Author: Alfredo Villaescusa

¿Cómo surge la idea de hacer algo acústico? ¿Hubo dudas o lo tuviste claro desde el inicio?

“Lo tuve claro desde el principio. De hecho, antes de hacer el disco de Sarah Evil ‘Memories’ estaba componiendo temas propios y daba algún bolo en acústico con Javier Calvo (gran bajista de Salamanca que estuvo en bandas como Kuasar, Sarah Evil, Still Evil y muchas más) y Javi Metal (guitarrista de Kritter). Los tres nos juntamos un día, ya sabes, tomando unas cervezas (risas).

Después, lo hicimos en eléctrico a la batería con Jorge Azofra, creo que tiene 1.000 bandas en las que toca la batería, y se unió a nosotros otro muy buen guitarrista, Szymon Konieczny, que grabó el disco de Sarah Evil también junto a nosotros. Dimos bolos Szymon y yo de vez en cuando en acústico, pero las vidas de cada uno cambiaron y dejamos todos el proyecto. Abrazos a todos. Saben que les quiero un montón.

Y hace unos tres años le dije a Jorge de retomar ese acústico para que no se perdieran esas canciones propias, aunque he compuesto temas nuevos, que encontrareis en el EP ‘Wasted Love’. Pedazo de temas, oye, estamos muy satisfechos con este trabajo”.

Ambos en este proyecto contáis con una trayectoria anterior. Tú formas parte de Zas y militaste en otras bandas como 1945, y Jorge es miembro de Doctor Pólvora. ¿Os ha ayudado esa experiencia previa a la hora de dar forma a estas composiciones?

“En mi caso te diría que todo de una manera o de otra ha influido, musicalmente hablando, aprendes más notas con la guitarra… Mira, yo no sé tocar la guitarra, pero te fijas en cómo tocan los demás, y algo se aprende. Pero las composiciones que yo hago me vienen solas de repente, dependiendo del sentimiento que tenga en ese momento, ahí sale todo.

Y en el caso de Jorge, diría que sí, que su manera de tocar me ha sorprendido mucho, ya que él está acostumbrado a hacer su estilo, mas “rosendero” (risas). Sus guitarras en este EP ‘Wasted Love’ son asombrosas, le ha encontrado el sentimiento perfecto a cada tema. Estoy muy contenta con él. Tenemos nuestras discusiones de vez en cuando, pero Jorge sabe de historia de la música mucho, a veces lo odio (risas), pero se le quiere, hombre (risas).

Y en ZaS la mayoría de composiciones son mías, ahora estamos componiendo todos juntos, que eso está muy bien, ya que el batería (Periko) y el guitarra (Maho) tienen 17 años, y son brutales , el bajista Carlos es una máquina también. Con ZaS los temas son mas bestias, más de cabreo con el mundo, religiones, etc… Son cosas diferentes, pero mismo alma, colega”.

¿Qué referentes tuvisteis en mente en un principio? A mí algunas cosas me suenan a Dogs D’Amour o Tesla. ¿Te gustan estos grupos u os movéis en una onda diferente?

“La verdad que no tuve ningún referente a la hora de componer, ya te digo que me sale de dentro lo que me salga, sin pensar que suena a algo que pude haber escuchado cuando era pequeña o algo que pueda estar en algún disco…

No puedo decir que tenga referentes para mis composiciones. Tengo tantísimas bandas dentro de mi cabeza que no te sabría decir, siempre fui mucho de W.A.S.P. , Dio, Judas Priest, Death, Megadeth, Bad Religion… Es que si te digo todas no entran aquí (risas). Mira, me gusta la buena música, con eso vale. Y son muchos géneros, pero siempre dentro de los principios del rock. Incluso música tribal milenaria, por supuesto”.

Diría del mismo modo que existe cierta alma ochentera en varios de los temas. ¿Estás de acuerdo?

“Sí. Siempre será la mejor época de la música, los ochenta y principios de los noventa, los setenta también me influyeron, aunque nos los viví (risas). De ahí  tengo mucha influencia musical.

Hoy en día, el sonido ha cambiado, la gente abusa de efectos, incluso hacen una música tan limpia y perfecta que parece que no tiene alma muchas veces. No me gusta el sonido de hoy en día. Pienso que en el mundo del rock y metal ya se hizo todo, no me quiero liar hablando de esto, porque es muy largo y extenso este tema, sinceramente…”.

¿Hay planes de sacar un larga duración en el futuro? ¿Será completamente en acústico?

“Sí, claro. Tenemos temas para sacar un discazo. También tengo otro tema nuevo que saqué hace unos días, no sé, me gusta componer, tío, me siento bien sacando de dentro esa música que se me lía en la cabeza y quiere decir algo. Me gusta hacer canciones tanto en acústico como con ZaS. En el acústico saco la pena y con ZaS la mala leche. Mola”.

¿Tenemos actuaciones confirmadas a la vista?

“No te puedo decir fechas aún, pero tenemos que dar un concierto muy pronto aquí en Salamanca, y movernos por España en cuanto podamos, ya que Jorge y Mario (nuestro percusionista) tienen trabajos en orquestas. Creo que soy de las pocas personas músicas que no canto en orquesta (risas).

Mira, me ofrecieron varias veces cantar en orquestas, pero yo no valgo para eso, te puedo cantar temazos de Tina Turner, Queen, Bonnie Tyler, etc. porque mi madre me los ponía cuando era pequeña, y son influencias buenas también, pero yo no puedo cantar en una orquesta… No sé si me entiendes, no me hagas cantar Rocío Jurado o pasodobles, que puedo empezar a reventar todo el escenario (risas). Yo a lo mío, que mi rollo es el rock”.

