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Nurcry publica “Free Soul”, versión en inglés de su primer disco, “Alma libre”

No hay duda de que uno de los discos protagonistas de este 2022 que vamos dejando atrás ha sido ‘Alma libre’, el álbum que nos ha permitido conocer el proyecto Nurcry, liderado por Ángel Gutiérrez, que el pasado mes de febrero comenzaba a dar muestras del trabajo que tenía entre manos, el que ahora se presenta completo en su versión en inglés bajo el título ‘Free Soul’.

“Del mismo infierno”“Alza tu bandera” o “Sin temer al sol” fueron los primeros adelantos de un disco que también nos mostró pronto sus primeras versiones en inglés, que llegaban junto a las sorprendentes colaboraciones entre las que destacaron nombres como los de Tete Novoa y Niko del Hierro de Saratoga, Alberto Rionda (Avalanch), Pablo García (Warcry), José Broseta (Opera Magna), Antonio Pino (ex-Leo Jiménez, ex-Ankhara) o Pacho Brea (Ankhara), además de los encargados de materializar el proyecto: la voz de Erik CruzRudy Rebelo a la guitarra, Félix Alonso de Pablo al bajo, Sergio Moreno a las teclas y Koque LaTorre a la batería.

‘Free Soul’ ya está disponible en plataformas digitales con las doce canciones que dan forma a este primer trabajo de Nurcry, en el que pudimos entrar más a fondo también con la entrevista que nos concedió su creador, cuya pasión por el rock y el metal desde los años 80 le llevó a tomar la firme decisión de algún día dar forma a su propio álbum, y ya esperamos que no sea nada más que el principio de una larga carrera llena de trabajos como este ‘Alma libre’ / ‘Free Soul’.

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Jonathan Davis (Korn) habla de autopsias y embalsamamientos en un podcast

Revisar nuestra relación con la muerte para entender mejor lo que es estar vivo es el objetivo que se marcaron Jonathan Davis, vocalista de Korn, y la escritora Mary Roach en su participación en un reciente episodio del podcast “Sing for Science”, en el que las autopsias y técnicas de embalsamamiento fueron las morbosas protagonistas.

El músico y creador del citado podcast, Matt Whyte, fue el encargado de unir a los dos contertulios: la autora del libro ‘Rigor: Las curiosas vidas de cadáveres humanos’, y el creador de “Dead Bodies Everywhere”, la canción que Korn incluyó en su exitoso álbum ‘Follow the Leader’, que trataba de cómo el exceso de cadáveres de la morgue en la que Davis trabajó antes de llevar a su banda al éxito terminó con partes de cuerpos invadiendo el piso en que el vocalista residía, anexo a la funeraria.

La canción fue centro de la conversación que pretendía indagar en la ciencia mortuoria y desmitificar su lado macabro, en la que descubrimos cómo Jonathan comenzó a hacer autopsias en la oficina del forense en su ciudad natal, Bakersfield, California, y terminó estudiando en el Colegio de Ciencias Mortuorias de San Francisco, al que Roach también asistió.

En declaraciones a NME en 2019, Davis aseguraba sobre este tema que “siempre me ha atraído lo oscuro. Con los años he comprendido la importancia del equilibrio. Mi casa, que está llena de cosas jodidamente oscuras, es en realidad un lugar bastante tranquilo. La gente siempre me lo dice cuando viene de visita. Hay un buen equilibrio entre luz y oscuridad. Para mí, la paz es esa delgada línea entre las dos. Pero no puedo negar que no siempre me han fascinado las cosas realmente oscuras, aunque como persona creo que vengo de un lugar de luz”.

El vocalista llega al extremo de convivir incluso con lo que está más allá de la ciencia: “En mi casa veo cosas por el rabillo del ojo. Me digo: “Oh, hola”, porque a estas alturas están ahí todo el tiempo. Hay golpes en mis paredes todo el tiempo. La mierda vuela por las paredes. A estas alturas ni siquiera me asustan, simplemente están ahí. Todo lo que deseo para ellos es paz. Desearía que pudieran cruzar. Tenía miedo cuando era niño”.

Músicos y científicos se dan cita en “Sing For Science”, el podcast producido con Talkhouse en el que se analiza el lado más científico de las canciones más populares de los invitados, uniendo la música con la educación en temas científicos de forma sencilla y más atractiva.

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Entrevista a Stingers: “Analizar tanto a Scorpions nos ha permitido sacar la fórmula, el gen, que nos han transmitido”

Los sevillanos Stingers son, sin duda, la banda tributo más importante a Scorpions, con la particularidad además de editar también ahora sus propios temas originales, manteniendo en los mismos el sello y estilo inconfundible de la banda. De sus nuevas canciones y de su inminente fin de gira en Barcelona y Madrid, los próximos 16 y 17 de diciembre, respectivamente, charló con Andrés Brotons el guitarrista rítmico, fundador de la banda y alter ego hispano de Rudolph Schenker, Javi Ortega.

16 de diciembre, Barcelona, sala Bóveda (entradas a la venta)
17 de diciembre, Madrid, Revi Live (entradas a la venta)

¿Cómo y cuándo se forma Stingers? Tengo entendido que fue en algún evento de fans relacionado con Scorpions.

“La banda surge por el seguimiento y el fanatismo que tenemos el vocalista, Panchi, y yo hacia la música de Scorpions. Con el tiempo decidimos reclutar a amigos y empezar este tributo, sobre las navidades del 2006. Y sí, aprovechamos para hacer una fiesta de Scorpions con fanáticos de toda España, dando la primera actuación de la banda”.

¿Al principio era una reunión entre amigos y luego se oficializó?

“Sí, pero desde el primer momento teníamos la imagen y el repertorio muy claro. Fue duro al principio reclutar a gente, pasaron muchos baterías y muchos bajistas, pero todo fue muy bien y todos siguen contentos y nosotros continuamos en la brecha liderando este proyecto”.

Entiendo que el grupo lo lleváis para adelante sobre todo tu y Panchi.

“Sí. Somos los que lo montamos, somos los que amamos a Scorpions y somos la cabeza motora de esto, con mucha ilusión e inversiones puestas. Los dos estamos a tope con esta idea”.

Vuestros acompañantes han ido entonces variando a lo largo de estos años.

“Sí. Actualmente con la actual formación llevamos mucho tiempo, pero han pasado muchos guitarras solistas, bajistas y baterías. Pero lo bonito es que seguimos en contacto, como te he comentado, y que no ha habido malas historias con esos exintegrantes, y que, sobre todo, les hayamos enseñado el camino y la trayectoria de Scorpions, que muchos la desconocían por completo”.

Sin duda, una de las cosas que más me llaman la atención de Stingers es que se os ha ocurrido, y desde hace ya bastantes años, componer vuestros propios temas originales. De hecho, ya editasteis un disco con temas propios en 2017, ‘Transition’. ¿Qué tal funcionó?

