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Crítica de Ayra: Silent Veil

Estratosférico álbum debut de la nueva banda fundada por el vocalista Kino Nietsa (ex-Apôcrifa) junto con Yeray López, el que fuera guitarrista de Hybris, banda en la que cantó Pacho Brea (Ankhara). Sin rodeos, tenemos ante nosotros un soberbio e insultante ejercicio de heavy-power metal melódico y sinfónico que no languidece a la hora de adentrarse en terrenos más complejos y elaborados para ofrecernos fantásticos momentos del mejor metal progresivo.

Así es el caso de “Only Agony”, “World From Dust”, esta algo más dura, o la siguiente que da título al plástico, “Silent Veil”. Rompe con la tendencia “Sun Rise”, la más puramente power metal y donde tanto Kiko como Tete Novoa (Saratoga) llegan a alcanzar cotas vocales inhumanas. Rápida y alegre sin abandonar sinuosos y elaborados teclados cumple con la mayoría de los elementos esenciales del género.



Más pausada se muestra “Starry Sky”, un medio tiempo que desemboca en los guitarrazos de Yeray en “Vanity”, un corte perfectamente incrustarle en cualquier disco editado durante la época dorada del citado género. Cortes como “Crystal Wall”, “Last Desire” o “The Abyss”, puro Stratovarius, harán las delicias de los mayores nostálgicos de la mejor época de los finlandeses.



En la recta final, “Alone In Silence” esconde un delicioso contraste de voces y líneas vocales. Original y sorprendente. La bonita balada, “Breath of Life” (¿quién dijo que las baladas han de ser instrumentalmente sencillas?) y la estupenda versión de “Stargazer” de Rainbow cierran un disco que, no me andaré con rodeos, está entre lo mejor de este difícil 2020.

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Así te salva Dave Grohl (Foo Fighters) de tu adicción al café: “Funciona (más o menos)”

Dave Grohl y el resto de miembros de Foo Fighters se han propuesto ayudar a aquellos fans de la banda californiana que hayan desarrollado un problema con una de las bebidas más extendidas a nivel mundial: el café. Este famoso estimulante es el producto en torno al que gira el último vídeo que el grupo ha publicado mientras esperamos a conocer más detalles de ‘Medicine at Midnight’, su próximo disco del que ya hemos podido escuchar “Shame Shame”.

En esta producción Dave interpreta a una versión de él a la que le fue diagnosticada una adicción al café, un mal que estaba interfiriendo en sus relaciones sociales y en su habilidad para componer música durante los últimos años. Afortunadamente para él, Grohl descubre FreshPotix, un medicamento que, si bien suprime este problema con el café y que, como su propio eslogan afirma, “funciona (más o menos)”, provoca una dilatada lista de efectos secundarios, entre los que se encuentran calvicie de culo, ataques de ira contra personas zurdas o riesgo de contraer ‘Cyrusvirus’, una enfermedad que hace que tu voz se transforme en la de Billy Ray Cyrus o en la de su hija, Miley Cyrus.

¡Os dejamos con este divertido sketch!

Esta broma ha llegado lo suficientemente lejos como para que el combo se haya molestado en abrir la página web de FreshPotix, donde presumiblemente en un futuro podremos hacernos con algún artículo de este (cuanto menos curioso) medicamento.

No es la primera vez que Dave protagoniza un sketch de este tipo, puesto que en Them Crooked Vultures , grupo que comparte con John Paul Jones (Led Zeppelin) y Josh Homme (Kyuss, Queens of the Stone Age) fue donde este periplo suyo con el café dio inicio. Os dejamos también con el vídeo que ha inspirado al de FreshPotix:



Os recordamos que ‘Medicine at Midnight’, el que será el décimo disco de la trayectoria de Foo Fighters, llegará a las tiendas el próximo 5 de febrero de la mano de Roswell Records/RCA Records.

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Transatlantic ‘The Absolute Universe’

Los prog rockers Transatlantic, con Neal Morse, Mike Portnoy, Roine Stolt y Pete Trewavas, presentan su nuevo LP ‘The Absolute Universe’ por medio del tema ‘Overture / Reaching For The Sky’.

Transatlantic en una de sus habituales acciones superlativas ha creado dos versiones del disco, ‘The Absolute Universe: The Breath Of Life (Abridged Version)’ y ‘The Absolute Universe: Forevermore (Extended Version)’.

Transatlantic, en la voz de Mike Portnoy, quien fuera batería de Dream Theater, comenta: “Hay dos versiones de este disco. Hay un doble CD de presentación, el cual contiene 90 minutos, y luego otro CD que contiene 60 minutos. Pero el CD que va solo no es una mera versión editada del doble CD. Cada uno contiene versiones alternativas y en algunos casos, nuevas grabaciones. Compusimos letras frescas y tuvimos a diferentes cantantes cantando en el cd en comparación con los que participaron en el doble cd. Algunos de los títulos de las canciones también se han cambiado, mientras que otros son los mismos, pero compositivamente lo que vas a escuchar está alterado. Debes de apreciar que lo que hemos hecho es algo único. Hemos renovado las canciones para hacer dos versiones de las mismas.”