Os pegaría bastante tocar en un bosque o en algún otro sitio al aire libre. ¿Habéis tenido alguna experiencia en ese sentido?

“No, pero ahora que lo dices sí molaría. Si te enteras de algún festival que sea así, házmelo saber, que me pongo en contacto”.

En este país no parece que se estile demasiado vuestro género acústico con poso rockero. ¿La fiebre pasada de los unplugged hizo mucho daño?

“No, hombre. De hecho, a mí me caían bien los Nirvana (risas). Yo diría que nuestro estilo es una mezcla de todo. Quise reflejar la tristeza del amor o la alegría en algún que otro tema con el formato acústico. Desde luego que el acústico está gustando a mucha gente, también joven, ¿eh? Que en el último bolo que dimos había de todas las edades, y nos dijeron todos que les había gustado. Pero, ya sabes, en el mundo de la música hace falta un padrino…”.

Sarah, regentas una panadería de larga tradición en Salamanca. ¿Hacer las cosas con amor ayuda tanto en la repostería como en la música?

“Sí, tío (risas). Siempre hay que dar todo en lo que se haga. ¡Siempre! Además, Don Hornazo lo empezaron mis abuelos, y eran como mis padres para mí, tuve la suerte de estar a su lado toda la vida hasta que se fueron Wences y Ramona Siempre en mi corazón. Aprendí muchísimo de ellos, y de mi otra abuela, Jesusa. Eran diferente de la gente de ahora, más duros, más nobles, eran felices trabajando, haciendo siempre cosas…

Y de mis padres he aprendido muchísimo también. Los quiero mucho. Diría que han sido como hermanos mayores para mí. Ojalá que me duren muchos años. También mi hijo de 21 años me enseña cada día cosas. Tengo una familia guay, en mi casa tengo 2 gatos y 2 perros, son mi familia, tío. Los animales enseñan también mucho. Ojalá los humanos se parecieran más a los animales”.

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Hoy, 31 de mayo, a partir a las 18:00 horas, en la inauguración de la Feria del Libro de Madrid, Mariano Muniesa firmará ejemplares del libro que acaba de publicar con la colaboración de Mariskal Romero, ‘Esto no estaba en mi libro de los Rolling Stones’, en la caseta nº276 de Almuzara Ediciones.

El libro es un amplio y heterogéneo recorrido por diferentes aspectos de la trayectoria del grupo, desde la historia no conocida de muchas de sus canciones, su relación con el mundo del cine y del audiovisual, los falsos mitos sobre su carrera y otras muchas historias contadas de manera muy diferente a como se habían contado hasta la fecha, huyendo de clichés y tópicos manidos. Especialmente relevante es la aportación de Mariskal Romero, que narra sus experiencias siguiéndolos por todo el mundo y las entrevistas en exclusiva que les hizo en 1995.

Este es el séptimo libro publicado de Mariano Muniesa sobre los Rolling Stones desde 1995, lo que le convierte en el autor con más libros publicados sobre la banda de Jagger y Richards en castellano en todo el mundo. De cara a los próximos meses, iremos anunciando las diferentes presentaciones previstas en diversas ciudades de este libro por parte de Mariskal y Muniesa.

Igualmente, otro gran comunicador radiofónico también está este año presente en la Feria del Libro de Madrid: El Pirata, estrella de las mañanas de RockFM con su show “El Pirata y su banda”, estará el martes 4 de junio de 19:00 a 21:00 horas en la caseta nº243 de Ediciones Oberón firmando ejemplares de su último libro ‘Más de medio siglo de radio y rock’, según sus propias palabras, el más complejo de los que ha publicado hasta ahora.

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Por si alguien tenía duda sobre él, las disipó rápidamente con su puesta en escena, actuando con pulcritud y profesionalidad al lado de sus compañeros de viaje en un recinto lleno hasta la bandera, que se quedó pequeño con tres mil quinientas personas que querían ver in situ al mejor frontman del planeta.

Los integrantes de su banda consisten en Philip Näslund y Chris Declerq a las guitarras, Tanya O’Callaghan al bajo, Dave Moreno a la batería y Mistheria a los teclados. Todos juntos formaban un bloque muy compacto y con buena química entre ellos.

Pero nadie dijo que fuera a ser fácil. Y si alguien lo pensó, que repase la trayectoria estelar del cantante y se dará cuenta que la experiencia es un grado que juega a su favor para seguir al pié del cañón y no dormir en sus laureles.

Y así empezó su actuación, un auténtico show para su fervientes y fanáticos seguidores, entre los que había mucha gente de edad madura para arroparlo fielmente cómo hijo pródigo.

Comenzó con el tema “Accident Of Birth“, canción homónima de su cuarto disco, de 1997, aleccionando desde el primer segundo al público con su “are you ready!?“ Como si estuviera bien planeado escogieron la canción con un gran estribillo: “Welcome home”, para darnos la bienvenida en este regreso. Tras este inicio arrollador, y sin apenas tomar aliento, continuaron con “Abduction”, del álbum ‘Tyranny Of Souls’ (2005) que rápidamente conectó con la gente, que brazos en alto y al unísono llevan en volandas la canción hasta el final.

Continuaba el show con la canción titulada “Laughing In The Hiding Bush”, del segundo disco de Dickinson en solitario, ‘Balls To Picasso’ (1995). Más marcha para este inicio fulgurante, con temas que llegaban uno detrás de otro demostrando lo bien encajado que está el combo, con una base rítmica magnífica. La bajista aporta gran solidez encima de la tarima mientras Bruce sigue a lo suyo, sin parar de moverse y bailando ambos lados del escenario como en sus viejos tiempos.

