferente a nadie. Así que, como os digo habitualmente, escuchadlo, formaros vuestra propia opinión y vosotros veréis si todo el ruido que se montó en torno a él estaba justificado o era simplemente hablar por no callar. Que lo disfrutéis.

F. J. Villasante

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Crónica de Blow Up Fest en Bilbao con Diamond Dogs, Eddie and the Hot Rods o Jim Jones All Stars: El evangelio del rock

A la gente le quita bastante el sueño saber si un estilo está vivo, muerto o de parranda y tal vez por eso muchos se esfuerzan en hacerse los más modernos del lugar, que se note que van a la última y no son unos tipos anquilosados reacios a los cambios. Por fortuna, tales actitudes resultan tan falsas que evidentemente saltan a la legua y cualquiera con dos dedos de frente puede advertir de inmediato que aquello no es sincero. Bienvenidos a la feria de las vanidades.

Diamond Dogs

Menos mal que en este mundo dominado por el marketing y las grandes corporaciones todavía quedan iniciativas sinceras, que no se hacen para ganar dinero, o por lo menos no con ese objetivo principal, sino para que disfruten los aficionados. Discúlpenme que me ponga tierno, pero es que eso de hacer feliz al personal me parece de los propósitos más loables en la existencia humana. De ese material están hechos los verdaderos santos.

Todo un cartel de ensueño se había organizado en el Kafe Antzokia bilbaíno para una nueva edición del Blow Up Fest, una cita ineludible para rockeros de diverso pelaje que ojalá se consolide en el tiempo. Dos días en los que se concentró la habitual parroquia de los conciertos de rock n’ roll, esa que incluso los antisociales echaban de menos durante la pandemia. La verdad es que a veces se torna reconfortante entrar en un sitio y saber que encontrarás allí a unos tipos determinados, esos que te garantizan que nunca estarás solo, ni en alma ni en espíritu.

Asteroid B612

La primera jornada de esta peculiar eucaristía del rock se inició con Asteroid B612, combo underground total con una trayectoria que se remonta a los noventa y con un predicamento tal que incluso los mismísimos The Hellacopters en sus inicios mandaban sus grabaciones al guitarrista y fundador Johnny Casino para que les diera su opinión. En la formación que vimos esa noche había además dos notables talentos patrios como Xabi de Señor No a las seis cuerdas y el reputado pluriempleado Juancho López (Kurt Baker, Paul Collins) cuya extensa trayectoria merecería un capítulo aparte.

Dados estos espectaculares mimbres, es evidente que el pop no iba a estar en sus coordenadas musicales, sino el rock enérgico en la estela de Radio Birdman o The Stooges. De estos últimos además se marcaron una revisión tremenda del “Down On The Street”, aparte del “Is It My Body?” de Alice Cooper, pero sus propias composiciones merecían también mucho la pena, caso de “Gasoline”. De lo mejorcito para entrar en calor.

Eddie and the Hot Rods

Pese a que sea cuestionable que Eddie and the Hot Rods sigan en activo tras la repentina muerte del carismático vocalista Barrie Masters en 2019, lo cierto es que hoy en día son una banda apabullante en directo y por eso mismo deberían tener todo el derecho del mundo a continuar el legado de una banda histórica del protopunk. No en vano su último single se llama “Guardians of the Legacy” y está previsto que se edite un álbum del mismo nombre en el aniversario de la muerte de Masters en octubre.

En cuanto a su repertorio, sonó, por supuesto, el último tema mencionado, pero también himnos del calibre de  “Telephone Girl” o ese incontestable “Teenage Depression” que se incluyó en la recordada BSO de ‘Rock ‘n’ Roll High School’ entre la omnipresente música de Ramones. Y no faltó el clásico versionado hasta la saciedad “Do Anything You Wanna Do”, que el vocalista definió como “la canción más importante que vais a escuchar”.

La recta final fue épica con el “Gloria” de Van Morrison en plan sucio con guitarras chirriantes y con el cantante metido en medio de la peña creando un fiestón descomunal. No desaprovecharon el subidón y enlazaron con “Born to Be Wild” de Steppenwolf, elevando todavía más los ánimos de la concurrencia y legando una actuación para recordar en la que se fundieron la líneas divisorias entre artistas y público. Lo bonito.

Diamond Dogs

A los cabezas del primer día Diamond Dogs les hemos visto ya en infinidad de ocasiones y nunca suelen defraudar estos émulos suecos de The Faces. Sulo sigue conservando sus dotes de frontman a lo Rod Stewart y se mueve en el Kafe Antzokia casi como si fuera su casa, por algo ha declarado varias veces que es uno de sus sitios favoritos para tocar.

Empezaron dando cancha a su descomunal álbum doble ‘Slap Bang Blue Rendezvous’ con “Alright Brutus I’m On” y no tardaron en recalcar sus señas de identidad con el animado rock n’ roll de “Valentina (Queen of Broken Hearts)” o la rotundidad de “Every Little Crack”. Calificarles de clásicos quizás sea hasta quedarse corto.

