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Crónica de The Black Crowes en Londres: Sus cinco momentos más brillantes

Acudimos a la primera de las dos citas de Black Crowes en la Brixton Academy de Londres semanas antes de que lleguen a España de gira. Las citas serán los días 16 de octubre (Barcelona, Sant Jordi Club) y 18 de octubre (Madrid, Wizink Center), y las entradas están a la venta en este enlace. ¿Cómo nos encontramos a los hermanos Robinson?

Nadie puede reprocharle a los hermanos Robinson que su cabezonería es lo que les ha mantenido a flote después de tantos años de peleas y desavenencias. Si dijeron que querían celebrar los 30 años de su disco debut con una gira casi tan extensa como la que hicieron en 1990 (¡en la que estuvieron 22 meses en la carretera!), es porque de verdad lo querían decir. Con su cancelación en 2020 (teníamos fechas en España en noviembre) y su nueva cancelación en invierno de 2021, por fin, ahora sí, los Crowes están en Europa de nuevo, donde en España no tocaban desde 2013 (en junio, en el Azkena Rock Festival).

Llegan a nuestro territorio casi tres décadas después (6 diciembre 1992 en Barcelona, 7 diciembre en Madrid) desde que nos visitaran por primera vez con el siempre añorado Marc Ford a la guitarra, y lo hacen en un momento de forma excepcional y muy rodados en una gira llamada ‘The Black Crowes Present: Shake Your Money Maker’, que comenzó en julio del ‘21 en USA, donde han estado tocando sin apenas descanso hasta llegar a nuestras costas este pasado mes de septiembre. Prepárate, porque los Black Crowes están como nunca los habías visto.

Todo empieza en un bar…

Suena la canción “Shake Your Money Maker”, del bluesman Elmore James, desde una jukebox. Las luces claras del escenario refulgen tonos de ambiente de garito cuando sale un barman de los de la vieja escuela. Saca de debajo de la barra (sí, ¡de una barra de bar!) unas botellas. Cinco mil personas que llenan la Brixton Academy de Londres miran atentamente. Aparecen músicos de la banda con un grupo de amigos y se ponen a chupar y charlar. Unos sentados, otros de pie, nos dan la espalda. Solo les faltan las pipas y el billar. Todas las buenas historias tienen un comienzo o un final en una barra de bar. Y todas las grandes peleas también. Los Crowes apuran el último sorbo, se giran y arrancan con el riff lento y sensual de “Twice As Hard”. En lo que dura un bourbon con coca cola ya nos han recordado lo eléctrico que es el rock and roll. Las cinco mil personas ya no miran atentas, botan al son de ese “Twice as Hard… As it was the first time …I said goodbye”, mientras Chris Robinson juega con un paraguas. Un comienzo de show para recordar el resto de tu vida.

Las canciones de ‘Shake Your Money Maker’ siguen sonando tan frescas como el primer día

Con más de 30 años ya nadie duda de que ‘Shake Your Money Maker’ es uno de los mejores debuts de la historia del rock and roll. Los “Cuervos Negros” están celebrando el disco por todo lo alto, y empalman una canción tras otra. Es tanta la atracción de temas como “Jealous Again” que hasta Chris y Rich se juntan para posar para los fotógrafos. Prácticamente el único momento de la noche donde interaccionan. El resto, cada uno a lo suyo. Chris, como siempre, el simpático, y Rich con el papel de antipático. La tranquilidad de “Sister Luck” o la balada “Seeing Things” van llevándonos de la mano entre clásico y clásico. Rompen el ritmo con la versión “Hard To Handle” o la velocidad de “Thick N’ Thin”.

Hasta los temas menos conocidos del álbum, como “Stare It Cold”, han brillado a la altura. ‘Shake Your Money Maker’ son 45 minutos de gloria, y así nos han hecho sentir. Chris da por cerrada la celebración del disco quitándose la chaqueta: “Joder, qué calor estaba pasando”, dice con su espontaneidad de nene gamberro.

El set de guitarras de Rich Robinson

Si eres fan de la guitarra, y puedes, intenta ponerte en las primeras filas. El sonido de la guitarra de Rich, la pulsación que tiene con la púa, el juego de cambios de modelos de guitarras, desde clásicas a modernas, el uso del bottleneck… Es un paseo constante por la historia del rock desde el blues hasta nuestros días para un musicazo muy fan de Jeff Beck, Jimmy Page (¡no, no le invitaron esta noche!) Crosby, Stills & Nash, los Stones o Rod Stewart.

La voz de Chris Robinson es un calco de cuando tenía 20 años

Parece mentira que tenga 56 años. Chris Robinson se toca el pelo de manera eléctrica mientras canta. Esos detalles de escuela Rod Stewart o Mick Jagger tan del rock and roll. Gira, baila, mueve el pie de micro y sobre todo canta, y canta mucho. Su físico permanece intocable y su voz raspada con tono bluesero sigue llegando sin dificultad a los momentos más exigentes de canciones que grabó con apenas 23 años. Es el que maneja la comunicación con el público y es quien sonríe sin parar. Aunque los hermanos no se lleven, por lo menos ahora parece que se respetan. Juntos son más fuertes, lo que se nota cuando aparecen solos en el escenario con guitarra acústica para tocar “She Talks To Angels”.

¿Por qué el rock español apenas usa la armónica?