Pete Trewavas añade: “Escribimos nueva música para el CD que va solo. Y hay más, también hay diferencias en los instrumentos usados en algunas de las canciones de ambos discos».

Mike Portnoy, sobre el tema de avance comenta: “’Reaching For The Sky’ es el primer tema del nuevo opus de Transatlantic. Es una buena introducción a este épico disco y está formulado a la vieja usanza de Transatlantic: comenzar con una extensa introducción instrumental para luego proseguir con un primer tema alegre. Me encanta que contenga una de mis cualidades favoritas de la banda que es que canten más componentes. En este caso: Neal es la voz principal en el primer verso, en el segundo, Neal y Pete comparten los coros conmigo y Roine pone la voz de fondo mientras Neal se queda con el glorioso puente. Todo ello bajo la batuta del distintivo solo de guitarra de Roine. También es interesante que esta versión exclusiva aparezca en la versión de un cd, mientras que la versión extendida 2cd abre con la versión alternativa ‘Heart Like A Whirlwind’, la cual tiene diferentes letras y voces».

Cada álbum estará disponible en CD, LP y en digital. Pero también existirá el llamado ‘The Absolute Universe: The Ultimate Edition’, que recolecta ambas versiones en un pack que incluye 5LPs, 3CDs y un Blu-ray que contiene sonido 5.1 y un documental «detrás de las cámaras».

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¿Está Lars Ulrich (Metallica) molesto por las críticas a su habilidad con la batería?

A pesar de su encomiable trabajo a la hora de hacer llegar a Metallica a lo más alto del metal, lo cierto es que uno de los temas de conversación recurrentes entre los fans de la banda californiana es la bajada de nivel que se le achaca a Lars Ulrich conforme han pasado los años. El danés, consciente de estas críticas a su labor a la batería, se ha pronunciado al respecto.

“A diferencia de años atrás, no leo las otras entrevistas que el resto de miembros realizan. Hace 20 o 30 años nos sentábamos y leíamos cada puta página de Herrang! Y de Circus, para ver qué se decía y qué decían el resto de miembros de grupos, lo que James decía de esto y aquello. Ahora no hay nada de eso. No leo lo que la gente dice de Metallica”, ha confesado Ulrich para So What!, la revista del club de fans de Metallica.

“Diré que de vez en cuando, una vez cada seis meses o algo así, es divertido pasar por la sección de trolleo solo por lo ridículo de todo, pero no es algo que ya haga con regularidad. Hace 20 años, hubiera sido como: “Dios mío, alguien dijo algo malo”, o: “Esa persona dijo un comentario desagradable en la sección de comentarios”, o lo que sea. Ahora, nada de eso realmente significa nada para mí”, proseguía.

Lars no se quedaba ahí, yendo de lleno al tema en cuestión: las críticas a su habilidad a las baquetas: “Soy literalmente inmune a eso. Acabamos de hacer un montón de entrevistas y, a veces, si me entrevista un periodista que también es fan, dirán: “Cuando la gente dice que Lars Ulrich es un baterista de mierda, yo te defiendo”, lo cual es genial, pero tengo que decirles que 20 años después, 30 años después, simplemente ya no me importa. Me siento muy cómodo con quien soy, me siento muy cómodo con lo que Metallica es, me siento muy cómodo con nuestro lugar en todo esto. Tengo una esposa increíble, tres hijos geniales, a mi padre y su pareja Molly (ndr: su pareja), amigos increíbles y muchos conocidos geniales. Está todo bien. No me queda nada por demostrar, así que ya no me importa”.

PARA LEER MÁS:

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“¿Será el miedo, el vivir con miedo, lo que transmitamos a las futuras generaciones?”

Sin duda pasamos por tiempos de incertidumbre, en los que la rapidez con la que las noticias relativas a la pandemia que nos trae de cabeza a todos nos obliga a no poder organizar planes a medio ni largo plazo y a vivir en un constante estado de alerta. Para las generaciones que no hubieran pasado por un acontecimiento de las dimensiones de este, esta insólita situación cobra mayor magnitud, mientras que algunos de los nacidos décadas antes se preguntan si ese miedo a vivir será transmitido a los más jóvenes en un futuro. Uno de los que baraja esta posibilidad es el vocalista y bajista de Sodom, banda que el 27 de noviembre y de la mano de Steamhammer SPV editará ‘Genesis XIX’.

Esta es la respuesta que Tom Angelripper daba a Mariano Muniesa al ser preguntado por el motivo de que la letra “Nicht Mehr Mein Land” esté en alemán en la entrevista que encontrarás al completo en La Heavy 426: “Porque trata de un asunto muy específico nuestro. Es en cierto modo una canción política, porque describe cómo estamos viviendo el impacto del coronavirus en Alemania, y sobre todo, cómo estamos acostumbrándonos a vivir con miedo. Me hace pensar: “¿Será el miedo, el vivir con miedo, lo que transmitamos a nuestros hijos, a las futuras generaciones?”. Me preocupa y quise reflejarlo en la letra de esa canción. Además las salas, los músicos, toda la gente que trabaja en la música, está pasando una situación terrible porque no podemos trabajar. ¿Y quién nos ayuda?”.