Con voz ronca, saluda y anuncia que puede ser el fin del mundo, y suena de inmediato su primer single del disco nuevo, “Afterglow Of Ragnarok”, una canción diferente al estilo suyo que conocemos, pero bien tocada y acompañada por una pantalla tras el escenario que, desde el principio, mostraba imágenes pertinentes de los temas. El sonido era claro y potente, y la pirotecnia era eficaz y sin estridencias. Lo bueno es simple, sencillo y, obviamente, funciona.

En este momento es cuando se dirige al público y nos pregunta cómo estamos y declara que continúe la fiesta y nos presenta un tema que es imposible que falte en su amplio repertorio, “Chemical Wedding”, del disco al que dio nombre en 1998, y que mágicamente la cantó y todo el grupo la ejecutó a la perfección. Claramente, el público la recibió exultante y animó sin parar.

Acto seguido, llegaba el segundo tema de su nuevo disco, “Many Doors To Hell”, y más de lo mismo, canción pegadiza con gran ritmo, muy melódica. Le siguió “Jerusalem”, de su álbum ‘Chemical Wedding’, para calmar un poco la tensión y recuperar la respiración, aunque momentáneamente, porque otras dos nuevas trallas más de su último trabajo esperaban: “Resurrection Men”, que nos devuelve al ritmo frenético y eléctrico del concierto, y todo volvía a su cauce con “Rain On The Graves” y sus reminiscencias al “Fear Of The Dark”.

Llegaba el momento cuando se toma un respiro Bruce vocalmente y la banda toca una versión habitual en él en su actual gira, versionando temas de otros artistas, con un tema instrumental con sonido psicodélico, “Frankenstein”, y al mismo tiempo comprobamos el virtuosismo que el resto del grupo tiene con sus instrumentos. Aún así, Bruce no para, porque no puede estar quieto, y nos ofrece su talento tocando unos pequeños tambores incorporándose a la izquierda de la tarima del batería y bailando a ambos lados.

Ya se sabe lo que sigue después de la supuesta calma, y Bruce nos deleita con un discurso de la vida de tiempos remotos de un alquimista y enlaza con la siguiente canción, “The Alchemist”, y se produce otra vez la química del artista con la multitud y comienza la tormenta con mucha fuerza, energía y potencia entre solos de guitarras contundentes y con final apoteósico con el estribillo de “Chemical Wedding” , alucinante.

Se apaciguaron las aguas de nuevo con la famosa potente balada “Tears Of The Dragon”. Una canción muy emotiva y con mucho sentimiento. Fue el punto álgido de la noche, y se te queda grabado por mucho tiempo en la mente por su melodía y lírica y por lo bien que suena en vivo con la pasión que Bruce Dickinson transmite.

Lo bueno y mágico iba llegando a su final, y lo termina con “Darkside of Aquarius”. Lo que empezó con “Accident Of Birth” terminaba con otra canción del mismo álbum. Una canción aplastante y contundente, un gran colofón para culminar a lo grande, como es Bruce, no en estatura, sino como el más grande del género de todos los tiempos. La gente seguía botando con el grupo y Bruce volvía a aleccionar una vez más dirigiendo el improvisado y multitudinario coro.

Simplemente increíble, eléctrico e inolvidable. Se despidieron momentáneamente para anunciar que volverían enseguida para el bis mientras en toda la sala seguía la gente coreando. Empezaron el encore con “Navigate the Seas of the Sun”, grande y súper emocionante momento con esta canción lenta y melódica. Luego retornaron con contundencia y “Book of Thel”, que sonó arrollador, siendo un tema descomunal y quedando como la más agresiva del bolo. Bruce seguía dirigiendo el cotarro hasta el final con la famosa “The Tower”, invitándonos a acabar la fiesta como se merecía, por todo lo alto.

Todo un showman en toda su descripción, aleccionando a la gente y llevando a buen puerto el concierto. Nos presentó a los integrantes de la banda y saludando a todos los presentes de todas las zonas del recinto se despidieron cordialmente, no sin antes emplazarnos pronto para el próximo concierto, que debería ser en un sala de más capacidad, y pidiendo que le ayudemos en ello.

Es el más grande y está simplemente a un paso de la gloria y de salir por la puerta grande. Bruce Dickinson es un maestro de ceremonias magistral, lleva el compás del show como nadie. La experiencia pesa mucho y lo demuestra con toda naturalidad y eficacia. Es toda una leyenda viva y lo será eternamente, hasta que el cuerpo aguante, y como prueba principal estuvo la energía que derrochó sin parar un monstruo polifacético para conseguir su propósito de entretener por casi dos horas a todos sus fieles devotos que le profesan pleitesía.

Larga vida al coloso de Bruce, y que continúe así, dejando claro que tiene aún cuerda para rato y con su voz como herramienta, en la que conserva toda su fuerza, garra y esplendor para todos sus fans de todos los rincones del mundo.

Presenciar un concierto suyo es todo un lujo actualmente, y es reconfortante ver al mejor maestro de ceremonia en acción. Para mí, personalmente, fue un viaje en el tiempo desde mi adolescencia hasta el día de hoy.

Setlist de Bruce Dickinson en Londres:

Accident Of Birth
Abduction
Laughing In The Hiding Bush
Afterglow Of Ragnarok
Chemical Wedding
Many Doors To Hell
Jerusalem
Resurrection Men
Rain On The Graves
Frankenstein (versión de Edgar Winter Group)
The Alchemist
Tears Of The Dragon
Darkside Of Aquarius
Encore:
Navigate The Seas Of The Sun
Book Of Thel
The Tower

Bruce Dickinson será este año 2024 uno de los protagonistas de la temporada de festivales con su participación en Resurrection Fest, el gran festival de Viveiro, en el que compartirá cartel con Avenged Sevenfold, Bring Me The Horizon, Alice Cooper y The Offspring, que se celebrará del 26 al 29 de junio. Las entradas están a la venta en la web oficial.