Es un elemento de apoyo del rock americano que siempre ha estado tan presente en los grandes discos y que el rock latino lo ha sabido adaptar magistralmente. Sin embargo, salvo ocasiones, parece que los músicos españoles siempre la dejan de lado. Chris Robinson la desenfunda rápidamente. Es uno de los cantantes que mejor saben tocarla, y si bien esta noche no se marca un solo entero de armónica, sí que sabe acompañarse de ella en los momentos más íntimos. El equipo de coristas femeninas que lleva en un pequeño castillo en una esquina del escenario hacen notar su importancia en momentos como el de “Sting Me”. Aparte de los hermanos Robinson, sobre el escenario también destaca el viejo conocido Sven Pipien al bajo, en la escudería Black Crowes desde el disco ‘By Your Side’, de 1998.

No se olvidan tampoco de su segundo disco, ‘The Southern Harmony…’ (¡otra obra de arte!) para ir cerrando la noche con “Sting Me” y “Remedy”. Su más reciente EP de versiones , ‘1972’, es representado con “Papa Was A Rolling Stone’” (en la segunda noche en la Brixton Academy, con el “Rocks Off” de los Stones).

Hay poco tiempo para más. El barman recoge la barra y la banda se despide al unísono. Los Black Crowes nos siguen recordando que en los 90 también se hacía buen rock and roll, y todos sus fans esperan nuevo disco para 2023 con muchas ganas.

Ñako Martínez

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La contracrónica de Helloween – Kai Hansen: El hombre de las mil sonrisas

Kai Hansen, la gran leyenda del power metal, luce una sonrisa contagiosa durante todo el concierto. El más pequeño en estatura de los 7 músicos que esta noche ocupan el escenario de la Brixton Academy de Londres, pero el más grande en cuanto a bagaje y persona. Siempre sonriente y siempre agradecido, la suya es una historia de superación y sobre todo, de buscar un espacio y un equipo de trabajo con el que sentirse cómodo.

Ñako Martínez

Amante de España (¿quién no se lo encontró alguna vez en alguna barra de un festival tomando una birra después de haber tocado con sus Gamma Ray?), Kai Hansen fue el fundador de Helloween junto a Michael Weikath. Cantante en el primer EP y disco (‘Walls Of Jericho’) de la banda, fue lo suficientemente listo y humilde como para darse cuenta de que ni su voz ni su tabaquismo iban a llevar a Helloween a lo más alto.

Fue Kai Hansen quien decidió traer a Michael Kiske – que tan solo tenía 18 años – a Helloween para cantar en el siguiente disco, la primera parte de la saga de los ‘Keepers’, dos piezas fundamentales de nuestra música que han influenciado a todos, desde Nightwish a Mägo de Oz.

Apenas había pasado un año y medio entre el primer disco y el primer ‘Keeper’, pero la progresión musical de Helloween fue tremenda. De un trabajo que venía de lo que en aquella época se llamaba speed metal, rápido, sucio y juvenil, pasaron a composiciones más operísticas y técnicas, emulando a artistas de la época como Iron Maiden.

Helloween en 1988 lo tenían todo. Estaban tocando en el festival de Donington de Inglaterra y la crítica y el público europeo les adoraba. Habían incluso creado un género: El power metal.

“I Want Out”, el posiblemente tema más famoso de Helloween, del ‘Keeper II’, y compuesto por el propio Kai Hansen, fue el anuncio no oficial de su salida de la banda. La canción narraba lo cansado que se sentía Hansen de todo lo que era la banda, su propia banda.

Probablemente nadie lo vio venir, ni el propio Weikath, cuando Kai Hansen anunció que dejaba Helloween, la banda de power metal más exitosa de la historia que él mismo había fundado.

Cuenta Michael Kiske en la actualidad que en su momento no pensaron que fuera a afectar a los alemanes. Sin embargo, sin Kai Hansen, Helloween no solo había perdido a un gran compositor, sino a la persona que con su sonrisa y humildad hacía que todos los egos internos encajasen.

De ahí Kai Hansen pasó a montar Gamma Ray, también superexitosos, y fue dejando en el olvido a Helloween, que patinaron en sus discos de comienzos de los noventa. Por suerte, las calabazas encontraron en Andi Deris al gran revulsivo.

Hoy en día nadie niega que ha sido el propio Kai Hansen el gran catalizador de esta reunión. La persona que dejó los egos a un lado para satisfacer a los fans de todo el mundo y para cerrar cuentas pendientes con sus excompañeros.

Hoy Helloween es lo más exitoso que puede ser. Y eso es gracias en parte a Hansen. Hay un momento en el concierto en el que Kiske y Deris flanquean a Hansen, mientras este canta, y sabedores de que sus capacidades vocales son mucho más amplias, le cobijan protegiendo al hombre cuya personalidad superó sus limitaciones.

Kai Hansen sigue sonriente. Nunca perdió ese sueño por tocar su música y ahora lo está haciendo con el equipo de gente que quiere. Le debemos mucho los amantes del metal.

‘United Forces’ en Latinoamérica:
22 Septiembre, San José, Costa Rica
24 Septiembre, DF, México
27 Septiembre, Quito, Ecuador
29 Septiembre, Bogotá, Colombia

2 Octubre, Buenos Aires, Argentina
4 Octubre, Santiago, Chile
6 Octubre, Riberao Preto, Brasil
8 Octubre, Sao Paolo, Brasil
9 Octubre, Sao Paolo, Brasil

‘United Forces’ en España 2023
3 Febrero, Madrid
4 Febrero, Barcelona

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Ghost y su gira Imperatour: Mandamos a nuestro redactor a ver el concierto en Londres y acabamos flipando

Ghost y su gira ‘Imperatour’ llega a España los próximos días 7 y 8 de mayo en su gira más ambiciosa hasta la fecha. Tres años después de su última visita y apoyados por el éxito del disco ‘Impera’, esta va a ser una de las grandes giras que pasará por nuestro país este año. El texto de Ñako Martínez y las fotos de Jesús Figueirido te dan los motivos para no perdértela. Puedes conseguir tus entradas aquí.