Antes del estreno de ‘Genesis XIX’, la banda de doom metal británica ha tenido a bien deleitarnos con el estreno del vídeo de “Friendly Fire”, el cual os dejamos aquí:

Encontrarás esta entrevista de cabo a rabo en La Heavy 426, así como las que forman el especial ‘Mujeres del metal’, entre las que se encuentran las realizadas a Jinjer (cuya frontwoman, Tatiana Shmaylyuk, es dueña de la portada) Doro, Visions of Atlantis o Draconian. Además, AC/DC, Van Halen, Motörhead, La Polla Records, Alter Bridge o Dark Tranquillity también hacen acto de presencia en la revista. ¡No te quedes sin La Heavy 426, ya disponible por 4 euros en los quioscos y en nuestra tienda virtual!

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Slash (Guns N’ Roses) opina sobre el nuevo disco de AC/DC, “Power Up”

El guitarrista de Guns N’ Roses ha dado su veredicto del último trabajo de AC/DC, ‘Power Up’, del que puedes leer nuestra crítica a través de este enlace. Parece que el primer disco de los australianos en seis años, desde que viera la luz ‘Rock or Bust’, ha dejado satisfecho a Slash, como ha dejado patente en una entrevista concedida a Consequence of Sound en la que ha repasado tanto este trabajo como su relación con el grupo.

“Obviamente tengo una larga historia con AC/DC, y Axl estuvo cantando con ellos por un tiempo cuando Brian estaba fuera, así que volvimos a conocernos durante este periodo […] Son una gran influencia en la gente que piensa que el rock and roll es una especie de diversión y juego solamente. Luego, tan pronto como ocurre cualquier tipo de percance, las bandas se separan, se desmoronan o renuncian. AC/DC es un gran ejemplo de longevidad. Son un gran ejemplo de tenacidad y perseverancia, un gran ejemplo de talento y de lo que es el rock and roll. Estoy muy feliz por que continúen”, aseguraba el músico.

“Entonces, en la cima de esto, hacen un disco tan jodidamente genial a estas alturas. Es un álbum realmente inspirador. Lo he puesto en el coche durante el último par de días y probablemente se vaya a queda ahí por un tiempo. Me emociona. Me alegro por ellos. Me muero de ganas por que esta situación del virus se acabe para que podamos ir a verles de gira a algún sitio”, ha declarado Slash.

No olvidéis que en La Heavy 426, ya disponible por 4 euros en los quioscos y en nuestra tienda virtual, encontraréis un análisis en profundidad de ‘Power Up’, así como entrevistas a  Jinjer (protagonizando Tatiana Shmaylyuk la portada) Doro, Visions of Atlantis o Draconian por el especial ‘Mujeres del metal’ incluido en este número. También podréis disfrutar de contenido de Van Halen, Motörhead, La Polla Records, Alter Bridge, Dark Tranquillity o Sodom ¡Consigue ya con La Heavy 426!

PARA LEER MÁS:

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Crítica de Jorge Salán: Tempus

Siempre es un honor el poder hacer una reseña de este tipo, pues Jorge Salán es, quizás, uno de los artistas que mayor proyección y futuro se ha labrado y ha  conseguido a base de duro esfuerzo desde hace mucho, mucho tiempo en nuestro país. Todo un ejemplo y modelo de inspiración tanto como músico como persona. Por todo ello, y porque vivimos una época un tanto convulsa en todos los aspectos, sobre todo para la industria musical, hemos de estar de enhorabuena y celebrar el flamante nuevo disco del madrileño titulado ‘Tempus’.

El nuevo disco de Jorge Salán retoma su estilo más heavy-hard de obras como ‘Estatuas en la calle’ (2010) o ‘Sexto asalto’ (2011), y continúa alejándose de sus inicios más puramente guitar hero de discos como ‘The Utopian Sea Of The Clouds’ (2002), ‘From Now On’ (2004), ‘Chronicles Of An Evolution’ (2007), incluso, ‘Subsuelo’ (2009), el cual albergaba deliciosas características de transición. Dejando momentáneamente a un lado el aspecto más blues de sus plásticos más recientes, retorna, como digo, al heavy-hard lleno de melodía y suma calidad para deleitarnos con cortes como el primero, “Sueño eterno”, de riff inicial contundente pero que doblega ante la armonía para esconder un aroma a lo Gary Moore que tanto gusta al bueno de Jorge.

Más contenida se muestra “Viejos dinosaurios”, un tema instrumentalmente impecable cuya línea vocal termina por establecer al guitarrista como, además, un excelente vocalista. De nuevo, reminiscencias puramente Moore afloran en el corto pero intenso solo de guitarra. “Vida”, más melódica que las anteriores, esconde cuidados detalles como los acertados teclados que le otorgan ese clasicismo tan elitista por no decir de las excelentes líneas vocales, el pegadizo estribillo y las constantes e incontestable incursiones de Jorge sobre las seis cuerdas. Corte éste que contrasta para mí, con uno de los mejores del disco, “Es momento de luchar”, donde, junto a Enrique Villarreal, El Drogas, ambos se funden en un tema de lírica combativa y crítica al más puro estilo del exlíder de Barricada. Fantástica.