“Sí, correcto, fue en 2017, aunque anteriormente a ese sacamos el EP ‘On the Way’, en 2014. ‘Transition’ funcionó muy bien. Salió con la compañía Fish Factory. Para nosotros es una gozada componer, porque también tenemos nuestras bandas con temas originales. Pero el escuchar tanto a Scorpions y analizarlos nos ha permitido sacar la fórmula, ese gen que sin querer nos han transmitido. Por eso cuando empezamos Panchi y yo a colorear notas y a plasmar melodías, salían automáticamente cosas de Scorpions: era algo natural.

Entonces dijimos: “Esto funciona y se aproxima”, y para mí es lo más recompensable de todo esto, el tener esa facilidad y virtud de sentarte y poder hacer, o al menos eso creemos nosotros, un tema muy similar a lo que es Scorpions, lo que ellos nos enseñaron. Es una fórmula que nosotros hemos absorbido y que creemos hacemos bastante bien. Estamos en el camino de que, cuando ellos se jubilen, poder seguir su dinastía y poder ofrecerles a los seguidores en todo el mundo ese legado y continuidad”.

¿Cómo se os ocurrió esta idea? Porque no todos los grupos tributo lo hacen, componer material original.

“Porque somos muy amantes de Scorpions, los amamos mucho, nos han dado tanto…”

Es como una señal de respeto, ¿no? No sólo les rendís ese homenaje haciendo sus canciones, sino que también creáis las vuestras propias.

“Correcto. Nos apoya mucha gente, hasta ellos, porque los mismos Scorpions han escuchado nuestras composiciones. Casi siempre que nos encontramos con ellos, cada vez que vienen a España, intentamos vernos, y siempre le ofrecemos un regalo y le ponemos las últimas canciones. Y es alucinante ver cómo prestan atención, como se ríen, como nos dicen: “Aquí tenéis que subir alguna nota, aquí pegarle un estribillo más agudo…”

Increíble. Volviendo a la actualidad, sí que me gustaría que me hablaras de los dos últimos temas que habéis editado en plataformas digitales: “Only For a Dream” y “She’s the Girl”. Temas con un sonido muy heredero de los Scorpions más ochenteros y melódicos, especialmente a los del álbum ‘Savage Amusement’.

“Sí. ‘Savage Amusement’ o ‘Face the Heat’. En la composición se refleja un poco un disco u otro, porque tenemos tanto absorbido, que tenemos temas que pueden sonar más a la etapa de los 70 u otros incluso a los 2000. Y sí, actualmente hemos lanzado estos dos singles y creemos que este tipo de metodología es la mejor, por lo menos la que nos mantiene más activos. Así tenemos una continuidad en las redes sociales y plataformas digitales, que al fin y al cabo hoy en día es lo que reina. Actualmente estamos grabando otros nuevos temas”.

Quizás la intención sea lanzar pronto otro nuevo disco.

“Claro. Una vez que tengamos esos nuevos temas listos y se hayan lanzado en las redes y plataformas digitales, con sus correspondientes promos, recopilaremos los temas lanzados y los pondremos en un formato físico que, al fin y al cabo, es algo muy nuestro, muy melancólico y muy real”.

Y muy de los rockeros, creo que nosotros somos muy de apoyar el soporte físico, yo por lo menos sigo haciéndolo.

“Claro. Y es una realidad. Nuestros fans, seguidores y amigos son los que nos demandan eso en nuestros conciertos: “Oye, ¿vais a lanzar CD, LP…?” Y sí, ¿por qué no? Será un esfuerzo, pero llegará el momento”.

De hecho, no sé si hicisteis algún tipo de crowdfunding con el disco anterior.

“No, no lo hicimos al final. Lo que sí tuvimos es algún tipo de apoyo de amigos que nos financiaron algo, pero porque salió de ellos, porque nos quieren mucho y sabían de nuestra actitud y nuestra pasión”.

Los dos nuevos temas que habéis lanzado están muy cuidados. ¿Quién os los ha grabado y producido?

“Un amigo nuestro, de aquí, de Sevilla, Leo Peña, en Jotun Studio. Nos conocimos hace años y seguimos con él. Y sí, tiene esa especialidad en rock, es muy profesional y tenemos una conexión muy buena, por eso seguimos con él. La verdad es que cada vez suenan mejor los temas”.

¿Ha habido algún tipo de colaboración en esos temas? Porque creo recordar que en el anterior disco colaboró uno de los baterías clásicos de Scorpions, Herman Rarebell.

“Pues mira, sí, en “She’s the Girl” tuvimos a un amigo a la guitarra solista, que es muy amante de Scorpions y que, aunque está por Canadá, nos pusimos en contacto, le pasamos las demos y él súper encantado, nos pasó su grabación y quedó alucinante. Es un gran guitarrista y fan de Matthias Jabs, se llama Lance Stevens. Y para el otro corte tuvimos a otra chica que conocimos, de nacionalidad francesa, Mélanie Roustant, a la guitarra solista. Igual, le pasamos demos, hizo un gran trabajo y automáticamente quedó súper fijo y súper plasmado.

Tenemos planeados y en mente que, para los siguientes temas, no estos dos próximos, sino otros que vienen en el futuro, porque siempre estamos ideando, vamos a querer contar con Uli Jon Roth a la guitarra, que es muy amigo nuestro. Fuimos de gira con él… Incluso Panchi tuvo que ayudarle en dos conciertos en Barcelona y en Francia. Tenemos un contacto muy fiel con él. Y con Herman en el ‘Transition’ fue alucinante, tocó una canción, compuso también parte de una letra y tuvo la ocasión de tocar con nosotros en unos conciertos, como ocurrió Sevilla hace unos años. No descartamos hacer más cosas, algo más habrá en el futuro”.

En ‘Transition’ grabasteis una versión del mítico grupo de tecno de los 80 Pet Shop Boys, “Heart”, “scorpionizándola”, y quedó francamente bien. Porque además salió como single y videoclip. Me gustaría saber si hay planes de volver a hacer algún otro “cover” de otro clásico del pop o del rock en vuestro próximo trabajo.

“Sí, quedó bordada e hicimos ese videoclip acordé también, que está chulísimo. Y sí, ese tipo de historias nos encanta. De hecho, Panchi hizo también en solitario una versión de White Lion, “When The Children Cry”, al margen de Stingers, y la colgó también en redes sociales y plataformas digitales recientemente. Últimamente nos ronda por la cabeza hacer una versión de Nazareth”.

¿Como homenaje al reciente fallecimiento del vocalista original, Dan McCafferty?

“Claro. Aunque la idea nos viene desde el fallecimiento también del clásico guitarrista de la banda, Manny Charlton, con el que teníamos cierta relación. Y estamos ahí, con una versión, buscándole los tintes Scorpions, y le haremos ese tributo. Nosotros pincelamos esa rama de hacer una versión o una adaptación, aunque ahora sí es una versión de otro grupo de hard rock. No como lo otro, que le dimos la vuelta a la tortilla con el tema de “Heart” de los Pet Shop Boys, que quedó fantástica”.