Ghost es ahora mismo la banda más reconocible del planeta tierra. Y están girando con en el que es posiblemente uno de los tours más increíbles que puedes ver de una banda de rock duro en estadios a día de hoy.
El ‘Imperatour’ de Ghost llegó a Londres en su segunda fecha por Reino Unido, tras un periplo inicial por los Estados Unidos de 26 fechas,  y aprovecharon para presentar en directo canciones nuevas de su monumental último disco, ‘Impera’.

‘Impera’ lo ha cambiado todo. El mastodóntico último disco de Ghost y su brutal éxito en ventas (número 1 en España, Suecia, Alemania o Finlandia, número 2 en Estados Unidos o Reino Unido) ha abierto las puertas a una nueva era en nuestra música. Desde que se formaran hace 15 años en Linköping, la carrera de los suecos ha sido ilusionante y vertiginosa.
Ghost ha pasado en apenas 10 años de tocar en salas para 500-700 personas a hacerlo en estadios para 15.000-20.000 personas, y ha habido dos años de pandemia de por medio.

El éxito está sustentado en varios elementos. El primero, su estilo musical, opuesto a su imagen, con esa mezcla única de hard rock de los 70, las atmósferas del heavy rock de los 80, progresivo psicodélico y la grandilocuencia chiclosa de los ABBA, que se aleja al parecido que puedan tener en imagen con King Diamond o Behemoth.

Segundo, la explotación cultural del satanismo que tanto morbo da, creando con gran grado de imaginación los personajes antipapistas Papa Emeritus (I-IV) y Cardinal Copia. Una narrativa impresionante acompañada de portadas alucinantes, secretismo en sus vidas privadas y mensajes polémicos. Y ha calado entre los fans, con muchos de ellos con las caras pintadas acudiendo esta noche al show.

Tercero, el trabajo duro en directo. No han parado de tocar desde que publicaran su primer disco hace 12 años con el sello Rise Above. 375 conciertos en Estados Unidos, datos de Setlist.fm, o 61 en Reino Unido. No son los dos únicos mercados en los que se han centrado ni mucho menos, expandiendo su presencia en vivo en España, por ejemplo, donde debutaron en 2012. Y por último, la grandísima capacidad compositiva de su líder, fundador y mentor Tobias Forge. Sus canciones están muy bien escritas, muy detalladas, con pinceladas muy creativas y encajando la sonoridad de cada palabra con la nota musical adecuada. Es sencillamente un genio, y su música es diferente. No es casualidad que haya ganado un Grammy con “Cicire”, por ejemplo, o haya tenido otras dos nominaciones con su disco ‘Prequelle’.

“Kaisarion”, un tema perfecto para abrir

“Kaisarion” se ha erigido como el perfecto tema para abrir los conciertos. Directa, divertida y enigmática, la segunda canción de ‘Impera’ engancha en Londres directamente con el público y lleva el éxtasis comunal al máximo. “Kaisarion” va a quedarse en el set list de Ghost por mucho tiempo, de eso no hay duda.

En esta gira, que empezó una noche antes en Mánchester, también debutan de ‘Impera’ “Spillway” y “Call Me Little Sunshine”, otros dos temazos brutales para los directos.

Espera, pero esto no es solo sobre ‘Impera’

Las presiones del éxito de ‘Impera’ no han hecho que Tobias Forge se doblegue y el balance del set list de esta noche es excelente.
No se ha dejado presionar por la discográfica o por el éxito de su último disco y le da mucha importancia a las canciones de ‘Prequelle’ (5)  y ‘Meliora’ (7). Incluyó los dos singles del siete pulgadas ‘Seven Inches Of Satanic Panic’ y sigue manteniendo “Ritual”, de su primer disco, y “Year Zero”, del segundo.
Está clara la estrategia de Tobias. Pretende girar más de dos años con ‘Impera’ por todo el mundo y seguramente hará dos paradas en muchos países, por eso esta noche solo toca 6 temas de ‘Impera’, para así no quemarlo demasiado pronto ante las audiencias.

Ocho musicazos sobre el escenario

El equipo de trabajo se ha ido incrementando a medida que las audiencias han ido subiendo. Aparte de llevar 4 camiones con el equipo, hay unas 40 personas trabajando la gira de ‘Imperatour’ detrás de escena.
Sobre el escenario Tobias está acompañado de 7 Nameless Ghouls (como se conoce a sus músicos), en esta gira más futuristas y vestidos a lo Star Wars. Sus dos guitarristas tienen una técnica brutal. Si se quitan la careta y aparecen Steve Vai y Joe Satriani, no te sorprendería, y durante el show cobran protagonismo varias veces picándose con solos o jugando con el público.


El físico de Tobias, en plena forma

Entrena mucho y se nota. Con 41 años tenemos estrella para bastante tiempo y se agradece. Dice que hace ejercicio todas las mañanas de concierto, corriendo por los pasillos de los estadios, estirando y haciendo ejercicios de espalda.
Se le ve muy bien físicamente sobre el escenario. “Cuando no me he cuidado en el pasado, lo he notado, y es inaceptable no dar un buen concierto”. También tiene como norma entre todo su equipo “estar limpios”. Es la única manera de que un show así funcione.
Cuando apenas era un chaval, vio la película ‘Let´s Spend The Night Together’ de los Rolling Stones publicada en el 83  y se enamoró. Quería ser Mick Jagger. Y en su forma de moverse tiene bastante de él. Mira detalladamente y lo verás.