De ritmo marcado, “No despiertes” nos adentra en un bonito viaje de cuidadas y melódicas sonoridades hard rock donde destaca la voz de Jorge en perfecta simbiosis con su guitarra. Un corte más tranquilo y relajado como antesala perfecta a la siguiente colaboración. Esta vez, junto a Kutxi Romero, de Marea, para ofrecernos una pieza mayormente acústica cuya lírica triste y nostálgica ensambla magistralmente con el abrupto y eléctrico solo de guitarra.

En la parte final, “Tocar el cielo” se entrega abiertamente a las sonoridades del genio irlandés y clara influencia del madrileño. Más optimista y alegre, contrasta con el carácter de las anteriores para ofrecernos un heavy-hard de primera categoría que incluso esconde la siempre entrañable nostalgia de los ochenta. Buenísima. En “Silencio” Jorge combina su maestría a las seis cuerdas junto a los tambores percutidos por Pedro Andreu de Héroes del Silencio, una melódica y cuidada pieza de hard-AOR que da pie al último y acústico corte del plástico donde Jorge hace alarde de un sentimiento único. En definitiva, un disco sobresaliente de un artista ya consagrado con una proyección única que no conoce límite alguno.

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Angelus Apatrida desvela todos los detalles de su homónimo nuevo disco

Después de agitar sus redes sociales esta semana poniendo alerta a todos sus seguidores con la inminente llegada de una gran noticia, finalmente Angelus Apatrida ha roto su silencio al revelar la portada, fecha de estreno, tracklist y el primer single de su próximo álbum, de nombre ‘Angelus Apatrida’.

Este trabajo de la banda de thrash metal oriunda de Albacete, el cual ha sido producido por los sus propios integrantes, hará su debut en tiendas el próximo 5 de febrero de la mano de Century Media Records. Su preventa en edición limitada CD Jewelcase con O-Card y en LP negro de 180 gr más el disco entero en CD ya se encuentra disponible en este enlace. Esta reserva incluye una camiseta (negra, roja, blanca o verde), dos pegatinas, un póster de 50×50 cm y una postal firmada de regalo para los primeros compradores. Además, quienes quieran hacerse con el LP en color rojo pueden hacerlo a través de este link.

“Es muy difícil elegir cuál va a ser el primer single de nuevo disco, ¡todo el álbum en un single en sí! “Bleed The Crown” probablemente sea uno de esos temas clásicos de Angelus Apatrida que une energía, riffs alucinantes y voces pegadizas ¡de esas que una vez la escuchas se quedan en tu cabeza todo el día! Es una canción poderosa, que grita en contra de poderes oscuros que mueven los hilos desde arriba. ¡Un aperitivo perfecto para lo que se viene encima!”. Sin más dilación, os dejamos con este primer adelanto: “Bleed The Crown”.

Esta es la lista de canciones que incluirá ‘Angelus Apatrida’:

01. Indoctrinat
02. Bleed The Crown
03. The Age Of Disinformation
04. Rise Or Fall
05. Childhood’s End
06. Disposable Liberty
07. We Stand Alone
08. Through The Glass
09. Empire Of Shame
10. Into The Well

Además, a la espera de que la crisis del coronavirus lo permita y de que Angelus Apatrida confirme más fechas, estos son los próximos compromisos en vivo que la banda tiene en el futuro:

03/06/2021 – Viveiro (Resurrection Fest)
06/06/2021 – Montagny, Francia (Lions Metal Fest)
03/07/2021 – Barcelona (Barcelona Rock Fest)
15/07/2021 – Balingen, Alemania (Bang Your Head)
16/07/201 – Gavle, Suencia (Gefle Metal Festival)
07/08/201 – Osterholz-Scharmbeck,Alemania (Burning Q)
18-21/08/2021 – Dinkelsbühl, Alemania (Summer Breeze)
19-22.08/2021 – Saint-Noff, Francia  (Motocultor)
04/09/2021 – Málaga (Guarrock)
18/09/2021 – Vieux BoucauLandes, Francia (After Dark)

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Entrevista a My Dying Bride: “Si queremos a imponer cambios en nuestro sonido preferimos que sea por voluntad propia y no por un manager”

Foto: John Steel

A finales de febrero pasado, entrevistamos al frontman de los doomsteros góticos ingleses, Aaron Stainthorpe, por el lanzamiento de su decimotercer LP, ‘The Ghost of Orion’. Casi ocho meses después, Yorgos Goumas vuelve a encontarse con él a causa del lanzamiento de su nuevo EP (el séptimo de su carrera), ‘Macabre Cabaret’.

