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Jorge Salán, Piangua y la mejor programación de rock y metal en nuestra radio

El rock y el metal en todos sus registros y tesituras sigue reinando sobre las 24 horas de emisión de MariskalRock Radio, que otro día más arremete con horas y horas de música sin interrupciones unidas, cómo no, a la mejor programación.

Este jueves, la estrella de la jornada será Jorge Salán, que acaba de publicar a través de A New Label su primer disco en solitario y en clave de hard rock en una década, ‘Tempus’, En torno a él y a sus planes futuros, sin dejar de lado un pasado glorioso cristalizado en su documental ‘20 años no son nada’, girará la entrevista que Jason Cenador realizará a uno de nuestros guitarristas más virtuosos e internacionales en La Hora Argonauta, programa que arrancará como es habitual a las 19:00, hora peninsular española.

Antes, a las 18:00, hora peninsular española, tomará el cetro de mando Mariskal Romero al frente de su Mariskal Romero Show – Musicolandia, que hoy salta el charco y se va a Colombia, concretamente hasta Bogotá.

En aquella ciudad se celebra Rock al Parque, el festival gratuito más multitudinario de Latinoamérica, promovido por IDARTES y con 25 años de historia a sus espaldas. No hace falta señalar la razón por la que no hubo festival este año, pero el Instituto Distrital de las Artes ha podido continuar su labor de apoyar el talento local con otras iniciativas como el recopilatorio ‘Bogotá Suena, Vol. 4’, un variado y sustancioso muestrario de bandas del distrito.

Una de la que más nos ha llamado la atención es Piangua y su fusión de música afrotradicional colombiana con rock, blues, funk y jazz, en lo que ellos denominan “groove del manglar […] atmósferas tribales que incitan al baile y al deleite”.

Los miembros de Piangua son la cantante Valentina Blando, el guitarrista Felipe Behlok, el bajista Giovanni Betancourt y los percusionistas Juan Manzano y Óscar Chaves. Mariskal charlará con Giovanni, que es además el productor de una banda que lleva en activo desde 2013 y cuyo último lanzamiento, de este mismo año, fue el single “Suena la campana”, precisamente el tema incluido en ‘Bogotá suena, Vol, 4’.

En cuanto al nombre del grupo, ellos mismos nos cuentan que “proviene de un molusco que es recolectado principalmente por mujeres afrodescendientes y que sólo crece en el Manglar del Pacífico Suramericano, un lugar donde se encuentran el mar, el río y la selva tropical”.

Nuestra programación en vivo del día comenzará, no obstante a las 15:00 con una nueva entrega de La Choza del Rock, conducida cual piloto kamikaze por Ismael Molero y sus acólitos. Esto nos comentan sobre la edición de hoy, que conformará la segunda parte de ‘El fútbol tiene música’:

Robert Plant desaparecido en combate tras tres días celebrando la copa de la liga de los Wolves; Steve Harris eligiendo entre su West Ham o una vida en el metal; Liam Gallagher cantando el “Blue Moon” como un “citizen” más. Todo esto y las Baccara petándolo en Escocia, Pedro Cuberris (Playa Cuberris) promocionando la presentación de “Gigantes” en la Riviera el próximo 28 de noviembre -y confesando su pasado a lo Julio Iglesias-, y los barrios de Vallekas y Chamartín conectados por los Mägo de Oz (sí, en serio), en nuestra segunda parte de “El fútbol tiene música”.

Y por si todo esto fuera poco, en la prórroga os presentamos a Raúl Sánchez, nuestro profesor de literatura de cabecera, que debuta con “Gracias Vieja”, nueva sección en la que mezclaremos fútbol, rock y literatura (con hielo y mucho humo)”.

Cómo no, a las 16:00, Mariano Muniesa volverá a repartir el mejor rock y metal en todas sus vertientes a diestro y a siniestro en Rock Star, su histórico programa que llevará ante nuestra audiencia dos horas de verdadera gloria sonora.

¡Sintoniza MariskalRock Radio y vive la experiencia del mejor rock, puro rock!

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Angelus Apatrida Nuevo Tema

Los thrashers  Angelus Apatrida publican en febrero homónimo álbum a través de Century Media Records, y adelantan el tema ‘Bleed The Crown’.

‘Angelus Apatrida’ lo ha producido la misma banda, grabándolo con Juanan López durante los pasados meses de septiembre y octubre en Baboon Records, en Albacete, y de cuya mezcla y máster se ha hecho cargo Christopher «Zeuss» Harris (Rob Zombie, Overkill, Hatebreed, Municipal Waste, Shadows Fall) en Planet-Z en Wilbraham, Estados Unidos. ‘Angelus Apatrida’ contiene diez canciones celebrando por todo lo alto del 20 aniversario de la existencia de la banda.

Si eres de esos amantes de los LPs de colores, la banda también tiene una edición del LP en color rojo muy limitada sólo disponible a través de Amazon, donde también está disponible el cd:

Angelus Apatrida ha hecho el siguiente comentario: “’Bleed The Crown’ probablemente sea uno de esos temas clásicos de Angelus Apatrida que une energía, riffs alucinantes y voces pegadizas. Es una canción poderosa, que grita en contra de poderes oscuros que mueven los hilos desde arriba. ¡Un aperitivo perfecto para lo que se viene encima!”.