Sin duda, y es que, a fin de cuentas, cuando una canción es buena o tiene una gran melodía se puede hacer una versión, no importa el estilo, y versionar “Heart” fue una decisión muy valiente.

“Totalmente”.

¿Se puede conseguir todavía ‘Transition’ en formato físico?

“Buena pregunta. Pues mira, en Amazon sé que estaba, pero desconozco si continúa. Sí es verdad que, actualmente, la manera más directa de conseguirlo es en nuestros conciertos: en nuestro merchandising oficial tenemos una tirada de CDs”.

Aparte de lo que comentábamos antes de la colaboración de Herman Rarebell, imagino que un momento muy especial para vosotros sería cuando subió al escenario en uno de vuestros conciertos el guitarrista de Scorpions Rudolph Schenker.

“Sí. Eso se gestó por un encuentro que tuvimos con la banda y con Rudolph en concreto, pues hablamos mucho con él. Organizó un festival y nos contó que quería contar con nosotros y ahí se quedó la cosa. Pero seguimos las conversaciones y al final sucedió en un festival de varios tributos, entre ellos nosotros, en Alemania.

Fue alucinante por varios motivos. Primero, porque allí mismo hay un museo, el “Rock ‘n’ pop Museum” en Gronau, y justamente estaba la exposición de Scorpions de objetos, fotos, vestuario… que para un fan eso es único: adentrarse en ese tipo de museo es alucinante, lo disfrutamos mucho. Y justo ese mismo día por la mañana, en ese festival, la organización nos confirmó que venía Rudolph, haciéndose 200 km desde su casa, para tocar con nosotros dos canciones. Tú imagínate, llegó con ya nosotros tocando el concierto delante de unas mil personas, e hicimos juntos “Big City Nights” y “Rock You Like A Hurricane”. Fue genial”.

¿Hay testimonio audiovisual de ese momentazo?

“Sí, claro. En Youtube hay un par de videos muy interesantes. Y claro, mi reacción en ese momento cuando me lo veo a la derecha, y empieza a presentarlo un tipo allí en alemán, fue darme la vuelta, empiezo a abrazarle y no me da tiempo a que lo presenten… Fue alucinante, tocar esos dos himnos del rock junto a mí, o yo junto a él. Haciendo el mismo movimiento, escuchando su voz, su sudor y su aliento tan cerca cuando hacíamos coros…”

“La mayoría de los grupos son inaccesibles. Me imagino un tributo a AC/DC o a Guns N’ Roses y no han conseguido ni la mitad que nosotros, porque ni han tocado con Axl Rose ni han podido colaborar con Angus Young ni nada de eso”

En resumen, un sueño hecho realidad.

“Totalmente. Soy muy amante de la banda y los habré visto unas cincuenta veces. Me encantan desde los once años, e imagínate todo lo que he conseguido en una banda tributo: verlos colaborar, que toquen mis canciones y tocar en escenarios con ellos. No voy a decir que seamos los únicos, pero muy pocos fans con sus bandas de versiones han podido lograr tanto. Porque la mayoría de los grupos son inaccesibles. Me imagino un tributo a AC/DC o a Guns N’ Roses y no han conseguido ni la mitad que nosotros, porque ni han tocado con Axl Rose ni han podido colaborar con Angus Young ni nada de eso…”

Sin duda, sois unos privilegiados. Y oye, ya que tenéis tan buen directo, ¿no os habéis planteado sacar algún DVD o álbum en vivo, sobre todo ahora con vuestro repertorio original?

“Pues mira, creo que lo hemos intentado en dos o tres ocasiones, y todo ha resultado fallido, bien porque los que contratamos no tenían buen equipo técnico, o bien porque ese día no estábamos muy finos, y entre unas cosas y otras, no lo tenemos. Y nos lo demandan mucho”.

Pero por lo que me cuentas algún día se materializará.

“Hombre, son proyectos, son objetivos, y todos son muy costosos. Pero es para planificar dos conciertos en el mismo lugar y prepararlo muy bien. Porque de esos intentos que tuvimos lo máximo que salió en redes sociales fue un vídeo, pero no un largo recorrido de un concierto completo”.

¿Os planteáis hacer algún tipo de gira europea o por América, sabiendo que tenéis muchos seguidores?

“Nos han salido ofertas de distintas partes del mundo. Quizás las más importantes, y que nos entusiasmó mucho, fue una en México, con varias fechas, y otra en Moscú. Pero claro, desarrollar eso no es fácil, porque ni la parte que nos ofertó la veíamos lo suficientemente profesional ni nosotros teníamos el respaldo de una agencia o de una promotora para decir: “Aquí estamos y esto es lo que hay”. Claro, eso pasó el año pasado y va a seguir pasando en el futuro.

Actualmente tenemos una promotora que está trabajando con nosotros fenomenal, Eva Benito, de Morgana Music Events. Y supongo que llegará otra oferta de Centroeuropa, y ellos sabrán gestionarlo súper bien, aunque no está en proyecto ni es algo inminente. Pero llegará el momento que tendremos que salir fuera de España, con una gira o minigira”.

Para finalizar la entrevista, sí me gustaría que me hablaras de las próximas fechas por nuestro país de Stingers, así como de los planes para el 2023 de la banda.

“Pues mira, lo que sería el fin de gira de este año, que ha sido un año muy bueno, lo cerramos en las grandes ciudades, que son, por excelencia, donde más rock and roll y heavy metal ha habido, y que son Barcelona y Madrid. Y además por ese orden, vamos primero a Barcelona el 16 de diciembre, en la Sala Bóveda. Ya hemos ido muchas veces y tenemos un público muy entusiasta con la banda. Y al día siguiente, acabamos en Madrid, el 17 de diciembre, donde estáis invitados toda la redacción de MariskalRock, en la Sala ReviLive.

Nos llegan noticias de que es una súper sala y de que va muy bien la venta de entradas anticipadas y estamos muy ilusionados, enfocados en esa descarga para cerrar el año. Ya en 2023 tenemos ya unas cuatro fechas cerradas. Se puede seguir la información de la banda en todas nuestras redes sociales, como Facebook, Instagram o en nuestro canal de Youtube. Y aunque para estos últimos temas hemos preferido hacer unos lyric-videos, hay también planes de un nuevo videoclip para el próximo single que editemos”.

Escucha a Stingers en Spotify:

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Mad Cool Festival anuncia su cartel para 2023 con Red Hot Chili Peppers, Queens of the Stone Age, Franz Ferdinand o Machine Gun Kelly

Los días 6, 7 y 8 de julio de 2023 son los elegidos para la descarga que nos brindará la nueva edición del festival Mad Cool en Madrid, del que ya sabemos que contará en su nueva ubicación con un cartel en el que destacan nombres como los de Red Hot Chili Peppers, Queens of the Stone Age, Franz Ferdinand y Machine Gun Kelly.