Supongo que estos tres temas fueron también grabados durante las sesiones del disco anterior…

“Exacto. Grabamos un total de once temas y dijimos a Nuclear Blast que el disco tenía que empezar sí o sí con “Your Broken Shore”, poner el tema “The Solace” a mitad del disco, y terminar con “Your Woven Shore”. A partir de allí ellos podían poner cualquier tema que quisieran al orden que quisieran tanto en el disco como en el EP, porque nosotros, si pudiéramos, hubiésemos incluido los once temas en un solo disco, pero por razones de espacio no era posible. Por eso, como no podíamos decidir qué tema iría dónde, dejamos la decisión final a los de la discográfica y nos alegramos por lo acertado de su decisión. La verdad es que lo tenían difícil porque nosotros concebimos los temas como una unidad pero ellos supieron repartirlos entre el disco y el EP de manera diligente. Por ejemplo, el tema “The Solace” es un tema ambiental y  evocador (ndr: en el tema no canta Aaron, sino la noruega Lindy Fay Hella, vocalista de la banda de neofolk Wardruna, y sólo está acompañada por la guitarra eléctrica de Andrew Graighan). Teníamos otro tema en la misma onda, “A Purse of Gold and Stars”, así que la discográfica lo reservó para el EP”.

En este último precisamente, me llama la atención su aire a lo Dead Can Dance y donde te acompañan solamente teclados y cuerdas…

“Le dijimos a Shawn (MacGowan, teclados/violín) que se fuera a casa, se tomara una copa de vino y que improvisara con el piano. Dicho y hecho: la mayoría del tema está compuesta por él. Cuando escuché la melodía final por primera vez, inmediatamente pensé en una amarga historia de amor condenado entre dos personas que aunque viven juntas ya no se quieren y tampoco saben o no se atreven acabar con esta triste situación”.

¿Qué significa el título del tema “Macabre Cabaret”?

“Siempre he querido que las letras de nuestros temas sean atemporales: nada de comentarios sociopolíticos. Aparte que este tipo de temática no encaja con nuestra música, queremos que el oyente se transporte en otros lugares; puede que sean igualmente tristes y convulsos que la realidad en la que vivimos actualmente pero por lo menos no son lugares mundanos, y grises sino tienen un toque romántico, melancólico, fúnebre y de un mundo idealizado que no existe a este nivel de existencia sino que sólo puede ser invocado a través de nuestra música. Aun así, este tema está inspirado en el hecho que hoy en día y gracias a las redes sociales, todos podemos ser testigos de la vida de los demás e incluso llegar a conocer sus más íntimos detalles a modo de entretenimiento; es como un cabaret grotesco al alcance de todos. Aunque la temática es actual, la manera de escribir la letra ha sido la de siempre: inspirada en la poesía romántica de los siglos XVIII y XIX”.



El romanticismo impregna el tema “A Secret Kiss” también, ¿verdad?

“Bueno, un beso se produce en varias situaciones: puede ser efectivamente el último beso antes de despedirse de alguien en la estación de un tren pero también puede ser el último beso a alguien que está en el lecho de su muerte”.

Me gusta la portada del EP. ¿Quién la hizo?

“Se llama Roberto Bordin, es italiano y ha sido un fan de la banda desde hace muchos años. Siempre me pedía que colaborara con nosotros y por fin llegó el momento adecuado. Tengo que decir que no solamente la portada, sino todo el diseño que hizo es de los mejores que se hayan hecho para un lanzamiento nuestro. Roberto incluso llegó a hacer una ilustración diferente para cada uno de los tres temas del EP. Sin embargo, aquí tengo que decir que por alguna razón que ignoro, algunos países sólo recibirán la edición en CD y algunos sólo en vinilo así que no sé cómo vais a disfrutar de este diseño en España”.

Además de los tres temas, ¿habéis incluido algo más para añadir valor al formato físico, aparte del diseño por supuesto?

“Sí. Nuestro productor, Mark Mynett, nos dijo que tenía guardado mucho material nuestro grabado pero que no habíamos incluido en el disco, y que estaría bien si hiciéramos un recopilatorio de los mejores trozos de este material y editarlo como un cuarto tema y lo incluyéramos en el EP. Le dijimos que el diseño del EP estaba basado en estos tres temas y si incluyéramos un cuarto tema tendríamos que cambiar el diseño de manera íntegra así que, aunque al final entregamos un cuarto tema a Nuclear Blast, no sé si aparecerá con un título o si será una pista oculta. Obviamente en un vinilo no hay pistas ocultas, pero me acuerdo de una banda de nuestro sello anterior (Peaceville) que me gustaba mucho y que se llama G.G.F.H. (Ndr: participaron en el homónimo tema del EP de los MDB, ‘I Am the Bloody Earth’, en 1994). Editaron un single en vinilo donde a primera vista el vinilo contenía sólo un tema, ya que no existía esa división visible que hay entre un tema y otro. Sin embargo, dependiendo de dónde caía la aguja del tocadiscos, sonaban dos temas diferentes, así que puede que hagamos algo parecido”.