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Tal parece el caso de los alicantinos Los Zurdos, que defienden sin ambages el rock ‘n’ roll “sin conservantes ni colorantes”, el de toda la vida, vamos. Por lo tanto, no sorprende que entre sus referentes estén bandas fundamentales en nuestro rollo como Tequila o Burning, o incluso Los Zigarros, si nos queremos poner más contemporáneos. Eso sí, han dado una vuelta de tuerca al clásico lema de sexo, drogas y rock ‘n’ roll para incluir adicciones modernas como la producida por el deporte o por esa irrefrenable necesidad de estar localizable las veinticuatro horas del día.

De esta forma, en “Amor, odio y mentiras” establecen las coordenadas con un marcado sabor a Tequila y una descarada letra que cuenta “la historia de nuestras vidas”. “Del deporte también se sale” recupera esa inolvidable máxima que también popularizó Bosco El Tosco, filósofo y agitador cultural bilbaíno contra una de las principales obsesiones de nuestro tiempo. La homónima “Días de rock n’ roll” pone todavía más los puntos sobre las íes, si es que sus ideas y actitud no habían quedado suficientemente claras.

“El predicador” apela de nuevo a la ortodoxia rockera y alerta contra esos vendedores de humo que tanto proliferan en la actualidad. “Estamos trabajando en ello” adopta esa coletilla habitual de funcionarios y otros zánganos reconocidos por el sistema a ritmo de rock ‘n’ roll básico con algún que otro deje sureño. Aquí no hay vuelta de hoja. Lo tomas o lo dejas.

La “Juliette” de la que hablan estos alicantinos no es la de Platero y Tú, pero mola igualmente por ese aire a lo The Faces o Diamond Dogs, mientras que “Mala mujer” sigue destilando esa chulería inherente a varias de las piezas de este redondo. “Mejor solo” aborda el cambio de chaqueta que a veces conllevan los años y cómo algunas cosas nunca deberían perderse, un ejemplo claro lo encontramos en ese “(I Can’t Get No) Satisfaction” de The Rolling Stones que incluyen al final.

En “Noches de exceso” no hay trampa ni cartón, podría escucharse después de “Necesito un trago” de la mítica banda de Ariel Rot y Alejo Stivel. Y “Qué pena” exhibe de la misma manera tanto cierta dosis de canalleo como de nostalgia por todo lo bueno que se acaba. Esa sensación de añoranza nos persigue de nuevo en “Tarde”, aproximándose en esta ocasión al sonido de los M Clan clásicos.

Y “Whats’ app” cierra este muy respetable álbum sin abandonar los principios sonoros que se llevan postulando desde el comienzo. Si desde luego buscas un grupo con una propuesta vanguardista e insólitos cambios de tercio, este no es tu lugar. Por el contrario, si lo que te va es simplemente pasarlo bien sin demasiadas pretensiones y sin ese Gran Hermano permanente que vigila cada uno de nuestros movimientos, pégales una escucha. La magia de los sabores de siempre.

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La impresionante habilidad de alcanzar a tocar 129 notas por segundo, como acreditó Rolling Stone, llevó al virtuoso Davide Lo Surdo a hacerse con el récord de velocidad en la ejecución musical sobre las cuerdas de una guitarra. Este músico italiano vuelve a ser noticia ahora al exhibir en un importante museo nacional de la música, concretamente el de La Habana, una de sus afiladas guitarras.

La gira de conciertos que Lo Surdo ofreció en Cuba ha terminado llevando una de las guitarras que utilizó sobre estos escenarios a quedar expuesta permanentemente en el Museo Nacional de la Música de la capital cubana, lo que se hizo oficial en el acto que se celebró el pasado 15 de mayo en el Museo Nacional, donde el instrumento fue entregado a la Directora del Museo Sonia Pérez Cassola para ser exhibido de inmediato en su vitrina.

Antes de dejar descansar esta guitarra en el lugar donde se podrá contemplar durante largo tiempo, Davide realizó un mini evento interpretando algunas canciones con las que dio buena cuenta del motivo por el que este instrumente merece ser expuesto en un museo. Esta guitarra fue una de las que Lo Surdo utilizó en conciertos como el del 12 de mayo en el Teatro Nacional donde actuó con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba.

Cabe destacar que esta es la segunda guitarra que Davide tiene expuesta en un museo, ya que el pasado año fue su emblemático modelo DLS1 el que pasó a formar parte de la destacada colección del museo de instrumentos históricos “Sigal”. Con un brillante color rojo y acompañada por la foto del guitarrista que saca brillo a su mástil, el modelo signature de Davide Lo Surdo, construido en China en 2021 bajo sus detalladas especificaciones, se encuentra expuesto en el Sigal Music Museum de Greenville, Carolina del Sur, junto a instrumentos de nombres tan importantes en la historia de la música como Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven o Fryderyk Chopin.

La conservación y celebración de los instrumentos musicales históricos que pertenecieron a los grandes maestros de la historia de la música es la misión de este museo que fue votado como tercer mejor museo nuevo de Estados Unidos en 2020, que realiza exposiciones temáticas y otros eventos dedicados para mantener vivo el interés en estas destacadas piezas.