Un show muy teatral y…resucita Papa Nihil

El estadio se viene abajo cuando aparece Papa Emeritus IV sobre el escenario. Sus cambios de personaje, la catedral que lleva de fondo, toda la pirotecnia y la atractiva manera de interpretar el personaje de Tobias incrementan la teatralidad del espectáculo.

Cuando arrancan las primeras notas de “Cirice” la descarga de tonalidades rojas te recuerda a un concierto de Slayer. Las guitarras salen del averno. También resucita Papa Nihil para tocar el solo de saxo en “Miasma”, que murió en el último concierto de ‘Prequelle’ en México DF hace dos años y medio.

Todavía tiene una sección de fans que le critican por no ser “heavy”, pero son pocos los artistas que tocando rock duro saben entretener a 15.000 personas en un pabellón hoy en día como lo hace Ghost. Este es uno de esos tours que pasarán a la historia como lo hicieron ‘Steel Wheels’ de los Stones, ‘World Slavery’ de Maiden y ‘Damaged Justice’ de Metallica, tres de los que más marcaron a Tobias.


Lo que nos moló menos…

Es tal la fiebre por Ghost que hay más de 15 minutos de cola para pillarse una de las guapísimas camisetas. Otro punto que ha sabido heredar bien de sus bandas favoritas. Haz un merchandising molón y un logo molón y venderás camisetas a tutiplén. Los precios de las camisetas oficiales ya arrancan de los 30 pavos para arriba. La inflación.
En el escenario del 02, un estadio de 20.000 personas, se echan un poco de menos algo más de proyecciones y cinematografía, faltando pantallas en los laterales. Los escenarios y las audiencias van creciendo y tal vez sea momento para Ghost de incluir visuales de pantalla.

En lo personal, echo de menos en el set list la crudeza maléfica de “Stand By Him”, un tema Sabbath que les acompañó desde el principio hasta 2018, cuando se cayó del repertorio.

Y la última y más polémica, la interpretación de “Enter Sandman” que grabaron para el disco de Metallica homenaje al ‘Black Album’ el año pasado se me queda un poco plana en directo. Tiene buen arranque con la parte de piano, pero a la voz de Tobias le falta la energía de Hetfield para cantar un tema así en directo. ¿Por qué no versionar el “Here Comes The Sun” de los Beatles, que ya grabaron en la edición japonesa de su primer disco? En fin, supongo que algo malo teníamos que buscarle al show.

En definitiva, ‘Imperatour’ es todo lo que un gran espectáculo de rock y metal debe tener para llenar pabellones y entretener a más de 15.000 personas la noche. Será uno de esos tours que pasarán a nuestra historia. ¿El siguiente paso para Ghost y Tobias Forge? Estadios. Dales otro disco y verás.


Set List Londres 02 Arena, 11 de abril 2022 :

Kaisarion, Rats, From The Pinnagle To The Pit, Mary On A Cross, Devil Church, Cirice, Hunter´s Moon, Faith, Spillways, Ritual, Call Me Little Sunshine, Helvetefonster, Year Zero, He Is, Miasma, Mummy Dust, Kiss The Go Goat, BISES: Enter Sandman, Dance Macabre, Square Hammer.

Los conciertos de Ghost en España

La relación con España de Ghost ha sido de máximo respeto y apoyo mutuo desde que nos visitara en el Sonisphere de 2012. Desde ese momento solo les llevó 5 años llegar a grandes recintos cuando tocaron en 2017 como parte de ‘Meliora’ en el BEC de Bilbao o la Razmatazz de Barcelona, mismo año en el que llegaban a Argentina por vez primera. Abrieron a Metallica en mayo de 2019 para volver ese mismo año en diciembre al Palau Sant Jordi de Barna y el Wizink Center de Madrid.
Sin duda, las próximas fechas en mayo, tres años después de su última visita, serán los shows más grandes y ambiciosos de Ghost en nuestro país, en el Palau Olímpic de Badalona y Palacio Vistalegre de Madrid. Un ritual que no deberías perderte.

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Crítica de Rolo Tomassi: Where Myth Becomes Memory

Hay discos que catapultan bandas al estrellato de manera inesperada, y hay discos que son la catarsis lenta y pausada de años de creatividad. Eso es ‘Where Myth Becomes Memory’, una obra gigantesca que llevaba ya casi 20 años cogiendo forma en las mentes de los hermanos James (Spence, teclista) y Eva (Korman, cantante).

Los ingleses Rolo Tomassi consiguen en ‘Where Myth Becomes Memory’ llevarnos a través de un viaje épico y sonoro por una variedad de subgéneros inmensa, pero con la suficiente elegancia de no casarse con ninguno en particular. Desde post-hardcore a black atmosférico para pasar por momentos sencillamente jazz-alternativos y otros súper progresivos.

‘Where Myth Becomes Memory’ da comienzo con una pieza tan cinematográfica como “Almost Always”, con pasajes tan atmosféricos como evocadores, y una voz de Eva Korman relajante y femenina. Cómo es posible que de ahí salte a los riffs torsionados de “Cloaked” con su brutalidad vocal es algo que sólo Rolo Tomassi puede explicar.

La extraña atracción de “Drip” y sus baterías te hacen sentir como si estuvieras mirando de frente un agujero negro, mientras que la desesperación de “To Resist Forgetting” balancea con las estructuras jazzísticas de “Mutual Ruin”.

‘Where Myth Becomes Memory’ es la obra que llevabas tiempo pidiéndole al Metal. Algo tan inusual como pegadizo que además va a marcar la diferencia en la carrera de Rolo Tomassi. Han pasado a primera división, de eso no hay duda.