El otro día hablé con Mikael Stanne de Dark Tranquility y su incursión en el mundo de las cervezas artesanales (entrevista en el número 426 de La Heavy), y me consta que vosotros también queréis tener una birra con vuestro nombre…

“Sí. Hace un año nos pusimos en contacto con una fábrica de cerveza aquí en Halifax para que llevaran a cabo el proyecto pero como no tenían experiencia previa a la hora de crear cerveza rubia (lager) sino solamente fabricaban cervezas ale. También les dije que creíamos que la mayoría de los pedidos vendrían desde fuera del Reino Unido y por eso sería mejor meter la cerveza en latas en lugar de botellas y resulta que tampoco tenían máquinas para dicho propósito así que tuvieron que comprarse nueva maquinaria para este propósito también. Finalmente, como el pedido mínimo va a ser de doce latas de 33 cl., solamente el envío costaría mucha más pasta que la propia cerveza, y por eso tuvieron que buscar a una mensajería que les hiciera una oferta especial. Es por todo eso porqué el proyecto ha tardado tanto a la hora de realizarse. Una vez que se resuelve el tema del envío ya podremos anunciarla de manera oficial. Por cierto, se trata de un híbrido entre lager y ale, tiene una graduación de 4.5%, se llama Old Earth y la lata será adornada con la portada del ‘The Ghost of Orion’”.

Foto: Adam Johnson

En la entrevista anterior que hicimos (se puede leer en este enlace) me contaste que estabas recopilando todos tus poemas, letras, relatos, etc., para su futura edición en un libro. ¿Ha progresado algo este proyecto?

“Sí. He estado en contacto con un chico que tiene su propia editorial y que me ha estado dando consejos prácticos, como por ejemplo, qué tipo de fuente debería usar o qué tipo de interlineado debería hacer. Lo que pasa es que, como ya sabes, soy el romántico eterno que rehúye de la tecnología; si ni siquiera sé cómo enviarte una foto de la lata de nuestra cerveza por Skype (risas), así que todos mis escritos están hechos a mano y ahora me toca pasarlos por mi ordenador y esto es lo que más tiempo me va a llevar. He intentado con algún que otro programa informático de reconocimiento de voz, pero todos intentan corregir la gramática y esto es algo que no quieres cuando se trata de poesía. Consecuentemente, creo que para los próximos doce años seguiré delante de mi ordenador tecleando. Una vez terminado esto, intentaré llegar a un acuerdo con alguna editorial y si no hay acuerdo, entonces lo publicaré por mi cuenta”.

¿Qué has estado leyendo durante el confinamiento?

“Poco antes del confinamiento estuve en la biblioteca pública de Halifax y saqué unos libros. Cuando se impuso el confinamiento, todas las bibliotecas cerraron y recibí un correo electrónico donde básicamente ponía que me podía quedar con los libros hasta nuevo aviso así que tengo un par de ellos a mi vera ahora mismo. Vamos a ver… son dos libros de poesía: “Crow Flight Across the Sun”, de Mike di Placido, y “Say Something Back”, de Denise Reily, pero que vamos, tengo una pila de libros al lado de mi sillón en el salón. Es mi lugar favorito para leer y suelo hacerlo por las noches usando una lámpara que echa una luz naranja suave y tomando una copa de vino. Te he mencionado dos libros de poesía pero me gusta leer de todo. Por ejemplo, soy un fan de Terry Prachett (1948-2015) así que he leído toda la serie de ‘Discworld’ (ndr: se trata de 41 libros de fantasía humorística), acabo de leer la colección de cartas amorosas que Dylan Thomas (1914-1959) envió a sus queridas, a su esposa y a sus amigas a lo largo de su vida. Hace poco estuve en York y entré en una librería de libros de segunda mano y me compré unos 20 libros de poesía por un coste total de 3 libras”.

¿Y qué hay de la pintura?

“Bueno, desde que mi hija cayó enferma lo dejé todo apartado. Después, cuando se sanó, nos pilló el confinamiento y el cierre de las escuelas, así que me encargué de la educación de mi hija en casa y, claro, estar todo el día, cada día, con una niña encargándote de todo, te deja exhausto al final de la jornada y con pocas ganas de hacer otras cosas. Desde septiembre, las escuelas han reabierto sus puertas, así que he podido retomar un poco mi hobby de la fotografía, pero la mayoría de mi tiempo libre la dedico de momento a la promoción de la banda”.

Hablando de promoción, desde los inicios, habéis sido Andrew y tú los que habéis llevado el management de la banda. ¿No crees que con un manager profesional, la banda pudiese haber traspasado el estatus de una banda de culto a algo más grande?