La sexta edición del gran festival madrileño vuelve a mostrar su ecléctico carácter y su fuerte apuesta por la música en directo en la temporada estival en el centro de la península con tres jornadas que llegarán con Red Hot Chili Peppers, Liam Gallagher y The Prodigy como tres de los cuatro cabezas de cartel de la jornada final, el sábado 8 de julio, en la que también encontraremos a The Hu, Shinova, Touché Amoré o Belako; el viernes 7 con Queens of the Stone Age, The Black Keys y Sam Smith como grandes atractivos; y la jornada que abrirá el festival, el jueves 6 de julio, que además de Machine Gun Kelly, cuenta en la zona alta con Robbie Williams, Lizzo y Lil Nas X, además de Sigur Rós, The 1975, Franz Ferdinand o Nova Twins entre sus principales atractivos.

Como se puede ver en el cartel, todavía quedan dos grandes bandas por anunciar, una en la zona alta de la jornada del 7 y otra en la del 8.

La venta anticipada de entradas se activará por Santander SmartBank para clientes del Banco Santander el próximo 12 de diciembre para los abonos de tres días y el día 26 desde las 11:00 hasta el 29 a las 10:59 para entradas de un día. La venta general de entradas se activará el 15 de diciembre para los abonos de tres días y el día 29 para entradas de un día. Los socios Mad Cool podrán acceder a la venta de abonos el día 15 de diciembre y el 29 a las entradas de un día.

Pronto tendremos más detalles sobre el nuevo espacio Mad Cool, donde se vivirá esta sexta edición del festival que en las cinco jornadas de 2022 nos ofreció espectáculos tan destacados como los de  Metallica y PlaceboDeftones y The KillersMuse, Incubus o Zeal & ArdorPixies y Royal Blood, y Jack White.

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Crónica de Clutch + Green Lung + Tigercub en Bilbao: El sueño de un grupo de colegas

En los inestables tiempos que corren, en los que algunos modernos casi parecen decirnos que el amor o la amistad es algo tóxico, hay que romper una lanza por aquellos capaces de aguantar a una o varias personas durante varias décadas. De sobra es sabido que las relaciones sociales suelen ser complicadas, por lo que debería reverenciarse hasta el extremo todo acto de paciencia, empatía y entendimiento. Al rumbo que van los acontecimientos, es probable que en breve solo veamos ese tipo de cosas con la frecuencia de los eclipses solares.

Clutch

Los norteamericanos Clutch podrían entrar sin problemas en esa categoría de héroes que llevan soportándose desde comienzos de los noventa, ahí es nada. Una formación montada entre un grupo de colegas que iban al mismo instituto y con apenas cambios de miembros, salvo ese breve paréntesis en el que Roger Smalls se ocupó de las tareas vocales hasta que fue sustituido por Neil Fallon, otro amigo de la época del insti, por supuesto.

Con un número de seguidores que se ha incrementado a lo largo de los años llegamos hasta ‘Sunrise on Slaughter Beach’, un álbum compuesto durante la pandemia que les lleva de nuevo a la península. A pesar de que durante los teloneros el personal fuera más bien escaso en la bilbaína sala Santana 27, para cuando salieron los protagonistas de la velada ya se había alcanzado un nivel de afluencia respetable para una era de saturación concertil.

Tigercub

Abrieron la velada los británicos Tigercub, que sonaban como una especie de Muse metalizados y que por lo menos lograron la ardua tarea de conseguir atrapar la atención de un respetable que casi se podía contar a simple vista. “The Perfume of Decay” nos sirvió para tenerles en cuenta a partir de ahora, pues resultaba curiosa su mezcla de rock alternativo, indie y algún toque más contundente. Una pena que muchos se perdieran una original propuesta que no merecía caer en la irrelevancia.

Green Lung

Los segundos en liza, Green Lung, traían algo más convencional como un stoner rock con voz a lo Ozzy y poso ocultista, pero eso no implica que su propuesta careciera de atractivo. Al contrario, se consolidaron como otro nombre para apuntar en la agenda entre los aficionados al género, especialmente para los muy cafeteros, pues a veces parecía que se habían caído en una marmita dominada por los primeros discos de Black Sabbath. Retro rock de calidad.

Clutch

La maestría de los veteranos ya se palpó desde que arrancaran Clutch y no tardaran en dar cancha a su nuevo material con “Slaughter Beach” y “We Strive For Excellence”, probablemente las dos mejores piezas de su último disco. Un Neil Fallon bastante competente a la voz pilló la guitarra para “A Quick Death in Texas” y “Mountain of Bone” reveló un reseñable juego de luces mientras nos sumergíamos en un repertorio muy dinámico para lo que se suele estilar en el palo.

Su álbum homónimo también gozó de cierto protagonismo con “Big News I” y “Escape from the Prison Planet” o “Spacegrass” casi en el final de la noche. “¡Suenan muy bien!”, decían por ahí y no les faltaba razón, pues su robusto stoner rock brillaba hasta para los que tampoco eran entusiastas absolutos del género. Los fieles se la debieron gozar de lo lindo, algo que se notaba en la peña eminentemente receptiva agitando cabelleras y alzando cuernos.

Clutch

Vamos a ponernos raros”, advirtió el voceras Fallon antes de “Skeletons on Mars”, en la que utilizaron un theremín, ese extraño instrumento que produce sonidos siderales al acercarse las manos y que en dicho tema clavaba por completo la atmósfera sideral del título. De lo mejor del bolo.

“Cypress Grove” mantuvo el tono versátil de ese tramo de su cancionero y además intercalaron una suerte de intervalo funk a lo James Brown. Volvieron a aguas más convencionales con “Mercy Brown” y su característica intro fantasmagórica, un guiño más para los profanos en la materia que se acogió con agrado.

Clutch

En un concierto de Clutch no hay que dar nada por seguro, las cosas pueden cambiar de un momento a otro, algo que tampoco está mal, pues así te obliga a prestarles tanta atención como si estuvieras asistiendo a una clase magistral. “The Mob Goes Wild” se antoja en un inicio una suerte de ejercicio de spoken word, pero cuando se ponen duros en realidad no son tan marcianos. Con un subidón tan enérgico para despedirse no era raro que brotaran ciertos pogos por ahí y al terminar Fallon pronunciara un sonoro “¡Rock n’ Roll!”.

Había sido un recital bastante correcto, pero los de Maryland quisieron sobrepasar esa delgada línea que a veces separa lo aceptable y lo sublime en los bises. “A Shogun Named Marcus” elevó el entusiasmo una vez más, lo cual no era difícil con una pieza para montar pogos y agitar cabellera, dos auténticas señales de satisfacción.

Clutch

El fiestón subió de temperatura con “Electric Worry”, que posee un rollo muy QOTSA y engoriló a la peña todavía más cuando Fallon introdujo “Bilbao” en la letra. Una velada tan sobresaliente había que enmarcarla en oro con una versión del calibre de “Fortunate Son” de Creedence Clearwater Revival en la que pudieron echar el resto los exaltados. Brutal.

Nos encontramos en el bolo con el fotero y aficionado Pato y dijo que le pondría a la actuación un 8, una apreciación que compartiríamos por completo, puesto que en la actualidad no abundan bandas que cambien el repertorio casi cada noche y no tiren de piloto automático como hacen otros. Esto era el sueño de un grupo de colegas y eso se nota. Pura dedicación a los fans.