Escucha ‘Where Myth Becomes Memory’ en Spotify:

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Red Hot Chili Peppers estrena “Black Summer”, videoclip y single de su nuevo disco, “Unlimited Love”

Como se empezó a adelantar hace unos días, Red Hot Chili Peppers ya tiene listo su nuevo disco, que llegará a través de Warner Music y llevará por título ‘Unlimited Love’. La banda nos lo presenta con el primer adelanto en forma de single y videoclip, “Black Summer”.

El próximo 1 de abril es el día marcado para el lanzamiento de este esperado trabajo, que será el que protagonice la anunciada gira de Red Hot Chili Peppers que llegará a nuestro país los días 4 y 7 de junio, en Sevilla y Barcelona, respectivamente, donde recibiremos a la banda con el regreso del guitarrista John Frusciante a sus filas, puesto que recupera tras haber grabado en 2006 el aclamado ‘Stadium Arcadium’.

La portada de ‘Unlimited Love’ y su track list también han sido desvelados, con un total de diecisiete nuevas composiciones:

01. Black Summer
02. Here Ever After
03. Aquatic Mouth Dance
04. Not The One
05. Poster Child
06. The Great Apes
07. It’s Only Natural
08. She’s A Lover
09. These Are The Ways
10. Whatchu Thinkin’
11. Bastards Of Light
12. White Braids & Pillow Chair
13. One Way Traffic
14. Veronica
15. Let ‘Em Cry
16. The Heavy Wing
17. Tangelo

Si alguien se sigue pensando si ir o no a una de estas citas, que no tarde mucho, ya que uno de los conciertos ya cuelga el cartel de todo agotado. Poco después de anunciarse ambas citas se habían vendido ya más de 75.000 entradas. Todavía existe la posibilidad de hacerse con una en este enlace.

PARA LEER MÁS:

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Crónica de The Offspring en Londres: “No creo que haya banda que, sin ser heavy, atraiga a más público heavy que esta” 

The Offspring en Londres. Foto: Joe Guppy JGVisuals

The Offspring presentó en concierto en Reino Unido su gira ‘Let The Bad Times Roll’ con The Hives y Bob Vylan acompañando. Seis fechas que trajeron de vuelta a las islas el calor y la diversión del mejor Punk californiano. MariskalRock estuvo en Londres.

Lo mejor en un concierto de The Offspring

1. Los teloneros: Bob Vylan y The Hives.

Cuando vas a tocar un arena de 15 mil personas, es bueno rodearse de bandas de nivel. Rompe la noche el dueto llamado Bob Vylan. El cantante se hace llamar… sí, Bobby Vylan. Y para mayor confusión, el batería dice llamarse Bobbie Vylan.

Son dos mulatos con rastas que están poniendo Reino Unido patas arriba con su fusión cruda de rap y punk. Esta noche se atreven a decir que “alguien debería matar a la Reina” o que la “policía son cerdos”. “England’s Ending” es un clásico ya entre las secciones más irreverentes de las Islas. En directo son una bomba, y hacía tiempo que no salía una banda con un mensaje que diera miedo de verdad.

Con The Hives cambiamos de tercio en lo estilístico. Su garaje rock sigue vigente desde que reinaran en 2000 con la publicación de ‘Veni Vidi Vicious’. Desde entonces, un puñado de hit-singles les han mantenido en lo más alto. A eso hay que sumarle que la revista Spin les dio el premio a “Mejor Banda en Directo del Mundo”. Su energía es brutal. El desparpajo de su cantante y líder, Pelle Almqvist, le convierte en un líder irreverente y chulo.

“Somos The Hives. Ahora nos odiáis, pero en 45 minutos nos vais a amar”, grita recién empezado el show. Y no puede tenar más razón.

The Offspring en Dublín. Foto: Tijs Van Leur

2. Se agradece un mensaje positivo

Es el mensaje que The Offspring le lanza al mundo en su último disco, ‘Let The Bad Times Roll’ (Que vengan los malos tiempos). Como Dexter Holland, su cantante y guitarra rítmica, le contaba a Pau Peñalver en nuestra entrevista de La Heavy 430: “Queremos ser realistas sobre los problemas del mundo moderno, pero dando un mensaje de que todo va a salir bien”.

Ese mensaje que trasciende en el disco ha calado entre sus seguidores, que han recibido el disco bastante bien. Muestra de ello es que en el setlist de esta noche tocan tres temas (en otras noches incluso cuatro): “Let The Bad Times Roll”, “The Opioid Diaries” y la versión “In The Hall Of The Mountain King”.

Del último disco también tocan la reversión que hacen de su clásico “Gone Away”. Es uno de los momentos más emotivos de la noche, con Dexter solo en el escenario arrancando a piano: “Esta canción la escribí hace muchos años cuando una persona muy especial se fue de mi vida. Seguro que os ha pasado”. Es uno de los momentos de mayor conexión artista-audiencia.

3. Qué pedazo de catálogo tiene The Offspring

Aún así, a The Offspring no le haría falta haber publicado un muy buen último disco para llenar un arena con quince mil personas. Su catálogo enganchó de lleno a dos generaciones, la que va de mediados de los ’90 y la que arranca en el ’00.

Un show de The Offspring es cantar y cantar hasta no poder más. Si bien dejan sus dos primeros discos en el olvido, desde que publicaran ‘Smash’ en 1994 The Offspring se convirtió en una banda especialista en facturar clásicos del punk californiano.

Aunque tanto Dexter como el guitarrista Noodles (ambos los miembros originales del grupo), están un pelín pasados de kilos, su nivel vocal y técnico acompaña perfectamente clásicos como “Come Out And Play”, “Hit That”, “Gotta Get Away”, “Why Don’t You Get A Job”, “Pretty Fly (For A White Guy)” o “The Kids Aren´t Alright”. Te lo dije, lleno de clásicos.