‘Angelus Apatrida’ también está disponible en edición limitada CD Jewelcase con O-Card y en LP negro de 180 gr más el disco entero en CD.

Tienes también en pre-venta con: camiseta, dos pegatinas, un póster de 50 cm x 50 cm y postal firmada de regalo para los primeros compradores, en La Casa del Disco.  La camiseta está disponible en cuatro colores: negra, roja, blanca y verde militar, y disponibles en tallas para chica.

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Moonspell presenta ‘The Greater Good’

Moonspell camino de su 30 aniversario presenta adelanto de su próximo álbum ‘Hermitage’, ya a la venta en la tienda oficial del grupo.

Moonspell han contado para la grabación de ‘Hermitage’ con Jaime Gómez Arellano (Paradise Lost, Primordial, Ghost, Sólstafir y muchos más) en los Estudios Orgone en el Reino Unido.

Moonspell nos presenta como anticipo del mismo ‘The Greater Good’, donde muestran la modernidad de los lobos en 2021, mientras que otros temas abrazan la tradición oscura y gótica metalera como ninguna otra banda puede hacerlo. Sonidos etéreos y melódicos, sin alejarse de sus raíces metálicas influenciada por bandas como Bathory, hacen que ‘Hermitage’ sea uno de sus álbumes más profundos, sorprendentes y épicos.

Moonspell en voz de su líder Fernando Ribeiro comenta sobre ‘The Greater Good’: «El bien común es un concepto sociológico que implica el beneficio de más gente que uno mismo. Para hacer lo que es mejor y más correcto. Desafortunadamente, muchas acciones erróneas y de pura maldad fueron realizadas en nombre de este principio tanto por los líderes mundiales, como por los ciudadanos. Con un guion diseñado por mí, y elaborado por el director Guilherme Henriques (Gaerea, Crippled Black Phoenix, Schammasch) ‘The Greater Good’ golpea en el profundo contraste de nuestras prioridades como seres humanos. La trama evidencia el choque diario entre los problemas que nunca pudimos o nunca quisimos resolver; y nuestras ‘preocupaciones como primer mundo’. El culto al cuerpo contra la hambruna africana; la matanza de los inocentes contra la segunda enmienda; la belleza de los monumentos contra la fealdad de la violencia. Todos somos responsables de las cosas que vemos aquí. Por el bien común, por el mal común. No es una cuestión de raza, género, clase o educación. Es una cuestión de conciencia. Sólo nosotros podemos salvarnos de nosotros mismos».

‘Hermitage’ ya en preventa en la tienda oficial del grupo, y también en la de su discográfica Napalm Records, estará disponible en varias ediciones de lujo limitadas y coleccionables, Mediabook, Cassette, incluyendo la versión de Candlemass ‘Darkness in Paradise’, pero también en los formatos Jewelcase y Digital. La Caja de Lujo también incluirá un single 7″ con el tema extra ‘The Great Leap Forward’.

01. The Greater Good
02. Common Prayers
03. All or Nothing
04. Hermitage
05. Entitlement
06. Solitarian
07. The Hermit Saints
08. Apophthegmata
09. Without Rule
10. City Quitter (Outro)

+ Bonus Tracks:
11. Darkness in Paradise (Candlemass Cover – available on LP, Deluxe Box, MC + Mediabook)
12. The Great Leap Forward (7″ Vinyl – available in Deluxe Box)

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Suena el cencerro en el Decálogo de Mariskal en RockFM

No es un instrumento para nada común, pero desde luego que cuando aparece, se reconoce su simpático tañido al instante. El Decálogo de Mariskal en Rock FM repasará grandes canciones en las que está bien presente.

En el vídeo que acompaña a esta noticia, Mariskal Romero muestra una auténtica joya: el single español de “Honky Tonk Women”, uno de los grandes hits de The Rolling Stones. Mientras nos lo cuenta, suena de fondo “Mississippi Queen”, de largo la canción más famosa de Mountain.

A partir de ahí, lo que nos tienen preparado Alberto Mazcuñán –productor del programa- y él es una sorpresa que será desvelada a partir de las 00:00 en punto que separan la noche del miércoles de la madrugada del jueves (17:00 en Ciudad de México, 19:00 en Miami, 20:00 en Buenos Aires). Interactúa con el hashtag #EDDMCencerro.

El espacio radiofónico de Mariskal en RockFM está concebido para cargarnos las pilas en la mitad de la semana con su emisión en directo, pero por supuesto también puedes escuchar los programas cuando te plazca en formato podcast.

 

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Aviva: La reina de los freaks

Que el mercado discográfico ha cambiado a pasos agigantados lo constatamos con la presencia de nuevas generaciones que ya no creen en los formatos obsoletos de antaño ni en categorías fijas e inmutables. Es la época de la inmediatez y cualquier cosa que no esté en las redes en el menor tiempo posible es casi como si no existiera. Olvidémonos de lo de escuchar un álbum entero de principio a fin, ahora lo que se lleva es lo de pillar una pastillita de aquí, otra de allí y así hasta el infinito, según la lista de reproducción de Spotify de cada cual.