Hay que recordar que, con tan solo 24 años, Lo Surdo ya se ha hecho un hueco en la historia de la música, como quedó también plasmado en el libro “Rock Memories Vol. II”, en el que el virtuoso guitarrista comparte sus páginas con nombres como los de The Beatles, Pink Floyd, Jimi Hendrix o John Lennon.

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Para algunos probablemente sea el mejor trabajo en vivo publicado por algún grupo patrio, otros quizás lo conserven de una manera más modesta en la memoria. Lo cierto es que algo hubo de especial en esos dos conciertos consecutivos que Barón Rojo dio en el Pabellón del Real Madrid, pues se trató de una de las primeras producciones de este tipo en nuestro país. Y como en todas las leyendas, también existió una especie de maldición que relataremos más adelante.

Empecemos diciendo que ‘Barón al rojo vivo’ pudo haber sido registrado en el mítico Budokan de Japón, lugar sagrado para amantes del rock donde leyendas como MSG o Cheap Trick, entre muchos otros, habían grabado directos. Tal y como comentaba el batería Hermes Calabria en una entrevista de 2013, finalmente la discográfica se acobardó y se optó por un emplazamiento más céntrico y reconocible para la mayoría de aficionados de a pie.

Así recordaba Calabria aquella decisión: “Desde luego que el concierto del Pabellón fue increíble y espectacular, pero no fue lo mismo que hacerlo en el Budokan. Era el momento para hacerlo, hoy día el Budokan no significa lo mismo, pero entonces todas las bandas emblemáticas acudían a grabar allí y el público era especial. Otra oportunidad perdida que hubiera ayudado mucho a la repercusión del grupo en el panorama internacional. En fin, cosas que al final no salen adelante”.

En cuanto al repertorio de ‘Barón al rojo vivo’, el último disco de estudio había sido ‘Metalmorfosis’, que conformaba una espectacular trilogía con el recordado ‘Volumen brutal’ y ‘Larga vida al rock and roll’, el ABC del heavy rock patrio, pero en la grabación registrada por Chris Tsangarides para Chapa Discos había también cinco novedades.

En concreto, la instrumental “Buenos Aires” y luego cuatro canciones, cada una de ellas compuesta por un miembro del grupo. De esta forma, José Luis Campuzano “Sherpa” dejaba el pabellón muy alto y se marcaba una brillante “Campo de concentración” que incitaba a romper cadenas y lo que haga falta ante las injusticias, Carlos de Castro se decantaba por un “Mensajeros de la destrucción” cuyos destinatarios eran los políticos que rigen nuestros destinos. El heavy metal era obrero y contestatario en un inicio, que a nadie se le olvide.

El guitarrista Armando de Castro, por su parte, se atrevía con “Atacó el hombre blanco”, una composición más bien oscura que parecía ir a contracorriente de todas las demás. Y el batería Hermes Calabria, nos legó “El mundo puede ser diferente”, probablemente el único tema del grupo en el que Calabria figura como autor principal.

Además de esta muestra de talento de cada uno de los componentes, teníamos un guiño al clásico “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin en “Muchísimo amor” o una versión de la composición “Czardas” de Vittorio Monti, procedente de la música gitana húngara y que otros artistas como Mägo de Oz también han interpretado.

Y no nos olvidemos de todos esos himnos inmortales del calibre del tema homónimo “Barón Rojo”, “Incomunicación”, “Concierto para ellos”, “Los rockeros van al infierno” y las siempre apabullantes “Resistiré” y “Con las botas sucias”, estribillos que todavía resuenan a pulmón cuando uno las escucha en casa.

Mencionar que todo el material registrado durante las dos jornadas en el Pabellón del Real Madrid no acabó en ‘Barón al rojo vivo’, sino que también apareció en ‘Siempre estáis allí’, el segundo álbum en directo de la formación de los hermanos Castro. Aquellos disconformes con el listado escogido, podían refugiarse en dicho lanzamiento.

Como nota curiosa, y bastante inquietante, señalar que los conciertos de ‘Barón al rojo vivo’ se grabaron íntegramente en vídeo, pero supuestamente se destruyeron y solo se pudieron conservar algunos fragmentos, como el de la pieza homónima que luego se pudo ver en el DVD ‘El rock de nuestra transición’.

Una hazaña insólita de semejante calibre debía contar también con esa dosis necesaria de magia o misterio que nos empuje a creer en eventos fuera de lo normal. Y definitivamente conseguir facturar un directo a la altura de los de los grupos internacionales que triunfaban por aquel entonces era una proeza digna de los trabajos de Hércules.

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¿Cómo surge el título ‘Lifetime of Tears’?

“Pues porque he tenido una vida de lágrimas (ndr: ‘Lifetime of Tears) básicamente (risas). Como todo lo que escribo, este álbum es muy autobiográfico y el título condensa bien, por una parte, mis experiencias personales, y por otra, los temas que he tratado en esta ocasión”.

¿Es por tanto tu trabajo más íntimo?

“Sí, seguramente, por lo menos a nivel musical, ya que decidí alejarme de la distorsión y el ruido para centrarme en sonidos más limpios. En cuanto a las letras, siempre intento ser lo más abierta y honesta posible, pero creo que esta vez lo he llevado a otro nivel en lo que respecta al sentimiento de vulnerabilidad”.

Diría que esta obra supone un punto y aparte en tu trayectoria…

“Sí, es una nueva dirección. Tuve bastante decidido que quería explorar nuevos sonidos. Soy un ser humano maduro y esa madurez se refleja también en la música”.

Creo que la idea de ‘Lifetime of Tears’ apareció mientras estabas en un avión, ¿no?