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Ville Valo (Him): “Después de John Bonham (Led Zeppelin), Lars Ulrich (Metallica) es uno de los baterías más importantes”

El próximo 13 de enero es el día elegido por Ville Valo, el que fuera vocalista de Him, para el lanzamiento de su primer disco en solitario, ‘Neon Noir’, del que hemos podido disfrutar adelantos como “The Foreverlost”, y una reciente conversación sobre este nuevo paso en su carrera terminó poniendo sobre la mesa su gusto como batería por Lars Ulrich, al que pone a la altura de una leyenda como el encargado de la percusión de Led Zeppelin, John Bonham.

La entrevista concedida a la australiana Heavy ha sido la que nos ha descubierto este detalle sobre la admiración de Valo hacia Ulrich, mientras hablaba sobre la particular exposición de la vida y los conflictos dentro de la banda que Metallica realizó en ‘Some Kind of Monster’: “Me encanta Lars (Ulrich). Creo que, después de John Bonham (Led Zeppelin), Lars es probablemente uno de los baterías más importantes. Tiene un estilo muy reconocible”.

Este reconocible estilo es una parte destacada del explosivo nuevo single presentado por Metallica, “Lux Aeterna”, junto a la información de su nuevo disco, ’72 Seasons’, y el anuncio de los conciertos que llegarán al Estadio Metropolitano de Madrid en el verano de 2024.

Por su parte, Ville Valo volverá los días 24 y 25 de febrero a Barcelona y Madrid, respectivamente, para ofrecer los dos conciertos de presentación que se han programado en nuestro país de ‘Neon Noir’. Las entradas están a la venta en LiveNation y en Ticketmaster. La reserva del esperado nuevo disco, ‘Neon Noir’, está disponible en este enlace.

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Paul Stanley (Kiss) opina sobre la gira de reunión de Pantera: “Dimebag Darrell y Vinnie Paul estarían orgullosos”

El festival mexicano Hell & Heaven Metal Fest tuvo el honor el pasado fin de semana de ser el primer escenario sobre el que se materializó la reunión de Pantera y el especial homenaje que se rinde a la memoria de Dimebag Darrell y Vinnie Paul, los siempre añorados hermanos Abbott. El festival contaba también con Kiss en su cartel, y el propio Paul Stanley ha querido dejar un mensaje a sus seguidores destacando que, en su opinión, “Dime y Vinnie estarían orgullosos” tras ver la actuación capitaneada por Phil Anselmo y Rex Brow junto a Zakk Wylde y Charlie Benante.

Las redes del guitarrista y cantante han dejado este mensaje dirigido a una banda que Paul recuerda que giró con Kiss en el pasado: “Emocionado por ver a Phil, Rex y Pantera de vuelta y arrasando. Zakk y Charlie claramente hicieron su tarea con amor y compromiso. Pantera hizo shows con nosotros hace años y fueron feroces y explosivos. Otros lo intentaron, pero nadie pudo ser como ellos. Dime y Vinnie estarían orgullosos”.

Resurrection Fest ya espera como escenario sobre el que tendremos en nuestro país la reunión de Pantera, encabezando un cartel en el que están acompañados por Ghost, Slipknot, Alter Bridge, Behemoth, Lacuna Coil y muchos más, Las entradas están a la venta en este enlace.

Por su parte, Kiss volverá a nuestro país el próximo verano, esta vez liderando el cartel del festival Rock Imperium en su segunda edición, junto a Deep Purple, Helloween, Blind Guardian o Europe. Las entradas están a la venta en este enlace.

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Judas Priest celebra que ha vendido 50 millones de copias en todo el mundo

Judas Priest sigue recibiendo reconocimientos más que merecidos, esta vez traduciendo los 50 años de carrera de la banda en incontestables números, ya que el mes en el que se celebraba la entrada en el Salón de la Fama del Rock and Roll, los del Metal God también han recibido la placa que conmemora los 50 millones de discos vendidos en todo el mundo.

El final del año 2022 marca ya una página importante en la historia de Judas Priest, banda que a principios del pasado mes de noviembre celebraba el reconocimiento a la excelencia musical que el prestigioso Rock and Roll Hall of Fame concedía a la legendaria formación británica con una especial actuación en la que Les Binks a la batería y el legendario guitarrista y fundador K.K. Downing se reunían con los miembros actuales sobre un escenario.

Una noche antes, en Los Ángeles, se le hacía entrega a Glenn Tipton, Rob Halford, Scott Travis, Richie Faulkner e Ian Hill de la placa conmemorativa que certificaba los 50 millones de discos vendidos en toda su carrera por Judas Priest.

Hay que recordar que un nuevo disco sigue en camino, del que llevamos mucho tiempo recibiendo píldoras de información, ya que los seguidores de Judas Priest siguen ansiosos por conocer cómo será el heredero del poderoso ‘Firepower’, del que recientemente descubríamos por boca del propio Rob Halford que pudo haber sido el último disco de la banda.

La gran experiencia de vivir un concierto en directo de Judas Priest nos sigue esperando el próximo mes de mayo, cuando la gira de Ozzy Osbourne presentando ‘Patient Number 9’ llegue a Madrid, completando un cartel que nadie debería perderse.

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Crítica de Pistol Packin´ Mama: Dumpster Diving

Hay nuevo sheriff en la ciudad.

¿Y qué podíamos esperar de un grupo de chavales que se llaman a sí mismos como un tema hillbilly / honky tonk de 1943? Puro sabor a costillas a la barbacoa, pan de maíz, pollo rebozado y bourbon: puro rock ‘n’ roll; puro sur de los EE.UU.

Llega a nuestras manos el nuevo LP de los Pistol Packin’ Mama por recomendación del Destroyer, que nos encomienda la misión (divina, como las de los Blues Brothers) de “criticar” este segundo trabajo de los majariegos -así se llama a los de Majadahonda- con las siguientes palabras: “¿Conoces a esta banda de Madrid? Tengo la certeza casi total de que te gusta o de que te va a gustar”. Diste en el clavo, Juan, cómo nos conoces.

Y es que, ¿cómo no nos iba a molar un conjunto que se jacta de hacer rock ‘n’ roll clásico en pleno siglo XXI? Con la que está cayendo. Miramos las listas de éxitos: Bizarrap, Rosalía… ¿¡Quevedo!? (¿Será también “cojitranco, valentón y putañero”, cómo Don Francisco?). Igual nos hemos equivocado de país, vayamos a la biblia de los hits, el Billboard Hot 100: Taylor Swift, Drake con no sé quien, Mariah Carey (¿y qué pasa con Darlene Love, nadie se acuerda del “Christmas Baby Please Come Home”? Pedradas nuestras, suponemos). Ya lo decían Golpes Bajos, “malos tiempos para la lírica”.