Todo eso y también hacerse un poco el rarito, en consonancia con la filosofía de esta cantante australiana que se autodefine como “reina de los outsiders”, lo cual siempre será mejor que una multitud aborregada plagada de fotocopias. Si las chicas “especiales” de carne y hueso siempre estuvieron en la cúspide de lo más interesante sobre la faz de la tierra, aquellas que siguen esta estela en lo musical no disminuyen en absoluto parte de su atractivo. En este terreno nos acordamos de inmediato de la bizarra canadiense Grimes, con estética impactante y un colosal abanico de influencias que abarca desde Marilyn Manson o Nine Inch Nails hasta Enya y Aphex Twins, por citar simplemente unos pocos de una lista inconmensurable.

Ya de entrada, esta muchacha conocida como Aviva (estilizado como AViVA) reivindica su rareza sin complejos en su último single “Queen Of The Freaks”, no muy alejado en realidad de lo que podría hacer alguna artista contemporánea tipo Billie Eilish. “Wicked” probablemente sea de sus mejores piezas, con un halo de perversidad y a la vez candor que le acerca a Lana del Rey, mientras que “Shattered Pieces Make Me Sharp” adopta un matiz más intimista con un sonido deliberadamente amateur que la sitúa en un registro diferente al que nos tiene acostumbrados.

“Evil” aboga por el electropop más comercial, al igual que los ritmos bailables de “Hypnotized”, aunque en esta última se escore un poco hacia el popular “Smack My Bitch Up” de The Prodigy, antes de uno de esos rotundos y luminosos estribillos marca de la casa. Y “Rules” posee asimismo cierto ambiente industrial que no desentona con su vertiente melódica, todo un alegato hacia el derecho a hacer lo que nos salga de los mismísimos.

Respecto a su único larga duración, ‘Volume I’, que es una recopilación de  sencillos recientes, empieza con el canto a la diferencia de “Grrrls”, que a día de hoy ha superado la cifra de 500 millones de escuchas, ahí es nada. No menos popular en el mundillo juvenil se antoja “Blame It On The Kids”, previamente a subir otro escalafón en “Psycho”, que engancha por su tono melancólico y atmósfera ochentera. “Hushh” adopta un perfil más convencional antes de romper la baraja de los géneros con “Brn”, con bases cercanas al industrial y un rollo inclasificable total. Que cada cual lo categorice a su manera.

“Rabbit Hole” reivindica la voluntad de su autora de no querer encajar en ningún molde preestablecido y se consolida como uno de los momentos más inspirados del conjunto. “Blackout” baja el pistón en un inicio, pero en el estribillo gana bastantes puntos, y no nos termina de convencer la popera “Drown”, pese a su aire lejano a Arctic Monkeys.

Las parrafadas vertiginosas de “Streets” bordean el hip hop, aunque posteriormente vuelve a elevarse con frases de las que se te enganchan de inmediato en el bolo y no te sueltan en lo que resta de jornada. Y “Cemetery” regresa a su vertiente sentimental y delicada, que no se le da mal, del mismo modo que “DGAF”, que cierra el álbum sin demasiado desmelene.

Quizás a un servidor le hagan falta más guitarras, así como una mayor cantidad de ambientes opresivos, siendo consciente en todo momento de lo que estamos escuchando. Pero con este tipo de artistas tan particulares hay que estar preparado para apreciar sus diversas facetas, unas resultarán fascinantes y otras aburridas como un día sin pan. Igual que las chicas freaks de la vida real, es probable que te provoquen algún quebradero de cabeza, pero el que prefiera algo tranquilo y sin sobresaltos, mejor que se vaya a jugar a la petanca. Para amantes del individualismo.

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Crónica de Eduardo Pinilla Blues Band en Pinto (Madrid) + grandes amigos invitados

El pasado sábado tuvimos el privilegio de asistir de nuevo a un concierto en directo. Cumpliendo con todas las medidas sanitarias establecidas y bajo la bandera de la “Cultura Segura” fuimos partícipes de un acontecimiento que, aparte de lo musical, sirvió como contacto con nuestro núcleo cultural en un espacio reducido a tan solo 100 asistentes, en su mayor parte pertenecientes al gremio. Fue un reencuentro con grandes amigos artistas, músicos, fotógrafos, managers y gente que siempre está dando soporte a la escena rockera. Compartimos nuestra frustración por el mal trago que está viviendo el sector en este fatídico 2020, pero con muchas esperanzas y positividad focalizadas en proyectos venideros para el nuevo año que -con vacuna en el mercado- pretende ser prometedor.

Este bonito encuentro tenía un gran anfitrión, Eduardo Pinilla con su nuevo proyecto en solitario.  Su reconocimiento como uno de los mejores guitarristas y pionero en nuestra escena rock nacional se puede fundamentar con sus más de 30 años en la formación Burning, además de su paso por Ñu, Coz, o las bandas Miguel Ríos, Joaquín Sabina o Luz Casal. Parte de ese legado iba a quedar plasmado esa misma noche con la participación de algunos de sus amigos de carretera dándole las bendiciones y buena suerte en el inicio de este proyecto que ha denominado Eduardo Pinilla Blues Band.