“Eso es. Fui de un país a otro de una manera bastante dramática. Ya sabes que cuando estás en un avión, a veces es como si estuvieras fuera del mundo. Suelo componer bastante en ese momento entre el despegue y el aterrizaje. Como compositora, solo sé escribir sobre las cosas que me pasan, así que tuve un momento bastante intenso en ese vuelo, sí”.

El disco es un viaje de la oscuridad a la luz, ¿verdad?

“Sí, eso era algo muy importante para mí, recorrer ese proceso de cura y sus diferentes fases tras una ruptura. Hay temas que son muy oscuros, por eso era muy importante tanto para mí como para el oyente acabar con cierta sensación de esperanza, agarrarme a un mantra que me dijera que las cosas iban a cambiar para mejor”.

¿La música puede servir de cura en tu caso?

“Claro, creo que de eso se trata todo. No podría pasar ni un día entero sin música. Hoy, por ejemplo, me he escuchado una canción diez veces seguidas y eso me da fuerza, esperanza, un lugar para llorar, confort o sentido a la vida. Y componer música es mi gran amor, el motivo por el que estoy en la Tierra, básicamente”.

¿Se puede preguntar qué canción era la que escuchaste?

“Sí, era “Firm Foundation”, una canción cristiana. Es algo muy dramático con mucha esperanza y hoy necesitaba una buena inyección de esperanza” (risas).

La tristeza sin duda es un sentimiento importante en ‘Lifetime of Tears’. ¿Se compone mejor en ese estado?

“Sí, creo que ayuda. Yo soy una persona muy pasional, y el amor, cuando es bueno, puede llegar a ser algo tranquilo. Tienes una pasión dentro, pero forma parte de un esquema mental relajado. Cuando te rompen el corazón, por el contrario, quizás sea más similar a hundirse en un pantano. Hay una parte de mí que adora toda la pasión e ímpetu que conlleva ese sentimiento. Por eso cuando estoy feliz al cien por cien, tal vez no tenga tanta necesidad de expresarme, es algo que solo sucede cuando estoy triste”.

Existe cierta conexión entre las canciones. ¿Podríamos decir que se trata de un álbum conceptual?

“Pues sí y no. Todo lo que hago es conceptual, pero quizás en esta ocasión las canciones se encuentran más concentradas en cierta manera, tanto a nivel musical como de letras. Tuve desde el principio una visión muy clara de lo que quería conseguir”.

¿Qué hay acerca de “Northern Lights”? ¿Evoca algún lugar en concreto?

“No exactamente, la persona acerca de la que escribo la canción estaba conectada con las auroras boreales (ndr: Northern Lights) de varias maneras, por eso estas últimas ejercen de símbolo”.

¿Y “Topanga Canyon” no alude tampoco a un sitio en particular?

“Sí, en este caso representa un lugar con mucha energía y también un sueño, quizás no un sueño en el sentido literal de la palabra, sino más bien el conjunto de cosas que compartía con una persona. Cuando pierdes el amor, pierdes también tu vida, tus sueños… Tal vez sea una especie de manifiesto para tratar de convertir aquello en algo propio. Muchas de las cosas de las que escribo en realidad son un símbolo y por supuesto sé lo que significan para mí y para otra persona. Quería poner de manifiesto que aquel era mi lugar, el sitio donde percibo vibraciones de energía”.

¿Utilizarás el mismo enfoque de ‘Lifetime of Tears’ para el siguiente álbum?

“No, siempre quiero evolucionar como artista, creo que eso es lo más importante que puedes hacer, del mismo modo en que evolucionas en la vida gracias a experiencias. No quiero hacer el mismo disco una y otra vez, prefiero explorar y hacer cosas nuevas. Lo fundamental es ser honesto con uno mismo, yo por ejemplo no podría escribir sobre lo que no conozco, porque me interesa conectar con el oyente, y eso solo puedo hacerlo mostrando mi lado más vulnerable”.

Vincularía tu música con la de artistas como Kate Bush o PJ Harvey. ¿Son grandes influencias?

“Escuché mucho a PJ Harvey cuando era joven, podríamos decir que la admiro bastante, sí. Para este álbum escuché bastante Fleetwood Mac, Crosby, Still, Nash & Young y cosas de ese tipo”.

¿Qué te parece que te consideren “la reina del death góspel”?

“Es una expresión hermosa, porque le proporciona a la palabra “death” otro significado diferente, muy distinto al de death metal (risas). Representa bastante bien lo que hago, porque he pasado por esa oscuridad, pero en cada canción que compongo siempre intento aportar la luz de alguna u otra manera. Puedes sentir ganas de llorar, pero también insuflar esperanza en lo que haces. Eso cobra pleno sentido con el término death góspel, así que es algo para mí muy bonito”.

Tenemos también un carácter místico en muchas de tus composiciones. ¿Eres una persona espiritual?

“Sí, lo soy. Suelo mirar bastante hacia mí misma y los que me rodean. Creo que merece la pena ser abierto, incluso aunque a veces te lleves un golpe en la cara, en sentido metafórico. Ahí es donde se encuentra la belleza de la vida, así que sí, soy espiritual y abierta”.

¿Cómo definirías tu música para aquellos que nunca te hayan escuchado?

“Bueno, en relación a ‘Lifetime of Tears’ diría que es un álbum de rock con influencias de ese género, pero también suelo decir que es música para llorar (risas). Tal vez no sea lo más adecuado para poner en una fiesta, sino lo que te pones más bien un domingo”.

¿Hay fechas de directo a la vista?

“En estos momentos no tengo ningún plan en ese sentido”.

Pero has tocado anteriormente en nuestro país, ¿verdad?