Pero tranquilos, los “viejunos” como nosotros (o pollaviejas, como se dice ahora), podemos descansar tranquilos: ha llegado un nuevo sheriff a la ciudad, los Pistol Packin’ Mama. ¿Y qué podíamos esperar de un grupo de chavales que se llaman a sí mismos como un tema hillbilly/honky tonk de 1942, que fue el primero de su clase en llegar a la cima del ranking Billboard en 1943? Pues puro sabor a costillas a la barbacoa, pan de maíz, pollo rebozado y bourbon: puro rock ‘n’ roll; puro sur de los EE.UU.

Como ellos mismos dicen: “Hacer rock ‘n’ roll clásico en inglés, en España y en 2022 es pelear cada paso, remangarte para rebuscar en la basura y rescatar cada pequeño triunfo”. Por eso su segundo LP se llama ‘Dumpster Diving’, y por eso nos tapamos la nariz y nos zabullimos de lleno en ese contenedor de sonidos que es este pedazo de trabajo de la banda madrileña. Un disco que pide ser escuchado con un buen “whiskey on the rocks”.

El segundo larga duración de los madrileños arranca con “How You Make Me Feel”.  “¡Un whiskey, camarero!” El vaso se desliza sobre la barra y llega hasta nuestras manos, mientras un par de balas silban sobre nuestras cabezas, dos forajidos se pelean y caen rompiendo la barandilla del primer piso a la vez que otro fuera de la ley cuelga del ventilador. Un jolgorio como los de antes, a la vieja usanza.

Bienvenidos a un salón del lejano oeste, porque el rollito pianola con el que nos reciben los Pistol Packin’ Mama nos hace viajar a un western. Pero justo antes de decir “Eastwood, me llamo Clint Eastwood”, los flecos de nuestra camisa vaquera estilo años cincuenta se frenan en seco y escuchamos un piano que arde como el de Jerry Lee Lewis, que nos lleva directos hasta “Music Industry Sax”. Dos canciones que reivindican el papel de las teclas y el saxo en el rock ‘n’ roll y, en definitiva, un disco que pide ser escuchado con un buen “whiskey on the rocks”.

Volvámonos locos

Con “Go Wild” llega el primer highlight del LP. Un corte al más puro estilo del Johnny Cash de Sun Records. Uno casi espera que aparezca la voz profunda del “man in black” diciendo aquello de “Hello, I’m Johnny Cash”, con ese ritmo endiablado y esa guitarrita desenchufada estilo “boom chicka boom” a lo Luther Perkins.

Bienvenidos al “Baile del encantamiento bajo el mar”

Justo después llega “Nighttime”, clásica baladita de los cincuenta que nos traslada al baile de graduación, a “The Prom”, al baile del encantamiento bajo el mar de Regreso al Futuro al que “Keep It Simple”, con sabor a Elvis (alusión a los Blue Suede Shoes incluida), nos invita a ir con chaqueta y pajarita. Y es que, aquí se está celebrando una fiesta, estamos todos invitados, pero se exige etiqueta. Ojo a la trompeta dixieland. Quizá este tema sea una declaración de intenciones en toda regla. “Mantenerlo simple”, el sonido pegado a sus raíces, a los clásicos; al combo guitarra, bajo batería más vientos y piano. Si funciona, ¿para qué tocarlo?

It’s Funktime!

A “Keep It Simple” le sigue “I’m Lost Without You”, que completa el viaje “down memory lane” que dicen los estadounidenses por los sonidos primigenios de los Estados Unidos, por esa música de raíces, porque esto es puro James Brown; puro funk. Al sonido del góspel salido de la iglesia convertido en soul con esa técnica de llamada y respuesta en el estribillo (“What Did I Do Wrong”) que entronca directamente con el sur estadounidense lo complementan con una guitarra muy Chuck Berry, que hace de este corte un tema redondo.

¿Marvin Berry and The Starlighters o los Pistol Packin’ Mama?

¡Nena, no estés triste! Turno para la segunda balada del álbum, otro medio tiempo en estilo doo wop en este caso, con un cierto recuerdo en los acordes al “Crocodile Rock” de Elton John, pero con el tempo más lento, que nos hace dudar si la está tocando el propio Marvin Berry y los Starlighter o nuestros patrios Pistol Packin’ Mama. ¿La mejor del disco? En todo caso una de esas canciones que no te las sabes pero que te dan ganas de arrancarte a cantarlas igualmente, con un saxo tremendo que le da mucho rollo.

Del rockabilly al blues, pasando por el country

En “Don’t Get Me Wrong” -no me malinterpretes- traspasamos la frontera del rockabilly para meternos directamente en el country. Un country eso sí, clásico, con un ritmo acelerado y guitarras acústicas muy características del estilo, que dan paso a “I Can Hear You Singin All Night Long”, que entronca con lo que nos faltaba: los grandes bluemen del Chicago Blues, con un punteo inicial que parece ejecutado por el mismísimo Howlin’ Wolf o Muddy Waters y que da paso a un rock ‘n’ roll desenfrenado.

Chewie, estamos en casa

“Two paths define our lives”, la elección entre dos caminos define nuestras vidas. ¡Qué razón tienen en esta “I’m Home” -estoy en casa- los Pistol Packin’ Mama! Otra balada que nos lleva al momento en el que nos encontramos bailando pegaditos con la chica en el baile del instituto, lentamente, con su cabeza apoyada en nuestro hombro. Esa chica no es otra que el rock ‘n’ roll de toda la vida, y bailamos; bailamos olvidándonos de todo y de todos, y abrazados a ella sintiendo los latidos de su pecho nos sentimos como en casa.

Epílogo: “Dark Eyes”. Mirándote a los ojos me siento bien

Cuando creíamos que estábamos ante el final perfecto, “Dark Eyes” arranca con unos acordes de guitarra muy Buddy Holly y un título clásico, ojos negros, que nos llevan a pensar en ese alumno aventajado del rock ‘n’ roll que era el de Lubbock, Texas, el último convidado a esta fiesta de instituto, que encaja perfectamente con sus gafas de pasta y su jersey de punto como el alumno modelo o el profe joven al que todos queríamos escuchar.

En definitiva, los de Majadahonda dibujan en este ‘Dumpster Diving’ un preciso mapa de carreteras de los sonidos de Norteamérica, por el que diseñan una ruta apta tanto para los lleguen de nuevas buscando un oasis en el desierto musical en el que nos encontramos perdidos como para los que, conscientemente, hayan tomado el desvío de una carretera secundaria y polvorienta que lleva directamente a la Old Weird America de Greil Marcus.

Escucha ‘Dumpster Diving’ en Spotify:

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Deep Purple: 50 años de la edición de “Made In Japan”, el álbum en vivo que marcó toda una época

Se ha considerado durante décadas, y así sigue sucediendo en la actualidad, la cátedra sonora más incontestable de lo que debe ser un álbum de heavy metal en directo. Cuatro caras, con sus sucesivas incorporaciones de otras canciones – “Speed King”, “Black Night”, “Lucille”–  en cada reedición que se ha hecho, que nos muestran a una banda de una imaginación, destreza y fuerza irrepetibles. Todo un retrato sonoro de un tiempo en el que se estaba gestando el heavy metal, y en el que Deep Purple, a través de este álbum, jugó un papel destacadísimo. Mariano Muniesa reconstruye en este artículo toda la historia de esta histórica grabación que el 4 de diciembre de 2022 ha cumplido medio siglo.