Diamond Dogs

No obstante, igual se les fue la mano al alargar algunas piezas, pues restó pegada a una actuación bastante correcta, pero fue un gustazo escuchar trallazos de los que vuelan la peluca como “Bound to Ravage” o “Bite Off”, aparte de esa inesperada revisión del “Rosalie” de Thin Lizzy. Que se pudieron esmerar más, vale, aunque eso no quita para que oficien a un nivel más que aceptable.

Ritual vudú

Debido a la cancelación de su vuelo, se suspendió la actuación de los suecos The Maharajas, por lo que la segunda jornada se inició directamente con los nipones The Neatbeats, que para los que nunca hayan coincidido con ellos, mencionar que su estética es todo un puntazo con trajes impolutos a la manera de los Beatles, botines y pelo engominado. Su rollo evoca de inmediato la película ‘Backbeat’ en la que se relataban los primeros años de los Fab Four en Hamburgo.

The Neatbeats

Podrán gustar o no, pero lo que no se puede negar es que han logrado un sonido beat muy característico, que casi es como si te metieras en una máquina del tiempo y aterrizaras a mediados de los sesenta. Clavan cada detalle, los punteos en la escuela de Chuck Berry, las líneas vocales deudoras del primerizo John Lennon o George Harrison y temazos contagiosos como “Hamburg Twist” en los que se te mueven los pies aunque no quieras.

Sorprendieron recuperando el “Black is Black” de Los Bravos, que para su estilo les sentaba como anillo al dedo y lo cierto es que no hubo momento de respiro entre sus piezas adrenalínicas que interpretaban como si fuera punk y sus vistosas coreografías en las que se acercaban o alejaban del público. Para añadir espectáculo, no dudaron en invitar a una espectadora a tocar la guitarra con ellos. Muy recomendables. Una postal de tiempos pretéritos.

Jim Jones All Stars

Contar con Jim Jones All Stars era una garantía de cierre de fiesta por todo lo alto. El predicador del rock n’ roll, acompañado de una formación en la que había hasta dos miembros de su anterior proyecto The Jim Jones Revue, conquistó a la parroquia desde que se arrancó con un salmo tan potente como “Human Fly” de The Cramps. Desde entonces, no paró de buscar el contacto humano con las primeras filas, se restregó contra el pie de micro como si fuera la estrella más sexy del universo y facturó un ritual vudú al que resultaba imposible resistirse.

Su voz profunda emulaba a Tom Waits o Nick Cave en “Burning Your House Down”, que sonó rotunda y rugosa cual estropajo, y volvió a sorprender con una revisión del gusto de los asistentes como el celebérrimo “Run, Run, Run” de The Velvet Underground, que se tornó en una pieza fantasmagórica. Y todo esto entre peticiones de palmas, poses de estrellita y la actitud apabullante de estar dando el concierto de su vida. Nunca se podrá discutir la entrega de este tipo, por algo se ha pasado incontables veces por el País Vasco.

En “It’s Your Voodoo Working”, original de Charles Sheffield, reforzó el poder ceremonial y provocó el bailoteo generalizado en el recinto, su hechizo había surtido efecto. Y para finiquitar la sesión de hipnosis colectiva no quedaba otra que recurrir a “Rock ‘n’ Psychosis”, uno de sus himnos fundamentales que gustó tanto que se repitió. Al final se acercó a las escaleras y dio la bendición y la mano a la peña por su entrega.

Todavía se desgañitó más en los bises, donde se colaron “512” y otra versión, “Slippin’ and Slidin’” de Little Richard, al que añadió su espectacular impronta, por supuesto. Sin ser un forofo de este hombre, hay que reconocer que todas las veces que le he visto ha dado bolazos con clase y adrenalina por doquier. No es de extrañar que su religión tenga tantos devotos.

Pues así acabó un Blow Up Fest que cree a pies puntillas en el evangelio del rock, difunde su palabra, no con apelaciones al Altísimo, sino con hechos tan concretos e inapelables como las bandas que estuvieron durante las dos jornadas en el Antzoki. Que vuelva esta imprescindible llamada al culto el próximo año. Oremos.

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Bonecarver presenta ‘Carnage Funeral’

Los death metaleros Bonecarver presentan el tema titular de su nuevo álbum ‘Carnage Funeral’.

Los death metaleros Bonecarver presentan el tema titular de su nuevo álbum ‘Carnage Funeral’del que comentan: «El tema que da título a nuestro nuevo álbum ‘Carnage Funeral’ mira dentro de la mente de alguien que piensa que la raza humana es una infección que debe ser exterminada. El mundo se está acercando al punto de no retorno, y la única manera de arreglarlo es acabar con la raza humana. Es una forma extrema de ver el problema que vivimos, inspirándose en películas, libros y música».

Formados a partir de las cenizas de Cannibal Grandpa, Bonecarver han estado combinando historias sobre infames asesinos en serie con su propia visión del brutal death metal. Con ‘Carnage Funeral’ crean un monstruo aplasta cráneos con nueve temas rompehuesos.