“Puede que sí, pero un manager está ahí por el dinero antes que nada, lo cual a priori no está tan mal porque se supone que si el manager gana dinero, la banda también, ¿verdad? Por otra parte, un manager puede que imponga cosas con las cuales la banda no esté necesariamente de acuerdo. ¿Quién me dice que un manager nos permitiría a componer temas de más de 10 minutos? Es que me imagino a un manager diciéndonos: “Mirad, chicos, los temas son buenos pero si pudierais recortarlos en 4 minutos e introducir un solo de guitarra, quizás empezaríais a sonar por fin en la radio”. Si queremos a imponer cambios en nuestro sonido preferimos que sea por voluntad propia, porque nos apetece experimentar a nosotros y no porque le apetece a un manager. Cuando sacamos el disco ‘Like Gods of the Sun’ en 1996, nuestro disco más accesible si quieres, fue porque nos apetecía a nosotros. Cuando experimentamos con el trip hop en el ‘34.788%… Complete’ (1998) era porque estábamos influenciados por cosas que escuchábamos por entonces y que nos gustaban. ‘The Ghost of Orion’ fue un intento de hacer música un poco más accesible pero si en el próximo disco queremos volver a nuestros inicios más crudos, nadie nos lo impedirá”.



Me hizo mucha gracia cuando en una entrevista confesaste que no posees ni un disco de Paradise Lost ni de Anathema, la “Santa Trinidad” del doom inglés (aunque muchos añadirían a los Cathedral también). Como razón, esgrimiste el argumento que no querías dejarte influenciar por su música a la hora de componer la vuestra. ¿No tienes la suficiente fuerza mental para no dejar que esto ocurra?

“Aquella entrevista fue hecha precisamente junto a Nick (Holmes, vocalista de Paradise Lost) y Vincent (Cavanagh,  frontman de Anathema), y cuando respondí que no tenía ningún disco suyo, de repente Nick (Holmes, vocalista de Paradise Lost) y Vincent (Cavanagh, frontman de Anathema) empezaron a reírse porque resulta que ellos tampoco tenían un disco nuestro y que ninguno de nosotros poseíamos un disco del otro (risas). Ellos también esgrimieron esa excusa por no tener un disco nuestro. Es algo común entre los artistas decir que cuando componen suelen evitar escuchar a otras bandas del estilo para no dejarse influenciarse, aunque fuera de manera subconsciente”.

Tu hija tiene 8 años. ¿Qué le parece la música que hace su padre?

“Un día la llevé en el estudio y ahora su voz está en el tema “Macabre Cabaret” aunque apenas se oye en la mezcla final pero le dije a nuestro productor que me preparara una versión especial, solo para mí, donde su voz se oye alto y claro en la mezcla. Ella es muy orgullosa de lo que hace su padre e incluso les tiene a sus compañeros su clase hartos porque no para de hablar de la banda (risas). También es gracioso cuando voy a una reunión de padres con los profes o cuando voy a recoger a mi hija y algún que otro progenitor de un compañero de clase de mi hija resulta ser fan de la banda”.

Curiosamente, la banda nunca gozó de mucho reconocimiento en su propio país…

“Es verdad. Aquí aún tenemos la mentalidad de menospreciar a las bandas de aquí y favorecer a las de fuera”.

¿Qué libros la lees por la noche antes de dormir?

“La mayoría son una mierda porque vienen recomendados por la escuela y es el típico libro de unicornio y animales felices haciendo estupideces (risas). De vez en cuando intento leerla cuentos para niños mayores con descripciones más detalladas y frases más largas. Espero que pronto podré hacerlo con uno de mis libros de cabecera cuando iba al colegio: “El Señor de las Moscas” (1954) de William Golding o con poemas de mis poetas favoritos: John Keats (1795-1821) y Lord Byron (1788-1824) porque sé que en el próximo curso ya empezará a estudiar poesía y literatura y quiero que se adelante a los otros niños de su clase”.

Y para terminar, dijiste que jamás cantarías en directo el tema “Tired of Tears” porque es sobre la enfermedad de tu hija y también dijiste que hay un tema, “Two Winters Only”, que no puedes ni escucharlo. ¿Por qué?

“Me temo que no puedo responderte esto. Es un secreto”.

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Entrevista a Tequendama: “Encontramos el sentido de esta pandemia”

La banda bogotana es uno de los contados grupos que optaron por hacer rock sin guitarras. En su caso son las distorsiones de bajo las que llenan ese vacío y miden sus fuerzas con los elementos electrónicos. Rock n rave, lo llaman ellos. Juan Destroyer entrevista a Alejandro Duque, uno de los baterías más reputados de Colombia, que ha tocado con multitud de conjuntos, incluido uno de alcance internacional como Aterciopelados. Él es un 25% de Tequendama, supergrupo en el que le acompañan el cantante Amós Piñeros (Catedral, Ultrágeno), el bajista Jota García (Ciegossordomudos, Sonorama) y el DJ Camilo Zúñiga (Zyderal). Su canción “El cometa” forma parte del recopilatorio ‘Bogotá suena, vol. 4’ con el que IDARTES -propulsor de Rock al Parque, el festival gratuito más multitudinario de Latinoamérica- nos muestra lo mejor de la música independiente del distrito de Bogotá.

¿Cómo ha sido 2020 para Tequendama? ¿Pudisteis dar conciertos antes de que sobreviniera la pandemia?

“Ha sido muy positivo. Escribimos, produjimos y grabamos un nuevo álbum que saldrá en marzo de 2021. En cuanto a los conciertos hicimos un par de festivales en febrero y marzo 2020”.