La historia de una grabación kamikaze

A las alturas de 1972 ya estaba más o menos generalizada la práctica de editar álbumes grabados en vivo, a pesar de la dificultad técnica y de los elevados costes que conllevaba organizar una producción de ese tipo, con lo cual ya empezaban a ser un elemento importante en la discografía de los más importantes grupos de rock de la época. También, y este no es un dato menor, porque desde finales de los años 60 se había empezado a crear una microindustria paralela a la propia industria del disco basada en la comercialización al margen de los circuitos convencionales de lo que se dio en llamar “discos piratas”, es decir, grabaciones normalmente hechas en conciertos en directo que no se editaban por los sellos con los cuales el artista en cuestión tuviera firmado ningún contrato y por los que obviamente no recibían ningún beneficio en concepto de derechos de autor.

Ello motivó a la industria discográfica a impulsar la edición de discos en directo oficiales, que al estar grabados en condiciones técnicas profesionales y adecuadas, ofrecían un producto mejor acabado y más apetecible para el consumidor que los discos “bootlegs”, cuya calidad de sonido solía ser ínfima y además eran exageradamente caros.

Algo así sin duda fue lo que pensaron los managers de Deep Purple, quienes, estimulados además por las importantes cifras de ventas que habían conseguido entre 1970 y 1971 los álbumes en directo ‘Get Year Ya-Ya’s Out – The Rolling Stones In Concert!’ de los Rolling Stones y ‘Live At Leeds’ de The Who, vieron claro que el próximo álbum del grupo debería ser un live. Y siendo Japón uno de los países del mundo en los que mejor se habían vendido ‘Deep Purple In Rock’, ‘Fireball’ y ‘Machine Head’, se aprovechó la primera gira que el grupo iba a hacer por la tierra del sol naciente para grabar allí el disco en directo que iba a pasar a la historia con el nombre de ‘Made In Japan’.

Una accidentada gira y una grabación conflictiva

A comienzos de los 70, la edición de un disco de estudio no marcaba necesariamente el inicio de una gira de promoción, y no desde luego en el caso de Deep Purple. Cuando apareció en el mercado ‘Machine Head’, su álbum de estudio de aquel año a finales de marzo de 1972, el grupo acababa de terminar un tour por Estados Unidos hecho durante los meses de enero y febrero, y nada más volver de América, empezaban gira por Europa y el Reino Unido. De hecho, esa frenética e ininterrumpida actividad en directo terminó por generar un stress, un cansancio y una tensión interna muy fuerte en la banda, razón básica por la cual Roger Glover e Ian Gillan se marcharon de Deep Purple en 1973.

Pero eso aún tardaría en llegar. Dentro del programa de giras en las que el grupo estaba inmerso en aquel momento, Ritchie Blackmore enfermó de hepatitis justo coincidiendo con la salida a la venta de ‘Machine Head’, y aunque el resto del grupo hizo ensayos con otros guitarristas para no tener que cancelar las giras (Al Kooper y Randy California llegaron incluso a hacer algún concierto con el grupo, y de hecho se especuló con la posibilidad de que Randy California se quedase en el grupo definitivamente dadas las malas relaciones de Blackmore con el resto de Deep Purple) lo cierto es que la banda sin su carismático guitarrista no funcionaba ni mucho menos igual, de manera que hubo que aplazar muchos de los conciertos que estaban ya programados, entre ellos su primera gira japonesa, que iba a tener lugar en el mes de mayo y que se tuvo que posponer a agosto.

Cuando el grupo y todo su equipo técnico aterrizó en la tarde del 9 de agosto de 1972 en el Aeropuerto Narita de Tokio, unos días antes del comienzo de la gira japonesa, fueron recibidos como auténticas estrellas de rock y en un ambiente de euforia por parte de miles de fans que estaban ansiosos por ver por primera vez al grupo en directo.

Sin embargo, cuando llegaron a Japón, el ambiente interno estaba muy enrarecido. La mala relación entre Ian Gillan y Ritchie Blackmore había llegado a un punto de no retorno (se dice por parte de diferentes expertos en la historia de Deep Purple que ya en ese momento, verano de 1972, el cantante había tomado la decisión de no continuar en el grupo y que solamente la presión de los managers le convenció de seguir unos meses más y de grabar el siguiente disco) y además, por un lado el grupo quería como ingeniero de sonido para esa grabación a Martin Birch, algo a lo que su compañía de discos se oponía, pero que al final tuvo que aceptar, mientras que por otro lado, el equipo técnico y el material aportado por la compañía para grabar los conciertos japoneses en opinión de Birch, eran muy insuficientes para hacer una grabación de buena calidad y que el resultado final podría ser muy decepcionante.

Afortunadamente no ocurrió así, gracias tanto a la pericia de Martin Birch como a la propia actitud del grupo, que se centró mucho más en ofrecer a sus entusiastas fans japoneses actuaciones intensas, vibrantes y poderosas que en preocuparse de un disco que incluso pensaron que no se llegaría a editar, lo cual les llevó a tocar sin la presión de una grabación, con una energía y una fuerza que quedó perfectamente plasmada en los microsurcos de ‘Made In Japan’.

“Lo cierto es que no nos preocupamos en absoluto de si se estaban grabando o no los conciertos, lo único en lo que nos centramos fue en la idea de no defraudar a un público que nos veía por primera vez, y ello nos llevó a dejarnos llevar, a improvisar, a mostrarnos tal y como éramos con toda la naturalidad del mundo, casi como si fuera un ensayo con público. Tal vez, si hubiéramos estado pensando en hacer un concierto para la grabación de un disco, no hubiera salido tan bien, porque lo cierto es que en aquellos conciertos dimos lo mejor del grupo como muy pocas veces más habíamos dado”, me dijo personalmente Jon Lord en 1998, con motivo de la entrevista que le pude hacer en mi programa de radio, Rock Star, en su visita a Madrid con Ian Paice para promocionar la reedición 25 aniversario de ‘Made In Japan’.

La gira japonesa de agosto de 1972 de Deep Purple se llevó a cabo los días 15 y 16 de agosto en el Koseinenkin Kaikan Hall de Osaka y el 17 de agosto en el Teatro Budokan de Tokio. El segundo concierto de Osaka fue considerado el más potente y mejor realizado de los dos, y de hecho, de este concierto se extrajo la mayor parte del material que integraría ‘Made In Japan’. Del primer show del 15 de agosto solo se usó “Smoke on the Water”, mientras que del show de Tokio se incluyeron en el disco “The Mule” y “Lazy”, todas ellas sin overdubbings, algo que siempre se preocuparon mucho de recalcar los miembros de la banda en todas las entrevistas que hicieron a lo largo de su carrera siempre que tenían que hablar de este disco.