“Sí, fue maravilloso. España es mi segunda casa. Durante siete años estuve prácticamente viviendo allí”.

Has compartido escenario con los islandeses Sólstafir. ¿Cómo fue esa experiencia?

“Fue genial, son increíbles. Aprendí un montón de cosas y fue maravilloso compartir los escenarios europeos con ellos. Me encontré con gente que me escuchaba por primera vez, pero creo que entendieron mi propuesta y lo sintieron de corazón”.

¿Te consideras una artista vanguardista o revolucionaria?

“No exactamente, pero tienes que tener algo revolucionario en tu corazón o alma que te incite a hacer algo. Soy una revolucionaria de corazón, sí”.

Apareció una canción tuya en la película ‘Girl’. ¿Te interesa el mundo de las bandas sonoras?

“Sí, claro. Es alucinante encontrarme con mi música en series o películas. Me encanta hacer vídeos musicales, por lo que ver mis canciones en la obra de otra persona me resulta increíble. Es un sentimiento auténtico comprobar cómo mi arte inspira otro arte. Siempre han dicho que muchas de mis canciones poseen un aire cinematográfico, y es verdad, creo que encajan bastante bien en ese medio. La verdad es que nunca he pensando en hacer una banda sonora, pero estoy muy interesada en explorar sonidos, eso sí, por eso produje el último disco. Estaría abierta a esa posibilidad, seguro”.

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La reciente ceremonia de los premios Grammy, en la que Metallica se hicieron con el galardón destinado al metal en esta ocasión, con Paramore recibiendo el premio al “Mejor Álbum Rock” del año y Boygenious los de “Mejor Canción” y “Mejor Interpretación Rock”, también ha sido tema de conversación para la familia Osbourne, con Ozzy al frente del trío formado por su mujer, Sharon Osbourne, y su hija Kelly, rendidos ante la popular Miley Cyrus.

La artista que saltó a la fama con papel infantil de Hanna Montana antes de dejar pasmado al mundo con su atrevido salto hacia un público más maduro se hizo en esta gala con sus dos primeros premios Grammy, a la “Mejor Interpretación Vocal Pop” y nada menos que al “Disco del año”, imponiéndose a Taylor Swift, Olivia Rodrigo o Billie Eillish entre otros populares nombres. Pero sería la actuación que realizó Cyrus y sus discursos lo que especialmente valoraron los Osbourne en su podcast.

Ozzy es el que empieza elogiando a Cyrus: “Hablando de Miley, estaba… me pareció que anoche tenía buen aspecto en los Grammy”. Y Kelly sube el listón: “Su cuerpo parecía… Estaba muy sexy”.

Para Sharon, Miley fue lo mejor de la gala: “Dejadme deciros algo. Hizo la mejor actuación en directo de la noche. Es muy atrevida. Es sexy. Lo tiene todo, y creo que para mí se lo llevó toda la atención”. Ante lo que Ozzy asiente: “Lo vi. Lo hizo bien”.

La esposa y mánager de Ozzy no pasa por alto el peculiar discurso en el que Miley agradeció uno de los premios a todo el mundo, destacando que solo se había olvidado de la ropa interior: “Estuvo fenomenal. Estuvo descarada. Estuvo realmente bien. Al final, cuando su canción “Flowers” ganó el premio a la canción del año, dijo que esperaba que no se le olvidara dar las gracias a nadie. Dijo: “Pero una cosa que olvidé fue mi ropa interior” (risas). Estuvo estupenda”.

En ese momento Ozzy se interesa por la parte más musical, preguntando si ella misma había compuesto la canción, a lo que su mujer le contesta afirmativamente, lo que lleva a un nuevo elogio del Madman: “Es genial. Eso está realmente bien. Bien hecho”.

Hay que recordar que esta no es la primera vez que destacados nombres del rock se rinden ante Miley Cyrus, con Justin Hawkins de The Darkness o Lars Ulrich, batería de Metallica, reconociendo estar impresionados con ella.

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El trío barcelonés Mujeres conserva por completo el encanto suburbial de unos tipos que seguramente comenzaron ensayando en un garaje por echar unas risas y al final acabaron tomándoselo en serio y convirtiéndolo en una forma de vida. Un grupo que por la extrema complicidad que muestran sobre las tablas se nota que están acostumbrados a hacer piña y a apoyarse los unos a los otros en tiempos de zozobra, en “Las victorias y derrotas” que cantan en su último disco ‘Desde flores y entrañas’.

Pensábamos que se repetiría la tónica de entradas agotadas de los últimos bolos en los que hemos estado, pero a pesar de que se congregó una considerable multitud en el bilbaíno Kafe Antzokia, no se llegó a llenar del todo. Eso sí, los ánimos anduvieron por las nubes. Y la explicación de que el recinto no estuviera a reventar vino de mano de un fan venido desde Alicante: “¡Es que para nosotros son muy grandes!”.

Abrieron la velada los catalanes Eterna Joventut, que encajaban cual guante en la tónica de la noche por su halo Los Fresones Rebeldes, pero un poco más orientados al garage rock. El comienzo en plan The Ronettes de “Mucho amor” pudo poner piel de gallina, mientras que “Puesta de sol” le encantaría hasta a Joey Ramone. Un batiburrillo especial con ingredientes tan de primera calidad como los que acabamos de mencionar. Ah, y contaron que el bajista Pol de Mujeres se había encargado del diseño de su primer disco. Todo queda entre colegas.