Se inició el concierto con “Revelation” de Robben Ford, un tema instrumental melódico con ritmo que sirvió de bienvenida, realzándose la guitarra con gran protagonismo. Nos adelantó que esta presentación del nuevo disco vendría acompañada por una pequeña muestra de temas en su trayectoria musical en algunas de las bandas con las que ha ejercido, así como referentes de la guitarra que le han marcado el camino hasta donde ha llegado a día de hoy. Como el disco aún no ha podido salir al mercado -por los motivos que todos sabemos- fue una manera de iniciarnos en él de una manera mucho más atractiva.

Se incorporaba a los coros Cristina Lubián en “Cazador Cazado”, quien con su puesta en escena y voz creó gran armonía, siendo una pieza fundamental en la primera parte del show. Por supuesto, el resto de la banda que completaba la formación era de auténtico lujo, con Dani García al bajo, Fernando García a los teclados y George Henríquez a la batería.

Se fueron presentando los temas nuevos como “Tu alma en mi piel”, todos ellos con letras de trasfondo actual y política social, en este caso un blues que comparte el dolor con los refugiados. El melódico “Stress”, da nombre al homónimo LP y está dedicado a Trump en su gestión de desorden mundial durante los últimos cuatro años.

Continuaba con la balada “Solo estamos tú y yo” -que habla de una historia de amor en el tiempo- y “Respira”. Referencias de grandes guitarristas como Jeff Beck con “Cause We’ve Ended As Lovers”, un tema instrumental romántico que nos transportaba a un ambiente íntimo; enlazó después “Así vivo yo”, “Historia Irreverente” y “Si nos queda dentro”, que completaron un bloque con toques de blues en las composiciones.

Tocaba uno de los puntos esperados de la noche, la invitación a colaborar de un amigo íntimo que no necesita presentaciones como es José Carlos Molina de Ñu. Tan solo con su presencia ya vestía el escenario, y si bien es cierto que la letra de “Harto de muros” José Carlos no la podía descifrar muy bien en el atril, gracias a su carisma y espontaneidad hicieron que lo anecdótico resultara divertido, notándose la complicidad de los músicos arriba del escenario. Tras una charla con Pinilla, vino una segunda oportunidad para el gran Molina con el tema “Llévame al mar”, un bonito blues en el que aparte de cantar, el maestro nos deleitó con un solo de armónica que se fue animando hasta el final de la canción.

Constató más referencias musicales con “Cliffs Of Dover”, un cover instrumental del virtuoso Eric Johnson, y “Stop” de Joe Bonabassa, en el que pudimos ver a Cristina Lubian brillar interpretando soul con su potente voz.

Temas imprescindibles en la trayectoria de Burning como “Qué hace una chica como tú” empezaban a encender el calor entre los asistentes, aunque lo más sorprendente aún estaba por llegar con la aparición de Miguel Oñate de Asfalto, que deslumbró a la audiencia con su simpatía e impresionante voz, que nos hace verle como nuestro David Coverdale español. Una referencia de nuestra música que sólo necesitó el tema “Wishing Hell” de Free para hacernos vibrar a todos los allí presentes con ritmo, melodía y puro rock ‘n’ roll. Continuamos con otro grande como es Jimi Hendrix, de quien tocaron “Little Wing”. A continuación otro tema del nuevo trabajo de Eduardo Pinilla denominado “Yolinda”, donde nos demuestra su talento a la guitarra y que ha servido como sintonía del programa “Rock Chef”.

Tocaba el turno de recordar la etapa de Coz, incorporándose el joven Dani Moreno a la guitarra para ser partícipe y representante de su formación. Interpretaron uno de los temas más emblemáticos como es “Las chicas son guerreras”.

Otro cover de los grandes de la guitarra como es Joe Satriani con el “Summer Song” fue interpretado en escena, completando un show realmente exquisito y bien seleccionado al más mínimo detalle.

Como era de esperar hubo bises con otro de los icónicos temas de Burning, “Mueve tus caderas”, finalizando con el magistral “Parisienne Walkways” de Gary Moore.

Un concierto sorprendente y extenso en el que se presentó el nuevo trabajo ‘Stress’, hubo referencias a los grandes guitarristas de la historia del rock y se recordaron grandes temas del rock español en compañía de músicos de excepción.

Inolvidable show también por la situación en la que nos encontramos actualmente, en la que se ha tenido que volver a los pequeños recintos, pero nos ha hecho acercarnos mucho más, saborear la música con más pasión si cabe que antes, siendo partícipes de un concierto en vivo como algo excepcional, dando mucho más valor a algo que antes conocíamos como cotidiano. Hemos tenido que perder los conciertos para darnos cuenta cuánto necesitamos la música en nuestras vidas.