4. El escenario y su público

Tocar en un arena también te pone en la responsabilidad no solo de funcionar en sonido y estado de forma, sino también en escenografía. Ver a The Offspring en su show gana muchos enteros a verles en un festival.

Pantalla gigante de fondo que acompaña constantemente con diferentes imágenes e historias dependiendo de la canción y juegos de luces de primera.

También destacar lo increíblemente variado que es el público de The Offspring en sus conciertos. Muchas más camisetas de Iron Maiden y chaquetas con parches de bandas de heavy metal de lo que nadie se podría imaginar. No creo que haya banda que, sin ser heavy, atraiga a más público heavy que esta.

5. Tributo a los grandes

Otro gran momento llega cuando Noodles se queda solo en el escenario y con el público en el bolsillo empieza a decir que cree que es un muy buen guitarrista.

Para probarlo, el guitarrista de The Offspring arranca con un medley de riffs clásicos de nuestra cultura, ganándose el corazón del público cuando suena “Paranoid”, “The Trooper”. “SmokeOn The Water” o “Panama”. Siempre es de agradecer que haya detalles así entre las bandas grandes.

The Offspring en Hull. Foto: Tijs Van Leur

Lo peor en un concierto de The Offspring

1. El show es corto

Apenas una hora y veinticinco minutos de directo no es suficiente para tiempos en los que la competencia de las bandas más jóvenes te puede poner en aprietos. Más aún si contamos que a pesar de la lluvia de clásicos que tocan esta noche, todavía les quedan temazos como “Nitro (Your Energy)”, por ejemplo. Vamos, ¡que podrían estirarse un poco más!

2. Su humor a lo poli bueno y poli malo

The Offspring en concierto lleva bastante tiempo explotando esta técnica. Dexter hace de serio, un poco de quien “controla” entre los amigos. Mientras que Noodles es el “borrachillo”.

Sin más, dice un par de veces durante la noche que “vaya borrachera me estoy pillando”. Abre una cerveza, le da un trago y se la tira a las primeras filas. Si con los 58 años que tiene se pillara una borrachera así cada noche que toca, cancelaría casi todos sus shows.

El público ya lo sabe, y aunque hayan perdido un poco la gracia, tolera el juego siempre y cuando nos siga quedando The Offspring para rato.

Conclusión: The Offspring sigue siendo en concierto un chorreo constante de diversión, cantar y bailar. Energía punk rock de la soleada california para un dueto de músicos geniales a los que les llegó el éxito ya con 30 años y que casi 30 después siguen sonando vigentes entre varias generaciones.

Ñako Martínez @nakomartinez  

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Crónica del Puente Rock Fest: Jorge Salán + Danny Vaughn + Hora Límite + BajopresióN + Invaders

Jorge Salán

“No intentar oír algo nuevo por miedo a que no te guste  es como suicidarse por miedo a vivir. Furia , energía y expresión: de eso se trata el rock & roll” (Mick Jagger). Mientras medio Madrid se iba de puente, otros muchos decidimos quedarnos aquí a seguir disfrutando y descubriendo rock.

En los estudios de Revirock, en  Vicalvaro (Madrid), este 4 de diciembre pudimos disfrutar de cinco actuaciones magníficas en el Puente Rock Fest, donde actuaron los madrileños Jorge Salán, con los íntimos coletazos de  ‘Tempus’ y el anticipo de ‘El cielo es lodo’, Invaders, que ya está dando pistas del que será su próximo álbum; BajopresióN, con su ‘Imperio de monstruos’, y Hora Límite, que también está a punto de presentar su nuevo álbum. A ellos se unía el estadounidense Danny Vaughn, que nos trajo lo mejor de su trayectoria.

Invaders

La velada empezó con Invaders. Ser imparcial con ellos me cuesta , les he visto crecer e ir evolucionando, y cuando ves sus progresos no puedes evitar emocionarte. La banda compuesta por los hermanos García, Adrián a la guitarra y Sergio al bajo, Sergio Chamorro a la voz,  Adrián y su brutal e imparable batería, y Carlos Sánchez como segunda guitarra, es sin duda el futuro más prometedor del metal. Tienen todo lo necesario para ser leyendas, Sergio es de los frotman más completos que he visto en el panorama del metal. Su voz, cada vez más  madura, va a ser una de las grandes del panorama, porque presencia en el escenario le sobra. Los hermanos García siguen en su línea de perfección, regalándonos Adrián solos de guitarra y potentes riffs. A Carlos, cuando lo vi por primera vez pensé: “Este chico tiene algo”. Me equivoqué, no tiene algo, lo tiene todo. Su guitarra solo puede ser comparable a los grandes como Randy Rhoads o Satriani. Con un look sencillo y metalero, ha adquirido una seguridad en el escenario en estos meses que promete brillar. Una vez más, Adrián con su batería nos sorprendió, y es que por algo sus compañeros le llaman “el mago de las baquetas”. Sergio García, el benjamín de la banda, tiene un control con el bajo apabullante.

BajopresióN

De su repertorio destacaron “Livin’ in the End”, “Late to Return”, “Ghost Religion” o “Endless Wait”, anticipo de su próximo álbum, en el que ya se ven inmersos, que verá la luz en 2022, con el final brillante de “Hijos del metal”. Chicos, gracias por demostrarnos que el metal sigue vivo.

BajopresióN son Rodrigo Álvarez a la guitarra, con una serenidad y seguridad que era patente; Javi Canseco al bajo, imparable en el escenario; Antonio Robledillo como cantante del grupo, que salió con un look gótico y derrochando un torrente de voz; y a la batería, duro y contundente, Gabriel. La banda continúa con la presentación de su último álbum, ‘Imperio de monstruos’, que vio la luz en 2020 y como tantos se vieron obligados a aplazar su presentación por la pandemia, habiendo sido su presentación el mismo día que nos confinaron.