La falsa historia del suicida de ‘Child In Time’

La historia del rock’n’roll está llena de falsos mitos. Uno de los más extendidos, más allá de las supuestas alabanzas satánicas en latín que se escuchan en “Stairway To Heaven” de Led Zeppelin escuchada al revés o de la muerte de Paul McCartney en 1966, es la del famoso “suicida” que supuestamente se quitó la vida el 16 de agosto de 1972 en el concierto de Deep Purple en Osaka.

Alguna de esas mentes calenturientas, ignoro con qué objetivo, esparció la fantasiosa y absurda teoría de que coincidiendo con el crescendo final de “Child In Time”, al mismo estilo del asesino de la famosa película de Alfred Hitchcock ‘El hombre que sabía demasiado’, algún individuo desesperado  aprovecharía toda la descarga sonora del final de la parte más intensa de ese tema para, en medio de todo el desplome sonoro de todo el grupo al máximo volumen, hacer un disparo de revolver y volarse la tapa de los sesos sin que  apenas llamase la atención en mitad de la oscuridad. Incluso, algunos medios periodísticos especializados se hicieron eco de este supuesto suceso y llegaron a publicar que expertos de la policía japonesa habían analizado las cintas de la grabación y habían reconocido el sonido de una detonación producida por arma de fuego en el final del in crescendo instrumental de “Child In Time”.

Por supuesto, nada de esto sucedió. Jamás se dio a conocer la identidad del supuesto suicida ni la policía registró denuncia alguna de la presencia de un cadáver en el recinto del concierto, al margen de la dificultad de poseer armas de fuego en el Japón de comienzos de los 70 y máxime de poder introducirlas en un local de espectáculos públicos. Pero, ya se sabe… cualquier hecho truculento y sangriento, por estúpido y disparatado que pueda parecer a los ojos de cualquiera, si se produce en el entorno del heavy metal, mucha gente se lo cree y lo difunde como si de una verdad absoluta se tratase. Vivir para ver…

Una genuina obra maestra y un legado histórico

El 4 de diciembre se puso a la venta en la mayor parte del mundo –en algunos países el 1 de diciembre, en otros el 8-  ‘Made In Japan’, el formidable doble álbum en directo de Deep Purple que se convertiría en un clásico de clásicos absoluto de la historia de nuestra música.

Glosar en un blog todo lo que atesora un documento sonoro como el que este álbum en directo representa probablemente esté de más. A lo largo de cinco décadas todas las virtudes de esta obra maestra ya han sido suficientemente puestas negro sobre blanco, pero en cualquier caso, yo no me resistiré a la tentación de comentar algunas de las que considero más relevantes.

En 1972, Deep Purple, al igual que Black Sabbath, Uriah Heep o Led Zeppelin habían adquirido una personalidad, un estilo y un armazón musical basado en la intensidad, la potencia, el máximo volumen, en desarrollar a lo largo de sus conciertos algo que iba mucho más allá de una puesta en escena o una actuación en directo. Al igual que los propios Zeppelin o los Cream de 1968, cada concierto de Deep Purple era una experiencia sonora en la que las canciones, al más puro estilo de los grupos de jazz o jazz rock, no eran sino autopistas por las cuales hacer correr todo un caudal de imaginación, improvisación, experimentación y progresión instrumental, siempre con los amplificadores a tope y con un volumen atronador.

Ese espíritu, esa magia, esa incontenible catarata de potencia sonora, al lado de esa capacidad de improvisación y experimentación, es lo que casi involuntariamente se captó y plasmó en ‘Made In Japan’ y la razón fundamental por la que se convirtió en un álbum de leyenda. La energía abrasadora de “Highway Star”, la densidad y profundidad de “Child In Time”, la genialidad casi jazzística de “Lazy”, la genialidad de “The Mule”, el equivalente Purple del “Moby Dick” de Led Zeppelin… en general, toda la poderosa y desbordante magia de una banda en el mejor momento de su carrera pese a las disensiones internas y las tensiones producidas por el exceso de trabajo, conformaron un doble álbum en directo que se convirtió en la cátedra sonora y en el modelo a seguir, sobre todo en el mundo del hard rock y el heavy metal para todos los que vendrían después.

El legado que dejó, incontestable: Es de los poquísimos álbumes en vivo que desde su edición en diciembre de 1972 nunca ha quedado descatalogado, es decir, siempre ha estado a la venta ante la incesante demanda. Fue el disco de Deep Purple que más alto ha llegado nunca tanto en las cifras oficiales en Estados Unidos de la RIAA (Asociación americana de la industria de la música) como de la lista de Billboard – nº6 en enero de 1973-, y ha sido disco de platino en países como Japón, Alemania, Francia, Suecia, Holanda y España. A día de hoy, diciembre de 2022, ha vendido en todo el mundo un total aproximado de 20 millones de copias.

Curiosidades…

Las fotos de la portada y contraportada de ‘Made In Japan’ no se tomaron en ninguno de los conciertos en Japón, sino en un show celebrado en el Rainbow Theater de Londres el 30 de junio de 1972. Como anécdota, uno de los asistentes a ese concierto fue el guitarrista de Def Leppard Phil Collen, quien relataba así la experiencia a nuestro compañero Juan Destroyer en una entrevista publicada en el nº 414 de nuestra revista La Heavy: “Aunque el disco fue grabado en Japón, las fotos son del concierto en el Rainbow Theater. Tanto mi primo como yo, que estábamos en primera fila, justo debajo de Ritchie Blackmore, salimos difusamente en la imagen de la contraportada. Tenía 14 años, fue mi primer concierto y me marché de allí decidido a aprender a tocar la guitarra”.

Japón fue precisamente el único lugar del mundo en el que el disco no se editó con el nombre de ‘Made In Japan’, sino que se llamó ‘Live In Japan’. Tuvo un diseño de portada diferente y se alteró el orden de las canciones, siendo el segundo tema de la cara A del primer disco “Smoke on the Water” en lugar de “Child In Time”. Uruguay fue el único país del mundo en el que además de publicarse un año y medio más tarde, ya en 1974, se editó como un álbum sencillo en lugar de doble. Por razones que se ignoran, el segundo disco del lanzamiento no se puso a la venta en la edición uruguaya.

El Koseinenkin Kaikan Hall de Osaka, curiosamente, fue el escenario de la última aparición de Ian Gillan y Roger Glover con Deep Purple hasta la recomposición del “Mark II” a finales de 1984. Tras este concierto, celebrado el 29 de junio de 1973, el cantante y el bajista anunciaron su abandono de la formación.

El ingeniero Martin Birch ha afirmado en varias entrevistas que, a pesar de lo que todo el grupo luchó para que él fuera el responsable de la grabación y la producción del disco, al final ni Ian Gillan ni Ritchie Blackmore estuvieron en las sesiones de postproducción ni escucharon el álbum antes de su lanzamiento. Solo Roger Glover e Ian Paice y en ocasiones Jon Lord estaban en el estudio cuando se mezcló.

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