Por ello cabe agradecer enormemente, aparte de todo el elenco de artistas que se reunió en el escenario, a los promotores y sala de conciertos Universo Rock por arriesgarse a celebrar un evento que probablemente no sea tan productivo económicamente como lo hubiera sido en otro momento. Aun así el rock no para -MariskalRock ha estado presente en varios conciertos en las últimas semanas- y la rueda debe de seguir girando hasta volver al punto en que nos encontrábamos antes del inicio de esta etapa de nuestras vidas.

Como último apunte cabe destacar que la sala se despejó rápidamente por la temida hora del toque de queda.

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Entrevista a Phil Campbell: “Durante estos 5 años de ausencia Lemmy siempre le tuve en mente, ¡nunca le olvidaré!”

“We are Motörhead and we play rock n roll!!!”. Con esta famosa y excitante frase Lemmy iniciaba todos los conciertos de una banda a la que añoramos de una forma más que emotiva. A punto de cumplirse cinco años de la ausencia del carismático líder (28 de diciembre), Phil Campbell sigue con su etapa en solitario, y lo hace sorprendiéndonos con un álbum que acaba de editarse bajo el nombre de ‘We’re The Bastards’ (hazte con él aquí), nuevamente bajo el apadrinamiento discográfico de Nuclear Blast. El título es una innegable y clara referencia a un pasado al que el guitarra sigue siendo fiel, pero lo hace a su manera, sin querer vivir del pasado y entendiendo el rock ‘n’ roll con una estructura muy personal y capaz. Así, con las cosas claras y con las ilusiones puestas en el futuro, Phil y sus hijos bastardos dejan una impronta cada vez más indeleble en sus obras. Josep Fleitas -que fue quien escribió también la crítica del álbum– habla con el guitarra galés para seguir extrayendo los pormenores de una banda que cada vez se siente más próspera y sólida.

En mi opinión, ‘We’re The Bastards’ es un álbum más maduro que ‘The Age Of Absurdity’ (2018), y evidentemente en otra línea que lo que mostraste el pasado año en el personal ‘Old Lions Still Roar’, en este caso más pesado, más directo, más rock ‘n’ roll que alternativo… Para ti, ¿cuáles son las diferencias más destacables a la hora de crear, producir y grabar el álbum?

“Estoy muy orgullosos de este trabajo, pienso que es un gran álbum con trece canciones muy bien elaboradas y una muy buena producción. Es un álbum de rock ‘n’ roll que hemos grabado durante el confinamiento, y esto lo ha hecho muy diferente al resto de trabajos y de canciones, todo ha sido muy especial y diferente. Quizás por ello es un disco más completo y, como bien dices, más maduro que los anteriores. Espero que a la gente le guste…”

“Son Of A Gun”, “Promises Are Poison”, “Animals” y “Destroyed” son temas con un gran componente del sonido que teníais en Motörhead. ¿No crees que en este punto de la banda sería más fácil llegar a los fans con ese sonido que el que tiene más partes alternativas?

“Es indudable que de alguna forma tengan que aparecer las influencias de cuando componía para Motörhead, pero pienso que las líneas son bastante diferentes a lo que creábamos en Motörhead, es un camino diferente, aunque a veces pueda mostrar evidencias de aquello. Creo que este álbum contiene la esencia de la banda sin necesidad de parecerse con demasiadas muestras a Motörhead. Pienso que aquí estamos ante un álbum de rock ‘n’ roll muy bien hecho y con personalidad propia, sin tener que recurrir al pasado para que guste a la gente”.

“Estamos ante un álbum de rock ‘n’ roll muy bien hecho y con personalidad propia, sin tener que recurrir al pasado para que guste a la gente”

A pesar de las limitaciones por el coronavirus presionaste a la compañía para que el disco pudiera realizarse. ¿Crees que en algún momento la pandemia os ha limitado y que el producto final podría haber sido diferente si la COVID-19 no hubiera existido?

“En lo que respecta a las canciones no creo que el coronavirus haya incidido en las composiciones más allá de haber tenido que hacer parte de ellas en confinamiento y grabarlas de seguido, algo que yo mismo decidí para no postergar la salida del disco. Lo que sí va a ser una gran diferencia es en el tema de los directos, habrá que esperar a que todo esto pase y podamos realizar conciertos con la seguridad que todos precisamos”.

En ‘Old Lions Still Roar’ contaste con muchas colaboraciones, en este caso no ha sido así. ¿Podemos decir que éste es el auténtico sonido de Bastard Sons?

“Este es el sonido que quería tener y me siento muy, muy feliz por haberlo logrado, por lo que sí, este es el auténtico sonido de una banda que ha madurado y ha enfilado un camino que ya se iba alineando anteriormente diferenciándolo en que todo es mucho más directo.

Hemos creado los temas todos juntos encerrados en una habitación y todos hemos contribuido a su resultado, incluso debido a esa especial forma de creación se ha podido madurar mucho mejor. Como te he comentado antes, no creo que las canciones hubieran sido diferentes si las hubiese compuesto en otra situación, tenía clara la línea a seguir y lo que quería conseguir, pero sí es cierto que al estar juntos cada uno ha proporcionado algo diferente como instrumentista. Pienso que se ha hecho un gran trabajo en todos los sentidos y por ello es por lo que estoy muy satisfecho de un disco en el que el rock ‘n’ roll lo envuelve todo”.