El grupo continúa en su línea, con la evolución que va adquiriendo en un sonido cada vez mas consolidado, desde el sinfónico hasta el hard rock, con sonidos progresivos sin dejar el metal tradicional. Este era su quinto concierto post-pandemia. Con una puesta de escena siniestra, aparecía el alquimista del inframundo con un faro a indicarnos el camino al lado oscuro, recitando en un breve poema: “Misterios que viajan a través del tiempo, mensajes en estrellas que susurran al viento. Historias encerradas en viejos enigmas. Fórmulas  y leyendas que jamás fueron escritas. Pócimas  y hechizos que salvaron vidas. Magia en pergaminos que fue perseguida. Secretos del pasado que resucitan en cuentos”.

El alquimista reveló “La máquina de sueños”, dando paso así al “Alquimista”, “El guardián”, “Delirios”, “Mi rebelión” o “Cien años más” entre otros, poniendo el final con “Último adiós”, pero esto no era una despedida, era un hasta pronto, y los que no los hayáis visto tenéis la oportunidad de hacerlo en enero de 2022 en Valencia.

Danny Vaughn

Danny Vaughn, el cantante estadounidense ya nos ha demostrado mil veces su valía. Ha destacado con Waysted o Tyketto, y ahora actúa bajo su propio nombre. Sin duda, la experiencia es un grado. Su sola presencia lleno el escenario en un acústico de una hora que hizo las delicias de todos los asistentes que, embelesados, no quitaban la atención del escenario.

” Lay Your Body Down” fue la encargada de abrir la sesión, continuando con “A Million Miles of Road”, “Rescue Me”, “Season”, “Seven Bells”, “Monkeys with Money and Guns”, “The Shadow of King John”, “The End of the Summer Days”, “Wings”, “Standing Alone”, y como final el mítico “Forever Young”. ¿Qué se puede decir de una actuación sencilla y brillante? Damas y caballeros: “Quien tiene magia no necesita trucos”, y quienes pensaran que esta sería la última vez que veríamos a Danny,  se equivocaron.

Jorge Salán

Llegaba el turno para Jorge Salán, acompañado por Nando, ese maravilloso bajista que ofrece momentos únicos en el escenario, y Pablo a la batería, que logra que esta hable magistralmente. Una vez más nos ofrecieron lo mejor de sí mismos, y es que Jorge sabe cómo hacer que cada concierto sea especial.

En esta ocasión mató dos pájaros de un tiro, dando los últimos coletazos de su álbum ‘Tempus’ y presentándonos ‘El cielo es lodo’, entremezclando temas durante la actuación que comenzó con el que da nombre a este trabajo y siguiendo con “Has matado al rock”, “Patrulla”, “Terrateniente” (tema basado en un texto de Manuel Vicent), “Es momento de luchar” (compuesto con El Drogas y que Pablo, el potentísimo batería, cantó sustituyendo a este),”Tocar el cielo”, “Vida” (en el que el artista defendió la creatividad de los músicos diciendo: “Aunque todos homenajeamos a músicos, no somos una jodida banda de versiones, nosotros creamos y  luchamos por el rock”).

Tras interpretar “Tocar el cielo”, Pablo hizo un solo de batería de siete minutos que dejó boquiabiertos a todos los asistentes, y es que la calidad de este artista es increíble, para así llegar al acústico que además de “Todo se me muere”, en el que comparte voz con Kutxi Romero en ‘Tempus’, e hizo su homenaje a U2  con “I Still Haven’t Found What I’m Looking For”. A partir de aquí Jorge cambió de tercio.

Os dije antes que no sería la última vez que veríamos a Danny Vaughn, y es que ambos artistas compartieron escenario con el tema “Tie Your Mother Down” de mis queridos Queen (aquí Vaughn nos mostró ese rockeroo salvaje que lleva dentro), y así dio paso la actuación a ese Salán bluesero, recordando a Freddie King con “Going Down”, “Leave My Girl Alone” de Stevie Ray Vaughan, para culminar la noche con “Smoke on the Water” de Deep Purple, “The Thrill Is Gone” de B.B. King, su caracterizada “La Grange”, donde Salán comparte con el público la actuación,  “Rocking All Over The World” de Status Quo, y como final de fiesta “Jhony B. Goode”. Una vez más, todo un festival con “de lo bueno, lo mejor”.

Muchas gracias a Revirock y a todo su personal, que en todo momento atendió a cada uno de los asistentes con un trato familiar y precios son asequibles, muchas salas deberían tomar ejemplo. ¿Cómo puedo terminar ? “Si no fuera por la música, habría más razones para volverse loco” (Tchaikovski). Así que… que suene más alto por favor. De Madrid al cielo… aunque sea lodo.

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Entrevista a Buckcherry: “Asegúrate de que tienes un buen abogado que mira bien todo lo que firmas”

Foto: Ashley Ann Caven

Buckcherry sigue peleando por acercarse al éxito que tuvieron hace 15 años cuando la banda estaba en el top de ventas de Estados Unidos. ¿Será ‘Hellbound’, su noveno y nuevo disco, la llave para conseguirlo? Es Josh Todd, el cantante al que solo le cabe un tatuaje “donde te lo imagines”, quien charla con Ñako Martínez (@nakomartinez).

Con su nuevo disco ‘Hellbound’ en plataformas digitales desde el pasado 25 de junio,  parece que Buckcherry va saliendo del bache en el que entró en los últimos años y va recuperando la importancia que tuvo con sus tres primeros discos como banda líder del sleazy rock americano.