Los recopilatorios ‘Bogotá suena’ son principalmente una plataforma para dar a conocer el talento emergente del distrito, y efectivamente la mayoría de bandas del cuarto volumen están aún abriéndose camino, pero los músicos de Tequendama tienen ya un bagaje detrás. ¿Cómo y cuándo nace este proyecto? ¿Quién da el primer paso para reunir a los músicos?

“El proyecto nace en diciembre de 2015, cuando Amós Piñeros, quien vivía en Barcelona, regresa a Colombia. En ese momento Jota García, bajista y productor, lo invita a producirle un tema para retomar su carrera tal vez como solista. Rápidamente se dieron cuenta del potencial de esa unión y decidieron escribir más temas, pero para producirlos se dieron cuenta que necesitaban un baterista y un teclista (tomaron la decisión de no tener guitarrista). Después de un par de intentos con diferentes músicos me llamaron para unirme al proyecto, y un tiempo después a Camilo Zúñiga (ex-Zyderal). Comenzamos a trabajar a partir de 2018, para comienzos de 2019 lanzamos un primer EP y estábamos en el cartel de varios de los principales festivales en Colombia. A finales de ese año grabamos nuestro primer disco con la esperanza de lanzarlo en 2020, y bueno, esto quedó en standby. Ahora vamos a lanzar un disco doble, el de 2019 junto con el de 2020”.

“El proyecto nace en diciembre de 2015, cuando Amós Piñeros, quien vivía en Barcelona, regresa a Colombia”

¿Qué más me puedes contar del nuevo disco?

“Como te digo, grabamos uno en 2019 y al entrar en cuarentena comenzamos a escribir uno nuevo. Este es un disco postpandemia, trae mucho más de nosotros, encontramos algo nuevo en el encierro más profundo, más verdadero, expandimos aún más nuestras fronteras. Creo que esto nos pasó a todos los seres humanos, o por lo menos a los que encontramos el sentido de esta pandemia, crecimos y mejoramos a todo nivel”.

¿Es “El cometa” un anticipo del álbum o no formará parte de él?

“El Cometa” extrañamente habla de lo que finalmente llegó, la pandemia, y no formara parte del disco, quedó como un single”.

¿Por qué lo de llamaros como una provincia?

“Queríamos algo que nos enmarcara en la zona en la que vivimos y que tuviese mucha fuerza y sonoridad. Tequendama es perfecto, actualmente no es una provincia, como tal lo fue hasta 1855. Hoy en día existe el salto del Tequendama, que según un mito muisca (pueblo original de esta región), se formó por acción divina de Bochica, su dios y héroe civilizador.

Tequendama es poder, es ayer, es mañana, somos muchos y es una palabra hermosa”.

Vuestra música es un rock electrónico muy bien construido y con personalidad propia que llamáis rock ‘n’ rave. ¿Hayáis vuestra principal fuente de inspiración en pioneros de esa fusión como Ministry o Nine Inch Nails o vuestras referencias son más actuales? Creo apreciar influencia del indie español, pero puede ser mera coincidencia…

“Hay demasiadas influencias porque los cuatro tenemos gustos muy diversos, y sí hay algo de esas bandas que mencionas, pero hay de todo, bandas de rock en todos sus subgéneros, new wave, dance, reggae, electrónica en todos sus subgéneros, además de cadencias muy colombianas sin entrar en folclorismos; y aunque hay mucha distorsión, no hay guitarras, todos estos sonidos distorsionados vienen desde el bajo y eso nos hace sonar diferente”.

Estos recopilatorios están hermanados con el festival Rock al Parque, ¿cuántas veces has tocado tú allí y con qué bandas?

“No recuerdo la totalidad de veces, creo que son 20, con bandas como Aterciopelados, Black Cat Bone, Nadie, Bajo Tierra, Burning Caravan, Neus, Ritual, Alerta Camarada, A.N.I.M.A.L, y también con Tequendama”.

¿Alguna vez tuvisteis la oportunidad de tocar en España?

“Sí, con Aterciopelados, con Bohemia suburbana y con la Burning Caravan”.

¿En qué países latinos tenéis repercusión significativa?

“Creo que aún no la tenemos, pues comenzamos a trabajar en 2019 haciendo público en Colombia y en 2020 todo paró, así que 2021 es el año de continuar la expansión”.

¿Hay algún grupo del recopilatorio que te guste especialmente?

“Me gustan Odio a Botero (René y toda la banda son geniales), High Rate Extinction y Southern Roots”.

Difícil hacer planes hasta que llegue la vacuna pero, ¿cuál es vuestra hoja de ruta en el mejor de los escenarios?

“En el mejor de los escenarios, lanzamos el disco y tocamos en muchos festivales y países, eso nos haría muy felices”.

¿Cuál es la actualidad de Bajo Tierra?

“Estamos activos, terminando el primer EP de esta nueva etapa”.

¿Algún otro proyecto en camino?

“No, por lo pronto concentrado de lleno en Tequendama y Bajo Tierra”.

 

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