¿De quién fue la idea de incluir los cuatro bonus tracks en directo de la edición en digipak? ¿Sabes dónde fueron registrados?

“El incluir estos cuatro temas como bonus fue idea de la compañía. Sinceramente no sé dónde fueron grabados, pero escuchándolos puedo decir que tienen una muy buena calidad. Creo que representan bien lo que ofrecemos en directo y complementan muy bien lo que es una edición especial destinada a los fans”.

Personalmente pienso que el contenido de ‘We’re The Bastards’ es muy dado para disfrutarlo en directo. Tal y como me has comentado una de las diferencias que destacas de este trabajo con los anteriores es el no poder hacer tours. ¿Tenías muchos conciertos programados antes de la pandemia?

“Teníamos previsto presentar el disco en una gira que debía haberse dividido en dos partes antes de algunos festivales de verano. Ahí está la incertidumbre de si vamos a poder realizar y cuándo la gira de presentación de ‘We’re The Bastards’. Lo cierto es que hasta el próximo año no vamos a proponernos hacer nada en directo, y ya veremos cuándo se pueden realizar. Lo que está claro es que si se hacen conciertos estos deben ser seguros para todos”.

Este año se cumple el quinto aniversario de la muerte de Lemmy. ¿Vais a continuar con los conciertos en los que tocáis solo temas de Motörhead?

“Esa parte eran unos shows especiales en festivales, shows que en un principio iban a ser solo dos. La idea era hacer algo dedicado a los fans, pero siempre ha sido algo puntual, sin el pensamiento de que esos conciertos tengan una consecución”.

A parte de esos conciertos, ¿tienes algo previsto para conmemorar este triste aniversario? Algo así como lo que sucedió en el Rock Fest Barcelona, donde hiciste una colaboración con Scorpions tocando “Overkill”…

“No hay una idea preconcebida más allá de esos conciertos en los dos festivales que debían haberse realizado este año y que espero puedan darse en 2021. Como te decía eso solo será algo especial y muy puntual, quizás pueda verse como un homenaje a Lemmy, pero mi mejor homenaje hacia él es que durante estos cinco años de ausencia Lemmy siempre ha estado en mi mente, ¡nunca le olvidaré!”.

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AC/DC: Los diez mejores riffs de guitarra de Malcolm Young

En un día como hoy, 18 de noviembre, inevitablemente vuelve a nuestra memoria el triste aniversario del fallecimiento, en 2017, de Malcolm Young, guitarrista, compositor y alma de todo lo que AC/DC significaron desde su fundación. Pero lejos de recordarle desde la tristeza o la melancolía, Mariano Muniesa, imbuido del entusiasmo que le ha producido la escucha de su nuevo álbum ‘Power Up’, que en gran medida es un homenaje a todo su trabajo, os recopila en este artículo sus diez riffs más demoledores para que volváis a disfrutarlos o, en su caso, a descubrirlos. ¿Hace falta recomendarte que los escuches con el volumen a tope?

1. Let There Be Rock

¿El más “heavy” de los riffs de Malcolm Young? Posiblemente sí, o así al menos yo se lo he escuchado a muchos de los guitarristas que se sienten más influenciados por el fundador de AC/DC. Como en la mayoría de los casos, es un riff muy básico, muy rock´n´roll, -más de una vez se ha señalado por parte de algunos críticos su cercanía con el “Roll Over Beethoven” de Chuck Berry- sobre el que se montó una canción que es un clásico absoluto de sus conciertos, en el transcurso de la cual Angus Young hace siempre uno de sus incendiarios solos de guitarra. Como es sabido, es a su vez uno de los videoclips más conocidos de la etapa de AC/DC todavía con Bon Scott, caracterizado de sacerdote y de los poquísimos en los que no aparece Angus Young con su clásico uniforme de colegial, sino como el resto de la banda, vestido de monaguillo.

2. Whole Lotta Rosie

Es uno de los riffs más reconocibles del grupo, perteneciente a otra de esas canciones de la época de Bon Scott que ha resistido perfectamente el paso del tiempo y que se ha mantenido en la mayoría de set-lists de las giras de AC/DC hasta la actualidad. La vieja historia de la tasmaniana Rosie, que llegó a ser escenificada en alguna de las últimas giras del grupo en forma de gran muñeca, se basa en uno de los más característicos riffs de los australianos.

El riff principal de la canción también apareció en una grabación anterior con una letra diferente titulada “Dirty Eyes”, que se lanzó oficialmente en ‘Volts’, uno de los discos de la caja ‘Bonfire’ de 1997. “Dirty Eyes” se basa en una progresión de acordes diferente, así como un tempo más lento que la posterior “Whole Lotta Rosie”. La canción primigenia, “Dirty Eyes”, acabó siendo “Whole Lotta Rosie” en los ensayos previos a la grabación de ‘Let There Be Rock’ en noviembre-diciembre de 1976 y se grabó durante las sesiones de ese mismo álbum de enero-febrero de 1977.