En su nueva obra, ya cumpliéndose 4 años desde que saliera el guitarrista y fundador Keith Nelson, consiguen enlazar temas frescos de rock ‘n’ roll, algunos de ellos con fuerza suficiente como para superar la barrera del tiempo y convertirse en clásicos del grupo.

Si bien ahora les queda recuperar al público que les abandonó y a su vez atraer a audiencias más jóvenes, ganas para trabajar no les faltan.

Con Billy Rowe como nuevo guitarrista y ‘Hellbound’ terminado desde octubre de 2020, Buckcherry ya está en Norteamérica presentando una gira de más de 150 fechas.

Foto: Mike McMillen

“Hellbound” significa algo así como que vas a ir al infierno. ¿A qué infierno te refieres?

“En esta canción cuento la sensación que tuve cuando me subí por primera vez con 15 años a dar un concierto. Fue en una fiesta de una casa en Orange County (California) y cuando terminé me di cuenta de que ya haría esto de por vida, ya estaba atrapado por el rock ‘n’ roll”. Hemos tenido una sinergia muy buena creando este disco. “Hellbound” como canción salió en un día, y en 5 días teníamos casi todos los temas. Para “Hellbound” quería un sonido que fuera muy rollo AC/DC, para mí ellos son los reyes de esto, y Steve D (guitarrista) y Marti (Frederiksen, productor y compositor) salieron con este riff tan bueno. Me metí de lleno y en pocas horas tenía las melodías que quería y las letras para la canción. Lo que escuchas en el disco son las mismas voces que grabé para la demo del tema, sin arreglos ni nada. Salió fresca y divertida”.

Marti Frederiksen regresa a escena. Es el sexto Buckcherry y coautor de algunos de los temas más importantes de su carrera, como “Sorry”, así como productor de ‘Confessions’, ‘All Night Long’ y ‘Black Butterfly’.

“Nos pasamos los tres una semana entera en Nashville trabajando en los temas. Marti es de los que se pasa todo el año componiendo canciones, se nota que es especial.  Siempre que estamos los tres juntos aprovechamos al máximo para hacer algo grande. En esa semana nos salieron varias canciones del disco. Stevie y Marti sacaban la música, yo la escuchaba y le ponía las letras por la tarde. Al día siguiente me pasaba dos horas cantando y grabando el tema y así varias canciones. Es increíble la creatividad que nos salió a los tres trabajando juntos”.

¿El single “So Hott” salió de esas sesiones?

“Sí, es de las que salió en esas sesiones en Nashville. Cuando estamos los tres juntos siempre sale algo bueno. Stevie nos enseñó un riff que tenía grabado de una prueba de sonido antes de un concierto, y de ahí empezamos a montar la canción. Tío, no hay nadie mejor en el mundo que Stevie para sacar un riff de rock que se pueda bailar”.

 

Aunque el videoclip sea espantosamente anticuado, de nuevo podría parecernos que hay una crítica detrás hacia el culto a la imagen que proyectamos a través de las redes sociales. Nah, no te rayes. A los Buckcherry solo les interesa pasar un buen rato.

“La verdad no me da miedo que mis hijos abusen de las redes sociales. Como padre, creo que lo que tengo que hacer es comunicarme mucho con ellos y luego dejarles que encuentren su lugar sin entrometerme demasiado”.

“Estar encerrado en casa” reconoce Josh que ha sido lo más difícil de esta pandemia. Hiperactivo y lleno de energía, lleva sobrio más de 20 años, disfruta de su familia, el mundo del motor y los batidos verdes. “El confinamiento para ser creativos ha sido relativamente bueno. Como no teníamos nada más que hacer hemos descargado toda nuestra energía en crear un disco como Hellbound, del que estoy realmente orgulloso

“Gun” es de las que me suena más fresca y diferente a lo que estamos acostumbrados en Buckcherry, con un toque blusero que a veces hasta me recuerda a Steven Tyler.

“Sí, nos lo han dicho antes, que suena mucho a Aerosmith, pero no era mi intención. Escucho muchos singles de pop y hip hop, me ayuda mucho melódicamente para cuando tengo que componer mis propias canciones de rock, siempre lo he hecho. Y en esta canción me inspiré en B-Real (de Cypress Hill) cuando canta el tema “Rock Superstar”. ¿Sabes de qué hablo? A Stevie no le molaba al principio, pero cuando se la pusimos a Marti le encantó. ”.

Tenéis por delante más de 150 fechas en 6 meses. Las audiencias se han reducido, pero las ganas de Buckcherry de saltar a un escenario no.

“Para hacer una gira así hay que estar preparado física y mentalmente. Si no, lo vas a pasar mal. Buckcherry siempre ha sido una banda de directo, es lo que más nos gusta. Puede parecer una gira de locura, pero es que nos hemos pasado demasiado tiempo en casa”.

 

Han pasado cuatro años desde que Keith Nelson (guitarrista) dejara la banda. ¿Le echas de menos componiendo canciones contigo?

“Stevie D (que entró en Buckcherry en 2005) ha ocupado su lugar perfectamente y ha sido una transición suave, creo que ahora se le puede escuchar más en este disco. En lo anterior no le dimos la oportunidad de brillar como lo hemos hecho ahora”.

¿Te queda alguna parte de tu cuerpo que no esté tatuada?

“Muy pocas, imagínatelo…”.

¿Qué consejos le darías a un músico que arranca ahora?

“Siempre ten hambre y pasión, estar muy activos todo el tiempo ayuda mucho a llegar arriba. Cuando el dinero empiece a llegar, también lo harán los cuervos, así que asegúrate de que tienes un buen abogado que mira bien todo lo que firmas”.

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