La magia que anunciaban Mujeres para los conciertos de esta gira se plasmó desde el sentimental comienzo de “Las victorias y derrotas”, antes de pisar el acelerador a fondo en “Cae la noche”, puro punk en la estela de Buzzcocks y otros combos de power pop acelerado. “Besos” puso a prueba las gargantas y las ganas de fiesta del personal, pocos cortes podría haber más propicios para incitar al pogo y al desmadre colectivo.

El ye ye punk de “Vete con él” mantuvo el ritmo frenético del show, pero también era necesario coger aire de vez en cuando, así que el bajista Pol preguntó por las cervezas disponibles en la zona, aparte de mencionar el problema con un acople de radio que parecía producirse por alguno de los monitores, un inconveniente que despacharon con las palabras: “Bienvenida siempre la radio”. La ironía por bandera.

“Diciendo que me quieres” aminoró las revoluciones, pero resultó tan sentida que podría ser su “I Wanna Be Your Boyfriend”. No era de extrañar que poco después Pol insistiera en reivindicar que “sentimos cosas” antes de arrancarse con el fraternal “Rock y amistad”. Su faceta más pop relució con “Si piensas en mí”, con el guiño en la letra al histórico “Problemas No” de Diseño, pero se despojaron de cierto almíbar al interpretarla a toda pastilla con la actitud de un grupo punk. Pocos remansos de paz habría a lo largo de la noche.

Nadie osaría dormirse con el acelerado “Tu y yo” o con “Un gesto brillante”, a pesar de que engañen con un inicio reposado que deviene en una tonadilla punk deudora del “Ataque preventivo de la URSS” de Polanski y el Ardor. Más referentes de regusto freak no al alcance de todo el mundo.

Con el cachondeo que les caracterizaba, anunciaron “Vivir sin ti” como una canción para bailar, pero es que incluso a los medios tiempos les imprimían tal fuerza que lo que menos pensaba cualquiera en esos momentos era en arrimar cebolleta. “Un sentimiento importante” conservó el aroma vintage sesentero de muchos sus temas, a la par que se transformaba en un colosal in crescendo.

“Siento muerte” recuperó la velocidad endiablada de los Ramones con algunos destellos de surf rock. Que le estaban echando más que ganas encima del escenario lo certificó el teclado que se rompió debido al ímpetu desmedido del momento. Y con “Todo bien” los pogos brotaron por doquier entre la concurrencia y ya no se esfumaron ni en “A veces golpes” ni en “No puedo más”. La cosa llegó a desmadrarse hasta tal punto que muchos acabaron con sus huesos en las escaleras. Daños colaterales.

“Al final abrazos” rememoró su colaboración con Cariño, pero la peña se volvió a emocionar cuando metieron ruido en plan los primeros The Jesus and Mary Chain. “Aquellos ojos” tocó la fibra sensible igual que las piezas lentas de Joey Ramone y compañía antes de exaltar de nuevo pasiones profundas en “Romance romántico”, a un ritmo considerable y sin babosear, por supuesto.

La guinda únicamente podría llegar con su destacable revisión de “No volveré” de los pamploneses Kokoshca, que sirvió para un fin de fiesta por todo lo alto y nos dejó un sabor inmejorable para una actuación que cursó a una velocidad encomiable. Un bolo bonito de esos que te proporcionan un chute de positividad durante meses.

Podrán decir miles de personas o medios que son un grupo indie, aunque después de verlos por segunda vez empezamos a creer que en el fondo se trata de una tapadera, la cara amable para no decir que lo suyo en verdad es un club de sentimiento punk. Un comando no fichado que busca reventar cada ciudad con un show impepinable. Que nunca entreguen las armas.

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Tener lo mejor de los dos mundos, el rock duro y el heavy metal, es lo que ha conseguido el batería Scott Travis al formar parte de la reciente actuación de Priest/DC, la banda que rinde tributo tanto a Judas Priest como a AC/DC, en la que también encontramos otro nombre de ilustre pasado como el del vocalista Jeff Martin, de Racer X.

El pasado 3 de febrero tuvo lugar el concierto en el Pistol Pete de Auburn, California, en el que el batería de Judas Priest llevó el ritmo del motor de la banda que celebraba su décimo aniversario, a la que podemos ver en los vídeos con su “batería invitado” que han llegado a las redes interpretando algunos de los grandes himnos tanto de la banda australiana como de los pioneros del heavy metal británico.

Hay que recordar que antes de terminar el año 2023 ya tuvimos ocasión de ver a Travis tras los parches de Live Wire, banda tributo a AC/DC, durante un concierto en el local Elevation27 de Virginia Beach, Virginia, por lo que queda claro el gusto del batería por la banda con la que tuvieron ocasión de compartir escenario durante la histórica edición del festival Power Trip en la que se anunció la llegada del nuevo disco de Judas Priest, ‘Invincible Shield’.

El 8 de marzo es el día en el que tendremos por fin el esperado nuevo disco de Judas Priest, un ‘Invincible Shield’ del que ya hemos tenido tres adelantos,  “Panic Attack”, “Trial By Fire” y el épico “Crown of Horns”, del que recientemente recibíamos su videoclip.

La preventa del disco que llegará de manos de Sony Music/Epic Records se encuentra disponible a través de este enlace. El nuevo disco de Judas Priest mantendrá a la banda en primera línea de fuego durante este 2024, ya que también tenemos confirmado su regreso a nuestro país con la gira en la que estarán acompañados por Saxon y Uriah Heep, tanto dentro del espectacular cartel del Rock Imperium Festival,que se celebrará en Cartagena del 19 al 22 de junio con Avantasia, Yngwie Malmsteen o Extreme en su cartel, como visitando Madrid, Barcelona y Pamplona los días 13, 15 y 17 de junio, respectivamente (entradas a la venta en este enlace).

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