3. Sin City

Fue grabada entre enero y marzo de 1978 en los Albert Studios de Sydney para su álbum ‘Powerage’ y dedicada a los peligros y tentaciones que ofrecía una ciudad como Las Vegas. Es un riff denso, penetrante, con una raíz blues muy primigenia pero que entronca con ese blues progresivo inglés de finales de los años 60 base del hard rock y del heavy metal. La versión de este tema hecha por Bruce Dickinson en 1990 como bonus track de su álbum en solitario ‘Tattoed MIllionaire’ adquirió tal repercusión que puso de nuevo la canción en un primer plano de actualidad hasta el punto que los propios AC/DC, que hacía tiempo que no la tocaban en directo, la reincorporaron a sus setlists en su gira de presentación de ‘The Razor´s Edge’ en 1990-91.

4. Shot Down In Flames

De este temazo y de este riff tengo en mi memoria una anécdota que nunca olvido: otoño de 1998, Barcelona, Feria Internacional del Disco en Montjuic. Último día de la feria, con la cartera vacía y la mochila repleta de discos, mientras echaba un vistazo a los últimos puestos que quedaban en pie cuando los demás empezaban a recoger. De pronto me dio un vuelco el corazón: escuché, desde el pequeño escenario de conciertos que se montaba en el recinto de la feria, el riff de guitarra de “Shot Down In Flames”, y por un momento pensé que estaba allí el mismísimo Malcolm Young. No, no era Malcolm, pero sí posiblemente uno de sus más aventajados discípulos, el guitarrista en aquel momento de la barcelonesa Bon Scott Band, el gran “Tite” Castelló. En ese momento descubrí a esta inmensa banda tributo, de las mejores que sin duda han existido, con la que he conservado una estrecha relación y amistad y gracias a la cual redescubrí la fuerza de este penetrante y poderoso riff de AC/DC, otro de los que muy rara vez se ha apeado de los repertorios de la banda en concierto.

5. Hells Bells

No es ni mucho menos de los riffs más heavys de AC/DC, pero su densidad, su dramatismo, como continuación al estremecedor tañido de las infernales campanas que sirven de introducción al tema, lo convierten en uno de los más característicos de toda su carrera. Tanto que uno de los genios más indiscutidos de la historia de la industria musical, el ejecutivo que, de hecho, se jugó el cargo en Atlantic Records para renovar su contrato cara a que grabasen ‘Highway To Hell’, el legendario Ahmet Ertegun, siempre aseguró que “Hells Bells” le parecía la mejor canción que AC/DC habían grabado jamás, según afirmó en el verano de 1997 en la entrevista que me concedió para mi programa de radio “Rock Star”, por aquella época en la antena de los 40 Principales de la Cadena SER.

6. Back In Black

Es un riff en teoría muy básico, incluso, si se quiere, muy simple… Pero sobre este riff se construye otro de esos temazos brutales, potentes, demoledores, que han convertido a este disco, ‘Back In Black’, en una cátedra sonora indiscutida e indiscutible y en uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música popular contemporánea. El tema que da título a esta masterpiece tiene otro de esos riffs que explican por qué AC/DC son tan inmensamente grandes y por qué este disco se convirtió en la leyenda que sigue siendo actualmente.

7. You Shook Me All Night Long

Otro riff que nace del blues más primigenio para crecer, evolucionar y convertirse en la base de un hard rock que fue el primer single extraído en España de ‘Back In Black’ y otro de los imprescindibles en sus conciertos, cuya historia está muy bien documentada en las piezas en vídeo conmemorativas que la propia banda puso en circulación este pasado verano con motivo de la celebración del 40 Aniversario de la edición de ‘Back In Black’. Así se las gastaban AC/DC tocando este tema en 1981.

8. That´s The Way I´m Wanna Rock´n´Roll

Malcolm Young vuelve al rock ´n´ roll puro y duro para construir sobre este magnífico riff, uno de esos trallazos de pura esencia AC/DC que no te dejan quedarte quieto un solo momento a medida que lo escuchas. Ha sido otro de los temas clave durante muchos años en los directos del grupo. Su videoclip es otro de los clásicos irrenunciables de los australianos y sus fans vibran con verdadera locura cada vez que lo escuchan.

9. Hard As A Rock

Sobre una levísima pero envolvente línea de bajo del gran Cliff Williams – siempre insistiré en ello: su bajo penetrante, sólido, grave, es una de las herramientas principales que han construido junto a las guitarras de los hermanos Young la personalidad musical de AC/DC –, este excelente riff sienta la base de un clasicazo absoluto de los AC/DC de los 90, y que he echado de menos cuando en las giras subsiguientes no siempre ha estado presente.

10. Rock and Roll Train

Desde el año 2009 que llevo haciendo programas de radio en MariskalRock, pocos o quizá ningún otro tema hay servido tantas veces para abrir las descargas radiofónicas de nuestro entrañable Mariskal Romero en su “Musicolandia”. Como tal riff, es de la más pura escuela AC/DC. De hecho, recuerda muchos a los riffs de ‘Back In Black’, y es, de hecho, el pilar sobre el que se montó un verdadero temazo, de los mejores, por no decir el mejor de un disco como ‘Black Ice’, no especialmente afortunado en la carrera del grupo.

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La banda que inspira a Metallica su “modelo de existencia”, según Lars Ulrich

Desde un tiempo a esta parte, los miembros de Metallica son quienes llevan la batuta del grueso de su trabajo y sus planes musicales, una independencia a la que dotan de la máxima prioridad y que, desde luego, no les ha salido nada mal en los últimos años. Pero hasta los más grandes tienen espejos pretéritos en los que reflejarse, y uno de ellos fue revelado recientemente por su batería.

El pasado 10 de noviembre, Lars Ulrich sostuvo una larga entrevista con la periodista Kara Swisher en la CNBC Evolve Summit para explicar cómo la industria de la música ha cambiado a lo largo de su carrera y cómo la banda incorpora toda clase de tecnología de vanguardia para llevar la experiencia que los fans puedan vivir a una nueva dimensión.

Cuando se le preguntó hasta que punto la crisis del coronavirus le ha permitido al grupo tener más control y más interacción con sus fans, Lars dijo: “En lo que respecta a Metallica, tenemos nuestro propia compañía discográfica. Prácticamente tratamos de controlar todos los diferentes elementos en nuestra pequeña burbuja y nuestro pequeño ecosistema. Tenemos un acuerdo de prensa y distribución con Universal en Europa, pero intentamos maximizar y hacer lo mejor que podemos en todas las diferentes partes del mundo. Y por eso nos gusta controlar. Somos financieramente independientes”.

A continuación, reveló el nombre del grupo cuyo ejemplo piensa que ha sido más importante para Metallica a la hora de organizar su trabajo y su modus operandi. “De alguna manera inspiramos nuestro modelo de existencia, en cierto modo, en Grateful Dead, quienes realmente consideraban que vivían al margen de la corriente mayoritaria y funcionaban en su propio mundo.  Ese ha sido nuestro sueño: ser independientes, autónomos, poder crear nuestra música, no deberle dinero a nadie, y ser realmente independientes en todos los sentidos de la palabra”.

Ulrich también habló sobre el hecho de que en la actualidad cualquiera puede lanzar música de forma independiente, lo cual ha proporcionado a algunos artistas más control y transparencia sobre su trabajo, pero también ha llevado a la sobresaturación.“La buena noticia es que estos medios están disponibles para mucha más gente”, agregó. “La mala noticia es que nada destaca realmente, porque hay mucho más contenido disponible. Y ahí radica ese tipo de tira y afloja. ¿Qué es lo que más te favorece? ¿Simplemente una completa independencia y autonomía como creador? Porque obviamente, las compañías discográficas tenían una función, que era la de poder hacer que tu material saliera a la luz y que la gente estuviera en el radar”.

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Whisky Caravan y la mejor programación de rock y metal en nuestra radio

El mejor rock y metal sigue resplandeciendo en nuestra radio 24 horas, con horas y horas de música sin interrupciones unidas a la más selecta programación para complacencia de nuestra nutrida audiencia.

Este miércoles, el protagonismo será para Whisky Caravan, el cada vez más aclamado combo madrileño que celebró su décimo aniversario con un inolvidable concierto en la Sala Joy Eslava de la capital que quedó inmortalizado para la posteridad en un CD y DVD en vivo que acaba de ver la luz con el título de ‘No sueñan fantasmas’. Sobre él, los planes futuros de la banda y la retrospectiva de diez años de consolidación y ampliación de horizontes musicales hablará su guitarrista, Víctor Fraile, con Jason Cenador en La Hora Argonauta, programa que a las 19:00 pondrá la guinda a una emocionante programación en directo.

La retahíla de eventos radiofónicos que bien merecen tu escucha echará a andar a las 15:00 con Txus Tankian a los mandos de Rock Machine, programa en el que la actualidad de la música que nos apasiona es el eje central. AC/DC , Miguel Ríos , Jinjer , Megara , Synlakross , Sin Propina , La Revolución Del Mono , Lendakaris Muertos, Eleine y Xeno serán algunos de los grupos protagonistas.

A las 16:00, Mariano Muniesa acometerá una nueva entrega de su histórico Rock Star, programa en el que el rock y el metal en todas sus tesituras tienen cabida con la calidad y la dedicación como fuerzas motrices. Dos horas de emoción pura a caballo entre lo más acuciante del presente, lo más memorable del pasado y lo más prometedor del futuro.

Y, por supuesto, el jefe, la mayor leyenda de la radio musical en España, Mariskal Romero. Como es habitual, a las 18:00 pondrá en marcha su Mariskal Romero Show – Musicolandia a rebosar de grandes experiencias compartidas con nuestra audiencia, un buen puñado de clásicos imperecederos y constantes alusiones a la actualidad y al talento emergente, que el veterano locutor y director de esta casa sigue muy de cerca.

¡Sintoniza MariskalRock Radio y vive la experiencia del mejor rock, puro rock!

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